Наистина, защо - не всеки трябва да е музикант? Музикантите са специални хора, личности, които се отличават с маниера си на обличане, маниера си на говорене и манталитета си. Разбира се, не всеки ще може да се занимава професионално с музика, но няма нужда да се стремите към това - всеки има свой собствен път! Много родители мечтаят да учат децата си на музика. Само някои са уверени в необходимостта от музикално образование на детето си и са готови да направят всичко възможно за това, други се съмняват в музикалните способности на детето си и се страхуват да не му навредят. Като цяло решаващите фактори не трябва да бъдат желанията на родителите, а талантът и желанието на детето за музика.
И така, какво дава едно училище по изкуства на едно дете? Каква е ползата от него? Нека изброим накратко основните точки.
Музиката развива емоционалност.
Развива се чувство за ритъм.
Музикалният слух става по-фин.
Свиренето на музикален инструмент развива координацията и фина моторикаръце (което има положителен ефект върху развитието на мозъка).
Пеенето разширява възможностите на дихателната система и намалява броя на настинките.
Усещането за вкус се развива.
Изпълнението на ансамбъл предоставя практически умения за колективни дейности и ви учи да чувате другите. Паметта се развива.
Формира се постоянство (трябва да спортувате редовно!).
Запознава ви със световната култура.
Когато бебето расте, родителите имат въпрос - къде да изпратят детето за цялостното му развитие.
Но често родителите избират спортна секция, без да мисли, че бебето има нужда от допълнително образование.
В старите времена децата на благородници са били обучавани на грамотност, аритметика, езици, танци и музика. Да се научиш да свириш на музикален инструмент се е смятало за показател за добро възпитание.
Естествено, не всички деца в края на „музикалното училище“ ще изберат професията на музикант. Някои ще забравят всичко, на което са ги учили в продължение на няколко години. Родителите може да смятат, че годините, прекарани в музикалното училище, са били напразни.
Много родители се притесняват, че детето им ще бъде твърде заето да учи в детските музикални школи. Това е неизбежно. Но това не е лошо. Детето ще бъде заето да учи и няма да се скита безполезно в съмнителна компания. Той ще има развит музикален вкус. Музиката, рисуването и танците развиват самодисциплина и с правилно планиране на времето детето ще има време да пише домашни, да пуска музика и да излиза с приятели. В началния етап много зависи от родителите. Изглежда, че съвсем наскоро детето изгаряше от желание да овладее инструмента, но вече го няма. Децата са склонни да бъдат мързеливи и задачата на родителите е да го въведат в музиката, а не да оставят всичко да се развива. Заслужава да се отбележи, че не всички деца предучилищна възрастзнаят какво искат да правят. Родителите трябва да убедят детето, че изучаването на музика е престижно и готино. Освен това той ще може да прави това, което неговите улични приятели, които се скитат безцелно по улицата и не знаят какво да правят със себе си, не могат, и ще може да свири на музикален инструмент.
Обучението в музикално училище развива комуникацията и естетически вкус, разширява съзнанието. Що се отнася до музикалния слух, някои деца го имат от раждането, а други трябва да го развият.
Уроците по музика развиват координацията
Проучванията показват, че децата, които се учат да свирят на музикални инструменти (особено струнни и клавишни), подобряват координацията и фините двигателни умения. Не ечудно. При свирене както пръстите, така и цялата ръка правят много движения, включително много малки. Освен това правото и лява ръкаПонякога правят съвсем различни движения. Играят с различна сила (единият може да свири силно, а другият тихо), в различен характери с различни темпове. Всичко това спомага за подобряване на връзките между мозъчните центрове, които контролират движенията. Развива пространственото мислене.
Уроците по музика развиват интелектуално
Под въздействието на музикални впечатления най-инертните деца с бавно умствено развитие, които, изглежда, не могат да бъдат раздвижени от никаква сила, започват да говорят.
Както показват съвместни изследвания на унгарски и германски учени, децата, които изучават музика, имат по-добри реакции и се учат да смятат по-лесно. Забелязана е и пряка връзка между музикалните и математическите способности на детето. Учители младши класовеКазват, че след часовете по музика много добре вървят часовете по четене. Детското възприятие се засилва. Те мислят по-добре.
Слушането на музика насърчава по-доброто усвояване на когнитивния материал по други предмети и намалява чувството за „претоварване“. Урок по музикасъс своите игрови елементи и артистични преживявания, което е противовес на изучаването на научни дисциплини, изпълнява функцията на релаксация, като по този начин улеснява развитието на познавателния материал по други предмети.
Уроците по музика сближават децата и родителите
Имаме предвид не само процеса на учене да свирим на музикален инструмент, но и съвместното слушане на музика и съвместното пеене. И, може би, особено свиренето на музика заедно. Възможностите тук са много разнообразни: свирене на четири ръце, свирене в ансамбъл различни инструменти. Или, например, опция, когато родителите, които знаят как да свирят, придружават малък цигулар или певец.
Съвместните домашни концерти също сближават хората. Не всички деца обичат да бъдат солисти. Много по-приятно е да свирите в ансамбъл с баща си, майка или баба.
Пеенето в хор допринася за духовното развитие на децата
Смятаме, че няма да сгрешите, ако запишете детето си на хор. По време на хоровото пеене децата се чувстват отговорни за цялостното звучене на песента, радостта от колективното творчество и облагородяващото въздействие на самата песен.
Интересно е, че топли, приятелски отношения обикновено се развиват между пеещите в един хор, както деца, така и възрастни. Емоционалното настроение на всеки хорист се предава един на друг. Създава се специална атмосфера на страст към музиката, радост и съвместно творчество.
На уроци по хореографиядецата се учат да усещат музиката компетентно. Класовете спомагат за укрепване на мускулите на гърба, развиват правилна стойка, формират позиция на тялото, развиват естествени физически способности като: стъпка (разтягане), повдигане, гъвкавост, скачане и дори артистичност.
След първите уроци ще можете да наблюдавате как се случва това творчески растежи талантите на вашите деца се разкриват. Часовете по хореография не само учат вашето дете на дисциплина и го организират, но също така имат благоприятен ефект върху умственото развитие, защото докато изучава хореографски композиции, детето постоянно трябва да помни последователността на движенията - това кара детето да мисли, докато мускулната памет се развива, координация на движенията и започва вестибуларният апарат работи добре.
Рисуването е от голямо значение за формирането на личността на детето. Особено важна е връзката между рисуване и мислене. Освен това рисуването развива паметта, вниманието, фините двигателни умения, учи детето да мисли и анализира, измерва и сравнява, композира и си представя. За умственото развитие на децата има голямо значениепостепенно разширяване на запаса от знания. Влияе образуване речников запаси свързана реч у детето.
Десет причини да изпратите детето си на музикално училище
Въпреки факта, че детето крещи песни на Чебурашка не настроено и няма слух; въпреки факта, че няма къде да поставите пианото и бабата не може да заведе детето „на музика“; въпреки че детето няма никакво време - английски, испански, плуване, неделно училище и т.н., и т.н....
Има добри причини да преодолеете всичко това и да продължите да преподавате музика и съвременните родители трябва да знаят тези причини:
1. Играта е следване на традиция. Всички аристократи, руски и европейски, са били обучавани на музика. Свиренето на музика е блясък, блясък и шик, апотеозът на светските маниери. Дюк Елингтън започва да свири на пиано, защото момичетата винаги се събират около момчето, което свири. Тогава какво можем да кажем за момичето, което играе?
2. Музикални часовекултивирайте воля и дисциплина: трябва да практикувате инструмента постоянно, редовно и без прекъсвания. Почти със същата упоритост, с която шампионите тренират във фитнеса и на пързалката. Но за разлика от спортните герои, когато свирите на пиано, не можете да си счупите врата, крака или дори ръката.
Музиката изгражда характер без риск от нараняване.
3. Изучавайки музика, детето развива математически способности. Той мисли пространствено, натиска правилните клавиши, манипулира абстрактни звукови фигури, запаметява нотния текст и знае, че музикалното произведение е като математическо доказателство: нито изваждане, нито добавяне! Неслучайно Алберт Айнщайн е свирил на цигулка, а професорите по физика и математика в Оксфорд са 70% от членовете на музикалния клуб на университета.
Внимание, родители на бъдещи математици и инженери! Свиренето на музика е по-приятно от решаването на трудни задачи под ръководството на преподавател.
4. Музиката и езикът са братя близнаци. Те се раждаха едно след друго: първо – музиката; след това - вербална реч, а в нашия мозък те продължават да живеят един до друг.
Фрази и изречения, запетаи и точки, въпроси и възклицания се срещат както в музиката, така и в речта.
Тези, които свирят и пеят, говорят и пишат по-добре, по-лесно запомнят чуждите думи и по-бързо научават граматиката. Меломани и писатели Тургенев и Стендал, Пастернак и Толстой, Жан-Жак Русо и Ромен Ролан, всеки от които е познавал повече от един чужд език, препоръчват уроци по музика на всички бъдещи полиглоти.
5. Музиката е структурна и йерархична: големи произведенияразбиват на по-малки части. Спонтанното разбиране на музикалната йерархия улеснява разбирането на компютъра, който също е изцяло йерархичен и структурен.
Психолозите са доказали, че малките музиканти, учениците на известния Шиничи Сузуки, дори и да не са имали много успехи в развитието на музикалния слух и памет, са изпреварвали своите връстници по отношение на структурното мислене. Внимание, родители на бъдещи ИТ инженери, системни администратори и програмисти! Музиката води направо към върха на компютърните науки; Неслучайно Microsoft предпочита служители с музикално образование.
6. Заниманията по музика развиват комуникационни умения. През годините на обучение едно дете музикант ще се запознае с галантния Моцарт, грубия Прокофиев, философския Бах и други много различни музикални фигури. Докато играе, той ще трябва да ги имитира и да предаде на публиката техния характер и начин на усещане.
Сега остава една стъпка до таланта на мениджъра. В крайна сметка основното нещо за него е да разбира хората и, използвайки своето разбиране, да ги управлява. Внимание, родители на бъдещи основатели на бизнес империи! Музиката води от сърце до сърце, а най-страшното оръжие на топ мениджъра е обезоръжаващата усмивка на „хубав човек“.
7. Музикантите са добросърдечни и смели в същото време. Според психолозите мъжете музиканти са чувствени като дамите, а жените музиканти са упорити и волеви като мъжете. Музиката смекчава морала, но за да успееш в нея, трябва да си смел. Внимание, родители, очакващи помощ и подкрепа в напреднала възраст! Децата, които са учили музика, са съпричастни и търпеливи в същото време и затова по-често са готови да дадат на своите възрастни родители същата „чаша вода“.
8. Музикантите се страхуват по-малко от страшната фраза – крайният срок за предаване на работата. В музикално училище не можете да пренасрочите тест или концерт на класа за утре или седмица предварително. Позицията на артист на сцената учи на максимална готовност и дете с такъв опит няма да се провали на сериозен изпит, интервю за работа или важен доклад.
9. Музикалните класове отглеждат малки „цезари“, които знаят как да правят много неща наведнъж. Музиката помага да се ориентирате в няколко едновременни процеса: например пианистът, който чете от поглед, прави няколко неща едновременно - помни миналото, гледа в бъдещето и контролира настоящето.
Музиката тече със собствено темпо и зрителят не може да спре, да си почине или да си поеме дъх. По същия начин ръководителят на полети, компютърният оператор или борсовият посредник наблюдават няколко екрана и едновременно слушат и предават информация на няколко телефона. Музиката те учи да мислиш и живееш в няколко посоки.
10. Учените, които са провели социологически изследвания, стигнаха до извода, че сред хората, които са се озовали в затвора, няма нито един човек, който да е завършил музикално училище в детството.
Не е чудно, че много знаменитости имат музикално минало:
Агата Кристи пише първата си история за това защо й е трудно да свири на пиано на сцената;
Кондолиза Райс, от друга страна, не обича нищо повече от да свири на публично място в ослепителната си концертна рокля,
Бил Клинтън е сигурен, че без саксофона никога нямаше да стане президент.
Погледнете успешните хора в която и да е област, попитайте дали са се занимавали с музика като деца, макар и за кратко, дори и не с много жар? Разбира се, че го направихме. И ние имаме 10 причини да последваме техния вдъхновяващ пример.
Няма по-голямо щастие за един музикант от това да свирят заедно, а степента на професионализъм на всеки музикант е правопропорционална на умението му да свири в ансамбъл. Да, той може да бъде отличен солист, когото е удоволствие да слушате, но можете да го оцените напълно като музикант само като слушате как свири в група.
Ансамбъл- дума, позната на всеки. Често се използва за обозначаване на неща, които нямат нищо общо с музиката. Например архитектурен ансамбъл. В превод от френски "ансамбъл" означава съгласуваност и съгласуваност. Именно това е най-важният му компонент. Да правите нещо заедно и да го правите в синхрон. Основната тайна и постоянен успех на ансамбъла е в синхрона.
Ансамблите са различни, като в зависимост от броя на музикантите имат свои имена. Думи като дует, трио, квартет познат дори на хора, далеч от музиката.
Какви условия трябва да се спазват при игра в ансамбъл? Как да постигнем съгласуваност и по този начин да развием уменията, без които музикантът не може да се нарече музикант? Има няколко тънкости и нюанси, които трябва да се следят, докато станат навик.
- Хубава игра преди всичко! Фалшивото представяне ще отмени всички добри начинания и ще доведе до недоволство у публиката. Трябва да се работи по системата и да се работи здраво.
- Всички членове на ансамбъла трябва стриктно да се придържат към един или начин на игра. Недопустимо е да има различно разбиране за едно музикално произведение от гледна точка музикална насоченост. Например, валсът трябва да звучи точно като валс и ако изведнъж някой загуби характера на валс и изсвири нещо близко до марш, ансамбълът просто ще се „разпадне“.
- Същото разбиране за темпото и ритъма. Всички музиканти са хора, а не метрономи и някои са склонни да забавят темпото, докато други са склонни да ускоряват. Това трябва да се следи внимателно, също като ритъма, защото изкривеното разбиране на ритъма също ще доведе до липса на кохерентност и синхрон.
- Свиренето в ансамбъл изисква същите щрихи на изпълнение. На пръв поглед изглежда, че това не е толкова важно, но всъщност различните удари са дисхармония на музиката, която може да бъде избегната, ако внимателно анализирате музикалното произведение.
- Не оставяме „опашки“! Необходимо е да завършите и да започнете музикална фраза едновременно, освен ако, разбира се, първоначално не е предвидено нещо друго. Краищата, които не са завършени заедно от всички членове на ансамбъла, са много грозни и небрежни за слушане.
- Динамична последователност. Соловото изпълнение трябва да се забрави, докато се играе в ансамбъла. Ако музикантът води основна тема, той трябва да свири по-ярко, но по време на контрапункт или акомпанимент звукът трябва да бъде намален.
Изглежда, че всички горепосочени техники не са толкова сложни. Всъщност свиренето в ансамбъл изисква години концентриран труд и труд, но труд, който носи удоволствие. Тук трябва алчно да улавяте погледите и движенията на другия, страхувайки се да не пропуснете нещо. Тук са важни чувствителността и вниманието, качества, които ще бъдат много полезни в живота. Затова няма съмнение, че ансамбълът е полезно и приятно занимание не само за слушателите, но и за изпълнителите!
А сега да слушаме музика! Музиката ще бъде ансамблова.
Л. ван Бетовен Соната за цигулка и пиано № 5 “Пролет”
Роля ансамблово свиренепри формирането на музикалния вкус на учениците по примера на ансамбъл народни инструменти
Бессолцев В. А.,
учител по допълнително образование
GBOU CDT "Царицыно" Москва
акордеон, клас по китара,
ръководител на ансамбъла за народни инструменти.
Формирането на музикален вкус чрез възприемане на различни музикални стилове и жанрове е от голямо значение за развитието на личността. Аристотел също отбелязва, че „Музиката е способна да упражнява определено влияние върху етичната страна на душата и тъй като музиката има такива свойства, тогава очевидно тя трябва да бъде включена сред предметите на образованието на младежта.“
Днес изкуствоведите все повече отбелязват огромното влияние на музикалното изкуство върху формирането на музикалната култура и духовната и морална култура на човека. И това не е случайно, отношението към музиката от различни жанрове е показател за духовната сфера и морално-естетическото отношение на учениците. Несъмнено за развитието на музикалния вкус на учениците е необходимо участие в музикален животучебно заведение, включително свирене в ансамбъл за народни инструменти.
Повече от сто години в Русия се развива оркестрова и ансамблова музика на руски народни инструменти. С появата на Великия руски оркестър под ръководството на В. В. Андреев започва ерата на формирането на жанра на народната инструментална музика. Народните инструменти достигат ново ниво - академично изпълнение.
През последните десетилетия изпълнението на руски народни инструменти е особено активно. Изключителен принос за развитието на оркестри и ансамбли на руски народни инструменти има Народен артистРусия Н. Н. Калинин. Благодарение на неуморната му работа в страната се появяват над 60 професионални оркестъра и състава, много от които преди това са самодейни.
IN Руска федерациядом на повече от 100 националности със своя собствена уникалност музикална култура, разнообразие от инструменти. Необходимо е да се повдигне въпросът за въвеждането на национални инструменти в образователния процес, така че всеки народ, живеещ в Русия, да може професионално да развива своите национални инструменти.
В много образователни институцииАнсамбли от руски народни инструменти започват да се създават в училищата по изкуствата и в педагогическите образователни институции от различни нива. Такива групи помагат за запознаване на учениците с националната култура. И така, през 1992 г. под мое ръководство в гимназия № 1 в град Уляновск беше създаден ансамбъл за руски народни инструменти. За мен, като учител по народни инструменти, беше изключително важно да създам екип от гимназисти, запалени по свиренето на народни инструменти.Ансамбълът за народни инструменти има огромен потенциал, тъй като може да привлече децата към музиката на различни възрастикоито все още търсят творческа реализация.Разбира се, в основата на репертоара беше и остава народната мелодия. Програмата на ансамбъла включваше такива известни фолклорни песникато: „амбулантни търговци“, „О, ти, балдахин, мой балдахин“, „Степ, а наоколо степ“ и др. Учениците могат да изпълняват прости партии на балалайка, домра, балалайка-контрабас или ударни инструменти(кутия, маракаси, дайре, лъжици и др.). Но програмата на ансамбъла включваше и популярни класики, поп произведения, джаз композиции и музика от филми. Членовете на ансамбъла направиха оригинални аранжименти на изпълнените от тях произведения. Народна музикални инструментиспомагат за формирането на връзка между традиционното и съвременното възприемане на реалността чрез изпълнителски форми.Колективният характер на дейността, общите цели и задачи формират съзнателно отношение към въпроса и чувство за отговорност към другарите.В процеса на изпълнение на народни инструменти се създава благоприятен психологически климат, който допринася за разкриването на индивидуалните и колективните качества на децата, като се вземат предвид природни даденостидеца на различна възраст се създава механизъм обратна връзкамежду децата и учителя се формира развиваща среда за изява творческа дейностдеца. Тази дейност продължава, но в стените на детските творчески центрове в Москва.
Трябва да се отбележи, че в ансамбъла за народни инструменти идват деца с различна музикална подготовка. За тези деца, които не са получили основно музикално образование, на първия етап се преподава елементарна музикална нотация, усвояват се най-простите упражнения и музикални произведения. И след това постепенно се преминава към по-сложно техническо ниво на свирене на инструмента. При такава разнообразна подготовка на студентите, репертоарът на ансамбъла е внимателно подбран, така че всеки участник да може да изпълнява партията от първата година на обучение. Например за акордеона с копчета се вземат най-простите народни мелодии и ученикът изпълнява само хармоничния съпровод на темата.
Що се отнася до произведенията, сега много композитори се обръщат към тях народна музика, пишат произведения, които са стилизации на народни песни. Наред с овладяването на фолклорния репертоар, студентите са поканени да се запознаят с други стилове - класика, джаз, поп ("Bad Date", "Tiko-tiko", "Train to Chutanuga"). По този начин, запознавайки учениците с различни музикални стиловедопринася за формирането на многостранен музикален вкус, мелодично-хармоничен слух и чувство за ансамбл.
За да развием музикален вкус, е важно да слушаме изпълненията на изключителни музиканти и затова винаги планираме да посещаваме концерти, като се фокусираме върху изпълнението на ансамблите. Съвместното посещение на концерти не само разширява музикалния ви хоризонт, но и помага на децата да станат емоционално по-близки помежду си. Културен животМосква ви позволява да направите избор и да направите свой собствен план за посещение на концерти, различни конкурси и фестивали.Музиката развива духовния потенциал на учениците, тъй като музиката, като един от специфичните видове изкуство, отразява реалността музикални изображенияи музикални системи изразни средства, който ненатрапчиво и постепенно въздейства дълбоко върху духовен святиндивида, неговата вътрешна култура.Научете учениците да правят разлика между автентични произведения на изкуствотоот примитивните писмености е основната задача при формирането на естетически и общочовешки ценности.
Ансамбълът ни участва и в детски конкурси и фестивали в тази област на различни нива. Всяка възможност за участие в творческо състезание запознава децата с музиката още повече, развива музикалния вкус, развива необходимите личностни качества за състезание и здравословна конкуренция, възпитава у децата трудолюбие, сплотеност и им помага да придобият увереност в своите сили и способности.
Дългогодишният ми опит ми позволява да кажа с увереност, че чрез обучение в група за народни инструменти децата се запознават с цялото богатство от форми и жанрове на музиката, с духовната култура на обществото, музикално изкуство, което несъмнено оказва дълбоко влияние върху развитието на добрия музикален вкус и духовно-творческия потенциал на детето. Резултатите и ефективността на музикалното образование се определят не толкова от това как хората разбират и възприемат музиката, а от готовността и готовността на членовете на обществото за съзнателна и самостоятелна творческа дейност.
Литература:
- Должански А.Н. Кратък музикален речник. Санкт Петербург, 2000
- Готлиб А. Основи на ансамбловата техника. М., 1989.
- Имханицки М.Ц. В началото на руската народна оркестрова култура. М., 1984
Методически доклад
„Основни насоки в работата с ансамбъл”
Трошина Вера Тимофеевна,
Преподавател по китара в Детска школа по изкуства
Ртищево, Саратовска област
Ансамбълът е група от изпълнители, изпълняващи заедно. Изкуството на ансамбловото изпълнение се основава на способността на изпълнителя да балансира своята артистична индивидуалност, своя стил на изпълнение с индивидуалността на изпълнението на своя партньор. Ансамбълът е колективна форма на игра, по време на която няколко музиканти съвместно разкриват художественото съдържание на произведение чрез изпълнителски средства. Изпълнението в ансамбъл включва не само умението да свирите заедно, но тук е важно и нещо друго – да чувствате и творите заедно. Работата в екип несъмнено е свързана с определени трудности: не е толкова лесно да се научиш да се чувстваш част от цялото. В същото време свиренето в ансамбъл развива редица ценни професионални качества у изпълнителя - дисциплинира ритъма, дава усещане за правилното темпо, насърчава развитието на мелодичен, полифоничен, хармоничен слух, развива увереност и спомага за постигане на стабилност. в изпълнение. Известно е, че когато ученик се представя в солова игра с несигурност, заекване, след като играе в ансамбъл, той започва да играе по-уверено. По-слабите ученици започват да догонват нивото на по-силните; от продължително общуване помежду си всеки става по-добър като човек, като индивид, тъй като се култивират качества като взаимно разбиране, взаимно уважение и чувство за колективизъм. От казаното можем да заключим, че инструменталист, който никога не е свирил в ансамбъл, се лишава от много, защото ползите от този вид дейност са очевидни. Едно от най-важните условия за успешна работа е способността да бъдете критични към себе си и своите другари. Известно е, че думата „самокритика“ е по-лесно да се каже, отколкото да се приложи на дело. Но трябва не само да практикувате, но и да не сте стиснати с похвали, да можете да насърчавате и вдъхновявате. Отдавна е отбелязано, че похвалата, дори и не напълно заслужена, стимулира активността на повечето хора. Едно дете има нужда от самочувствие. Основното правило на ансамбъла е „Един за всички, всички за един“, „Успехът или провалът на един е успех или провал на всички“.
Ритъмът като фактор за единство на ансамбъла
Сред компонентите, които обединяват учениците в един ансамбъл, метро ритъмът заема може би основно място. Наистина, това, което помага на играчите в ансамбъл (а те може да са двама или повече) да играят заедно, така че да изглежда, че свири един човек. Това е усещане за ритъм на метрото. Той, по същество, изпълнява функциите на диригент в ансамбъла; усещането на всеки участник за силни тактове е онзи „скрит диригент“, чийто „жест“ спомага за обединяването на членовете на ансамбъла, а следователно и техните действия в едно цяло. Усещането за силните и слабите тактове на такта, от една страна, и ритмичната увереност „в такт“, от друга, е основата, върху която се основава изкуството на ансамбловото свирене. Единството и синхронността на нейното звучене е на първо място сред другите важни условия. Ако при неточно изпълнение на останалите компоненти се намалява само общият художествен резултат, то при нарушаване на ритъма на метра ансамбълът се разпада. Но това не е единственото значение на ритъма на метра. Той също така може да повлияе на техническата страна на изпълнението. Ритмичната сигурност прави свиренето по-уверено и технически надеждно. Освен това ученикът, който играе нередовно, е по-податлив на всякакви инциденти, а злополуките, както знаем, водят до загуба на психологически баланс и поява на тревожност. Как можем да гарантираме, че всеки от участниците, докато изпълнява своята партия, укрепва ритмичната основа на целия ансамбъл? Необходимо е да се работи системно и упорито в тази посока. В един ансамбъл, разбира се, може да има изпълнители, които имат различно чувство за ритъм. Трябва да започнете с култивирането на чувство за абсолютен, точен и „метрономичен” ритъм: това ще стане обединяващият принцип в общия колективен ритъм. Необходимо е ансамбълът да има ритмично стабилни изпълнители. Тогава другите ще започнат да гравитират към онези, които са ритмично по-силни.
Динамиката като изразно средство
Когато играете в ансамбъл, трябва да сте икономични в изразходването на динамични ресурси и да ги управлявате разумно. Трябва да изхождаме от факта, че колкото и да е богат ансамбълът на инструменти с ярък тембър, един от основните му резерви, придаващи на звука гъвкавост и изтънченост, е динамиката. Различните елементи от музикалната текстура трябва да звучат на различни динамични нива. И в живописта, и в музиката нищо няма да се получи, ако всичко има еднаква сила. В музиката, както и в живописта, има преден и заден план. Култивирайки такова чувство за динамика, ансамбълистът безпогрешно ще определи силата на звука на своята партия спрямо другите. В случай, че изпълнителят, в чиято партия звучи основният глас, свири малко по-силно или малко по-тихо, партньорът му веднага ще реагира и ще изпълни своята партия също малко по-силно или по-тихо. Важно е измерването на тези „леко“ да бъде точно.
Как практически да работим върху динамиката в ансамбъл. Първо трябва да се научите да играете в рамките на един или друг динамичен нюансабсолютно направо. Например, можете да помолите всички участници да изсвирят една нота или гама на бемол P (пиано), след това на бемол mf и така да преминете през всички динамични стъпки. Разбира се, силата на звука не е толкова определено понятие, точно както височината mf на китара не е същата като mf на пиано, f на балалайка не е същата като f на акордеон. Изпълнителят трябва да култивира развит слух (микрослух), допълвайки динамиката с понятието микродинамика, което означава способността да се регистрират най-малките отклонения в посока на увеличаване или намаляване на силата на звука.
Темпото като изразно средство
Определяне на темпото на парче – важен моментв сценичните изкуства. Правилно избраното темпо допринася за правилното предаване на характера на музиката, а неправилното темпо изкривява този характер в една или друга степен. Въпреки че има авторски инструкции за темпото, дори до определяне на скоростта с помощта на метроном, темпото е „заложено“ в самата музика. Римски-Корсаков също твърди, че „музикантът не се нуждае от метроном, той чува темпото от музиката“. Не е случайно, че Бах като правило изобщо не посочва темпото в своите композиции. В рамките на едно парче темпото може да варира. „Няма толкова бавно темпо, че да няма места, които изискват ускорение... и обратното. В музиката няма съответни термини, които да определят това; тези обозначения трябва да са заложени в душата” (В. Толба).
Техники за постигане на синхрон в ансамбловото звучене
Синхронността на звука на ансамбъла трябва да се разбира като точността на съвпадението във времето на силните и слабите удари на всеки такт, най-голямата точност при изпълнението на най-малките продължителности от всички членове на ансамбъла. Когато разглеждаме проблема за синхронизираното изпълнение, трябва да се подчертаят три точки: как да започнете парче заедно, как да свирите заедно и как да завършите парче заедно. Ансамбълът трябва да има изпълнител, който действа като диригент; той трябва понякога да показва въведения, освобождавания и забавяния. Сигналът за влизане е леко кимване на главата, състоящо се от два момента: едва забележимо движение нагоре (auftakt) и след това ясно, доста рязко (raz) движение надолу. Последното служи като сигнал за присъединяване. Кимването не винаги се прави по един и същи начин; всичко зависи от естеството и темпото на изпълнението. Когато парчето започва зад такт, сигналът е по същество същият, с тази разлика, че ако в първата версия е имало пауза при повдигане на главата, то в този случай тя е изпълнена със звука на такта. По време на репетиция можете да изчислите празен ритъм, може да има думите: „Внимание, пригответе се, да започнем“, след думата „старт“ трябва да има естествена пауза (като дъх). При постигането на синхрон в ансамбловия звук много зависи от характера на музиката. Забелязва се, че в пиесите с активен, волеви характер това качество се постига по-бързо, отколкото в пиесите със спокоен, съзерцателен характер. Същото може да се каже и за „старта“.
Едва ли има нужда да подчертаваме колко е важно да завършим работата заедно, по едно и също време:
а) последният акорд - има определена продължителност - всеки от ансамбълните играчи отброява "за себе си" метричните тактове и удря акорда точно в такт.
б) акорд - над който има фермата, чиято продължителност трябва да се определи. Всичко това се отработва по време на репетиционния процес. Отправна точка за отстраняване може да бъде и движение - кимване на главата.
Ако синхронът на изпълнителя е качество, необходимо във всеки ансамбъл, то той е още по-необходим в такава разновидност като унисон. В края на краищата, в унисон, частите не се допълват, а се дублират, макар и понякога в различни октави, което не променя същността на въпроса.
Следователно недостатъците на ансамбъла са още по-забележими. Изпълнението в унисон изисква абсолютно единство - метър ритъм, динамика, щрихи, фразиране. От тази гледна точка унисонът е най-сложната форма на ансамбъла. Доказателство за абсолютно единство при изпълнение в унисон е усещането, че когато свирите заедно с други ученици, вашата партия не се прослушва като независима. За съжаление, малко внимание се обръща на тази форма на ансамблово свирене. учебна практика. Междувременно в унисон се формират силни ансамблови умения, а унисонът е интересен и визуално, и сценично.
Когато ученикът за първи път получи удовлетворение от извършената съвместна работа, почувства радостта от общ импулс, взаимна подкрепа, можем да приемем, че класните дейности са дали фундаментално важен резултат. Дори ако това изпълнение все още е далеч от перфектното, това не трябва да обърква учителя, всичко може да бъде коригирано с по-нататъшна работа. Друго е ценно: границата, разделяща солиста и ансамблиста, е преодоляна, ученикът е усетил оригиналността и интереса на съвместното изпълнение.
Списък на използваната литература
1. Н. Ризол. Есета за работа в ансамбъл. – 1986. – Москва.
2. А. Готлиб. Първи уроци по ансамбъл.
3. П. Агафонин. Училищната игра е включена шестструнна китара. - Москва. – 1983 г.
Пришчепа Наталия Александровна
Колеж на Луганския държавен институт за култура и изкуства
Ролята на свиренето на ансамбъл в началните и средните класове по време на уроците по пиано
Ансамбълната игра е форма на дейност, която отваря най-благоприятните възможности за цялостно и широко запознаване с музикална литература. Музикантът изпълнява различни произведения художествени стилове, автори, различни аранжименти на оперна и симфонична музика. Натрупването на запас от ярки, многобройни слухови идеи стимулира художественото въображение.
Свиренето в ансамбъл насърчава интензивното развитие на всички видове музикален слух (височина, хармоничен, полифоничен, тембро-динамичен, вътрешен).
Докосвайки се малко до историята на пиано ансамбъла, трябва да се отбележи, че този жанр започва да се развива бързо през втората половина на 18 век с появата на чуковото пиано и неговите нови възможности: разширен диапазон, възможност за постепенно увеличаване и намаляване на звучността, допълнителен резонатор на педала. Пълнотата и силата на звука му се увеличават значително и до началото на 19 век се разкриват непознати регистрови цветовеаз През 10 век клавирният ансамбъл се утвърждава като пълноценна самостоятелна форма на музициране. Появи се богата и разнообразна литература. Почти всички композитори са писали за пиано на четири ръце.аз X и XX век.
Има два вида клавирен ансамбъл – на едно или две пиана. Клавирният дует на два рояла е най-разпространен в професионалната концертна практика. Двата инструмента дават на изпълнителите по-голяма свобода, независимост при използването на регистри, педали и др. Възможностите на пианото, благодарение на наличието на двама изпълнители и два инструмента, се разширяват допълнително.
Свиренето на четири ръце на едно пиано се практикува предимно в областта на домашното музициране, музикалното самообразование и образователната дейност. Близостта на пианисти на една и съща клавиатура насърчава вътрешното единство и съпричастност. Благодарение на ансамбъла образователният и концертен репертоар се попълва с ярки, интересни произведения, създадени от композитори от различни епохи.
Всеки учител познава любовта на децата към играта на четири ръце. Учениците проявяват голям интерес към този вид музициране, което е важна съставна част от учебния процес и им доставя голямо удоволствие.
Играейки в ансамбъл, ученикът за първи път се сблъсква с понятия като синхронност, идентичен удар, динамичен баланс. Запознава се с понятия като ауфтакт и интралобарна пулсация. Овладяването на тези умения е необходимо за играча на ансамбъла, за да започне точно играта заедно, да влезе между разделите на произведението и също така да постигне синхронизирано изпълнение в на бавно темпои на паузи.
По време на първите си уроци по пиано детето придобива умения за ансамблова игра. Тук можем да си припомним думите на Г. Нойхаус, който казва: „Още от първия урок ученикът се включва в активно музициране. Заедно с учителя той играе прости пиеси, които вече имат художествено значение. Децата веднага усещат радостта от възприемането дори на зрънце изкуство. Да накарате учениците да свирят музика, която им е позната, ще ги насърчи да изпълняват първите си музикални задължения по най-добрия начин. И това е началото на работа по художествен образ, която трябва да започне едновременно с началното обучение по свирене на пиано.”
И така, в началото на обучението, когато детето просто се учи да издава отделни звуци или малки песни на инструмент, от страна на учителя се чуват различни музикални пасажи: позивни за музикални предавания по радиото или имитация на музика кутия, звънът на камбаните и др. По този начин детето веднага развива звуково въображение: те лесно имитират звуците на кулен часовник, кукувица, ехо ефекти и много други. Например Д. Шостакович „Родината чува“, Е. Захаров „Ехо в планините“, „Вечерен здрач“, „Часовник на кулата“, А. Александров „Звезда“, В. Овчинников „Камбаните звънят“ в колекцията на И. Рябов „Стъпка по стъпка“.
Ученикът може също така да изпълни няколко ритмично проектирани звука, сякаш придружаващи, подкрепящи мелодията, която звучи в частта на учителя. Например съпроводи на руски народни песни „Калинка“ и „В полето стояла бреза“, „Крилати люлки“ на Е. Крилатов в колекцията на Л.А. Баренбойм "Пътят към музиката". Благодарение на богатия съпровод, богат на мелодични и хармонични цветове, изпълнението става колоритно и жизнено.
За известно време, когато детето се научи да изпълнява най-простите мелодии, учителят измисля и играе заедно с него прости акомпанименти. Също така материалът за ансамбъла може да бъде откъси от анимационни филми или популярни песни, натрупани от съзнанието и слуха на децата. В крайна сметка мелодия, свързана с текст, се възприема по-ясно и се запомня по-добре. Например „Песента на лъвчето и костенурката“ от Г. Гладков, „Уморени играчки спят“ от А. Островски или „Шумачът на Мечо Пух“, Р. Борисов, Е. Крилатов „Приспивна песен на мечката“.
Отначало ученикът може просто да изпее мелодията под акомпанимента на учителя. Образователният аспект също е важен тук: децата участват в творческия процес заедно с учителя.
Трябва да се отбележи, че свиренето в ансамбъл на този етап може да помогне за консолидирането на нотната граматика и придобитите умения за артикулация - легато, стакато, нелегато Например, Д. Уат „Трите прасенца“ - ударът стакато е фиксиран, т.к. както и знакът за реприза и знакът за прехвърляне октава нагоре. Благодарение на поетичния текст музикалните изречения и ударните звуци се чуват ясно. Вансамбли „Дядо Коледа” и „Кити” от В. Витлин – поправяме щриха легато.
Ако в началния етап на обучение детето, свирейки в ансамбъл, се вслушва в звука на нов хармоничен фон в партията на учителя, в изразителните и фигуративни цветове на акомпанимента, то в следващия етап от обучението, в средни класове, вниманието на ученика е насочено към слушане на елементите на полифонията, остри и колористични ритми, модални и хармонични звуци, които характеризират различни жанрови скици. Например М. Глинка „Камаринская“, Н. Смирнова „Болеро“, М. Мусоргски „Гопак“ от операта „Сорочински панаир“, К. Вебер „Март“.
Тъй като артистичните предизвикателства стават по-сложни, стават все по-сложни и техническите предизвикателства на съвместната игра. Студентите, които играят в ансамбъл, трябва да овладеят по-сложен ритъм, да се научат да изолират основното от общия звук, да прехвърлят мелодичната линия от една част в друга, правилно да педалират и т.н.
Така че ансамбъловата техника поставя специални изисквания към изпълнителите. Основната трудност е способността да слушате не само това, което сами свирите, но в същото време цялостното звучене на двете части, сливащи се в органично единно цяло. При изпълнение на ансамблова пиеса, както и на солова пиеса, е необходимо внимателно, подробно изучаване на авторския текст.
Какви задачи, умения и умения включва ансамбълното свирене в уроците по пиано? Какви методи и методи съществуват при работа върху кохерентност в дует за пиано?
Определението за „добър ансамбъл“ означава съгласуваност на изпълнението и единство на творческите стремежи на участниците в ансамбъла.
На първо място, трябва да говорим за седене зад инструмента. За разлика от соловото изпълнение, пианистът има на разположение само половината клавиатура. Партньорите трябва да могат да „споделят“ клавиатурата и да държат лактите си, за да не си пречат, особено когато се приближават или пресичат гласове.
Въпросът за въртенето на педалите е не по-малко важен при ансамбловото свирене. Често учениците не знаят това. Необходимо е да се обясни какво върти педалите на изпълнителя на втората част, т.к обикновено служи като основа на мелодията. В този случай трябва много внимателно да слушате какво се случва в мелодията. Педалният ефект трябва да бъде много ясно проектиран, тъй като поради неумело използване на педала, текстурата на басовата линия, често доста плътна, може да стане още по-тежка. Ако ученик изпълнява втората част, полезно е да му предложите да не свири нищо, а само да педали, докато учителят или друг ученик свири първата част. В същото време веднага става ясно, че това не е лесно и изисква специално внимание и умения.
Друго важно качество на ансамбловото свирене е синхронността на изпълнението, т.е. общо разбиране и усещане от партньорите за темпото и ритмичния пулс. Като че ли най-простото нещо беше да започнем да играем заедно. Но точното възпроизвеждане на два звука едновременно не е толкова лесно; изисква много обучение и взаимно разбиране. Учителят трябва да обясни на ученика, че за едновременно влизане на членове на ансамбъла може да се използва незабележим жест на един от играчите на ансамбъла, така наречената диригентска люлка или auftaque. С този жест е полезно да посъветвате изпълнителите едновременно да си поемат въздух. Това ще направи началото на изпълнението естествено и органично. Акорд, който не е взет заедно, създава същото неприятно впечатление, както ако не е взет заедно.
Важно е веднага да се говори за паузи, които имат огромно изразително значение. А подценяването му е често срещан недостатък сред учениците. Паузите са вдишване на музиката, което може да бъде кратко или по-дълго, но винаги продължава определено време. Най-простият и ефективен методЗа да преодолеете напрежението, което възниква в паузите и страха да не пропуснете момента на въвеждането, това е да пуснете музиката, която звучи от вашия партньор. Тогава паузата ще престане да бъде досадно чакане и ще бъде изпълнена с живо музикално усещане. От първите тактове на изпълнение в ансамбъл се изисква от участниците да са напълно съгласни относно методите за производство на звук.
Необходимо е също така да се отбележи такова умение на ансамбъла като прехвърлянето от партньори един на друг „от ръка на ръка“ на пасажи, мелодия, акомпанимент и др. Ансамбълът трябва да се научи да „взема“ недовършена фраза и да я предава на партньор, без да разкъсва музикалната тъкан. За да направи това, ученикът трябва да може да разпределя вниманието си: да го концентрира, разделя или превключва в точния момент.
При работа върху ансамбъл важно място заемат проблемите, свързани с ритъма. Формирането на чувство за ритъм е най-важната задача на учителя. Свиренето в ансамбъл ви позволява успешно да работите върху развитието на чувството за ритмика. Ансамбълът изисква от учениците уверен, безупречен ритъм, който има особено качество: той трябва да бъде колективен, но в същото време естествен и органичен. Най-честите недостатъци на учениците са липсата на яснота на ритъма и неговата устойчивост. Изкривяването на ритмичния модел най-често се случва в пунктиран ритъм, при промяна на продължителността, при промяна на темпото. Липсата на ритмична стабилност често е свързана с тенденция към ускоряване. Това обикновено се случва, когато звучността се увеличава по сила или при бързи пасажи.
Когато играе с учител, ученикът е в определена метрично-ритмична рамка. Ансамбълното свирене не само дава възможност на учителя да диктува правилното темпо, но и да формира правилния усет за темпото у ученика. Необходимо е да се постигне точност и яснота на ритмичния модел.
Трябва да се каже за динамиката на изпълнение. Динамичният диапазон на изпълнението с четири ръце не трябва да бъде по-тесен, а по-широк, отколкото при соло игра, т.к. Наличието на двама пианисти ви позволява да използвате по-пълно клавиатурата и да създадете по-пълен, богат звук на инструмента.
Репертоарът за клавирни ансамбли може да бъде разделен на специално създадени оригинални композиции и транскрипции на симфонична музика. IN учебен процесмогат да се използват и двата вида. Оркестровите произведения са отличен материал за четене от поглед и дейности за развитие на умения. бърза ориентацияв нотния текст. Оригиналните дуетни произведения изискват внимателно и пълно изпипване на изпълнението.
Съвременните ръководства за начинаещи ученици по пиано включват разнообразен материал за свирене на четири ръце. В педагогическата практика широко се използват сборниците: В. Игнатиев, Л. Игнатиев „Искам да стана музикант”, М. Соколов „Малкият пианист”, Л. Баренбойм, Н. Перунова „Пътят към музиката” и др. .
В средното училище, когато учениците вече са усвоили основните умения за свирене на инструмент, към репертоара могат да се добавят джаз парчета. Децата много ги харесват, те развиват учениците ритмично, обогатяват слуховите им впечатления с нов музикален език и джаз хармонии. Например М. Шмиц „Оранжево буги“, С. Джоплин „Естрадна артистка“, Н. Смирнова „В дъжда“ и „Рагтайм“.
Джаз стилът на свирене се отличава с особено активно звукопроизводство и изисква специално, специфично докосване от изпълнителя.
По този начин ролята на ансамбълното свирене в обучението за свирене на пиано е много важна. Тя учи всичко: ритъм, бързо учене музикална нотация, разбиране на структурата музикална форма, съзнателно отношение към бизнеса, отговорност. Това е изкуството да водиш диалог с партньор, т.е. разбирайте се, умейте да давате навреме и да отстъпвате навреме. Ако детето овладее това изкуство по време на учебния процес, тогава можем да се надяваме, че то ще усвои успешно спецификата на свиренето на пиано.
Литература
1. Алексеев A.D. Методи за обучение на свирене на пиано / A.D. Алексеев -М.: Музика,
1978. – 289 с.
2. Neuhaus G.G. За изкуството на свиренето на пиано / G.G. Neuhaus - М.: Музика, 1982. - 299 с.
3. Сорокина Е.Г. Клавирен дует: История на жанра / Е.Г. Сорокина. – М.: Музика,
1988. - 319s
4. Готлиб А.Д. Първи уроци на клавирния ансамбъл / A.D. Готлиб // Въпроси на клавирната педагогика [под общата редакция на В. Натансон.] – бр.3. – М.: Музика, 1971. -СЪС. 91-98.
