Основните художествени центрове на Италия през 16 век са Рим и Венеция. Това се обяснява с далеч не простата ситуация, която се е развила в основната територия на разпокъсана Италия. Непрекъснатите войни с Франция (от 1490 г.), както и агресивната политика на Испания, доведоха до факта, че само Венеция, папската държава (на която Рим беше центърът) и отчасти херцогството на Савоя запазиха своята независимост. Важна роля в тази ситуация изиграва и Контрареформацията.

ще процъфтя венецианскиизкуството е насърчавано от социално-политическите и икономическите условия на града. Политически Венеция е република (от края на 13-ти век олигархична, с дож начело) със значителни територии под неин контрол. Беше богата, просперираща република.

Венеция е основен център на посредническата търговия между Западна Европа и Изтока, благодарение на което поддържа първенство в икономиката. В същото време именно във Венеция, където не само търговията, но и изкуствата се развиват мощно, се усещат взаимодействията на византийските, западноевропейските и източните традиции в художествената сфера. Ярък пример за това е катедралата Сан Марко, където византийски мозайки, скулптура Древен Римв съседство с готически елементи.

Външно Венеция изглеждаше като светъл и празничен град, в който се обръщаше голямо внимание на различни церемонии и всякакви тържества; религиозните празници се превръщат в народни празници и карнавали. Ярка представа за празничния и карнавален характер на социалния живот и културата на Венеция се дава от платната на А. Каналето. Това вероятно обяснява забележимото преобладаване на колористичния принцип над пластичното в живописта на венециански майстори - Джорджоне (1476-1510), Тициан (1477-1576), Паоло Веронезе (1528-1588), Якопо Тинторето (1518-1594).

Също толкова поразително явление е венецианската школа от композитори. Според декрета на венецианското правителство от 18 юни 1403г. Параклисът на катедралата Сан Марко става schola cantorum, където се преподава пеене. Великолепни церемонии в катедралата "Свети Марк" и в Двореца на дожите (избирането на дожа, церемонията по "годежа" му с морето, приемането на посланици и др.), както и на великолепния площад пред от тях и на Канале Гранде (карнавали, състезания с гондоли, фойерверки) поискаха музикално оформление, съответстващ на величието на републиката. Затова правителството стимулира обучението на професионални музиканти.

Холандският композитор оказва голямо влияние върху формирането на професионалните музикални традиции във Венеция Адриан Вилаерт(1480-1562), който се смята за ученик на Жоскен Депре. От 1527 г. до края на живота си той е диригент на катедралата Сан Марко и с право се смята за основател на венецианската школа по композиция през 16 век. Той успя да съчетае най-добрите традиции на холандската полифония с националните особености на венецианската музика - на първо място, с нейната колоритност и декоративност. Сред неговите композиции има меси, мотети, мадригали, шансони и инструментални богати песни. Учениците на Уиларт бяха Сиприан де Роре, Г. Сарлино, Н. Вичентино, Андреа Габриели(1510-1586).

Изиграва важна роля в развитието на венецианската школа Джовани Габриели(1557-1612) - племенник на Андреа. Неговият богат полифоничен стил може да се сравни с колорита на картините на Тициан и Веронезе. Неслучайно изследователите наричат ​​Г. Габриели музикалния Тициан от Венеция, а Палестрина – Рафаело от Рим.

И Андреа, и Джовани Габриели са родом от Венеция. Първоначално Андреа е певец в параклиса на катедралата Сан Марко, който се ръководи от Вилаерт, след това работи няколко години в Херцогския параклис на Мюнхен, но се завръща във Венеция, където служи като органист на катедралата Сан Марко. Той създаде голям бройхорови композиции за катедралния параклис, пише мадригали, както и композиции за органи. През 1584 г. той отстъпва поста органист на катедралата на своя племенник и ученик Джовани. По това време талантливият млад мъж е усвоил умението да композира под ръководството на чичо си и работи няколко години (1575-1579) в параклиса на баварския херцог в Мюнхен заедно с О. Ласо. След смъртта на чичо си през 1584 г. Джовани Габриели става първият органист на катедралата Сан Марко.

Неговото творчество органично съчетава средствата на вокално-хоровата полифония с възможностите инструментален ансамбъл. Общият стремеж на венецианската култура към пищност, красота и декоративност е въплътен и в музиката: в увеличаването на състава на изпълнителите и броя на гласовете в хоровите композиции, използването на инструменти, разположени в различни части на катедралата, в редуването на инструментални и хорови части. В края на 15-ти век в катедралата Сан Марко е монтиран втори орган, който дава възможност да се създава музика за два хора (понякога редуващи се един с друг, понякога звучащи едновременно), съпроводени от два органа и други инструменти. Благодарение на това венецианските композитори успяха да постигнат специална сила и богатство на звука. За Й. Габриели колоритните съпоставки на звукови маси в различни темброви цветове играят важна роля, той пише многохорови композиции (2 и 3 хорови композиции) и довежда този тип техника до съвършенство. Неговото творчество, което попада на границата на две стилови епохи (полифонична и хомофонна), разкрива черти както на преминаващ, така и на възникващ стил. Това се отнася преди всичко за жанровото разнообразие: наред с меси, той пише свещени симфонии, свещени песнопения, концерти за гласове, мотети, мадригали и инструментални пиеси.

Втората по големина композиционна школа в Италия през 16 век е римската.

Да припомним, че от 756 г. Рим става столица на папската държава и религиозен център на Европа. Гражданите на Рим повече от веднъж се опитват да установят републиканско управление по примера на други италиански градове (въстанието на Арнолд от Бреша през 1143 г., опитът за възраждане на древната римска република Кола ди Риенци през 1347 г.). През периода на авиньонското пленничество на папите влиянието на понтифексите отслабва. Богатите и влиятелни фамилии Савели, Анибалди, Сени, Орсини и Колона се борят за власт от втората половина на 14 век. и до средата на 15в. Дори след връщането на папската резиденция в Рим едва Сикст IV (1471-84) постига предишната си мощ. Така наречените „ренесансови папи“ - Мартин V, Николай V, Сикст IV, Пий II, Юлий II, Лъв X - украсяват града с множество църкви (предимно катедралата Свети Петър), дворци, грижат се за подобряването на улиците , канят големи художници и архитекти. Между тях - Леонардо да Винчи (от 1513 до 1516 г.), Рафаел(в края на 1508 г. по покана на папа Юлий II се премества в Рим, където заедно с Микеланджело заема водещо място сред художниците, работещи в двора на Юлий II и неговия наследник Лъв X; рисува държавата стаи на Ватиканския дворец, проектирал катедралата Свети Петър, построил параклиса Киджи на църквата Санта Мария дел Пополо (1512-20) в Рим) и Микеланджело(живял в Рим по-голямата част от живота си - скулптурната група „Пиета” (ок. 1498-99) в катедралата Свети Петър, рисувайки свода на Сикстинската капела във Ватикана (1508-12), през 1546 г. Микеланджело е назначен за главен архитект на Свети Петър, чийто строеж е започнат от Браманте).

Папа Сикст IV (понтификат от 1471 до 1484 г.) основава Сикстинския хор, за да осигури висок музикален стандарт за богослужение. Първоначално включва 10 певци, след това техният брой достига тридесет. Всички певци бяха високообразовани музиканти, които не само имаха отлична певческа култура, но и владееха умението на полифоничната композиция. Певците на параклиса навремето са били великите холандци - Дюфе и Жоскен Депре.

Един от най-големите майстори на римската полифонична школа беше Джовани Пиерлуиджи да Палестрина. Той е роден през 1525 г. на няколко мили от Рим в град Палестрина. През 1537 г. той вече е посочен като хормайстор в римската църква Санта Мария Маджоре. През 1544 г. той получава длъжността органист и директор на хора в катедралата на родния си град, а 7 години по-късно е назначен за директор на хора на катедралата Свети Петър в Рим. Такъв бърз напредък се обяснява с факта, че нов таткоЮлий III преди това е бил кардинал в Палестрина и познава Джовани като изключителен музикант. През 1554 г. започва публикуването на първите творби на композитора (първата книга с меси). След като влезе в Сикстинската капела през 1555 г., Палестрина скоро беше принуден да я напусне, тъй като беше женен и имаше двама сина. И само неженени музиканти имаха право да пеят в този параклис. Впоследствие Палестрина работи в Латеранската катедрала и в църквата Санта Мария Маджоре, а от 1571 г. до края на живота си (1594 г.) оглавява параклиса Юлий на базиликата Свети Петър.

Той беше само на двадесет години, когато започнаха заседанията на Трентския събор, където в продължение на няколко години се водеха разгорещени дебати за съдбата на музиката в Католическата църква. И до наши дни името на Палестрина се свързва с легендата за „спасението на полифоничната музика в католическата църква“. Факт е, че на Трентския събор беше обсъден въпросът за забраната на използването на полифонични композиции по време на богослужение. Като аргумент беше изтъкнато мнението, че полифоничната полифония „затъмнява“ думите на текста, пречейки на човек да проникне в неговия смисъл. Изпълнение на неговата меса (по-късно наречена „Месата на папа Марчело“) през 1562-63 г. в къщата на кардинал Вители се твърди, че са убедили висшето духовенство, че полифоничната музика е в състояние да не унищожи църковния текст и позволява да се „чуят“ думите. След това авторитетът на Палестрина по въпросите на църковната музика става безспорен, което се обяснява с художествените свойства на музиката на композитора: сдържаният и съзерцателен характер на фигуративната структура, благородството и строгостта, възвишеността и обективността на звука на музиката .

През 1577 г. папа Григорий XIII го призовава да вземе участие в реформата на колекцията от църковни песнопения (градуали). През 1584 г. под патронажа на папството е създадено „Обществото на майсторите на музиката“, от което по-късно се ражда Академията на Санта Чечилия. Освен Палестрина, включени музиканти Дж.М. Нанино, О. Грифи, А. Кривелии др.. Палестрина имаше близко приятелство с известния римски свещеник Филипо Нери (1515-95 г., канонизиран през 1622 г.). Смятан е за основател на Ораторианската конгрегация. Нери въведе практиката да се провеждат духовни събрания в специални помещения - в параклиси (лат. oratorium), след което се изпълняват свещени песни ( похвали). В бъдеще от тази традиция ще се роди жанр оратории.

Музиката на Палестрина остава класически пример и до днес. строг стил. Творческите търсения на композитора са далеч от желанието за радикално обновяване на музикалния език и разкриване на нови хоризонти. Той беше чужд на прекомерната експресия, рядко използваше хроматични средства и избягваше необичайни мелодични и хармонични последователности и ритми. Образният свят на творбите му се отличава със спокоен, ясен и уравновесен характер. Той се ограничава до традиционния състав на акапелния хор от времето на холандците, въпреки че по негово време те започват активно да въвеждат инструментални части във вокалните композиции. Палестрина успя да постигне най-високо ниво на полифонично майсторство, неговата полифонична техника може да се нарече перфектна. В същото време режимно-хармоничното мислене на композитора се определя от съвременните тенденции в развитието на музикалния език: в рамките на модалността функционалните връзки на мажорно-минорната система са ясно видими (това е особено забележимо в кадансите). Той успява да постигне удивителен баланс на полифонична и акордово-хармонична структура. Мелодията на Палестрина се отличава с изразителната кантилена, характерна за италианската вокална музика, което допринася за удивителната пластичност и равномерност на полифоничното разгръщане на тъканта в полифонична композиция.

Да бъдеш навсякъде творчески пътсвързан с работата в църквата и намирайки се в Рим, в непосредствена близост до папския двор, Палестрина пише повечето от творбите си за духовни цели. Той е написал 102 меси, 317 мотета, 140 мадригала (91 светски, 49 свещени), 70 химна, 68 офертории, 35 магнификата, 11 литании.

Най-голям брой меси са пародийните меси. Композиторът ги създава въз основа на материал от песни на други хора (P. Cadeac, D. L. Primavera), мотети (L. Hellinck, Josquin, Jacquet, Andrea de Silva и др.), мадригали (D. Ferrabosco, C. de Pope), и неговите собствени мотети и мадригали. Приблизително половината от масите на Палестрина са от този тип. Той пише меси, използвайки традиционната техника на cantus firmus "a - в месите "L"homme armc", "Ave Maria", "Ecce sacerdos magnus", "Veni creator" и други: „Pater noster“, „Regina coeli“, „Alma redemptoris mater“, „Ave regina“ (последните три са на антифони: „Ad coenam agni providi“, „Ad fugum“, „Missa canonica“). ", "Rempleatur os meum laude", "Sin nomine". Само в пет меси Палестрина не използва никакъв първичен източник: "Маса на папа Марчело", "Brevis", "Ad fugam", "Quinti toni", " Missa canonica ."

Най-голям брой композиции е създаден от Палестрина в жанра мотет и той пише за различни количествагласове: повечето са четири- и петгласни, той има много шест- и осемгласни мотети, има дванадесет гласа и два седемгласа. Текстовете на мотетите са духовни, латински, почерпени от григориански песнопения, от латински стихове, от библейската Песен на песните. По своята форма мотетите са доста компактни композиции, предимно едночастни, по-рядко двучастни. Стилистично те се различават малко от масите.

Особено произведение е цикълът „Canticum canticorum“, който е посветен на папа Григорий XIII и датира от 1583-1584 г. Съдържа 29 петгласни произведения върху известни библейски текстове („Песен на песните на цар Соломон“).

През 1555, 1581, 1586 и 1594 г. Палестрина публикува четири книги с мадригали, две от които съдържат четиригласни семпли, а другите две петгласови мостри. Външното разграничение между светско и духовно се определя от текстови особености. По отношение на стила, мадригалите показват малко по-голяма свобода при избора на изразителни средства, отколкото в мотетите (например свободно боравене с дисонанси). В последните три книги с мадригали има често срещани в практиката на италианските композитори (така наречените) „мадригализми“ - музикално-реторични фигури: типизирани музикални обрати, изобразяващи определени думи от поетичен текст. Това свидетелства за стремежа да се намерят нови форми на взаимодействие между изразните средства на музиката и образното съдържание на поезията.

Последователите на Палестрина включват италианските композитори Джовани Мария Нанино (ок. 1543/44 - 1607), Джовани Бернардино Нанино (ок. 1560 - 1623), Феличе Анерио (ок. 1560-1614), Джовани Франческо Анерио (ок. 1567-1630), както и някои испански майстори (Кристобал де Моралес, Томас Луис де Виктория).

През 16 век жанрът на месата достига своя връх. В неговото развитие могат да се разграничат три линии:

· Традиционни видове акапелни меси, разработени в произведенията на холандски майстори: тенор месана cantus firmus, използвайки монофоничен григориански или светски източник; пародийна маса; масова перифраза; като отделен сорт - канонична маса. В допълнение, работата на Палестрина развива практиката на имитативно-полифонична циклична композиция на масата, свободна от цитирания първоизточник.

· Меси от венециански композитори с инструментален съпровод.

· Органни меси, които представляват цикъл от свирения на органи, разпръснати по цялата служба, редуващи се с хорово пеене.

В течение на 16-ти век мотетът губи своята бифункционалност и практиката на неговото съществуване се ограничава през втората половина на века само до духовната сфера. Става еднотекстова, пронизана от крайно подражателно-полифонично развитие. Успоредно с мотета се развива и жанрът духовен мадригал.

Значително се разширява жанровата сфера на сакралната музика: композиторите пишат химни, офертории, магнификати, литании, респонсории и страсти като отделни, независими композиции.

В развитието на светските музикални жанрове могат да се разграничат две линии. Едната е свързана с развитието на полифонична песен, близка до ежедневните музикални традиции (фротола, виланела), другата с усвояването на полифонични принципи на композиция (мадригал).

Фротола(от италиански frotta - тълпа) - ежедневна улична песен, която през последната третина на 15 век придобива полифоничен отлив (предимно 4 гласа). В колекцията на Петручи през 1504 г. са публикувани 62 frottolos от единадесет композитори. Сред първите автори беше Жоскен Депре, а най-популярните бяха считани Бартоломео Тромбончино и Марко Кара.Съдържанието на песните е доста разнообразно: сред тях има любовни, хумористични, комични и морализаторски. Преобладава структурата на акорда с водеща роля на горния глас. Само за три десетилетия бяха публикувани повече от тридесет колекции от frottolas, след което този жанр беше заменен от други.

През втората половина на 16 век започва да заема доминиращо място виланел.Произхожда от селските песни. В превод от италиански думата villanelle означава: вила - село nella - момиче. Първоначално виланелите имаха три гласа и в тях широко се използваше паралелно движение на гласове. Впоследствие жанрът започва активно да се развива - в периода от 1550 до 1580 г. (съдейки по колекциите) са създадени около 1800 виланели, 3 и 4 гласа. Както при frotolla, виланелата показва характеристики, които показват формирането на хомофонно-хармонична структура. Много рядко се използват полифонични техники. Една от характерните черти е очевидната танцувалност. Сред авторите - Бартоломео Тромбончино, Балдасаре Донато, Джовани Доменико да Нола, Лука Маренцио, Орландо Ласо.

От втората третина на 16 век след повече от век забрава се връща към композиторската практика мадригал.Той е възроден в аристократичните кръгове на хуманистите от късния Ренесанс и много активно се развива и еволюира. Връщането на мадригала в светската култура е тясно свързано с повишения интерес на поетите към лиричните форми на 14 век, култивирани от Петрарка. Пиетро Бембо играе основна роля в неговото възраждане, призовавайки съвременните поети (Лудовико Ариосто, Торквато Тасо, Джамбатиста Гуарини и др.) да се учат от Петрарка и самия него, копирайки неговите поетични форми. Бембо, в своята класификация на поетичните форми, приписва мадригала на групата на свободния стих (rime libere), тъй като характерна особеностТози жанр беше свободното римуване на поетичен текст.

Мадригалът от 16 век е произведение с четири до пет гласа, предимно с лирично съдържание. Обикновено темата на поетичните текстове на мадригалите е любовта, най-често пронизана със страдание, оплаквания, преживявания, придружени от картини на природата, понякога пресичащи се със сложни въпроси на философията на живота:

„Като бял и нежен лебед

С песен той приема смъртта,

Така че плача, нарисувана

До границата на живота.

Но странно начините са различни:

Умира безутешен,

И си тръгвам в блаженство.”

Първият период на развитие на мадригала (1530-1540 г. - първата книга с мадригали е публикувана през 1538 г.) е свързан с творчеството Джейкъб Аркаделт(ок.1514-1572; работи във Флоренция и Рим), Филипо Вердело(починал преди 1552 г., работил във Флорентинската катедрала, след това в папския двор) и Адриана Виларта(1480-1562, работил в катедралата Св. Марко във Венеция). Композиторите притежават високи професионални умения и наследяват традициите на холандската школа. От гледна точка на текстурното представяне ранният мадригал е от две разновидности: акордово-хомофоничен тип и имитативно-полифоничен. В първия случай можем да говорим за близост до традициите на ежедневната песен (по-специално, frottole), във втория - за усвояването на техниките на холандската полифония (писане на мотет).

Така в ранния мадригал се сливат два стилистични клона от това време - църковен и светски, като по този начин се синтезират най-добрите постижения в развитието на малките форми. В същото време се оказва жанр, който активно отговаря на най-новите стилови търсения на епохата. Новите характеристики се появяват още през втория период от тяхната еволюция - втората половина на 16 век ( Чиприан де Роре, Николо Вичентино, Андреа Габриели, Джовани Пиерлуиджи да Палестрина).По това време започва да се развива хроматичният мадригал. Николо Вичентино (1511-1565) – ученик на Вилар – написва трактат през 1555 г. „ L'antica musica ridotta alla moderna prattica” („Старинната музика, пренесена в съвременната практика”). В него той обсъжда възможността за композиране на музика в хроматичен режим - като гърците. Въвеждането на genere cromatico (musica falsa) - хроматични звуци беше тясно свързано с желанието да се намери интонационно точно въплъщение на емоционалната и семантичната страна на текста. Използването на повишени и понижени тонове допринесе за изразяването на всички възможни нюанси на речта. Освен това започва смело и широко използване на дисонанс в полифонията и процесът на преход от модалната система на модална организация към тоналната е ясно очевиден. През същия период системата на италианския “ мадригализми“ - музикални и реторични фигури, в които е фиксирано съответствието на определени думи и мелодични обрати. Например думата "sospiro" (въздишка) е представена от два или три акорда с пауза в средата на думата; “воло” (полет) – с вълнообразен мелодичен рисунък; “pieta” (състрадание), “amaro pianto” (горчиви сълзи) - предадени с помощта на хроматизми и дисонанси; “morte” (смърт) - включва инхибиране на ритмичното движение и спиране - пауза - във всички гласове... и т.н. В сферата на формообразуването има не само връзка с фротоловия и мотетния принцип на формообразуване с различни видове куплетно повторение, но и тенденция към форма от край до край.

Трети период - края на 16 и началото на 17 век - Лука Маренцио, Карло Джезуалдо (принцът на Веноза), Клаудио Монтеверди. Един от конструктивните принципи е контрастът: формата се основава на редуването на полифонични части с хомофонични, диатонични с хроматични, съгласни с дисонантни. Хроматичният мадригал достига върха на своето развитие в творчеството на Джезуалдо. Освен това два вида тематизъм - хроматичен и диатоничен - са ясно отделени един от друг. Хроматизацията не води до неутрализиране на модалния цвят, а напротив, подчертава изразителността на мажор и минор - два режима, които все повече се открояват сред другите.

От края на 16 век, във връзка с развитието на монодията, възниква традицията да се изпълняват мадригали, аранжирани за соло глас, придружени от инструменти. Започвайки със своята V книга с мадригали (1605 г.), К. Монтеверди въвежда инструменти като съпровождащи гласове. Мадригалът се развива като особен тип мадригал в творчеството на О. Веки, А. Банчиери, А. Стриджио. драматичен мадригал(или мадригална комедия). Това беше многочастна хорова композиция по текст на комедийна или пасторална пиеса. Всички игри герои(включително монолози) бяха изпълнени от хоров ансамбъл. Използваните сюжети са предимно битови, често сатирични, с традиционни персонажи от народната комедия dell'arte. Най-ранната мадригална комедия в 5 части - „Бърборене на жени по време на миене“ от А. Стриджио стана прототип за други образци на този жанр („Приятни маскаради“ от Г. Кроче, „Амфипарнас“ от О. Веки, „Старческо безумие“ от А. Банчиери). Използвайки изключително средствата на хора, композиторите създават ярки характеристики на героите. Драматичният мадригал става важен етап от раждането на операта.

Любим инструмент в италианската светска практика беше лютня -щипков струнен инструмент с къс врати извита назад глава, на която са разположени колчета за настройка на струните. Лютнята се споменава за първи път в „Великия трактат за музиката“ на средноазиатския учен Фараби, датиращ от 10 век. Пренесен е на остров Сицилия и Испания от сарацините и маврите, а впоследствие е разпространен в цяла Европа. Великият Данте Алигиери в своята „ Божествена комедия” говори за лютнята като добре познат инструмент в своето време. Лютнята придобива особена популярност през Ренесанса (XV-XVI век). Тя се свири в кралските, княжеските и херцогските дворове от виртуозни музиканти и знатни любители на изкуството, постоянно се слуша в хуманистичните кръгове, в различни „академии“ от 16 век, в домашния живот на гражданите, на открито, в различни ансамбли, включително и театрални. Леонардо да Винчи, Бенвенуто Челини, Джорджоне и Караваджо свиреха на лютня.

През 16 век най-разпространена е шестструнната лютня (през 15 век са известни петструнни инструменти). Настройката на лютнята е различна; най-често се използва настройката от типа кварт-терц: A D G H E "A". В течение на века са публикувани редица авторски сборници, но главно произведения за лютня след това са разпространени в множество ръкописни сборници. Интересно е, че ръкописните колекции от това време съдържат предимно анонимни пиеси, обработки на вокални произведения и танци. Освен това тяхната националност е много разнообразна: немски танци се появяват в италиански ръкописи, италиански, полски и френски се появяват в немски ръкописи. Това бяха един вид международни колекции, където имаше свободен обмен на жанрове от ежедневната музика. За лютнята всичко, което слушателите харесаха, беше преаранжирано и обработено: популярни песни и танци, дори сакрална музика на най-големите майстори.

В една от ранните колекции началото на XVIвек, събрани са 110 пиеси: транскрипции и аранжименти на фротола от Б. Тромбончино и М. Кара, М. Песенти, А. Капреоли и други италиански автори, шансони или мотети от Г. Айзък, Хуан ван Гизегем, А. Буноа, както и шест рицеркара, четири танца (две павани, два „басови танца“) и „Calata alia spagnola“. В по-късните колекции - в края на века - основата са танци: пасамецо, салтарело, павана, галиард, френски звън, полски танц, немски танц, просто „Nachtanz“ или „Danza“, алеманде.

Разцветът на изкуството на лютнята започва в средата на 16 век и в Италия се свързва с името на изключителен лютнист Франческо да Милано(ок. 1497-ок. 1543), наричан от съвременниците си „божествен“. Неговите „Седем книги за лютня” придобиват общоевропейско значение. Франческо да Милано е бил придворен лютнист на херцог Гонзаго в Мантуа, от 1530 до 1535 г. е служил като лютнист на кардинал Иполито де Медичи във Флоренция, а по-късно като личен лютнист на папа Павел III. Започва да публикува творбите си през 1536 г. и много бързо печели известност както в Италия, така и в други страни. Сред сътворените от него творби са много рисъркари и фантазии, транскрипции и аранжименти на вокална светска и сакрална музика; Има и отделни характерни пиеси (например „Испана” за две лютни), канон за две лютни. Във фантазиите си композиторът охотно използва полифонични техники. Въпреки това, строго полифоничната структура не е типична за лютнята, тъй като устойчивата полифония не е в природата на инструмента. Обикновено лютенистите редуват имитации, акордови звучности, унисони, преплитайки ги с мащабни и други пасажи, а броят на гласовете се променя - в съзвучията могат да бъдат три или четири, в пасажите по-често те ехтят или се движат паралелно.

За транскрипции и аранжименти композиторът-лютенист с охота избира френски шансони (по-рядко италиански мадригали), духовни произведения на Жоскен Депре и Л. Компере. Той е привлечен от сензационните за онова време „Битката“ и „Песента на птиците“ от Джанекин, въпреки големия обем и сложност на написаното. Но той не е сам тук: инструменталните аранжименти на тези шансони се появиха отдавна. Франческо да Милано се обръща и към песните на Ж. Мутон, Н. Гомберт, К. Сермизи, П. Сертон, Ж. Ричафор, А. де Феван, Аркаделт, като несъмнено се опира в избора си на най-популярните образци на своето време.

Творбите на Франческо да Милано между 1536 и 1603 г., както в публикувана, така и в ръкописна форма, са известни не само в Италия, но и във Франция, Германия, Испания и Холандия.

Сред другите италиански лютнисти трябва да се назове Винченцо Галилей (ок. 1520-1591) - бащата на известния астроном Галилео Галилей, автор на трактати по музика, композитор, виртуозен лютнист, член на Флорентинската камерата, обединила създателите на нов жанр – опера.

Чуйте нещо от класиката - какво по-добро?! Особено през почивните дни, когато искате да се отпуснете, да забравите за грижите на деня, грижите на работната седмица, да мечтаете за красиви неща и просто да повдигнете настроението си. Просто помисли за това, класически произведенияса създадени от брилянтни автори толкова отдавна, че е трудно да се повярва, че нещо може да оцелее толкова години. И тези произведения все още се обичат и слушат, създават се аранжименти и модерни интерпретации. Дори при съвременна обработка работи брилянтни композиториостава класическата музика. Както признава, класическите произведения са гениални, а всичко гениално не може да бъде скучно.

Вероятно всички велики композитори имат специален слух, специална чувствителност към тона и мелодията, което им е позволило да създадат музика, която се радва на десетки поколения не само техни сънародници, но и почитатели на класическата музика по света. Ако все още се съмнявате дали обичате класическа музика, тогава трябва да се срещнете и ще видите, че всъщност вече сте дългогодишен фен на красивата музика.

И днес ще говорим за 10-те най-известни композитори в света.

Йохан Себастиан Бах

Първото място заслужено принадлежи. Един гений е роден в Германия. Най-талантливият композитор пише музика за клавесин и орган. Композиторът не създава нов стил в музиката. Но той успя да създаде съвършенство във всички стилове на своето време. Автор е на повече от 1000 есета. В творбите си Бахсъчетава различни музикални стилове, с които се запознава през целия си живот. Често музикален романтизъмв съчетание с бароков стил. В живота Йохан БахКато композитор той не получава заслуженото признание, интересът към музиката му възниква почти 100 години след смъртта му. Днес той се нарича един от най-великите композитори, живели някога на земята. Неговата уникалност като човек, учител и музикант намира отражение в музиката му. Бахполага основите на музиката на новото и съвременното време, като разделя историята на музиката на преди и след Бах. Има мнение, че музиката Бахмрачен и мрачен. Музиката му е доста фундаментална и задълбочена, сдържана и концентрирана. Като разсъжденията на зрял, световно мъдър човек. Създаване Бахповлиява на много композитори. Някои от тях взеха реплики от неговите творби или използваха теми от тях. И музиканти по целия свят свирят музика Бах, възхищавайки се на нейната красота и съвършенство. Една от най-сензационните творби - "Бранденбургски концерти"- отлично доказателство, че музиката Бахне може да се счита за твърде мрачен:

Волфганг Амадеус Моцарт

Той с право се счита за гений. На 4 вече свири свободно на цигулка и клавесин, на 6 започва да композира музика, а на 7 вече умело импровизира на клавесин, цигулка и орган, състезавайки се с известни музиканти. Вече на 14 години Моцарт- признат композитор, а на 15 години - член на музикалните академии на Болоня и Верона. По природа той имаше феноменален музикален слух, памет и способност да импровизира. Създава удивително много произведения – 23 опери, 18 сонати, 23 концерта за пиано, 41 симфонии и много други. Композиторът не искаше да имитира, той се опита да създаде нов модел, който да отразява новата индивидуалност на музиката. Неслучайно в Германия музиката Моцартнаричана „музика на душата”, в творбите си композиторът проявява черти на своята искрена, любяща природа. Най-големият мелодист придава особено значение на операта. опери Моцарт- епоха в развитието на този вид музикално изкуство. Моцартшироко признат като един от най-великите композитори: Неговата уникалност се крие във факта, че той е работил във всички музикални форми на своето време и е постигнал най-висок успех във всички тях. Една от най-разпознаваемите творби - "Турски марш":

Лудвиг ван Бетовен

Друг велик германец е важна фигура от романтично-класическия период. Дори тези, които не знаят нищо за класическата музика, знаят за нея. Бетовене един от най-изпълняваните и уважавани композитори в света. Великият композитор стана свидетел на огромните катаклизми, настъпили в Европа, и прекрои нейната карта. Тези големи катаклизми, революции и военни конфронтации са отразени в творчеството на композитора, особено в симфоничните произведения. В музиката той въплъщава картини на героична борба. В безсмъртни творби Бетовенще чуете борбата за свобода и братство на хората, непоклатимата вяра в победата на светлината над мрака, както и мечтите за свобода и щастие на човечеството. Един от най-известните и невероятни фактиживотът му - болестта на ушите се превърна в пълна глухота, но въпреки това композиторът продължи да пише музика. Той също беше смятан за един от най-добрите пианисти. Музика Бетовенизненадващо проста и лесна за разбиране широки кръговеслушатели. Сменят се поколения и дори епохи, както и музиката Бетовенвсе още вълнува и радва сърцата на хората. Един от неговите най-добрите работи – "Лунна соната":

Рихард Вагнер

С името на великия Рихард Вагнернай-често се свързва с неговите шедьоври "Сватбен хор"или "Ездата на валкириите". Но той е известен не само като композитор, но и като философ. Вагнерразглежда музикалните си произведения като начин за изразяване на определена философска концепция. СЪС Вагнерзапочва нова музикална ера на оперите. Композиторът се опита да доближи операта до живота, музиката за него е само средство. Рихард Вагнер- създател на музикалната драма, реформатор на операта и дирижерското изкуство, новатор на хармоничния и мелодичен език на музиката, създател на нови форми на музикална изразителност. Вагнер- автор на най-дългата солова ария в света (14 минути 46 секунди) и най-дългата класическа опера в света (5 часа и 15 минути). В живота Рихард Вагнерсе смяташе за противоречива личност, която беше обожавана или мразена. А често и двете заедно. Мистичният символизъм и антисемитизмът го превръщат в любимия композитор на Хитлер, но затварят пътя на музиката му към Израел. Но нито привърженици, нито противници на композитора отричат ​​величието му като композитор. Страхотна музика от първите ноти Рихард Вагнерви поглъща напълно, без да оставя място за спорове и разногласия:

Франц Шуберт

Австрийският композитор е музикален гений, един от най-добрите композитори на песни. Той е само на 17, когато написва първата си песен. За един ден можеше да напише 8 песни. За моя творчески животтой създава повече от 600 композиции, базирани на стихове на повече от 100 велики поети, включително Гьоте, Шилер и Шекспир. Ето защо Франц Шубертв топ 10. Въпреки че творчеството Шубертмного разнообразен в използването на жанрове, идеи и превъплъщения, преобладаващото и определящо в музиката му са вокалните и песенните текстове. Преди Шубертпесента се смяташе за незначителен жанр и именно той я издигна до нивото на художествено съвършенство. Нещо повече, той съчетава привидно несъвместимата песен и камерна симфонична музика, което дава началото на нова посока на лирико-романтична симфония. Вокалните и песенните текстове са свят от прости и дълбоки, фини и дори интимни човешки преживявания, изразени не с думи, а със звук. Франц Шубертживял много кратък живот, само на 31 години. Съдбата на творбите на композитора е не по-малко трагична от живота му. След смъртта Шубертостанаха много непубликувани ръкописи, съхранявани в библиотеки и чекмеджета на роднини и приятели. Дори и най-близките му не знаеха всичко, което пише, и дълги години беше признат само за краля на песента. Някои от произведенията на композитора са публикувани само половин век след смъртта му. Едно от най-обичаните и известни произведения Франц Шуберт – "Вечерна серенада":

Роберт Шуман

Със също толкова трагична съдба немският композитор е един от най-добрите композиториромантична епоха. Той създава музика с удивителна красота. За да добиете представа за немския романтизъм от 19-ти век, просто слушайте "Карнавал" Роберт Шуман. Той успя да се освободи от музикалните традиции на класическата епоха, създавайки своя собствена интерпретация на романтичния стил. Роберт Шумане надарен с много таланти и дори дълго време не може да реши между музика, поезия, журналистика и филология (той е полиглот и превежда свободно от английски, френски и италиански). Освен това беше невероятен пианист. И все пак основното призвание и страст Шуманимаше музика. Неговата поетична и дълбоко психологическа музика до голяма степен отразява двойствеността на природата на композитора, прилив на страст и бягство в света на мечтите, осъзнаване на вулгарната реалност и желанието за идеал. Един от шедьоврите Роберт Шуман, което всеки просто трябва да чуе:

Фредерик Шопен

Може би най-известният поляк в света на музиката. Нито преди, нито след това композиторът е бил музикален гений от такова ниво, роден в Полша. Поляците са невероятно горди със своя велик сънародник, а в творчеството си композиторът неведнъж прославя родината си, възхищава се на красотата на пейзажите, оплаква трагичното минало и мечтае за велико бъдеще. Фредерик Шопен- един от малкото композитори, които са писали музика изключително за пиано. Творческото му наследство не включва нито опери, нито симфонии, но пиесите за пиано са представени в цялото им многообразие. Неговите произведения са в основата на репертоара на много известни пианисти. Фредерик Шопене полски композитор, известен и като талантлив пианист. Той живя само 39 години, но успя да създаде много шедьоври: балади, прелюдии, валсове, мазурки, ноктюрни, полонези, етюди, сонати и много, много други. Един от тях - "Балада № 1, сол минор".

Ференц Лист

Той е един от най-великите композитори в света. Той живя сравнително дълъг и изненадващо богат живот, преживя бедност и богатство, срещна любовта и се сблъска с презрение. В допълнение към естествения си талант, той имаше фантастична способност за работа. Ференц Листспечели не само възхищението на музикалните ценители и фенове. И като композитор, и като пианист получава всеобща оценка от европейската критика XIX век. Създал е над 1300 творби и др Фредерик Шопендаде предпочитание на произведения за пиано. Брилянтен пианист Ференц Листзнаеше как да възпроизведе звука на цял оркестър на пиано, импровизираше майсторски и имаше фантастична памет музикални композиции, нямаше равен в четенето на бележки от лист. Той имаше патетичен стил на изпълнение, което беше отразено и в музиката му, емоционално страстна и героично въодушевена, създаваща колоритен музикални картинии да направи трайно впечатление на слушателите. Визитната картичка на композитора са неговите концерти за пиано. Една от тези работи. И едно от най-известните произведения Лист – "Мечти за любов":

Йоханес Брамс

Значителна фигура от романтичния период в музиката е Йоханес Брамс. Слушайте и обичайте музика Брамссчитан за добър вкус и характерна особеностромантична природа. Брамсне е написал нито една опера, но е създал произведения във всички останали жанрове. Особена слава Брамсдонесе неговите симфонии. Още в първите творби проличава оригиналността на композитора, която с времето се трансформира в негов собствен стил. Ако вземем предвид всички произведения Брамс, не може да се каже, че композиторът е бил силно повлиян от творчеството на своите предшественици или съвременници. И по отношение на мащаба на творчеството Брамсчесто се сравнява с БахИ Бетовен. Може би това сравнение е оправдано в смисъл, че творчеството на тримата велики германци представлява кулминацията на цяла епоха в историята на музиката. За разлика от Ференц Листживот Йоханес Брамсбеше лишен от бурни събития. Той предпочиташе тихото творчество, през живота си спечели признание за таланта си и всеобщо уважение, а също така беше удостоен със значителни отличия. Най-забележителната музика, в която творческата сила Брамсимаше особено ярко и оригинално въздействие, е негов "Германски реквием", творба, която авторът създава 10 години и посвети на своята майка. В твоята музика Брамспрославя вечните ценности на човешкия живот, които се крият в красотата на природата, изкуството на велики таланти от миналото и културата на родината им.

Джузепе Верди

Без какво са първите десет композитори?! Италианският композитор е най-известен със своите опери. Той стана националната слава на Италия, творчеството му е кулминацията в развитието на италианската опера. Неговите постижения и заслуги като композитор не могат да бъдат надценени. Неговите творби и до днес, век след смъртта на автора, остават най-популярните, широко изпълнявани, познати както на ценителите, така и на любителите на класическата музика.

За ВердиНай-важното в операта беше драмата. Музикалните образи на Риголето, Аида, Виолета и Дездемона, създадени от композитора, органично съчетават ярката мелодичност и дълбочина на героите, демократичността и изтънчеността на музикалните характеристики, бурните страсти и ярките мечти. Вердибеше истински психолог в разбирането на човешките страсти. Неговата музика е благородство и сила, Удивителна красотаи хармония, неизразимо красиви мелодии, красиви арии и дуети. Страстите са нагорещени, комедията и трагедията се преплитат и сливат заедно. Сюжетите на оперите, според собственото му признание Верди, трябва да бъде „оригинален, интересен и... страстен, със страст преди всичко“. И повечето от творбите му са сериозни и трагични, демонстрират емоционални драматични ситуации и музиката на великия Вердипридава изразителност на случващото се и подчертава акцентите на ситуацията. Поглъщайки всичко най-добро, постигнато от италианската оперна школа, той не отрича оперните традиции, но реформира италианската опера, изпълва я с реализъм и й придава единство на цялото. В същото време той не обяви своята реформа, не написа статии за нея, а просто написа опери по нов начин. Триумфално шествие на един от шедьоврите Верди- опери - преминаха през италианските сцени и продължиха в Европа, както и в Русия и Америка, принуждавайки дори скептиците да признаят таланта на великия композитор.

10-те най-известни композитори в светаактуализиран: 25 ноември 2017 г. от: Елена

Въведете изрязаното съдържание тук.

В. КОННОВ. Холандски композитори от 15-16 век. Избрани глави от книгата.

ВЪВЕДЕНИЕ

ХОЛАНДСКИ ПОЛИФОНИСТИ: КОИ СА ТЕ?

Този въпрос възниква пред много слушатели, посещаващи концерти за старинна музика. Творчеството на Жоскен Депре, Орландо Ласо, както и на други представители на тази композиционна школа, отдалечена от нас в дълбините на вековете, днес е престанала да бъде достояние на историците от креслото, тя привлича вниманието не само на професионални музиканти, но и аматьори, които свирят музика. Съществува напълно оправдан интерес както към творците на това високо изкуство, така и към музикалната поетика и стилистика на техните произведения. Този интерес е още по-естествен, тъй като популярността и достъпността на холандската музика, дори и сега, все още не достига нивото на световноизвестната живописна школа на така наречения „стар холандец“. Всеки образован човек знае поне имената на Ян ван Ейк, Рогиер ван дер Вейден, Лука от Лайден, Йеронимус Бош, Питер Брьогел Стари; техните творения запазват силата на художествено въздействие чак до днес. Имената и музикалното наследство на техните съвременници-композитори продължават да остават известни на сравнително малко хора.

Полезно е да припомним, че творчеството на холандските полифонисти сега едва започва да се възражда за нов активен живот след повече от два века солидна забрава. Старите холандци споделиха тази съдба заедно с Монтеверди и Шутц; стига с тях дълго времеЗа около век работата на Бах остава в забрава. И сега, когато музиката на холандските полифонисти започна да се връща към слушателите, възниква въпросът: загубила ли е художественото си значение?

И съпоставими ли са откритията на музиката с постиженията на живописта, скулптурата и литературата от този период? Има специална литература по тези въпроси, съществуваща както на руски, така и на чужди езици, понякога предлага най-противоречиви мнения. И работата е не само в това, че музиката от онази епоха не е достигнала до нас изцяло, че са запазени малко факти от живота на нейните създатели. От древни времена до наши дни дейността на холандските полифонисти предизвиква много различни оценки. Художественият свят на основателя на холандската школа Й. Окегем днес често се оценява като проява на късна готика, като мистично и ентусиазирано пречупване на религиозни чувства. Съвременниците го сравняват с Донатело, един от най-последователните борци за светския хуманизъм на Ренесанса, един от предшествениците на Микеланджело. Работата на централната фигура на холандската композиционна школа Жоскен Депре предизвика взаимно изключващи се оценки. Водещият теоретик и идеолог на холандската полифонична школа Глареан смята творчеството на Жоскен за най-висшия, класически израз на ars perfecta - „съвършеното изкуство“, което намира израз в полифоничната меса и мотет - жанрове, които обобщават цялата история на развитието на европейската култова полифония. Според мисълта на Глареан нищо не може да се промени в това изкуство, без то да изпадне в деградация. От тази гледна точка привържениците на ars perfecta впоследствие осъдиха творците на операта, включително великия Монтеверди.

Въпреки това, съвременниците на Жоскен вече виждат напълно различни естетически качества в работата му: той е признат за създател на ново изкуство, което се основава не на готическото разтваряне на личността във вселената, Бог, а на ренесансовия израз вътрешен святлице (не друг, а самият Глареан упрекна Жоскен за неуважителното му отношение към средновековните ладове - фундаменталната основа на музикалния език на „перфектното изкуство“). През 16-ти век Жоскен е еднакво ценен от фигури на такива непримиримо враждебни идеологии като папството и Лутеранската реформация.

Мненията на съвременните учени също са много противоречиви. Характеризирайки холандската полифонична школа, В. Д. Конен пише: „Това е епоха, когато светската мисъл процъфтява мощно във всички области на умствената дейност, а най-висшите прояви в музиката се оказват дълбоко подчинени на религиозната система на чувствата“. Напротив, авторът на прочутия учебник по история чужда музикаК. К. Розеншилд отбелязва в холандската музика от онова време „особена тържественост на светски, светски план“; той също така посочва, че още в началото на 19-ти и 20-ти век великият руски композитор С. И. Танеев правилно подчертава дълбоко фолклорен произходпроизведения на холандски композитори.

Тази непоследователност на преценките може да се обясни с две причини. На първо място, сложният, противоречив характер на музикално творчествоонази епоха. Тази особеност на творчеството на композиторите от холандската полифонична школа ще бъде разкрита в следващата презентация. Но за съвременния масов слушател има и специфични езикови затруднения. Във визуалните изкуства от Ренесанса до началото на 20-ти век не са настъпили толкова големи стилови промени, които да доведат до толкова значителна „интонационна бариера” като тази, възникнала между музиката на Средновековието, Ренесанса и 17 век, от една страна, и музиката на 19 век и XX век – от друга.

От втората половина на 18 век в европейската музика се установява мажорно-минорната гама - звукова система, която до днес служи като основа на европейското музикално съзнание (формирането на други звукови системи в професионалния състав на 20-ти век все още не успя да разклати напълно доминиращата позиция на мажорно-минорната гама в общественото музикално съзнание). Формирането на мажорни минорни режими отвори пътя за колосалния прогрес на музикалната култура, свързан с раждането на операта, симфонията, класическата

сонати, камерна, инструментална и вокална музика (миниатюри за пиано, романси). В историята обаче често се случва значителни постижения в научния и културния живот на обществото да водят до определени загуби. Те са особено забележими в музиката в началото на средата на 18 век. Окончателното одобрение на мажор-минор доведе до дълготрайно забравяне на целия предходен слой на музикалната култура: произведенията на Бах и Шютц, Монтеверди и Пърсел, да не говорим за холандските, италианските и френските майстори от 15-16-ти векове, изчезнал от историята в продължение на много години, десетилетия и дори векове.

До началото на 17 век европейската професионална музика е доминирана почти изключително от мелодични ладове на седемстепенната диатонична гама (така наречените средновековни ладове), които са в основата на народната песенна традиция на най-стария слой, възникнал приблизително през 14-15 век. „Интонационният речник“ на една епоха, която не познава съвременните мажорни и минорни тонове с присъщата им хармонична функционалност, се различава толкова значително от съвременния, колкото литературните изрази на древния омиров епос се различават от стила на Шекспировите драми, тъй като наивно ъглова (на пръв поглед) живопис на древни средновековни икони – от реалистичната живопис на Рембранд. Събуждането за нов живот на този огромен и, освен това, разнороден стилистичен слой от древна музика, започва през 19 век от неговата, така да се каже, „периферия“ - от наследството на 18 век. Той по-лесно навлиза в слуховото съзнание на неговите съвременници, защото представлява комбинация от стилистичните черти на древната предкласическа епоха, обобщена от великия Бах, и новата, „класическата“, в определени черти, предвидени от Бах, но за първи път издигнат до недостижима художествена висота от майсторите на Виенската класическа школа - Хайдн, Моцарт и Бетовен. И неслучайно възраждането на Бах от романтичните композитори от 19 век бележи началото на дълъг процес на реабилитация на художествените ценности на предкласическата епоха, процес, който днес е достигнал вид възраждане на мюзикъла

Възраждане. Освен това отделни изпълнителски групи успешно започват да популяризират ценностите на музикалната култура на Средновековието, придвижвайки се още по-далеч в дълбините на вековете.

Епохата на XV-XVI век не познаваше светски обществени форми на концертен живот. Характеризира се с три вида форми на музициране, характерни за цялата култура на Средновековието и съответстващи на социалните потребности на трите слоя. феодално общество: светски феодали, духовенство и третото съсловие (включва както селяни, така и занаятчии и богати бюргери от средновековните градове). Това е заза светската професионална музика, религиозната музика и народното творчество. Народното изкуство (фолклор, т.е. песни и танци на устната традиция) през тази епоха е основната демократична форма на светско музициране. Много е важно, че Холандия беше известна с богатата си народна песенна култура. Хората в Холандия бяха много музикални. Има свидетелства от италианеца Гуичардини, който пише за Холандия през 1556 г., че „хората, без да се учат да пеят заедно, пеят изключително красиво и хармонично правилно“. Има и доказателства, че през 15-16 век музиката в Холандия е била обичана повече от живописта и скулптурата.

В песенния фолклор за първи път възниква ярка, реалистично-светска образност, чийто основен носител е богатата мелодия; По-късно холандските композитори залагат на него.

Много от тези песни звучаха в полифоничните маси на холандските композитори: не само в непроменена форма, като цитати, но и като основна основа на индивидуален мелодичен език.

Разцветът на фолклора е изключително важен за разбирането на процесите на обновление, протичащи в музиката на Холандия. Съществуването на фолклор се свързва не само с музицирането на селяните, но и с новата бюргерска култура на холандските градове. Това се доказва от наличието на сдружения на народни музиканти - менестрели, както и на т. нар. "риторични камари" - вид литературни

занаятчийски работилници, в които музицирането е подложено на най-строга и изтънчена формална регламентация. Наборът от правила за подобни асоциации може да си представим от известния „Бекмесеризъм“, осмиван от Вагнер в операта „Майстерзингер от Нюрнберг“. И все пак Народно изкуствоХоландия беше буквално в разгара си. Това беше плодородната почва, върху която избуяваха най-ценните образци на професионалното музициране.

Преминавайки към професионалните жанрове, отбелязваме: трудността при възприемането на холандската полифония за съвременните слушатели е, че тя въплъщава нова система от чувства във форми на създаване на музика, които днес са остарели. Музикалният живот на Холандия през разглеждания период съдържа значителни останки от Средновековието, което почти напълно изчезва от историческата сцена в средата на 18 век.

Това е особено вярно за светската професионална музика, която съществува главно в параклисите на влиятелни светски феодали и преди всичко херцозите на Бургундия.

Светската аристокрация, представлявана от бургундските херцози и техния двор, се грижи не за възраждането на древното учение и усъвършенстването на морала, както беше в Италия, а за връщането на престижа на предишната рицарска доблест. Основната задача на техните параклиси е да украсяват церемониалните ритуали на княжеските дворове.<…>Ролята [на музиката] беше ограничена главно до развлекателни функции. Това доведе до лекота, повърхностност и занижаване на етичното и естетическо ниво.<…>Ето защо в историческите условия на разглеждания период светските професионални жанрове в творчеството на холандските композитори не достигат висините, достъпни за култовата музика.

Ясно е, че при тези условия най-големите композиторски сили се стичат към църквата.<…>Култовите жанрове имаха две огромни предимства. Първият е възможността за значително задълбочаване на идейно-етичното съдържание. Не бива да забравяме, че през Средновековието катедралите и манастирите са били най-големите центрове на образованието. Манастирите имали големи библиотеки, в които се съхранявали и ръкописи. музикални произведения. Най-високите чинове на духовенството, по един или друг начин, трябваше да се справят с развитието на проблемите на теологията, която в онези дни беше неразривно свързана с философията. Без разработването на богословските проблеми е било немислимо изграждането както на нова хуманистична философия, така и на нова научна картина на света.<…>Второ: именно за музикантите работата по поръчка на църквата е била изключително плодотворна по това време, тъй като в историческите условия на Средновековието само църквата е давала възможност за широко публично изпълнение на професионална музика.<…>

Такъв разнороден музикален живот издигна жанрове, които като цяло бяха далеч от съвременната музикална култура, но наистина отразяваха „мултиструктурата“ на културата от 15-16 век. Още в края на първата четвърт на 15 век стават характерни три основни жанра - „голям“, „малък“ и „междинен“ (те са идентифицирани от влиятелния музикален теоретик И. Тинкторис през 1475 г.): маса, песен(шансон) и мотет.

Специфична особеност на музиката от онова време е чисто вокалният характер на тези жанрове. Това, разбира се, не означава, че те са отсъствали музикални инструментии свирене на инструментална музика. Но инструменталната музика е изцяло зависима от вокалната музика по отношение на тематични теми, принципи на мислене, форми и образи. Най-разпространеното беше ансамбловото свирене на инструментална музика: то се основаваше на хорови произведения. Друг начин за проникване на инструментацията във вокално-хоровата култура беше възможността да се запълни липсващият глас с инструмент или, очевидно, широко практикуваното дублиране на вокални гласове с инструменти, главно духови инструменти. Така беше в жанровете на професионалната музика. В музиката на устната традиция, началото на специфично инструментална музикапод формата на ежедневни танци, импровизации на любим битов струнен инструмент - лютня, както и на орган или др. клавиатури. Но едва в началото на 17 век тези кълнове на инструменталната музика започват да се изравняват по права с вокалната музика. Периодът на холандската музикална култура, който ни интересува, е показателен именно за доминирането на вокалните жанрове.

Светската вокална полифония беше представена от полифоничен шансон (песен). Това име обобщава редица конкретни разновидности на светската вокална лирика, която се основава главно любовни истории. Древният полифоничен шансон в творчеството на холандските композитори е претърпял значителни промени, които ще бъдат обсъдени по-нататък; Сега е необходимо да посочим произхода на този жанр - полифонични рондели, лейси, вирели, балади. Тези жанрове със сложни и разнообразни системи от римувани текстове и повторения („рефрени“) на музикален материал са родени в музикално-поетичното творчество на френските трубадури и трувери през 13 век. Но времето на раждане на полифоничната песен е 14 век. В творчеството на известния френски поет и композитор Г. дьо Машо (1300–1377) „словесният“ лиризъм вече е въплътен в полифонията: към пеенето

В допълнение към горния глас се добавят един, два или три гласа, изпълнявани от инструменти. Тук обаче не можем да говорим за солова песен с акомпанимент: всички гласове на такава полифония, независимо дали се пеят или изпълняват на инструменти, имат една и съща - вокална - природа; можем да говорим само за по-индивидуализиран характер на мелодичния модел на горния (певчески) глас. Разбира се, не може да се говори за повече или по-малко самостоятелна роля на „инструменталния съпровод“: има още почти два века преди раждането на съвременната камерна вокална лирика. Въпреки това, дори в рамките на тези скромни възможности, Машо, а след него и представителите на ранната култура на полифоничната песен Дюфе и Беншоа, успяват да постигнат фини изразителни ефекти, преодолявайки маниеризма и претенциозността на аристократичното изкуство и разчитайки на демократичната песенност. .

Друга група жанрове, характерни за творчеството на холандските композитори, включва меса и мотет. Месата е жанр на религиозна музика (изпълнява се по време на църковна служба), мотети са написани както на светски, така и на духовни теми. Въпреки това, тези жанрове имат много общи неща. В процеса на историческото развитие на холандската школа светските мотети бяха изместени от полифонична полифонична песен; от друга страна, още от Машо, многочастната полифонична маса започва да се тълкува като своеобразен цикъл от мотети върху литургичен текст. За разлика от шансона, в който по правило една и съща мелодия се повтаря с различни строфи на текста (както в съвременна строфична или стихотворна песен), мотетът като цяло е свободна, нерегламентирана композиция, състояща се от няколко части контрастиращи по материал. Редуването, последователността на тези части и тяхната изразителност се определят от смисъла на текста, лежащ в основата на мотета.

Вътрешната структура на всяка част от мотета в ранните и късните етапи от развитието на холандската полифонична школа беше различна, но значима обща черта, което тогава разграничава мотет от песен: песента се основава на оригиналната тематика

Руски материал, мотет - на заимстван материал. Такъв заимстван материал се нарича canthus firmus. Контрастните горни гласове бяха „наслоени“ („надградени“) върху cantus firmus. През Средновековието (XIII-XIV век) този контраст се утежнява от факта, че различни текстове се пеят едновременно на различни гласове. Стига се до любопитни случаи, когато гласът, който пее кантус фирмус, се основава на религиозно песнопение, докато в друг глас текстът е любовно излияние, а в трети - сатира върху пияните монаси! Всичко това звучеше едновременно поради сходния ритъм на текстовете.

В по-нататъшната история на мотета композиторите търсят по-органични поетични и музикални връзки между гласовете на полифоничния мотет. Сред холандците мотетът се превръща в един от концептуално най-развитите жанрове. Съществуването му в епохата, която ни интересува, ще бъде проследено с помощта на примери от творчеството на най-видните представители на холандската школа. Тук е необходимо само да се каже предварително за произхода на тематичния материал на мотета - cantus firmus. В това си качество, според утвърдена традиция, е установен григорианският хорал - едногласни хорови песнопения върху литургичен текст, систематизиран, според легендата, от папа Григорий Велики († 604 г.).

Григорианското песнопение е по същество доста разнообразен набор от песнопения за хор (оттук и името хорал): Сред тях се открояват два вида. Псалмодията е измерена рецитация, такава интонация на текста писание, предимно на същата звукова височина, при която

за една сричка от текста има една нота от песнопението; Юбилейни химни - безплатни песнопения на сричките на думата „алелуя“, въплъщаващи насладата на вярващите. По своята функция в музикалната култура на Средновековието григорианското песнопение е пълна противоположност на народната песен. Ако народната песен отразява истински, живи човешки чувства, пряко усещане за реалност, тогава григорианското песнопение е призовано да измести земните мисли от съзнанието на човека, да насочи мислите и чувствата му към божествени идеи.

Григорианското пеене имаше силно и уникално въздействие върху енориашите. Неговата собствена история представлява последователен компромис, в резултат на което вместо „конфронтация“ с народната песен, самото григорианско песнопение (предимно „Алилуя“ и други химни) е наситено с фрази от народни песни. Църковните власти били принудени да разрешат в богослуженията да се изпълняват химни, базирани на мелодични народни песни, т. нар. последования. Редица такива поредици - включително "Dies irae", станала известна в последващата история на музикалната култура - са високи, трайни примери за изкуство, които са запазили напълно своето художествено въздействие до днес.

Първоначално мотетите са написани главно в григорианския кантус фирмус. Въпреки това, продължавайки възникналата през Средновековието тенденция за преодоляване на абстрактността и мистичната откъснатост на литургичното музициране, композиторите от холандската полифонична школа постепенно започват да насищат мелодичните гласове на мотета със светски фолклорен песенен материал, като го използват или като cantus firmus или като основа за “свободни” гласове на композицията.

Трябва да се кажат няколко думи предварително за литургията. За да се разбере ролята на този жанр в холандската музикална култура, трябва да се вземе предвид предишната му история. Първоначално (до 14 век) месата е била общо взето едногласна; песнопенията, въплъщаващи неговия текст, се вписват в правната рамка на григорианските песнопения. Григорианските песнопения, чути в литургията, обаче бяха доста разнообразни. Първо, те бяха разделени според техния състав на псалмични и химни. Второ, има два вида музикални „цикли“ на Григорианската литургия: „специалната меса“ (Missa proprium), съставът на частите на която варира в зависимост от празника, по повод на който се провежда службата, и „обикновена меса“ (Missa ordinarium), чиято композиция включва пет постоянни части: 1) Kyrie eleison - „Господи, помилуй“, 2) Gloria in excelsis Deo - „Слава на Бога във висините“, 3) Credo - „ Вярвам“, 4) Sanctus et Benedictus – „Свят“ и „Благословен да бъде“, и накрая 5) Agnus Dei – „Агнец Божий“.

В епохата ранно средновековие(до 9 век) „обикновената меса” се отличава от „специалната” не само по състава на частите, но и по участието в нейното изпълнение на цялата общност от вярващи. Енориашите (преобладаващото мнозинство бяха представители на демократичните слоеве на населението) въведоха живителната топлина на интонациите на народните песни в строгия, аскетичен стил на григорианската монофония и тези народни влияния бяха внимателно изкоренени от църквата, доколкото е възможно . Въпреки това, в последвалата история на масата, само петте части от „обикновената маса“, изброени по-горе, се оказаха жизнеспособни, които първо бяха изпълнени от всички енориаши.<…>

ПРИ ПРОИЗХОДА НА СЪВРЕМЕННОТО МУЗИКАЛНО МИСЛЕНЕ

Най-голямото постижение на холандската композиционна школа, което й осигури почетно място в историята на световната музикална култура, беше формирането на принципите на съвременната музикално мислене. Тяхното формиране откри огромни перспективи за нарастване на съдържанието на музиката, даде възможност на музикалното изкуство да отговори със собствени средства на най-сложните философски и социални проблеми. Какви специфични черти на съвременното музикално мислене са подготвени от представители на холандската композиционна школа? И какво точно е това „музикално мислене“, може да попита читателят?

Мисля за високо развита класика музикални жанрове, свързани с художественото въплъщение на значими и смислени концепции, дори човек, който няма опит в музикалната теория, може да каже, че основните музикални мисли и тяхното развитие в такива известни произведения като сонати и симфонии на Моцарт, Бетовен, Чайковски, Шостакович са свързани с музикални теми, със своята неповторима изразителност, а драматургията, концепцията и общият план са изградени от цялата сума от промени, трансформации и сблъсъци на различни по характер теми в творбата.

Ако обаче се запознаем с произведенията на холандските композитори, очаквайки да чуем в тях подобни теми и същото тематично развитие като в творбите на Бетовен, ще останем разочаровани. С редки изключения, там няма да намерим широко, ясно дефинирано

нови запомнящи се мелодии. Често цялата тематика се свежда до дребни мащабни мотиви или до кратки декламационни обороти, породени от експресивното произношение на текста. Особено архаично звучи един тип тематизъм за това време - cantus firmus, въпреки факта, че от времето на Дюфе той е погълнал материала на съществуващите народни песни. Cantus firmus се поставяше, като правило, в един от „средните“ гласове в теситурата на хоровия комплекс и не беше включен в активната зона на слухово възприятие, образувана от „екстремните“ гласове - високи и басови. Може би желанието на композиторите да „скрият от любопитни очи“ светското музикален материал, което не отговаряше на темите на литургичните жанрове. Но самият материал на cantus firmus беше представен в изключително разширени, по-дълги ритмични продължителности в сравнение с други гласове, което възпрепятства възприемането му като цялостна формация.

И все пак Холандия направи решителна крачка напред във формирането на тематиката и тематичното развитие. Нека си припомним, че в григорианския хорал - официалната форма на култова музика от онова време - всичко беше насочено към изразително и ясно произношение на текста на свещените писания. Григорианското пеене беше съвършено и следователно затворено художествена система. Затова в новаторските си стилови търсения композиторите могат да разчитат само на народната песен.

В една народна песен има няколко пласта. Най-древни са песните, свързани с езически представи; те се характеризират с остатъци от магическа функция. Техният музикален език се състои от повторение на напев от три до шест ноти, така наречената формула. Друг важен пласт е свързан с формирането на лирическата образност. Пътищата на развитие на различни национални народни песенни култури се сближиха в това отношение. Обща представа за структурните характеристики на лирическата народна песен може да се получи и въз основа на съществуващ руски материал. Същността на постиженията на лирическата песен е следната:

музиката му вече не се ограничава до повторение - „вихрене“ на оригиналния напев (формула). Напротив, началният мотив на песента действа като своеобразно „тематично семе“, от което, израствайки във вариантния цъфтеж на мелодични издънки, възниква цялостен музикален организъм.

Холандските композитори са заимствали тези „микротеми“ - мотивни формули и тяхното вариантно развитие - „покълване“ от богатата народна песенна култура на Холандия като основа на мелодичното мислене, значително обогатявайки ги в творчеството си. Основното им постижение обаче е развитието на професионална полифония на тази основа.

Многогласието възниква спонтанно в народното песенно творчество, най-често в резултат на едновременно изпълнение различни вариантисъщата мелодия. В произведенията на холандските композитори един от основните видове полифония - полифония - получи цялостно развитие.

В произволна полифония за всеки този моментслуховото възприятие подчертава основния глас, носител на най-видния материал по смисъл - тематичен, останалите гласове по един или друг начин служат като фон на тематичния релеф. Ако носителят на темата е единственият горен глас, а останалите гласове са изравнени в изразителното си значение, комбинирайки се в комплекси от акорди, тогава този тип полифония се нарича хомофония. Ако някой от гласовете на полифонията може във всеки момент да поеме тематичната инициатива, ако освен това гласовете, съпътстващи тази тема, не загубят своята индивидуалност - тогава имаме работа с полифония. Цялостното развитие на принципите на полифоничното развитие формира основата на новаторството на холандските композитори.

Завладяването на техниките на полифоничното мислене е събитие от изключителна важност, то е съвсем сравнимо с прехода от плоския образ в живописта към многоизмерния. Полифонията е едно от най-характерните постижения на епохата, чийто философски и естетически девиз е търсенето на единство в многообразието на все нови научни

и артистични събития, отварящи се към съзнанието на европейците. Вярно е, че музиката все още не е имала способността да характеризира променливостта на плавния поток на реалността със свои собствени средства - това идва в музикалното изкуство много по-късно, в епохата на класицизма. Ренесансът разработва други изразни средства, които правят възможно отразяването в музиката на сложността, разнородността, вътрешните противоречия на природата (макрокосмоса) и човешка душа(микрокосмос). „Еднократният контраст“ на паралелно развиващите се независими мелодични линии (терминът принадлежи на съветския музиколог Т. Н. Ливанова) беше едно от основните постижения на холандските полифонисти. Отсега нататък музиката, продължавайки да остава в съюз със словото, вече има свои собствени закони на развитие, тя излиза от подчинението.

Независимостта на музикалното мислене се отразява в разработването на нова нотна система - мензура. До XIII-XIV век. Имаше така наречената хорова нотация, която позволяваше да се записва само височината на отделните звуци на мелодията. Техники за обозначаване на продължителности музикални звуцине съществуваха: нямаше нужда от тях, тъй като ритъмът на песнопенията на григорианските песнопения напълно зависеше от поетичните измерения на текста.

Освобождаването на елемента на свободното мелодично развитие, както и необходимостта от точна координация на едновременното звучене на мелодични линии в полифоничната полифония, изискваха точно фиксиране на продължителността на музикалните звуци, независимо от метричната структура на словесния текст. Ситуацията се усложнява от факта, че композиторите от онова време, като в същото време са ръководители на представлението, не пишат партитури и веднага записват своите творения под формата на едногласни хорови части.

Колко различни са те от съвременните музикални ноти! Дешифрирането им е подчинено на редица вече забравени правила и на първо място, познаване на връзката между съседни ноти в поредица от продължителности; Имаше четири вида от тези съотношения и те се наричаха „скали“. Оттук и името на новата нотация, мензурална (за разлика от хорал).

Мензуралната нотация формира основата на съвременната музикална нотация. Неговото подобрение се основава на въвеждането на по-кратки продължителности (по-специално, бележки под „ръбовете“ и с „знамена“), което прави ритмичния модел на мелодията по-визуален.

Съвременните издания на хорови партитури на класиката на ренесансовата полифония, като правило, пропорционално намаляват всички продължителности няколко пъти, в резултат на което пред нас се появява лесно видима звукова картина.

Преди да преминем към по-нататъшната характеристика на представителите на холандската полифонична школа, е необходимо да кажем няколко думи за техния непосредствен предшественик - английския композитор Джон Дънстабъл (1370 или 1380-1453), който работи дълго време на континента и посети музикалните центрове на Холандия.

В музикалната култура на Северна Европа Дънстабъл се появява като първия знак на „Пролетта на Ренесанса“. В творчеството му се забелязват първите проблясъци на ренесансовото „жизнерадостно свободомислие” – свидетелство за това е неговият полифоничен аранжимент на италианската песен „О, прекрасна розо” („O rosa bella”) с нейните нежни, причудливи хармонии, пропити със „северна меланхолия”. Разбира се, тези проблясъци много скоро ще бъдат удавени в лъчите на изгряващите светила на холандската школа по композиция... Но в една област от творчеството на Дънстабъл - формирането на развита хорова полифония - неговото новаторство се оказва решаващо .

Работата на Дънстабъл е толкова важна връзка между „музикалната готика” и полифонията на Ренесанса, че от 16-ти век се носи легендата за него като „изобретател” на полифонията. Всъщност полифоничният принцип на мислене води началото си от народното музициране, а пренасянето му в областта на професионалната музика започва през Средновековието и отнема няколко века. Още през 14-ти век във Флоренция, родното място на ars nova - италианското „пре-

Публикувано: Конов В. Холандски композитори от 15-16 век. Л.: Музика, 1984.

1. Кратка история на английската музика
2. Слушайте музика
3. Видни представители на английската музика
4. За автора на тази статия

Кратка история на английската музика

Произход
  Произходът на английската музика е в музикалната култура на келтите (хората, живели през първото хилядолетие на територията на съвременна Англия и Франция), чиито носители по-специално са били бардове (певци-разказвачи на древни келтски племена). Сред инструменталните жанрове са танците: джиг, селски танц, хорнпайп.

6 - 7 век
  В края на 6 век. - началото на 7 век Развива се църковната хорова музика, с която се свързва формирането на професионалното изкуство.

11 - 14 век
  През 11-14 век. Разпространение музикални и поетичнименестрели. Менестрел - през Средновековието професионален музикант и поет, понякога разказвач, който служи на феодал. През 2-рата половина на 14в. Развива се светското музикално изкуство, създават се вокални и инструментални придворни параклиси. През първата половина на 15в. възниква английската школа на полифонистите, ръководена от Джон Дънстабъл

16 век
  Композитори от 16 век
К. Тай
Д. Тавернер
Т. Талис
Д. Доуланд
Д. Бул
Кралският двор става център на светската музика.

17-ти век
 В началото на 17в. Формира се английският музикален театър, произлизащ от мистериалните пиеси (музикален и драматичен жанр от Средновековието).

18-19 век
  18–19 век – криза в английската национална музика.
 Към националния музикална културапроникват чужди влияния, италианската опера завладява английската публика.
В Англия са работили видни чуждестранни музиканти: Г. Ф. Хендел, И. К. Бах, Й. Хайдн (посещаван 2 пъти).
  През 19 век Лондон се превръща в един от европейските центрове музикален живот. Тук са гастролирали: Ф. Шопен, Ф. Лист, Н. Паганини, Г. Берлиоз, Г. Вагнер, Г. Верди, А. Дворжак, П. И. Чайковски, А. К. Глазунов и др. Създаден е театърът Ковънт ( 1732), Кралска музикална академия (1822), Академия за старинна музика (1770, първото концертно общество в Лондон)

Краят на 19-ти и 20-ти век.
  Възниква така нареченото английско музикално възраждане, тоест движение за възраждане на националните музикални традиции, проявяващо се в обръщение към английския музикален фолклор и постиженията на майсторите от 17 век. Тези тенденции характеризират работата на новата английска композиционна школа; негови видни представители са композиторите Е. Елгар, Х. Пари, Ф. Дилиус, Г. Холст, Р. Вон Уилямс, Дж. Айрланд, Ф. Бридж.

Можете да слушате музика

1. Пърсел (Гига)
2. Пърсел (Прелюдия)
3. Пърсел (Ария на Дидона)
4. Rolling Stones "Rolling Stones" (Kerol)
5. Бийтълс "Бийтълс" вчера

Видни представители на английската музика

Г. Пърсел (1659-1695)

  Г. Пърсел е най-големият композитор на седемнадесети век.
  На 11-годишна възраст Пърсел пише първата си ода, посветена на Чарлз II. От 1675 г. вокалните произведения на Пърсел редовно се публикуват в различни английски музикални колекции.
  От края на 1670-те. Пърсел е придворен музикант на Стюарт. 1680-те - разцветът на творчеството на Пърсел. Той работи еднакво успешно във всички жанрове: фентъзи за струнни инструменти, музика за театър, оди - приветствени песни, сборник с песни на Пърсел "Британски Орфей". Много от мелодиите на неговите песни, близки до народните мелодии, придобиват популярност и се пеят още приживе на Пърсел.
  През 1683 и 1687г Издадени са трио сборници – сонати за цигулки и бас. Използването на произведения за цигулка е иновация, която обогатява английската инструментална музика.
  Върхът на творчеството на Пърсел е операта "Дидона и Еней" (1689 г.), първата национална английска опера (базирана на "Енеида" на Вергилий). Това е най-големият феномен в историята на английската музика. Сюжетът й е преработен в духа на английската народна поезия - операта се отличава с тясното единство на музика и текст. Богатият свят на образи и чувства на Пърсел намира разнообразен израз - от психологически дълбокото до грубо провокативното, от трагичното до хумористичното. Но доминиращото настроение в музиката му е прочувствената лиричност.
 Повечето от неговите творения скоро бяха забравени и творбите на Пърсел станаха известни едва през последната третина на 19 век. През 1876г Организирано е обществото Пърсел. Интересът към работата му се увеличава във Великобритания благодарение на дейността на Б. Бритън.

Б. Е. Бритън (1913 - 1976)

  Един от най-големите майстори на английската музика на 20 век - Бенджамин Бритън - композитор, пианист и диригент. Започва да композира музика на 8-годишна възраст. От 1929 г. учи в Кралския колеж по музика в Лондон. Още в младежките му творби проличават оригиналният му мелодичен дар, въображение и хумор. IN ранните годиниСоловите вокални и хорови произведения заемат важно място в творчеството на Бритън. Индивидуалният стил на Бритън е свързан с националната английска традиция (изучаването на творческото наследство на Пърсел и други английски композитори от 16-17 век). Към номера най-добрите есетаОперите на Бритън „Питър Граймс“, „Сън в лятна нощ“ и други са получили признание в Англия и други страни. В тях Бритън се проявява като тънък музикален драматург - новатор. „Военен реквием“ (1962) е трагична и смела творба, посветена на остри съвременни проблеми, осъждайки милитаризма и призовавайки за мир. Бритън е на турне в СССР през 1963, 1964, 1971 г.

Музикални групи на 20 век
"Търкалящи се камъни"

  През пролетта на 1962 г. китаристът Брайън Джоунс организира група, наречена Rolling Stones. The Rolling Stones се състоеше от Мик Джагър (вокали), Браян Джоунс и Кийт Ричардс (китари), Бил Уайман (бас китара) и Чарли Уотс (барабани).
  Тази група донесе твърда и енергична музика, агресивен стил на изпълнение и спокойно поведение на британската сцена. Те пренебрегваха сценичните костюми и носеха дълги коси.
 За разлика от Бийтълс (които събудиха съчувствие), Ролинг Стоунс станаха въплъщение на враговете на обществото, което им позволи да спечелят трайна популярност сред младите хора.

"Бийтълс"

  През 1956 г. в Ливърпул е създаден вокално-инструментален квартет. Групата се състоеше от Джон Ленън, Пол Маккартни, Джордж Харисън (китари), Ринго Стар(барабани).
  Групата придоби дива популярност, изпълнявайки песни в стила на „биг бийт“, а от средата на 60-те години песните на Бийтълс станаха по-сложни.
  Те имаха честта да излязат в двореца пред кралицата.

За автора на тази статия

В работата си използвах следната литература:
- Музикален енциклопедичен речник. гл. изд. Р.В.Келдиш. 1990 г
- сп. “Студентски меридиан”, 1991 г. Специален брой
- Музикална енциклопедия, гл. Изд. Ю.В.Келдиш. 1978 г
- Съвременна енциклопедия“Avanta Plus” и “Music of Our Days”, 2002 Ch. изд. В. Володин.

Понятието „композитор“ се появява за първи път през 16 век в Италия и оттогава се използва за обозначаване на човек, който пише музика.

Композитори от 19 век

През 19 век Виена музикално училищеси представи това изключителен композиторкато Франц Петер Шуберт. Той продължава традициите на романтизма и оказва влияние върху цяло поколение композитори. Шуберт създава повече от 600 немски романси, извеждайки жанра на ново ниво.

Франц Петер Шуберт

Друг австриец, Йохан Щраус, става известен със своите оперети и леки музикални танцови форми. Именно той превърна валса в най-популярния танц във Виена, където все още се провеждат балове. В допълнение, неговото наследство включва полки, кадрили, балети и оперети.

Йохан Щраус

Виден представител на модернизма в музиката от края на 19 век е германецът Рихард Вагнер. Неговите опери не са загубили своята актуалност и популярност и до днес.

Джузепе Верди

Вагнер може да се противопостави на величествената фигура на италианския композитор Джузепе Верди, който остава верен на оперните традиции и дава нов дъх на италианската опера.

Петър Илич Чайковски

Сред руските композитори от 19 век се откроява името на Пьотр Илич Чайковски. Той се характеризира с уникален стил, който съчетава европейските симфонични традиции с руското наследство на Глинка.

Композиторите на 20 век

Сергей Василиевич Рахманинов

Сергей Василиевич Рахманинов с право се смята за един от най-блестящите композитори от края на 19-ти и началото на 20-ти век. Неговият музикален стил се основава на традициите на романтизма и съществува успоредно с авангардните движения. Именно за неговата индивидуалност и липса на аналози работата му беше високо оценена от критиците по целия свят.

Игор Федорович Стравински

Вторият най-известен композитор на 20 век е Игор Федорович Стравински. Руснак по произход, той емигрира във Франция и след това в САЩ, където разкрива таланта си с пълна сила. Стравински е новатор, който не се страхува да експериментира с ритми и стилове. В творчеството му се вижда влиянието на руските традиции, елементи от различни авангардни движения и уникален индивидуален стил, за който го наричат ​​„Пикасо в музиката“.