Opracowanie metodologiczne na ten temat: Opracowanie metodologiczne lekcji otwartej „Gitara w różnych typach zespołów Dziecięcej Szkoły Artystycznej. Raport metodologiczny na temat: „Rozwój podstawowych umiejętności technicznych u młodszych uczniów gitary

zestaw narzędzi

„Pierwsze kroki dalej gitara sześciostrunowa»

· Wstęp.

· Głównym elementem.

· Rozdział I. Przednotowany okres szkolenia.

· Rozdział II. Zapoznanie się z notatkami.

· Rozdział III. Aplikacja muzyczna.

· Rozdział IV. Kształtowanie podstaw selekcji na podstawie słuchu.

· Wniosek.

Wstęp.

W pracy przedstawiono materiał metodologiczny i przykłady muzyczne, wykorzystany przez autora w nauce gry na gitarze sześciostrunowej z uczniami przedszkola i szkoły podstawowej. Klasyczne szkoły gry na gitarze - M. Carcassi, E. Pujol, P. Agafoshina, A. Ivanov-Kramsky są przeznaczone dla starszych uczniów i na początkowym etapie są trudne dla dzieci w wieku 6-7 lat, które czasami nie wiedzą, jak to zrobić czytać i pisać, ale nie umieją grać. Chcą grać na instrumencie od pierwszych lekcji. Jest ich więcej nowoczesne kolekcje dla początkujących, takie jak „Podstawowy gitarzysta. Poradnik dla początkujących. (gitara sześciostrunowa)” pod redakcją lub „Lekcje od mistrza dla początkujących” Dmitrija Ageeva. Przeznaczone są jednak bardziej dla dorosłych „miłośników” gry na gitarze niż dla dzieci. Obejmij okres od pierwszych kroków do grania zespoły muzyczne ach, mają obszerny materiał źródłowy o różnym charakterze edukacyjnym, w nauczaniu posługują się głównie tabulaturą gitarową i inną symboliką, co jest nie do przyjęcia w szkole muzycznej. Edukacja w szkole opiera się na zapisie muzycznym, a kulturę posługiwania się zapisem muzycznym należy kształtować już od pierwszych zajęć. W związku z tym, czyli brakiem lekkich przykładów muzyki edukacyjnej, zaistniała potrzeba stworzenia tego rodzaju pomocy dydaktycznych. Najpierw bierze się pod uwagę okres szkolenia przed notatką, następnie w miarę stopniowego studiowania notatek uwzględnia się złożoność materiału z dodawaniem coraz większej liczby nowych elementów. W nauczaniu stosowana jest główna metoda dydaktyczna – od prostych do złożonych, poprzez powtarzanie tego, czego się nauczyliśmy. W procesie uczenia się należy stale wymagać od uczniów dokładnego i prawidłowego wykonywania wszystkich poleceń podanych w notatkach, a także w pełni rozwijać samokontrolę niezbędną do pomyślnego odrabiania zadań domowych.

Materiał muzyczny, ćwiczenia – wszystko ma swoją nazwę, ponieważ pomaga dziecku rozwijać wyobraźnię.

W pracy nie porusza się zagadnień związanych z sadzeniem, inscenizacją czy sposobami wytwarzania dźwięku na gitarze, ponieważ ma to miejsce w ramach kształcenia zawodowego każdego nauczyciela. Jest to szczegółowe i dostępne w przystępnej formie.

instrukcja”, w zbiorach A. Gitmana „Wstępny trening na sześciostrunowej

gitara” – „Sekcja I”.

Ogromne znaczenie w opanowaniu dowolnego instrumentu muzycznego ma umiejętność wybierania przez ucznia ulubionej melodii ze słuchu. Umiejętność ta stanowi dodatkową zachętę do studiowania muzyki. W rozdziale „Kształcenie podstaw selekcji ze słuchu” przedstawiono próbę pewnego usystematyzowania tego procesu w nauczaniu, tak aby kształtował się on na bazie przestudiowanego materiału i stał się podstawą doboru akompaniamentu do piosenek i innych rodzajów gry na gitarze.

Autor uważa, że ​​to opracowanie metodologiczne, podręcznik, przyda się młodym początkującym w początkowym szkoleniu młodych gitarzystów i tworzeniu własnych metod, a także pomoże praktykującym nauczycielom innych specjalności, którzy w naszych czasach często uczą „gry na gitarze” klasa".

Głównym elementem.

RozdziałI.

Okres szkolenia przed zgłoszeniem.

Ten okres w szkoleniu młodego gitarzysty w żadnym wypadku nie oznacza „gry ręcznej”. Zakłada się, że nauczyciel zapisuje w zeszycie materiał muzyczny dla ucznia, a uczeń gra na podstawie tych nut i wykonuje zadania polegające na obserwacji palców prawej i lewej ręki, progów gryfu i tym podobnych.

Kiedy po raz pierwszy zapoznajesz się z instrumentem - gitarą sześciostrunową - powinieneś wyjaśnić nazwy palców prawa ręka:

P - kciuk

ja - palec wskazujący

m - środkowy palec

a – palec serdeczny

Mały palec prawej ręki nie bierze udziału w wytwarzaniu dźwięku, a dla prawej ręki obowiązuje zasada - obowiązkowa naprzemienność palców: „Nie mamy prawa grać jednym palcem!” Dla porównania możesz poprosić ucznia, aby chodził na jednej nodze i zapytać go o wrażenia: czy jest mu wygodnie, ile możesz tak chodzić?

Gdzie jest to napisane na lasce?

Gdzie gra się na gitarze?

Następnie pokazuję serię ćwiczeń na naprzemienność palców prawej ręki, zapisuję to graficznie i gram:

ćwiczenie nr 1

https://pandia.ru/text/78/486/images/image002_24.jpg" szerokość="193" wysokość="92 src=">

Wskazane jest również, aby od pierwszych lekcji wprowadzić pojęcie czasu trwania i uczyć ucznia głośnego liczenia - pomoże to w przyszłości uniknąć problemów z rytmem:

https://pandia.ru/text/78/486/images/image004_21.jpg" szerokość="232" wysokość="94 src=">

Skomplikujmy zadanie:

1) skala chromatyczna od nuty „F” na całej gryfie wzdłuż 1. struny,

lewa ręka – 1-2 palce, prawa ręka – jestem na przemian

2) skala chromatyczna od nuty „F” na całej gryfie wzdłuż I struny,

od 1. do 13. progu w ruchu rosnącym i opadającym,

lewa ręka – 1-2-3 palce, prawa ręka – naprzemiennie i-m-a

3) skala chromatyczna od nuty „F” na całej gryfie wzdłuż I struny,

od 1. do 13. progu w ruchu rosnącym i opadającym,

lewa ręka - 1-2-3-4 palce, prawa ręka - naprzemiennie i-m, a poruszając się w górę, dochodząc do 12. progu, przesuwamy 4. palec na 13. próg, a poruszając się w dół, docieramy do 2. progu Na 1. prog, przesuń pierwszy palec lewej ręki na pierwszy próg:

https://pandia.ru/text/78/486/images/image008_19.jpg" szerokość="742" wysokość="99 src=">

Utwór o chromatyce, w którym cztery palce lewej ręki grają w kierunku rosnącym.

ruch w dół, trzy razy z rzędu, palec lewej ręki odpowiada progowi na podstrunnicy. Po drodze wyjaśnij: pojęcie „crescendo-diminuendo” – wzmocnienie i zanik dźwięku, pojęcie „rekapitulacji” – powtórzenie

https://pandia.ru/text/78/486/images/image010_19.jpg" szerokość="622" wysokość="82">

w prawej ręce umieść kciuk „p” na szóstej strunie, a pozostałe palce grają pod nim.

„Popiewka”

W w tym przykładzie W porównaniu do poprzedniego występuje naprzemienność długich nut - półnut i krótkich nut - ćwierćnut, czyli komplikacji wzoru rytmicznego. Warto zwrócić uwagę ucznia.

"Spadek"

Do tej pory uczeń grał melodie podobne do siebie, dodano tylko nowe nuty. I w tym przykładzie melodia nie zaczyna się od otwartej struny, a nuty nie są grane w dwóch identycznych, ale sekwencyjnie od „G” w dół. Zwróć uwagę ucznia na te niuanse, a także podkreśl naprzemienność – i-m – w prawej ręce.

"Dwa koty"

W pracy zaczął brać udział czwarty palec lewej ręki, mały palec. Od tego momentu w grze biorą udział wszystkie palce lewej ręki, należy zwrócić uwagę ucznia na dokładne przestrzeganie palcowania, gdyż aż do nuty „A” palce lewej ręki pokrywały się z progami na klawiatura:

· nuta „F” – 1. próg – 1. palec

· nuta „Fis” – 2. próg – 2. palec

· nuta „sol” – 3. próg – 3. palec

· nuta „gis” – 4. próg – 4. palec,

i teraz taki zbieg okoliczności nie jest konieczny.

„Na polu rosła brzoza”

Pierwsze lekcje to gra prostych (rytmicznych) utworów, ćwiczenia na jednej strunie mające na celu utrwalenie podstawowych umiejętności i technik gry na instrumencie, np. „apoyando”, naprzemienność – i-m –. Gdy już opanujesz tę grę, dodaj drugą strunę i naucz się zawartych na niej nut.

"Lokomotywa"

Wraz z piosenką dla dzieci „Steam Locomotive” zaczynamy aktywnie grać na 2. strunach. Tutaj musisz zwrócić uwagę dziecka na fakt, że grają nuty „C” i „D”.

na 2. strunie na tych samych progach, co nuty „F” i „G” na 1. strunie.

Trudność polega na progresywnym ruchu palców lewej ręki, a nie na 2 identycznych nutach, jak miało to miejsce we wcześniejszych przykładach. Ćwiczymy ruch w górę podobny do gamma. W refrenie: naprzemiennie długie nuty

- połówki i stosunkowo krótkie nuty - ćwierćnuty.

Możesz jednocześnie bawić się i śpiewać słowami, co jest również bardzo przydatne do rozwoju motoryki mowy, słuchu i koordynacji ręka-głos:

Lokomotywa rusza,

Dwie rury i sto kół,

Dwie rury, sto kół

Kierowca to czerwony pies!

Dwie rury, sto kół

Kierowca to czerwony pies!

"Królik"

Kawałek na trzeci palec lewej ręki. Tutaj są skoki z drugiej struny do pierwszej. W takim przypadku pamiętaj o zdjęciu trzeciego palca z jednej struny i umieszczeniu go na drugiej. W tym utworze zawsze gra trzeci palec – m –.

"Kołysanka"

Technika gry na prawą rękę - a-m-i - polega na szarpaniu kolejno na trzech strunach, zaczynając od 1. struny, „p” jest na 6. strunie, podczas gry wsłuchujemy się w melodię zbudowaną na 1. strunie i zaznacz nutę pod „a”, w głosie górnym uzyskujemy legato.

„Preludium nr 1”

Gra na 3 strunach naprzemiennie w określonej sekwencji palców prawej ręki – i-m-a-m –, skubanie. Zwróć uwagę na położenie kciuka prawej ręki: „p” znajduje się na szóstej strunie, a pozostałe palce grają pod nią.

Wyjaśnij czas trwania „ósmego” - pojęcie woltów

„Miś z lalką”

https://pandia.ru/text/78/486/images/image022_8.jpg" szerokość="384 wysokość=103" wysokość="103">

Gramy na 1 pozycji, od 2 struny, od nuty „A” na 1 strunie, przechodzimy na 5 pozycję i kładziemy 1 palec, czyli zaczynamy grę pozycyjną w lewej ręce.

„Pieśń o koniku polnym”.

Pojęcie – „zatakt” – wyjaśnij. W części II – refrenu – palcowanie przypomina skalę „C-dur”, zaczynając od nuty „A” – zmiana położenia lewej ręki.

Obliczamy pauzę „kwartał” i czas trwania = „ósmy”.

Gra z basami: uwaga – „r” – zawsze na podporze, „apoyando”, reszta z szarpnięciem.

„Etiuda nr 1”

Gra na basie - muszę zagrać różne opcje naprzemienne sekwencje palców prawej ręki, tzw. „bicie”:

· p-i-m-a-m-i i tym podobne.

„Etiuda nr 2”

Pojawia się Do-#. Zwykle dzieci wykonują to ćwiczenie łatwo i swobodnie, tutaj palce lewej ręki uwalniają się od sztywności występującej podczas zabawy „apoyando”, ćwiczymy „szczypanie”.

„Etiuda nr 3”

W „Etiudzie nr 3” nuty pojawiają się na 3. strunie ‑‑‑ A, G-# ‑‑. Nutę - A -, czyli palec II, należy pozostawić na II progu, nie podnosząc, podczas gdy palce prawej ręki grają inne nuty (takty 1 - 2, takty 4 - 5 - 6-oh). Jest to trudne, ale należy to osiągnąć, ponieważ rozwiązuje się kilka problemów technicznych:

· wzmacnia palce lewej ręki

· ćwiczy samodzielne ruchy palców lewej ręki

· ćwiczy się koordynację ruchów obu rąk

· Opracowano ekonomiczne ruchy palców lewej ręki.

Preludium nr 2”

Tutaj należy zwrócić uwagę ucznia na fakt, że każdy kolejny takt powtarza poprzedni, tak jakby każdy takt był utrwalony – rozwija to uwagę ucznia. A potem próbuje znaleźć podobne rzeczy, studiując inne dzieła.

„Próby”

Od tego utworu zaczynamy grać na dwóch strunach jednocześnie – i-m –,

„p” znajduje się na szóstej strunie. Zadanie: słuchaj tak, aby palce grały razem, a pod palcami lewej ręki odpowiadały dwie nuty. Grając jednocześnie na dwóch strunach, łatwo można nauczyć się techniki „tirando” – szarpania palcami lewej ręki.

„Melodia Wschodu”

Tutaj jest gra z basami i dwoma nutami w lewej ręce, jak w „Próbach”.

„Liry organowe”

Po opanowaniu utworu student ma pewną swobodę zarówno w zakresie tekstu muzycznego, jak i wykorzystania instrumentu. Możesz rozpocząć naukę proponowanego repertuaru od „Załącznika do notatek”.

RozdziałIII.

Aplikacja muzyczna.

Dodatek nutowy stanowi uzupełnienie opracowania dowolnego tematu z rozdziału „Zapoznanie z nutami”. Prezentowane są tutaj „Etiudy” i „Utwory”, które poszerzają i pogłębiają element opanowania aktualnie studiowanej gry na gitarze.

Oferowane są szkice do rozwoju różnych typów techniki prawej ręki. Na pierwszych etapach gry na gitarze dziecku trudno jest poruszać się po instrumencie:

· podstrunnica nie znajduje się przed oczami (jak np. klawiatura fortepianu)

· 6 strun znajduje się w jednej płaszczyźnie, a prawa i lewa ręka w drugiej

· palce każdej dłoni mają swoje własne nazwy, różniące się od siebie

· nie od razu zrozumiesz, kiedy prawa ręka gra „apoyando” – wsparta dolną struną, a kiedy „tirando” – z szarpnięciem.

Prawa i lewa ręka grają w „apoyando”. Jest pauza - ósemka, którą należy zachować, ścisła naprzemienność palców lewej ręki - ja

Tutaj, na strunach basowych, „r” gra na podporze „apoyando”, a po wytworzeniu dźwięku pozostaje na swoim miejscu, na dolnej strunie. Zwróć uwagę na specyfikę drugiego taktu: kciuk „p” po zagraniu na basie unosi się i nie pozostaje na strunie, ponieważ czwarta i trzecia struna znajdują się obok siebie.

Palce – i-m – grają szarpiąc – „tirando” – na 1. i 2. strunie.

W tego typu ćwiczeniu ćwiczymy chwytanie dwóch strun jednocześnie, można powiedzieć, że przygotowujemy się do techniki akordowej. Dla uczniów szkół podstawowych bardzo ważna jest ilość wykonywanych utworów. Utwory z reguły są do siebie bardzo podobne, jednak występują w nich niewielkie różnice i komplikacje, co ogólnie rozwija technikę opanowania instrumentu.

To ćwiczenie ma wielofunkcyjne znaczenie:

· utrwala wiedzę z notatek

· linia melodyczna zbudowana jest w oktawach

· rozwija swobodę ruchu ramion w pozycji pierwszej.

Zwróć uwagę ucznia na palcowanie prawej ręki:

· na trzeciej strunie gra się palcem – tj

· gra palcem na II strunie – m.in

· pierwszą strunę gra się palcem – a

Zasada ta jest (w pewnym sensie) istotna, gdyż przyczynia się do rozwoju logicznego myślenia małego gitarzysty.

Metoda produkcji dźwięku prawej ręki:

· kciuk „r” gra na wsporniku – „apoyando”

· i-m-a polega na skubaniu – „tirando”

Pracuj nad rozwojem trzeciego palca lewej ręki. Po tej „Etiudzie” uczeń dobrze koreluje trzeci próg gitary ze strunami basowymi. Pojawiły się pierwsze akordy trójdźwiękowe. Uwaga: kciuk prawej ręki – „r” – gra na podporze, „apoyando”, powinien poruszać się zwinnie, łatwo i swobodnie.

Rozwija umiejętności zabawy w zabawę „Zajączek” z poprzedniego rozdziału. Melodia jest jednogłosowa. Grają na dwóch strunach, technika wydobywania dźwięku prawej ręki to „apoyando”, alternacja to i-m. Upewnij się, że po zagraniu długiej nuty – półnuty – zmienia się palec prawej ręki. Osobliwością tego utworu jest to, że progi na gryfie i palcach lewej ręki są takie same, ale struny są inne.

Walc lalek.

Gra na otwartych strunach basowych. Utrwalamy w pamięci ucznia ich lokalizację na pięciolinii i instrumencie. Wydawanie dźwięków prawej ręki: „r” to „apoyando”, i-m to szarpanie. Tytuł spektaklu sugeruje określone cele artystyczne: „lalka” oznacza „fałszywy”, dlatego należy go odegrać mechanicznie, ale łatwo i swobodnie. Prosty materiał nutowy pozwala podołać takim zadaniom.

Rodzaj utworu polifonicznego. Symbolicznie można go podzielić na dwie części: pierwsza część to linia górna, a druga to linia dolna.

Część pierwsza to linia melodyczna o charakterze gamy, rozłożona na dwa takty, powtarzana w różnej wysokości. Najpierw w pierwszej oktawie na trzech górnych strunach, następnie oktawę niżej na trzech strunach basowych. Zagraj we wszystko „apoyando”.

Część II – naśladujemy „kukułkowy” głos kukułki i w odpowiedzi słuchamy jego echa. Szarpane jest „Ku-ku”, a „r” grane jest ze wsparciem dolnej struny. Spektakl ma charakter figuratywny i zapoznając z nim ucznia, można wyobrazić sobie zabawę w formie zagadka muzyczna grając na instrumencie. Dzieci z reguły łatwo odgadują nazwę, a następnie same bawią się z przyjemnością.

Wieczorna piosenka.

W grze biorą udział wszystkie sznurki. W prawej ręce możesz zaoferować 2 opcje palcowania:

I – palce grają jednocześnie dwie nuty – i-m

II- najpierw grają jednocześnie - i-m, potem - a-m - i tym podobne.

W przypadku bardziej zaawansowanych uczniów należy zastosować drugą wersję realizacji dźwięku.

Nowy etap szkolenia:

· Schemat rytmiczny prawej ręki staje się bardziej złożony.

· Po raz pierwszy zaczynamy używać małej „barry” na dwóch strunach lewej ręki.

· Spektakl ma dość dużą objętość.

Wytwarzanie dźwięków palców prawej ręki jest już znane i nie budzi żadnych wątpliwości.

Naszkicować.

Zabawa rozwijająca technikę kciuka prawej ręki - „r”. Melodia zbudowana jest na strunach basowych. Tutaj palce lewej ręki odpowiadają progom na podstrunnicy, więc uczeń może zagrać ten utwór bez nauki nut na szóstej, piątej i czwartej strunie. Wystarczy wskazać, na której strunie grać i który palec lewej ręki.

Rower.

Utwór o formie dwuczęściowej. Powtarzające się motywy.

W pierwszej części znajduje się element skali chromatycznej, próby na czterech palcach lewej ręki. W prawej ręce – i-m – „apoyando”.

W drugiej części – grając na strunach basowych – trzeba głośno liczyć, na przemian – i-m – bardziej wskazane jest szarpanie, „tirando”.

Utwór ten należy przekazać uczniowi w drugiej połowie roku, kiedy rozwinie się umiejętność czytania notatek z kartki. Tutaj melodia jest śledzona na strunach basowych, a podwójne akordy, które wspierają zmianę harmonii z każdym basem. Dziecko musi na tyle dobrze znać nuty na gitarze na I pozycji, aby dokładnie podążać za palcowaniem wskazanym w tekście nutowym.

RozdziałIV .

Kształtowanie podstaw selekcji na podstawie słuchu.

Jednym z elementów pomocniczych w nauce gry na gitarze klasycznej sześciostrunowej jest umiejętność grania melodii ze słuchu. Wybierz do tego dodatek. Takie umiejętności pomagają nauczycielowi osiągnąć określone cele pedagogiczne:

zaszczepia miłość do instrumentu

· sprzyjać ciężkiej pracy i wytrwałości

Poszerzaj swoje muzyczne horyzonty

· rozwijać gust muzyczny

Rozdział ten, ćwiczenia muzyczne i przykłady muzyczne oparte na muzyce popularnej, codziennej, moim zdaniem pomogą nauczycielowi rozwijać zainteresowanie nauką i doskonaleniem gry na instrumencie. Choć moim zdaniem dość trudno jest nauczyć ucznia samodzielnego „wybierania” instrumentu, jeśli nie ma on danych muzycznych (słuchu, rytmu, pamięci muzycznej). Uczeń musi mieć chęć wybrania melodii, którą chce lubi, ucho do muzyki, aby śpiewać i akompaniować sobie.

Trening, wykształcenie podstaw selekcji ze słuchu (płynność gry na instrumencie, koordynacja rąk, konstrukcja teoretyczna akordy, technika akordów) - dają określone rezultaty. Możesz pokazywać uczniowi przykłady, uczyć go najprostszych metod dobierania ze słuchu i uczyć się na pamięć konkretnych zwrotów muzycznych i akompaniamentów. Przy kompetentnym podejściu do tematu muzykowania student, nawet jeśli nie jest w stanie samodzielnie „wybrać” materiału muzycznego ze słuchu, jest w stanie w miarę wykonać znaną melodię z nut, „wykonując ją zgodnie z publicznego”, można tego nauczyć.

W tej sytuacji zachętą będzie

i komentarze rodziców: „Co za znajoma piosenka, jak dobrze ją grasz!”

i inne: „Słyszałem, jak Twoje dziecko gra na gitarze, a jego koledzy śpiewali razem z nim” – to wszystko pobudza zainteresowanie i rozwija swobodę gry na instrumencie.

Więc , cel Ta praca ma na celu doskonalenie umiejętności gry na gitarze.

Zadania:

· opanowanie prostych 3-dźwiękowych akordów arpeggiowych na 1. pozycji

· zastosowanie akordów, wykorzystanie w ćwiczeniach

· doskonalenie umiejętności prostego akompaniamentu

Od jakiego momentu nauki gry na gitarze można zacząć grać akordy i akompaniament?

1) kiedy już mniej więcej opanowałeś pięciolinię i gryf;

2) po zakończeniu zadań pierwszego etapu szkolenia:

· ułożenie rąk

· rozpoczęto pracę nad techniką i płynnością

· wyuczone podstawowe czasy trwania

· zaczął poznawać najprostsze zwroty kadencji w klawiszach gitary

· Stwierdzono ogólną zdolność do wybierania ze słuchu, a w szczególności do odtwarzania muzyki.

Przybliżony plan podejścia do tematu „wybór ze słuchu”»

1) zadania domowe dla uczniów:

Podnieś na gitarze melodię M. Kraseva „Little Christmas Tree”.

2) popracuj nad wybraną melodią:

pomóż „wybrać”

prawidłowe palcowanie

3) zadanie domowe – zapisz melodię, ułóż ją graficznie, zagraj według notatek z liczeniem.

Etap II - ćwiczenie 1), 2) i „Cygan”:

1) Zapisuję pierwszą wersję spektaklu, uczę się

2) praca domowa – z tego materiału muzycznego – różne układy rytmiczne.

· koncepcja literowego oznaczenia notatek

· zapis akordów na pięciolinii i u góry - ich oznaczenie literowe

· koncepcja „mniejszego - mniejszego”, „głównego - głównego”, obrazu graficznego

· d-moll, D-dur.

· nauka zapisu krokowego akordów.

Nauka prostych form w różnych rytmach.

Proponuję uczyć się tego przy użyciu najprostszego repertuaru pieśniowego typu „bardowskiego”, popularnego, „słyszanego” zarówno przez uczniów, jak i ich rodziców. Akompaniament na gitarze najwygodniej jest rozpocząć w tonacjach a-moll, e-moll - tam, gdzie nie trzeba stosować techniki „barre”, palce znajdują się w 1. pozycji, znanej początkującym gitarzystom.

Iscena

M. Krasev „Mała choinka”

Melodia jest jednogłosowa. Zwykle przy wyborze dzieci nie słuchają do końca i, oczywiście, nie wypełniają połowy czasu trwania. W linii melodycznej „Chorusa” należy podążać za palcowaniem gamy „C-dur”, monofonicznej. Następnie możesz wykonać piosenkę w zespole „nauczyciel-uczeń”, gdzie uczeń gra własną jednogłosową melodię, a nauczyciel akompaniament.

Tego typu melodie i piosenki dla dzieci trzeba dobierać „ze słuchu” w większych ilościach, aby utrwalić najprostszą umiejętność. Nawiasem mówiąc, z praktyki zauważono, że współczesne dzieci w ogóle nie znają rosyjskich pieśni i melodii ludowych, dlatego najlepiej wybierać znane piosenki „ze słuchu”, na przykład z kreskówek:

V. Shainsky „Pieśń o koniku polnym” z filmu „Przygody Dunno”

G. Gladkov „Pieśń żółwia” z filmu „Lwiątko i żółw”

E Krylatov „Kołysanka niedźwiedzia” z filmu „Umka”

B Savelyev „Jeśli jesteś miły” z filmu „Urodziny Leopolda”

I Ostrovsky „Zmęczone zabawki śpią”

Y. Chichkov „Chunga-Changa”

IIscena

Ćwiczenie nr 1:

Ćwiczenia rozwijające technikę „akordu”.

Ćwiczenie oparte na akordach „arpeggiowanych” (rozłożonych).

Nad każdym akordem należy wskazać literowe oznaczenie funkcji harmonicznej – pozwala to na wizualne pokrycie akordu w zapisie nutowym i jego oznaczenie literowe:

Cygańska dziewczyna.

· Początkowo możesz zaproponować uczniowi, aby spróbował samodzielnie wybrać tę zabawę, jeśli jest z nią zaznajomiony.

· Poprawiać błędy.

· Zapisz cyfrę nr 1 w zeszycie i zapamiętaj ją.

· Natomiast w częściach nr 2 i nr 3 należy wskazać jedynie rytm, a uczeń samodzielnie wykona cały utwór, korzystając z zapamiętanego materiału muzycznego z części nr 1.

· Zapisz w zeszycie części nr 2 i nr 3.

Ćwiczenie nr 2:

To ćwiczenie jest trudniejsze niż ćwiczenie nr 1. Zmienia się kolejność funkcji i dodaje A7.

Ćwiczenie nr 3:

Zacznijmy wydobywać 3 dźwięczne akordy. Palcowanie uczy się w ćwiczeniach arpeggio. Trudność dla ucznia polega na zagraniu trzech nut

jednocześnie. Należy zwrócić uwagę ucznia na fakt, że w takcie zmienia się tylko bas i jest tylko jeden akord.

Ćwiczenie nr 4:

Materiał muzyczny stał się bardziej złożony:

Za każdym razem, gdy zmienia się bas i akord,

Ćwiczenie nr 5:

Funkcje i akordy są uczniowi znane z poprzedniego ćwiczenia, zmienił się układ rytmiczny.

Ćwiczenie nr 6:

Ćwiczenie nr 7

Ćwiczenie nr 8:

Komplikujemy zadanie - zmieniamy tonację, wzór rytmiczny.

Wszystkie ćwiczenia należy liczyć na głos, grać według notatek, tak aby pamięć motoryczna, wzrokowa i słuchowa dziecka rozwijała się jednocześnie, ćwiczyła koordynację ruchów, a różne wzorce rytmiczne doprowadzane były do ​​automatyzmu. W przyszłości, gdy już opanujesz, możesz łączyć rytmy z różnych ćwiczeń w tej samej tonacji: jest już miejsce na wyobraźnię każdego nauczyciela. Wszystko to ma na celu głębsze zbadanie możliwości gitary, wzmocnienie automat do gier rozwijać łatwość i swobodę w grze na instrumencie.

Wniosek.

Opisana metodyka pierwszych kroków na gitarze została sprawdzona w praktyce. Dzieci uwielbiają grać na instrumencie od pierwszej lekcji, wybrany materiał jest łatwy do zrozumienia dla uczniów w wieku 6-7 lat i łatwy do gry na gitarze. Podczas zajęć specjalistycznych rozwijają się pozytywne emocje, u ucznia rozwija się poczucie lekkości i wolności, które należy umiejętnie podtrzymywać i rozwijać przez cały okres studiów. Jeśli wcześniej szkoła muzyczna musiała przygotowywać przyszłych zawodowych muzyków, komisje rekrutacyjne przeprowadzały ścisłą selekcję i organizowano konkursy wśród tych, którzy chcieli „uczyć się muzyki”, ale obecnie szkoła muzyczna współpracuje z każdym, kto przyjdzie, bez selekcji za zdolności muzyczne. I to prawda, człowiek musi się rozwijać i doskonalić w wielu obszarach, mimo że natura nie obdarzyła go zdolnościami i supertalentami. W ramach szkoły muzycznej wszystkie dzieci, które chcą, mogą uczyć się gry na dowolnym instrumencie muzycznym, nauczyciel musi uzbroić się w cierpliwość i pomóc w osiągnięciu pewnych rezultatów.

Przy okazji nauczyciel rozwiązuje problemy związane z realizacją dźwięku i jakością wykonywanego materiału muzycznego. Nazwy ćwiczeń dają pole do popisu dziecięcej wyobraźni. Przygotuje to studentów do opanowania zbiorów repertuarowych i utworów znanych już gitarzystów klasycznych i kompozytorów współczesnych. Do pracy z dziećmi możesz skorzystać z kolekcji V. Yarmolenki „Czytnik gitarzysty dla uczniów 1-7” Zajęcia w Dziecięcej Szkole Muzycznej" Zgromadzono tu wiele melodii ludowych oraz najczęściej wykonywany repertuar na gitarę z wielu znanych kolekcji.

Bibliografia:

Ageev D. Gitara. Lekcje mistrzowskie dla początkujących. – Petersburg: Piotr, 2009.

Gitarzysta Bocharowa. Poradnik dla początkujących. - M.: Akkord, 2002.

Gitman A. Wstępne szkolenie na gitarze sześciostrunowej. - M.: Presto, 1999.

Iwanowa. Kształcenie umiejętności muzykowania w pracy z początkującymi pianistami. (DSHI nr 1, Czelabińsk). - Czelabińsk, 2000.

Iwanow-Kramska gra na gitarze sześciostrunowej. - M.: Muzyka, 1979.

Kołoturska. Akompaniament. (DSHI nr 5, Czelabińsk).

- Czelabińsk, 2000.

Michaił. Kształcenie umiejętności muzykowania (dobór ze słuchu, aranżacja, improwizacja) w klasach 1-7 Dziecięcego Zespołu Plastycznego. (DSHI nr 12, Czelabińsk).

- Czelabińsk, 2000.

Kroki gitarzysty Fetisova. Notatnik nr 1. - M .: Wydawnictwo V. Katansky, 2005.

Yarmolenko V. Czytelnik gitarzysty dla uczniów klas 1-7 Dziecięcej Szkoły Muzycznej. – M., 2010.

Rozwój metodologiczny

Organizacja Praca domowa na gitarze sześciostrunowej w systemie kształcenia dodatkowego. Opracowane przez MetlaS.G, szefa nauczycieli gry na gitarze GMO.

Wyróżnia się dwie formy edukacji: lekcje w klasie pod okiem nauczyciela oraz samodzielną pracę domową. Na gitarę napisano już całkiem sporo. prace metodologiczne dla uczniów szkół i uczelni muzycznych. Są to prace N.P. Michajlenki „Metody nauczania gry na gitarze sześciostrunowej”. Y.P. Kuzin „ABC gitarzysty”. Ch. Duncan „Sztuka gry na gitarze”. „Organizowanie pracy domowej przy fortepianie” M.E. Bessarabowej. Ogólne zasady szkolenie nadaje się również do systemu kształcenia dodatkowego, więc wiele można uwzględnić i dostosować w odniesieniu do dodatkowego kształcenia klasy gitarowej.

Nauka gry na gitarze sześciostrunowej

Sukces w nauce zależy od tego, jak lekcje prowadzone przez nauczyciela w klasie i samodzielna praca domowa ucznia na siebie oddziałują. Naucz swoje dziecko rozumieć muzykę. Dźwięki powinny być nie tylko fizyczne, ale także muzyczne, przekazywać piękno, a nie tylko czas trwania, wysokość i barwę. Upewnij się, że wykonywany utwór muzyczny nie odzwierciedla języka zapisu muzycznego, ale reprezentuje jakieś zjawisko artystyczne. Klasa gitary istnieje w Piotrogrodzkiej dzielnicy DDT w Petersburgu od ponad dziesięciu lat. Przez lata wiele dzieci opanowało podstawy sztuki gitarowej, zapoznając się z twórczością kompozytorów z różnych epok i krajów, rozwijając i doskonaląc swoje umiejętności muzyczne i muzyczne. Umiejętności twórcze.

Lekcje gry na instrumentach pozwalają studentom na przyspieszenie praktycznego rozwoju podstaw umiejętności muzycznych, co w przyszłości umożliwi im grę w zespołach. różne rodzaje. Rozwijaj ucho wewnętrzne do muzyki, naucz się wybierać melodie ze słuchu i akompaniuj głosowi.

Przy całej swojej dostępności i pozornej prostocie gitara jest instrumentem dość złożonym. Dziecko siadając przy instrumencie musi rozwiązywać wiele problemów jednocześnie. Umiejętnie wykonać tekst muzyczny, poprawnie odczytać nuty, zwracając uwagę na przypadkowe znaki, palcowanie, niuanse, rozwiązując problemy metryki i tempa. Rozważać prawidłowy stosunek melodię i akompaniament. Słuchaj, intonuj i śpiewaj frazy i zdania muzyczne palcami prawej ręki. Stale monitoruj koordynację obu rąk. Oczywiście podczas gry na gitarze istnieje wiele zadań, a każde z nich reprezentuje pewną złożoność teoretyczną, koordynacyjną lub techniczną i wymaga pewnej ilości czasu na naukę i praktyczne opanowanie gryfu gitary.

Organizacja zajęć gitarowych.

Zajęcia w placówce dodatkowej w sali lekcyjnej z nauczycielem stanowią stosunkowo niewielką część czasu (45 minut) w tygodniu. To nie wystarczy do pewnej, głębokiej asymilacji materiał edukacyjny. Bardzo ważne jest prawidłowe zorganizowanie pracy domowej. Celem pracy w klasie jest przygotowanie ucznia do samodzielnej pracy twórczej. Ważne jest, aby uczeń zrozumiał, że systematyczne lekcje gry na gitarze są głównym warunkiem opanowania umiejętności wykonawczych. W takim przypadku dziecko bezwzględnie potrzebuje pomocy rodziców, zwłaszcza jeśli jest w wieku szkolnym. Ważne jest, aby nauczyć ucznia samodzielnej pracy.

Początkowy okres szkolenia

Należy pamiętać, że myślenie abstrakcyjne u 7-8-letniego dziecka nie jest jeszcze w pełni ukształtowane. Dlatego pracując w domu za pomocą narzędzia, należy przede wszystkim skupić się na kreatywne myslenie Rozwój jest jedną z naczelnych zasad edukacji muzycznej. Wszelka samodzielna praca musi odbywać się pod ciągłą kontrolą słuchową. Okresowo należy przeprowadzać lekcje kontrolne, które symulują lekcje domowe. Nauczyciel nie powinien wtrącać się w ten proces, obserwować i czasami komentować. Ważne jest nawiązanie kontaktu z rodzicami, zapoznanie się z warunkami ich życia i pomoc w zaprowadzeniu u ucznia porządku. Ponieważ każdy utwór muzyczny zawsze zawiera treści emocjonalne i figuratywne, zaleca się naprzemienne wykonywanie zajęć szkolnych i muzycznych, na przykład muzyki w języku rosyjskim, muzyki matematycznej itp. Ta zasada przygotowywania prac domowych pozwala równomiernie łączyć na zmianę obciążenie pracą i odpoczynkiem. Przy takim harmonogramie czas trwania zajęć między lekcjami może wynosić 15-20 minut. Proponowany tryb pracy pozwoli zaoszczędzić czas i pozwoli efektywniej organizować pracę domową.

Organizacja ruchów gitarzysty

W pierwszych tygodniach nauki uczeń uczy się chodzić palcami po strunach i progach. Ta trudna czynność wymaga dużo cierpliwości i uwagi zarówno ze strony ucznia, jak i rodziców, gdyż dzieci w wieku 7-8 lat fizycznie nie są w stanie skupić uwagi na takiej pracy dłużej niż kilka minut. Tutaj uczeń potrzebuje pomocy rodziców już na pierwszych zajęciach. Najpierw musisz opanować technikę arpeggio na gitarze. Palce prawej ręki powinny widzieć i słyszeć. Ruchy palców prawej ręki są łatwiejsze do analizy, gdy nie są one połączone z lewą ręką. Najprostsze arpeggio rosnące p.i.m.a. Kciuk prawej ręki bawi się podporą (apoyando), w tym momencie wszystkie trzy palce - wskazujący, środkowy, serdeczny - są jednocześnie umieszczone na 1.2.3. sznurek, struny znajdują się pomiędzy czubkami palców i paznokci, lekko naciskając struny, palce naprzemiennie wydają dźwięk. Umocowanie sznurka pomiędzy opuszkiem palca a paznokciem zapewnia najbardziej efektywne przeniesienie sił i minimalny luz w stawie paznokciowym. Palce lewej ręki zapewniają minimalne uniesienie nad drążkiem, powodując minimalny wysiłek przy ich ruchu. Minimalny nacisk na struny chroni je przed przeciążeniem i spowalnia pojawianie się zmęczenia. Pionową pozycję palca uzyskuje się poprzez dotknięcie struny na podstrunnicy bliżej paznokcia. Wskazane jest ćwiczenie z metronomem, a aby wyrobić sobie wyczucie pulsu, należy dostroić metronom do drugiego taktu. Ćwiczenia i gamy wymagają ciągłej uwagi na kontrolowaną i niekontrolowaną artykulację, gdy ucho kontroluje i nie kontroluje szybkość wykonania w najszybszych tempach. Bardzo ważne jest, aby usłyszeć beat rytmicznie i melodyjnie, połączyć go mentalnie z kolejnym taktem i uznać go za odskocznię do taktu. Ważne jest, aby uczeń podczas gry obserwował ruchy obu rąk, bardzo ważna jest artykulacja pomiędzy prawą i lewą ręką. Palce prawej ręki są przygotowywane, umieszczane wcześniej na pożądanych strunach, palce lewej ręki odnajdują nutę, palce prawej ręki wydają dźwięk. Podczas grania gam i ćwiczeń prawy kciuk spoczywa na szóstej strunie. Wartość tych ćwiczeń i czynności jest istotna, gdy tempo wzrasta lub pojawia się krótszy czas trwania, kontrola świadomości ustępuje miejsca nabytym odruchom. Bardzo ważny jest rozwój techniki prawej ręki, im więcej czasu poświęcisz na przygotowanie dźwięku, tym głębsza będzie kontrola. To, co ostatecznie jawi się jako legato, występuje z równą intensywnością i rytmiczną precyzją.

Praca nad rytmem

Ponieważ muzyka jest sztuką, która nie może istnieć poza czasem, każdy wykonawca potrzebuje zwiększonego wyczucia rytmu metrum jako podstawy każdego dzieła muzycznego. Aby uzyskać ekspresyjne wykonanie, oprócz barwy, przyspieszania i zwalniania tempa, musisz nauczyć się wydobywać dźwięk i rytm z gitary. Można to zrobić za pomocą ruchów rąk, mentalnie skupiając się na takim ćwiczeniu, lewa ręka, naciskając sznurek na szyi, wykonuje ukryty ruch w lewo, a prawa ręka w tym momencie - w prawo, rozciągając dźwięk przypomina sprężynę, tworząc napięcie, a następnie rozluźnienie, musi odpowiadać wewnętrznej pulsacji. To bardzo ciekawy moment w technice wykonawczej wybitnych gitarzystów i na ten temat chcę napisać kolejną pracę, poświęconą analizie umiejętności wykonawczych czołowych gitarzystów. Jedną z metod kształtowania wyczucia rytmu metrum jest praca z liczeniem ze słuchu, szczególnie w początkowej fazie nauki, stopniowo kształtując u ucznia wewnętrzne wyczucie rytmu metrum. Schemat kont, którego używam, wygląda następująco. Za całą nutę uważa się Ta-a-a-a, pół Ta-a, ćwierćnutę Ta,

Ósme Ta-ti, szesnaste Ta-ra-ti-ri. Ten schemat jest prosty, łatwy do zapamiętania i łatwy do wymówienia.

Porady metodyczne dla nauczycieli klas gitarowych.

Aby nauka przebiegała pomyślnie, staraj się już od pierwszych lekcji znaleźć kontakt psychologiczny z uczniem. Nie próbuj uczyć tylko bystrych dzieci. Każde dziecko jest indywidualnością, osobowością, sztuka nauczyciela polega na tym, aby każdy uczeń stał się znakomitym wykonawcą i nabył trwałe zainteresowanie nauką muzyczną, które może trwać przez całe życie. Aby to zrobić, konieczne jest stworzenie harmonogramu zadań domowych ucznia, w którym będzie zmieniana szkoła i przedmioty muzyczne, ucz swoje dziecko codziennej praktyki na instrumencie. Jeśli to możliwe, przez pierwsze miesiące nauki rodzice powinni być obecni na zajęciach, aby mogli następnie monitorować realizację zadań domowych. Już od pierwszych kroków w nauce przyzwyczajaj ucznia do niezależna praca za instrumentem. Należy bezwzględnie przestrzegać warunków higienicznych i fizjologicznych aktywności dziecka. Użyj wygodnego, twardego krzesła o wymaganej wysokości i podpórki dla lewej nogi, aby uniknąć skrzywienia kręgosłupa. Podczas zajęć należy zachować ciszę. Zwracaj uwagę na stan fizyczny i emocjonalny ucznia. Weź udział w corocznych koncertach i konkursach w miejscu z rodzicami. Stale rozwijaj u dziecka potrzebę słuchania muzyka klasyczna i analizuj to, co słyszysz. Naucz dzieci zachowywać się na scenie, zejść, ukłonić się, wyjść. Pracuj pewnie, z szacunkiem i miłością do ucznia, gitary i muzyki. Stale analizuj swoje lekcje.

FEDERACJA ROSYJSKA

WYDZIAŁ KULTURY ADMINISTRACJI MIASTA BRIAŃSKA

MIEJSKA BUDŻETOWA INSTYTUCJA KSZTAŁCENIA DODATKOWEGO „DZIECIĘCA SZKOŁA ARTYSTYCZNA nr 2 im. LICZBA PI. Czajkowskiego”

(MBU DO „DSHI nr 2 nazwany na cześć P.I. Czajkowskiego”)

„Stosowanie metod twórczych

na specjalnej lekcji gry na gitarze

w dziecięcej szkole plastycznej”

Wykonane:

nauczyciel

przez zajęcia z gitary

Terekhina O.V.

B r i a n c 2017

1. Część wprowadzająca – objaśnienia............................................ ........... 3

2.Wykorzystanie metod twórczych na lekcji gry na gitarze w dziecięcej szkole plastycznej…………………………………………………………………..... 5

3. Zakończenie…………………………………………………………………………….22

4. Literatura………………………………………………………………….….23

5.Załączniki………………………………………………………………25

Część wprowadzająca – nota wyjaśniająca

Znaczenie pracy. Za ostatnie lata W naszym kraju zaszły zmiany, które poważnie zmieniły cel i funkcje edukacji. rzeczywistość.

Obecne pokolenie nauczycieli gry na gitarze pracujących z dziećmi zwraca uwagę na fakt, że współcześni rodzice większą wagę przywiązują do rozwoju psychicznego i intelektualnego dziecka. Często więc rozwój intelektualny wyprzedza rozwój emocjonalny i estetyczny, zakłócając proces harmonijnego rozwoju jednostki. Liczne przykłady pokazują, że jest to jeden z najważniejszych środków rozwój emocjonalny muzyka jest ludzka. Sztuka gitarowa, jak każda inna sztuka, może służyć jako potężne narzędzie edukacja estetyczna studentów, mimo że istnieją błędne opinie o gitarze jako o instrumencie gorszym artystycznie. W trakcie prowadzenia zajęć specjalistycznych w Dziecięcym Zespole Plastycznym pojawiają się takie kwestie jak: promocja działalność twórcza uczniowie, emocjonalna reakcja na obrazy muzyczne, wzbogacanie uczniów o wiedzę o muzyce, uzupełnianie wrażeń słuchowych - wszystko to rodzi problem optymalizacji wykorzystania metod twórczych na lekcjach muzyki we współczesnej dziecięcej szkole artystycznej. Ważne punkty Czy:

rodzaje pracy nauczyciela i uczniów wykorzystujących instrument gitarowy na lekcjach muzyki;

Metody stosowane przez nauczyciela, aby osiągnąć efekt zainteresowania uczniów.

Wszystko to podkreśla istotność tematu „Wykorzystanie metod twórczych na lekcjach specjalistycznych w dziecięcej szkole plastycznej”

Przedmiot pracy jest procesem twórczy rozwój osobowość ucznia w klasie.

Przedmiot pracy to sposoby wykorzystania metod twórczych jako czynnika rozwojowego w procesie uczenia się dzieci.

Cel pracy jest zidentyfikowanie systemu sposobów wykorzystania metod twórczych jako czynnika rozwojowego w uczeniu się dzieci.

Hipoteza pracy: Rozwój osobowości uczniów szkoły artystycznej będzie skuteczniejszy, jeśli w procesie uczenia się zastosuje się system twórczych metod, metod i technik wykorzystujących instrument gitarowy.

Zadania:

Przeanalizuj powstawanie i rozwój gitary w historii kultury muzycznej.

Zbadanie postaw uczniów wobec gitary i jej możliwości.

Rozpoznać system metod, metod, technik wykorzystania gry na gitarze w edukacyjnych działaniach muzycznych.

2. Wykorzystanie metod twórczych na lekcji gry na gitarze w dziecięcej szkole plastycznej.

W klasach specjalistycznych Dziecięcej Szkoły Plastycznej problem przekształcenia lekcji muzyki w lekcję plastyki staje się coraz bardziej palący. Jednym z ich najważniejszych zadań jest „bycie rzetelnym pomocnikiem szkół ponadgimnazjalnych w wypełnianiu głównego wymagania: znacznego doskonalenia edukacji artystycznej i edukacji estetycznej uczniów”. Ważne jest, aby nauczyciel potrafił wyrazić siebie w różnorodnych formach pracy, a także wiedzieć, z jakich możliwości może skorzystać organizując i planując swoją pracę z kategorią uczniów, z którą aktualnie prowadzi edukację muzyczną i trening. Im szerzej nauczyciel wyobraża sobie cały system edukacja muzyczna im bardziej i lepiej opanuje metodykę poszczególnych jej elementów, tym skuteczniejszy będzie wynik jego pracy, tym większą satysfakcję będzie czerpał ze swojej praktycznej działalności jako nauczyciel-wychowawca. Udział w tej pracy otwiera zarówno uczniom, jak i nauczycielom możliwości większego zaangażowania się w muzykę i robienia tego, co ich interesuje. LG Dmitrieva i N.M. Czernoiwanenko zwraca uwagę nauczycieli, że organizując pracę, powinni pamiętać:

wszystkie typy lekcje muzyki powinien mieć na celu edukację moralną i estetyczną uczniów, kształtowanie ich gustów i zainteresowań muzycznych;

powszechne stosowanie różnych metod powinno przyczynić się do rozbudzenia zainteresowań artystycznych, rozwoju zdolności muzycznych i twórczych uczniów;

Należy pielęgnować w uczniach zainteresowanie pracą edukacyjną i chęć krzewienia kultury muzycznej.

Nauczyciel musi także wziąć pod uwagę, że na kształtowanie gustów i zainteresowań uczniów duży wpływ mają środki rodziny środki masowego przekazu, rówieśnicy. Biorąc pod uwagę wszystko powyższe, oczywiste jest, że słowa nauczyciela humanisty V.A. pozostają dla nauczyciela wskazówką. Suchomlinskiego: „Edukacja muzyczna nie jest edukacją muzyka, ale przede wszystkim edukacją człowieka”.

Naszym zdaniem najbardziej produktywne dodatki do organizacji pracy przy pomocy gitary to:

Kreatywne podejście do nauki gry na instrumencie.

Zespoły gitarowe.

Uczestniczy w koncertach i festiwalach gitarowych.

Rozważmy bardziej szczegółowo każdą z powyższych form pracy.

U źródła Nauka gry na instrumencie polega na indywidualnej formie pracy z uczniem, która stwarza dogodne warunki do doskonalenia umiejętności gry na instrumencie, aktywnego rozwoju zdolności muzycznych oraz kultywowania zainteresowań i gustów muzycznych. Naturalnie nauczyciel buduje proces uczenia się, koncentrując się na możliwościach ucznia, jego cechach osobistych i ustalonych zainteresowaniach. Niestety, warunki te nie zawsze służą rozwiązaniu problemów edukacji muzycznej. Czasem cel zajęć sprowadza się jedynie do technicznego opanowania określonego repertuaru i opanowania sumy umiejętności niezbędnych do jego wykonania. Jednocześnie zbyt mało uwagi poświęca się metodom aktywującym wyobraźnię twórczą. Ich miejsce jest zajęte podane przez nauczyciela„przykładowe” wykonanie. W rezultacie zainteresowanie dzieci taką pracą maleje i wolą szukać bardziej ekscytujących zajęć.

Biorąc pod uwagę wszystkie powyższe wnioski, w naszej pracy nad nauczaniem gry na gitarze postanowiliśmy oprzeć się na opracowaniu podręcznika metodycznego autorstwa A.D. Lazareva „Nauka przez zabawę”. PIEKŁO. Lazareva jest nauczycielką gry na gitarze w szkole muzycznej w Charkowie, organizatorką i prezenterką klubu miłośników muzyki gitarowej oraz członkinią Stowarzyszenia Ukraińskich Gitarzystów. Kontynuuje stałą linię coraz intensywniejszego angażowania dzieci w proces odtwarzania muzyki. Głównymi zaletami tej pracy jest dostarczenie niekonwencjonalnej, praktycznej techniki gitarowej opartej na zasadzie przebudzenia kreatywność u dziecka żywotność i fascynacja emocjonalnym tonem opowieści. Przebieg metodyki obejmuje czterdzieści lekcji, za pomocą których autorka stara się rozbudzić wyobraźnię artystyczną dzieci, chęć wykazania się inicjatywą twórczą, wyrażenie swojego potencjał twórczy.

Materiał lekcji opiera się na kilku rodzajach pracy. Wszystkie z nich mogą być używane równolegle i łączone w miarę potrzeb, w miarę ich opanowania. Już od pierwszych zajęć dzieci zachęcane są do śpiewania znanych piosenek i rozpoznawania ich rytmu - lekcja 1; zajmij się najprostszymi rzeczami gra muzyka zespołowa– Lekcja 3. Ważnymi etapami aktywowania umiejętności twórczych są:

uzupełnianie melodii pieśni na podstawie ich początkowych odcinków melodycznych - lekcja 17;

zadania rozwijające umiejętność wariacji, wymyślania melodii do proponowanych wierszy - lekcja 28;

komponowanie melodii w oparciu o ich podstawę rytmiczną - lekcja 39.

W tym podręczniku dzieci są zachęcane do komponowania historii na podstawie wysłuchanego utworu muzycznego – lekcja 6 i innych metod ważnych dla aktywizacji zainteresowań poznawczych dzieci.

Aby osiągnąć jak najlepsze rezultaty w nauczaniu początkującego ucznia A.D. Lazareva zaleca następujące techniki:

zainteresowanie pracą, utrzymanie konsekwencji w badaniu każdego nowego etapu, osiągnięcie znaczącej asymilacji;

w każdym indywidualnym przypadku należy wziąć pod uwagę charakter dziecka;

Wskazane jest ograniczenie czasu trwania samej lekcji do 20-30 minut i zwiększenie liczby lekcji w tygodniu do trzech do czterech razy w tygodniu, oferujemy opcję dwa razy w tygodniu;

proces uczenia się jako całość powinien przejść od koncepcji ogólnych do zawężania i pogłębiania pracy nad szczegółami;

Badanie nut na gryfie i pięciolinii gitary należy najpierw przeprowadzić niezależnie od siebie. Praktyka potwierdziła, że ​​zapamiętywanie nut na gryfie odbywa się głównie poprzez naukę duża ilość piosenek, idzie znacznie szybciej niż na pięciolinii. Aby przyspieszyć ten proces, możesz jednocześnie ćwiczyć czytanie nut z kartki bez użycia instrumentu;

Konieczne jest wprowadzenie elementów gier do zajęć z młodszymi uczniami.

Wybitny nauczyciel Anton Siemionowicz Makarenko w jednym ze swoich dzieł sugeruje: „Istnieje ważna metoda - zabawa. Uważam, że traktowanie zabawy jako jednego z zajęć dziecka jest pewnym błędem. W dzieciństwie zabawa jest normą i dziecko powinno bawić się zawsze, nawet gdy robi coś poważnego... W każdej dobrej zabawie jest przede wszystkim wysiłek pracy i wysiłek myślenia... gra bez wysiłek bez aktywnej aktywności jest zawsze złą grą.” Zabawa sprawia dziecku radość. Będzie to albo radość kreatywności, albo radość zwycięstwa, albo radość estetyczna – radość jakości. Przynosi tę samą radość dobra robota, i tu jest zupełne podobieństwo.” Gra buduje relacje pomiędzy dorosłym i dzieckiem. Relacje te, zdaniem A.D. Lazarevy, leżą u podstaw podejścia osobistego, kiedy nauczyciel koncentruje się na osobowości dziecka jako całości, a nie tylko na jego funkcjach jako ucznia. Dziś coraz częściej na konferencjach pedagogicznych słychać wezwanie: „Przynieście grę do szkoły!” „Ludzie, którzy w dzieciństwie bawili się w odgrywanie ról, są na to lepiej przygotowani działalność twórcza" Podręcznik A.D. Lazarevy „Nauka przez zabawę” to cenny, innowacyjny podręcznik. Może wnieść istotny wkład w udoskonalenie metod i praktycznej pedagogiki początkowego nauczania gry na gitarze.

Nauka gry na instrumencie jest dostępna dla wszystkich dzieci, niezależnie od ich umiejętności, a zadaniem nauczyciela jest zwrócenie szczególnej uwagi na ich muzyczny rozwój twórczy, który można z powodzeniem osiągnąć poprzez umiejętne wykorzystanie różnych rodzajów pracy: czytania a vista, improwizacji, wybór ze słuchu. Na przykład początkujący uczniowie często wykazują chęć grania ze słuchu utworów, które im się podobają. Z reguły są to melodie popularnych hitów, którym daleko do najlepszych przykładów lekka muzyka. Zrealizowanie zły wpływ Nauczyciel nie powinien jednak narzucać swojej opinii, korzystając z całego arsenału środków, aby uświadomić uczniowi, że melodia, którą lubi, jest stereotypowa i nie interesuje go, jeśli chodzi o wiele modnych nowych produktów kształtujących gust. Wraz z gromadzeniem doświadczeń uwaga uczniów skupia się na znalezieniu najlepszej opcji harmonizacji melodii przy użyciu różnych rodzajów tekstur.

Rozwój zdolności twórczych od samego początku powinien odbywać się drogą kształtowania niezależności w interpretacji dzieł, wykonaniu zadania twórcze. Uczeń proszony jest np. o uzupełnienie brakujących taktów melodii, dokończenie zakończenia prostego utworu, zagranie danego motywu w zależności od planu z różnymi zmianami, skomponowanie wariacji na dany temat. Oczywiście na początku uczniowie są ograniczeni i starają się na wiele sposobów naśladować znane wzorce, ale ważne jest, aby rozwinęli w nich zainteresowanie i samą potrzebę kreatywności, którą zawsze można ulepszyć.

Ucząc uczniów gry na gitarze, wielu nauczycieli już na początkowym etapie zapoznawania się z instrumentem staje przed problemem doboru repertuaru pedagogicznego. Celem repertuaru powinno być połączenie rozwoju możliwości technicznych dzieci z odbieraniem pozytywnych emocji wynikających z obcowania z muzyką. Dlatego też na początkowym etapie nauki gry na gitarze sugerujemy skorzystanie z utworów następujących kompozytorów-gitarzyst:

Ludmiła Iwanowa (kompozytorka i pedagog z Petersburga) gra „Gęsty las”, „Deszcz”, „Jula”;

Zbiór dzieł dla dzieci Wiktora Kozłowa;

„Album gitarzysty” Wiktora Erzunova (5 numerów);

Kolekcja utworów na gitarę „Clouds” Olega Kiselewa;

Aleksander Winnicki „Album jazzowy dla dzieci”, sześć duetów na gitarę

Wiktor Wiktorowicz Kozłow (ur. 1958) – rosyjski gitarzysta, kompozytor i nauczyciel muzyki. Założyciel szkoły gitarowej South Ural. Upodobania kompozytorskie V. Kozlova dotyczą zakresu miniatur na gitary solowe i trio. Zabawy humorystyczne, takie jak „ Taniec Wschodu„, „Taniec myśliwego”, „Marsz żołnierzy”, „Mały detektyw” itp.

Prace V. Kozlova publikowane są w Rosji, Niemczech, Włoszech, Anglii, Polsce i Finlandii. Czołowi światowi wykonawcy muzyki gitarowej - N. Komolyatov, S. Dinigan, T. Volskaya, duety „Capriccioso” i „Concertino”, Trio Gitarzystów Uralu – włączają do swojego repertuaru sztuki tego autora. Jako profesor Czelabińskiego Instytutu Muzycznego V. Kozlova, jako autorka programów edukacyjnych, przywiązuje szczególną wagę do muzyki dla dzieci. Autorowi udaje się tu połączyć oryginalny repertuar z żywymi obrazami i specyficznym ukierunkowaniem metodologicznym. Tym samym wyjątkową pomocą dydaktyczną stała się płyta „Little Secrets of Senorita Guitar” (1999), w której wykorzystano techniki barwne, które pojawiły się pod koniec XX wieku, aby w pełni odsłonić obraz. „Echoes of the brazylijski karnawał” to nowy, przykuwający uwagę album w duecie gitarowym. Utwory zawarte w albumie można wykorzystać m.in proces edukacyjny szkół muzycznych i uczelni, a także do domowego odtwarzania muzyki.

Wiktor Alekseevich Erzunov – nauczyciel gry na gitarze na Państwowym Uniwersytecie Medycznym im. Gnessins od 1971 roku. W tym celu wielu jego uczniów zostało laureatami Ogólnorosyjskiego i Zawody międzynarodowe a także nauczyciele szkół i uczelni muzycznych w Moskwie i Rosji. W oparciu o własne metody pedagogiczne i doświadczenie wykonawcze W swojej twórczości stworzył sześć autorskich „Albumów Gitarzystycznych”, ukazało się wydanie jego utworów, przeznaczone dla uczniów dziecięcych szkół muzycznych i miłośników gitary.

Oleg Kiselev – gitarzysta, kompozytor, pedagog, urodził się w 1964 roku w miejscowości Asza w obwodzie czelabińskim, w rodzinie inżynierów metalurgii. Zaczął grać na gitarze w wieku 11 lat. Pierwszym nauczycielem był jego ojciec, który pamiętając młodość, nauczył syna akompaniować kilku utworom na siedmiostrunowej gitarze. Następnie O. Kiselev samodzielnie opanował grę na gitarze sześciostrunowej, grając w szkolnym zespole popowym. Po raz pierwszy zetknąłem się z gitarą klasyczną i notacją muzyczną w wieku 17 lat, wstępując do Czelabińskiego Instytutu Politechnicznego na wydziale metalurgicznym w 1981 r., gdzie w tamtych latach istniał „Klub gitara klasyczna„, którego prezydentem był Aleksander Dołgich. W 1991 roku ukończył wydział korespondencyjny w Czelabińsku Szkoła Muzyczna klasa gitary Wiktor Wiktorowicz Kozłowa. Od 1990 roku pracuje jako nauczyciel gry na gitarze w Asha School of Arts. Jest autorem ponad 250 utworów na gitarę wydanych w Polsce, Rosji, Włoszech, Belgii, Szwecji, których recenzje ukazały się w międzynarodowych magazynach gitarowych oraz nagrał 7 (siedem) płyt CD.

Większość twórczości Olega Kiselewa adresowana jest do dzieci i młodzieży. O. Kiselev wykorzystuje w swojej pracy całą paletę style muzyczne(klasyczna, romantyczna, jazzowa, nowoczesna, latynoska, folkowa, rock and roll).

Aleksander Winnicki stworzył kolekcję „Dziecięcy album jazzowy” do edukacji muzycznej dzieci na gitarze z elementami stylów jazzowych. W zbiorze znajdują się ćwiczenia, etiudy, utwory i duety na gitarę i instrument melodyczny. Służy także jako materiał do autorskich seminariów „Gitara klasyczna w jazzie”.

Korzystając z ćwiczeń z tego zbioru, możesz nauczyć się technik rytmicznych i aranżacyjnych na gitarze. Ćwiczenie „Sekwencje jazzowe” jest przykładem ułożenia zadanej sekwencji harmonicznej poprzez dodawanie akordów i przeróbek, a także zmianę figur rytmicznych. Jego studia skupiają się na doskonałej technice i łamanych akordach i zmniejszonych akordach.

W kolekcji Aleksandra Winnickiego „Dziecięcy album jazzowy” znajdują się także sztuki w stylu „Strite” ze szczegółowym komentarzem i przykładami aranżacji tematycznych. Jedna sztuka jest napisana w stylu rock and rolla.

Aleksander Winnicki napisał sześć duetów na gitarę i instrument melodyczny różne style od ballad („A Doll for Natalie”, „Pieśń deszczu”) po ragtime („Acrobat”) i można je włączyć do repertuaru koncertowego.

Od pierwszych lekcji nauczyciel musi wprowadzać gra w zespole przy umiejętnym prowadzeniu pomaga zintensyfikować aktywność dzieci, rozbudza ich zainteresowanie i pasję. Najlepszy środek Osiąga się to poprzez grę w zespole nauczyciel-uczeń. Materiałem dla zespołu mogą być fragmenty muzyki do filmów, programów radiowych i telewizyjnych znanych już dzieciom. Już grając jedną nutę dziecko opanowuje rytm, dynamikę i początkowe ruchy podczas gry. Dzieci rozwijają także wyobraźnię dźwiękową. Jako przykład podamy rosyjską pieśń ludową „Na polu była brzoza”, której może się nauczyć zespół nauczycielsko-uczniowski. W pierwszej kolejności można poprosić ucznia o wystukanie pierwszych uderzeń taktu (do klaśnięć można użyć tamburynu lub trójkąta), śpiewając melodię głosem. Następnie nauczyciel gra melodię, a uczeń kontynuuje wystukiwanie rytmu. Następnie – gra w duecie: uczeń gra na pierwszej strunie w zadanym rytmie, nauczyciel gra melodię piosenki. Pozytywne jest to, że student gra bez nauki notacja muzyczna. O tej metodzie pracy pisał G. Neuhaus: „Od pierwszej lekcji uczeń jest zaangażowany w aktywne muzykowanie. Razem z nauczycielem odgrywa proste sztuki teatralne, które mają już znaczenie artystyczne. Dzieci od razu odczuwają radość z bezpośredniego, choć ziarenka, radości ze sztuki. Zaproszenie uczniów do odtwarzania muzyki, którą usłyszeli, z pewnością zachęci ich do wykonywania swoich pierwszych muzycznych obowiązków najlepiej jak potrafią.”

Wskazane jest, aby nie ograniczać się do zabaw z nauczycielem, choć jest to przydatne i konieczne, ale organizować zespoły składające się z uczniów. Mogą to być goście z różnych środowisk i grający na różnych instrumentach. Czując się członkami grupy muzycznej, są bardziej odpowiedzialni za wykonanie powierzonych im partii i Praca w zespole, nakierowana na rozwiązywanie powszechnych problemów artystycznych, zachęca do wykazania się twórczą inicjatywą i niezależnością.

Jednym z ważnych zadań jest dobór członków zespołu. Należy wziąć pod uwagę relacje interpersonalne członków zespołu. Sprzyjający klimat psychologiczny w zespole jest kluczem do udanej pracy.

Lekcje należy rozpoczynać od utworów dostępnych dla dzieci, w których odtwarzaniu stosunkowo łatwo pokonuje się trudności techniczne, a całą uwagę skupia się na celów artystycznych. Niestety, często można zaobserwować obraz odwrotny, gdy muzycy zespołu, nie mając wystarczających podstaw, poddają się na sprawdziany i egzaminy zbyt trudnymi dla nich utworami. Uczeń wykazuje większe zainteresowanie zajęciami, gdy nie czuje się bezradny, ale cieszy się z efektów swojej pracy. Lepiej nauczyć się kilku łatwych utworów i zagrać je na wysokim poziomie artystycznym, niż zagrać jeden skomplikowany utwór, nie dochodząc nigdy do etapu twórczej interpretacji.

Część lekcji należy poświęcić na czytanie prostych dzieł a vista. Często starszy uczeń, który przychodzi na lekcję, towarzyszy młodszemu, czytając jego fragment z kartki.

Gra łączona różni się od gry solowej przede wszystkim tym, że zarówno ogólny plan, jak i wszystkie szczegóły interpretacji są owocem przemyśleń i twórcza wyobraźnia nie jednego, ale kilku wykonawców i realizowane są poprzez ich wspólne wysiłki. Przez synchronizację brzmienia zespołu rozumiemy zbieżność z niezwykłą precyzją najmniejszych czasów trwania (dźwięków lub pauz) dla wszystkich wykonawców.

Synchroniczność wynika z najważniejszych cech zespołu – wspólnego zrozumienia i wyczucia przez partnerów tempa i pulsu rytmicznego.

W obszarze tempa i rytmu indywidualność wykonawców jest bardzo wyraźnie odzwierciedlona.

Niewielka zmiana tempa, niezauważalna podczas występu solo lub niewielkie odchylenie od rytmu podczas wspólnego grania, może radykalnie zakłócić synchronizację. W takich przypadkach zespół „opuszcza” partnera przed nim lub za nim. Słuchacz wykrywa najmniejsze naruszenie synchroniczności podczas wspólnego grania. Tkanina muzyczna jest rozdarta, harmonia wokalna zniekształcona.

Gra w zespole pozwala muzykowi przezwyciężyć swoje wrodzone mankamenty: nieumiejętność utrzymania tempa, powolny lub zbyt sztywny rytm; pomaga uczynić jego występy bardziej pewnymi, żywymi i różnorodnymi.

Synchroniczność to pierwszy wymóg techniczny gry. Musimy wspólnie nagrać i nagrać dźwięk, wspólnie trzymać pauzy i wspólnie przejść do następnego dźwięku.

Dynamika jest jedną z najbardziej efektywnych wyraziste środki. Umiejętne wykorzystanie dynamiki pozwala ukazać ogólny charakter muzyki, jej treść emocjonalną oraz ukazać cechy konstrukcyjne formy utworu. Szczególne znaczenie ma dynamika w obszarze frazowania. Różnie rozmieszczone akcenty logiczne radykalnie zmieniają znaczenie utworu muzycznego.

Uznając zasadniczą rolę dynamiki w sztukach performatywnych, nie można zapominać o innych środkach wyrazu; podobnie jak wzrost wolumenu, zagęszczenie faktury powoduje pojawienie się nowych rejestrów i barw. Osobliwy wzór rytmiczny lub charakterystyczne uderzenie może odróżnić głos od ogólnego dźwięku nie mniej niż dynamika.

Ważne jest, aby nauczyciel opiekował się i o występach studenckich, zachęcaj ich do udziału w wakacje, wieczory tematyczne.

Ważną częścią pracy nauczyciela jest także uczestnictwo w koncertach i festiwalach gitarowych. Ta forma zapoznawania dzieci ze sztuką muzyczną (gitarną) jest owocna, ponieważ pomaga poszerzyć i wzbogacić nabytą wiedzę o możliwościach instrumentu oraz zaangażować się w twórczość. Te formy zajęcia dodatkowe są zaplanowane z wyprzedzeniem, w warunkach koncertu wielu uczniów zauważa niedociągnięcia w swoim zachowaniu i zaczyna angażować się w samokształcenie.

Formowane w ten sposób działania muzyczno-wychowawcze zawsze przyczyniają się do wychowania pozytywnego cechy osobiste uczniów, pobudza zainteresowanie zajęciami.

Zatem poszerzając zakres lekcji, powstają większe możliwości manifestowania skłonności, rozwoju zdolności muzycznych i twórczych uczniów.

Problem monitorowania rozwoju dzieci w kontakcie z muzyką zawsze był aktualny. Obecnie we współczesnych szkołach nauczyciele nie mogą odmówić pytania: co jest nowoczesne dziecko, co go niepokoi, co słyszy wokół siebie? Oznacza to, że należy spróbować narysować muzyczny i pedagogiczny portret współczesnego dziecka.

Podstawą przeprowadzonego przez nas eksperymentu jest charakterystyka niektórych wyników pracy eksperymentalnej, forma lekcji to wykład-koncert.

Głównym celem, jaki sobie przyświecaliśmy, było zapoznanie dzieci w przystępnej formie z historią gitary, możliwościami instrumentu oraz kompozytorami-gitarzystami. W tym zakresie zastosowaliśmy następujące metody:

opowieść o powstaniu instrumentu, historia jego rozwoju;

słuchanie muzyki gitarowej;

własny pokaz gry na gitarze przez nauczyciela.

Naszym zdaniem forma lekcji - wykład-koncert jest najbardziej produktywna w osiągnięciu naszego celu, ponieważ:

podobnie jak inne formy zajęć muzycznych, forma zajęć – wykład-koncert ma na celu edukację moralną i estetyczną uczniów;

zastosowanie niestandardowego planu lekcji pomaga rozbudzić zainteresowania artystyczne i myślenie dzieci, a także rozwój ich zdolności twórczych;

naprzemienne zajęcia podczas lekcji (fascynująca opowieść nauczyciela, której towarzyszy słuchanie przedstawień muzycznych, rozmowy z dziećmi, własna gra nauczyciela na instrumencie) przyczynia się do większych sukcesów

Ponieważ jednym z głównych zadań jest poznanie postaw uczniów wobec gitary i jej możliwości, na początku zajęć zadano dzieciom następujący system pytań:

Czy podoba Ci się instrument gitarowy?

Czy myślisz, że miejscem narodzin gitary jest:

1. Czy potrafisz grać na gitarze? (proste akordy, utwory - wyjaśnij)

   Co najczęściej słyszysz granego na gitarze?

   Ile strun jest w gitarze klasycznej?

   Jakie znasz rodzaje gitar?

Analizując ankiety, odkryliśmy, że dzieci bardzo interesują się gitarą, jednak większość z nich kojarzy gitarę jako prosty instrument produkowany masowo, nie ma absolutnie żadnego postrzegania gitary jako instrumentu klasycznego.

Przeanalizujmy odpowiedzi bardziej szczegółowo.

Na pytanie „Umiesz grać na gitarze?” 11% klasy odpowiedziało pozytywnie. Dobra wiadomość jest taka, że ​​99% klasy uważa Hiszpanię za kolebkę gitary. Na pytanie „Co najczęściej słyszysz grając na gitarze?” 100% klasy odpowiedziało: „Piosenki wędrowne, piosenki na obozach wakacyjnych dla dzieci, piosenki turystyczne, pieśni przy ognisku, pieśni współczesnych zespołów muzycznych”. 20% ankietowanych dodało, że słyszy pieśni wojenne, serenady i romanse. Pytanie „Ile strun jest w gitarze klasycznej?” nie sprawiło dzieciom żadnych trudności w odpowiedzi, 100% klasy wie, że strun jest sześć. Na pytanie: „Jakie znasz rodzaje gitar?” 90% ankietowanych uczniów odpowiedziało: „Gitara rockowa, gitara basowa”, a 10% klasy odpowiedziało na pytanie „myślnikiem”.

Na tej podstawie doszliśmy do wniosku, że większości współczesnych dzieci brakuje wiedzy na temat gry na gitarze klasycznej, na temat złożonego i zróżnicowanego repertuaru gitarowego, na temat różnych typów gitar. Dlatego Praktyczne znaczenie praca polega na tym, aby wnioski i wyniki, które uzyskaliśmy, przyczyniły się do rozwoju osobowości uczniów, a także dostarczyły materiału, z którego będą mogli skorzystać nauczyciele muzyki.

Po przeprowadzeniu ankiety lekcja przebiegała według następującego planu:

1. Opowieść nauczyciela o historii gitary, o gitarzystach, którzy wnieśli ogromny wkład w rozwój instrumentu. W tym przypadku wykorzystano materiał muzyczny – nagranie muzyki gitarowej z VII, IX w.; materiał ilustrowany - portrety kompozytorów-gitarzyst M. Giulianiego, F. Sora, A. Segowii, A. Iwanowa-Kramskiego.

2. Nagrania muzyczne odkrywające możliwości gitary:

Muzyka ludowa – adaptacje rosyjskich pieśni ludowych S. Rudniewa „Step, tak step dookoła…”, „Och, baldachim”

Gitara flamenco – album „Friday Night”, „Sun Dance”, inne fragmenty

Suita współczesnego kompozytora i gitarzysty N. Koshkina „Prince’s Toys: Wind-Up Monkey, Game of Soldiers”

Pokaz własny nauczyciela różnych utworów na gitarę: E. Vila Lobos „Preludium nr 1”, N. Koshkin „Elves” część IV

Zaśpiewanie utworu z repertuaru zespołu Lyube przy akompaniamencie gitary.

Przyjrzyjmy się bliżej każdemu etapowi lekcji:

nauczyciel opowiada o historii gitary:

„Pochodzenie gitary ginie w ciemnościach czasu. Nie wiemy, kiedy się urodziła. Wiemy tylko, że już w XIII wieku gitara była szeroko znana w Hiszpanii.

W jego historii można prześledzić pięć odrębnych okresów. Nazwijmy je umownie: formacja, stagnacja, odrodzenie, upadek, rozkwit. Formacja trwała do mniej więcej połowy XIV wieku. W tym czasie gitara wypiera coś prymitywnego instrumenty strunowe, opanowuje własny repertuar, staje się jednym z ulubieńców instrumenty ludowe w Hiszpanii. Zanim jednak gitara zdążyła się wzmocnić i zyskać siłę, w Europie pojawiła się lutnia. Arabowie przywieźli to tutaj. Zagraniczny przybysz bardzo szybko odsunął gitarę na bok. Był to okres stagnacji.

Ale stopniowo gitara nauczyła się wykonywać bogaty repertuar lutni. Wypierając lutnię, gitara nie zapomniała o swoim nauczycielu: nawet dziś gitara często wykonuje starożytną muzykę lutniową ze sceny koncertowej.

W ten sposób rozpoczął się okres odrodzenia. Wymagało to własnych entuzjastów. Do najwybitniejszych z nich zalicza się włoski wykonawca i pedagog M. Giuliani, gitarzysta M. Carcassi.” (Zaproponowano dzieciom materiał ilustracyjny– portrety ww. kompozytorów-gitarzystów, a także materiał muzyczny – M. Carcassi „Wielka Sonata” I cz.)

Nauczyciel kontynuuje swoją opowieść: „W połowie XIX wieku główny instrument sale koncertowe staje się fortepianem. Skrzypce również trzymają się mocno na swoim miejscu. I nadchodzi czas upadku gitary.

Na szczęście okres upadku trwał tylko kilka dekad. A potem rozpoczął się szybki wzrost. Początek jego świetności kojarzony jest przede wszystkim z nazwiskiem hiszpańskiego gitarzysty o. Tarregi. Dzieło rozpoczęte przez o. Tarregę znakomicie kontynuował hiszpański gitarzysta A. Segovia.

Andres Segovia urodził się w 1893 roku w małym hiszpańskim miasteczku Linares. Jego wujek, który kochał muzykę, chciał nauczyć Andresa gry na skrzypcach. Zaproszono nauczyciela i zakupiono instrument. Wkrótce podróżujący gitarzysta przebywał w domu wujka przez półtora miesiąca. Tak krótki czas wystarczył, aby utalentowany sześcioletni chłopiec opanował nieznany instrument. Następnie uczył się samodzielnie, słuchając gitarzystów ludowych i przejmując ich techniki gry.

Umiejętności Andresa Segovii zostały docenione na całym świecie. Czując, że możliwości gitary nie zostały w pełni zbadane, poszukiwał i znajdował nowe techniki, które pozwoliły oddać najsubtelniejsze niuanse dzieła. W repertuarze A. Segowii znalazły się dzieła kompozytorów: J. S. Bacha, G. Handla, W. Mozarta, L. Beethovena” (dzieci zapraszamy do wysłuchania „Gavotta” J. S. Bacha)

Co więcej, historia nauczyciela ma następującą strukturę: „Wydaje się, że to, co zostało już powiedziane wcześniej, wystarczy, aby odpowiedzieć na pytanie „co potrafi gitara?” Trudno określić granice możliwości gitary – wydaje się, że potrafi wszystko.” (Do słuchania muzyki oferowany materiał to adaptacje rosyjskich pieśni ludowych S. Rudniewa „Step, tak step dookoła…”, „Och, baldachim”)

Następnie nauczyciel opowiada dzieciom historię powstania i rozwoju flamenco: „Głównymi elementami flamenco są elementy śpiewu i tańca. Główną rolę muzyczną przypisuje się gitarze.” (Materiał do słuchania – płyta „Friday Evening”, „Sunny Dance”, inne fragmenty)

Następnie nauczyciel zapoznaje uczniów z oryginalną suitą współczesnego kompozytora-gitarzysty N. Koshkina „Zabawki księcia: nakręcana małpa, zabawa z żołnierzami” (obrazy muzyczne wzbudziły duże zainteresowanie dzieci)

Własny pokaz przez nauczyciela różnych utworów na gitarę: E. Vila Lobos „Preludium nr 1”, N. Koshkin „Elves” część IV, a także zaśpiewanie piosenki z repertuaru grupy „Lube” przy akompaniamencie akompaniamentu gitara była kulminacyjnym elementem lekcji. Ekspozycja tych elementów pozwala na powiązanie typów zajęć lekcyjnych, a także zintegrowane podejście do ich organizacji i dramaturgii.

Ponieważ obserwacja jest jedną z głównych metod badawczych w psychologii i pedagogice, uwzględniliśmy ją w końcowej analizie naszego eksperymentu, a także w procesie identyfikacji reakcji emocjonalnych uczniów na słuchanie muzyki gitarowej. Podczas lekcji uwzględniliśmy także atmosferę psychologiczną.

Analizując wyniki doszliśmy do wniosku, że największe wrażenie na uczniach zrobiła muzyka flamenco i efekty specjalne suity N. Koshkina; muzyką ludową interesowało się jedynie 20% uczniów; Muzyka klasyczna niestety zajęła ostatnie miejsce wśród współczesnych dzieci. Wyciągnęliśmy z tego wnioski na temat zainteresowań dzieci i tendencji współczesnego myślenia wśród uczniów. Muzyka flamenco i efekty specjalne suity N. Koshkina są uderzającymi przykładami muzyki gitarowej, ale nie wymagają dużej koncentracji myślenia i pamięci podczas percepcji obrazy muzyczne. Muzyka ludowa jest bardziej wymowna i wymaga od słuchacza większej uwagi – widzimy, że dzieci praktycznie się nią nie interesują. Dzieci nie są jeszcze gotowe na odbiór klasycznej muzyki gitarowej.

Po przeanalizowaniu uzyskanych faktów doszliśmy do wniosku, że nauczyciel musi rozwiązywać problemy takie jak

powstanie więcej wysoki poziom kultura odbioru muzyki klasycznej;

kształtowanie zrozumienia etyki ludowej, muzyki ludowej i jej roli;

promowanie najlepszych przykładów muzyki gitarowej, wpajanie jej szacunku.

Ogólne wrażenia dzieci z lekcji były pozytywne, co podkreśla potrzebę wprowadzenia na zajęcia nowego, nietypowego dla uczniów materiału. Zatem zaproponowany przez nas system sposobów wykorzystania metod twórczych jest czynnikiem rozwojowym w uczeniu się dzieci, a jeśli w procesie uczenia się zostanie zastosowany system twórczych metod, metod i technik z wykorzystaniem gry na gitarze, to rozwój osobowości uczniów w sztuce szkoła będzie bardziej efektywna.

Wniosek.

Edukacja muzyczna zawsze była i pozostaje integralną częścią edukacji estetycznej młodego pokolenia. We współczesnej praktyce istnieje tendencja do prowadzenia edukacji w jedności zasad i metod nauczania podstaw nauki i sztuki. Tendencja ta pozwala dzieciom rozwijać całościowy obraz świata, rozwijając logiczne i twórcze myślenie. Metodologia edukacji muzycznej, wywodząca się z pedagogiki, traktuje edukację jako proces zależny od wielu czynników. Utrzymanie zainteresowania poznawczego dzieci procesem uczenia się jest jednym z najtrudniejszych zadań pedagogicznych. Na tej podstawie nauczyciel powinien dążyć do wzbudzenia i utrzymania zainteresowania poznawczego wśród uczniów, wykorzystując różne metody praca. Analizując literaturę, doszliśmy do wniosku, że sztuka gitarowa jest jedną z potężne środki edukacja estetyczna. Wyniki pracy eksperymentalnej wykazały, że zainteresowanie poznawcze grą na gitarze wśród młodszych uczniów jest dość duże, a występowanie zainteresowania jest pierwszym z warunków powodzenia edukacji. Ponadto wybrany przez nas materiał ma ogromny potencjał emocjonalny. To siła oddziaływania emocjonalnego jest drogą do penetracji świadomości dziecka i środkiem kształtowania walorów estetycznych człowieka.

Tym samym system twórczych metod, metod i technik na lekcjach specjalistycznych jest skutecznym środkiem twórczego rozwoju osobowości uczniów.

Podsumowując wszystko, co zostało powiedziane, stwierdzamy, że nauczyciel powinien dążyć do znalezienia rozwiązania tak złożonego problemu pedagogicznego, jakim jest utrzymanie zainteresowania poznawczego w twórczej postawie wobec uczniów, w tym, co można nazwać pedagogiką artystyczną.

LITERATURA

Agafoshin P. Szkoła gry na gitarze sześciostrunowej. - M.; 1972

Vetlugina N.A. Rozwój muzyczny dziecko. - M. Oświecenie; 1988

Wolman B. Gitara. - M., Muzyka; 1972

Ghazaryan S. W świecie instrumentów muzycznych. - M.; 1989

Ghazaryan S. Opowieść o gitarze. - M.; 1987

Gladkaya S. Sob. Edukacja muzyczna w szkole nr 14.

Państwowy standard edukacyjny (naukowy i regionalny komponent edukacji). Ek.; 1999

Dmitrieva A.G., Chernoivanenko N.M. Metody edukacji muzycznej w szkole. - M.; 1998

Dmitrieva L.G., Chernoivanenko N.M. Podręcznik dla studentów. średnio pe. podręcznik zakłady. Metody edukacji muzycznej w szkole. – M.: Ośrodek Wydawniczy „Akademia”, wyd. 2, stereotyp.; 1998

Duncan Ch. Sztuka gry na gitarze klasycznej. - M.; 1988

Zagvyazinsky V., Atakhanov R. Metodologia i metody badań psychologiczno-pedagogicznych. - M.; 2001

Kazantseva M.G. Zestaw ćwiczeń ustalających oddech

Almanach Karpova L. Akademia Gitary Klasycznej. - Sankt Petersburg; 2003

Karpov L. Podręcznik metodyczny dla nauczycieli i uczniów szkół muzycznych. Metoda paznokciowa wytwarzania dźwięku na gitarze. - Petersburgu Uniwersytet stanowy Kultura i sztuka; 2002

Kryukova V.V. Pedagogika muzyczna – Rostów n/a: „Feniks”; 2002

Kuzmina N.V. Zdolności, uzdolnienia, talent nauczyciela. - L.; 1985

Lazareva A. Przewodnik metodologiczny gry na gitarze dla małych dzieci. Uczymy się bawiąc. - Charków; 2004

Larichev E., Nazarova A. almanach muzyczny. Gitara, nr 2. – M.; 1990

Mielnikow M.N. Folklor dziecięcy i problemy pedagogiki ludowej. - Nowosybirsk, Edukacja; 1987

Świat dzieciństwa. Młodszy uczeń. - M., Pedagogika; 1988

Nazarov L. Wprowadzenie do folkloru pieśniowego, magazyn „ Sztuka ludowa„Nr 6, 1999, nr 1, 2000

Szkoła Podstawowa nr 2; 2000

Nemov R.S. Psychologia. - M., Władywostok; 1999

Puhol E. Szkoła gry na gitarze sześciostrunowej. - M.; 1977

Rozwój aktywności twórczej uczniów. - M., Pedagogika; 1991

Slastenin V.A., Isaev I.F., Shiyanov E.G. Pedagogika ogólna. Część 1. – M.: Vlados; 2003

Smirnov S. Pedagogika. - Centrum Wydawnicze, Akademia; 1998

Sokołow V., Chitrow V Starożytna Ruś. – Briańsk, 1995

Starikova K.L. Obrzędy ludowe i poezja rytualna. - Jekaterynburg, region St. Oddział pediatryczny stowarzyszenia; 1994

Starikova K.L. U początków mądrość ludowa. - Jekaterynburg, region St. Oddział pediatryczny stowarzyszenia; 1994

Stolyarenko L.D. Pedagogia. 100 odpowiedzi na egzamin. – M., 2003

Struve G.A. Szkolny chór. - M.; 1981

Fomina N.N. święta narodowe oraz programy z zaleceniami metodycznymi dotyczącymi organizacji zajęć dla klas 9-11; 1991

Khalabuzar P., Popov V., Dobrovolskaya N. Metody edukacji muzycznej. - M.; 1990

Kharlamov I.F. Pedagogika: Podręcznik. – 6 wyd. – Mn.; 2000

Chelysheva T.V. Towarzysz nauczyciela muzyki. - M.; 1993

Shamina L. Praca z grupą amatorską - M., Muzyka; 1983

Shiryalin A. Wiersz o gitarze. - M.; 1994

Shkolyar L. Edukacja muzyczna w szkole. - M.; 2001

Aneks 1

Załącznik 2

Dodatek 3

Dodatek 4

Dodatek 5

Załącznik 6

Załącznik 7

Dodatek 8

Załącznik 9

zbiór propozycji i wytycznych ułatwiających wdrożenie najskuteczniejszych metod i form pracy w celu rozwiązania każdego problemu pedagogicznego

Celem rekomendacji metodycznych jest pomoc kadrze pedagogicznej w opracowaniu rozwiązań opartych na osiągnięciach nauki i najlepszych praktykach, z uwzględnieniem specyficznych uwarunkowań i charakterystyki działalności. Pracując nad zaleceniami metodologicznymi, autor musi jasno określić cel pracy, podporządkowując mu całą treść; pamiętaj o wskazaniu, do kogo kierowane są rekomendacje; podać zalecenia dotyczące tego, jakie zaawansowane technologie pedagogiczne należy zastosować.

Jeśli mówimy o uogólnianiu najlepszych praktyk, konieczne jest ujawnienie, jakie techniki i metody metodyczne są stosowane, aby osiągnąć sukces w procesie edukacyjnym.

Nie jest tajemnicą, że zapisy do szkół muzycznych stały się znacznie młodsze. Coraz częściej rodzice myślą o wczesnym rozwoju swojego dziecka. W tej sytuacji szkoły muzyczne, zgodnie z duchem czasu, zmuszone są poszerzać zakres swoich usług edukacyjnych.

I jeśli wcześniej do szkoły chodziły tylko dzieci uzdolnione muzycznie lub osoby nastawione na karierę, albo jak uważano, do szkoły powinny chodzić wyłącznie dzieci uzdolnione muzycznie lub osoby nastawione na karierę, dziś szkoła muzyczna oferuje całe spektrum rozwoju estetycznego. Na zajęcia z gry na gitarze coraz częściej przychodzą dzieci w wieku 7-8 lat, a czasem nawet w wieku przedszkolnym. Ale 10-15 lat temu standardy edukacyjne przepisał, że dzieci w wieku 10–12 lat powinny mieć możliwość gry na gitarze, uzasadniając fakt, że ze względu na specyfikę lądowania i ustawiania nie wszyscy uczniowie w młodym wieku mogą poradzić sobie z tym zadaniem; instrumenty 2/4 lub 3 Wysokość /4 była po prostu niedostępna. Dziś zmieniają się metody nauczania, programy szkoleniowe i wymagania konkurencyjne, jest to szczególnie widoczne na podstawie wyników ostatnich ogólnorosyjskich i międzynarodowych konkursów.I oczywiście w tym przypadku z reguły standardowe programy szkoleniowe nie działają.

Oczywiście każdy nauczyciel sam decyduje „czego” i „jak” uczyć swoich uczniów.Lekcja to twórczość dwóch osób, nauczyciela i ucznia, inaczej można to nazwać współtworzeniem. I to nauczyciel, tworząc własny, autorski system szkolenia i edukacji, będzie mógł uwzględnić i rozwinąć indywidualne możliwości ucznia, dać dziecku możliwość jak najszerszej realizacji jego zdolności twórczych oraz naucz go myśleć nieszablonowo w przyszłości.

Pobierać:

Zapowiedź:

MIEJSKA INSTYTUCJA EDUKACYJNA

DODATKOWA EDUKACJA DZIECI

„STRZĘDZA DZIECIĘCA SZKOŁA MUZYCZNA”

Raport

Początkowy etap nauki gry na gitarze

Małe dzieci.

Przygotowany

Nauczyciel Dziecięcej Szkoły Muzycznej

G. Gwardejsk

Kozicka E.M.

Gwardejsk

2011

1 .Wprowadzenie………………………………………………………1

2.1 Koordynacja ruchów, lądowania i postoju……………………….3

2.2.Czytanie nut lub rysowanie muzyki…………………………………..6

2.2.Metro – pulsacja rytmiczna…………………………………………………..7

2.4 Różne drobnostki czyli „wiatr grający w strunach”………………………8

3. Zakończenie……………………………………………………………...8

4 Bibliografia………………………………………………………10

Nie jest tajemnicą, że zapisy do szkół muzycznych stały się znacznie młodsze. Coraz częściej rodzice myślą o wczesnym rozwoju swojego dziecka. W tej sytuacji szkoły muzyczne, zgodnie z duchem czasu, zmuszone są poszerzać zakres swoich usług edukacyjnych. I jeśli wcześniej do szkoły chodziły tylko dzieci uzdolnione muzycznie lub osoby nastawione na karierę, albo jak uważano, do szkoły powinny chodzić wyłącznie dzieci uzdolnione muzycznie lub osoby nastawione na karierę, dziś szkoła muzyczna oferuje całe spektrum rozwoju estetycznego. Na zajęcia z gry na gitarze coraz częściej przychodzą dzieci w wieku 7-8 lat, a czasem nawet w wieku przedszkolnym. Ale nawet 10-15 lat temu standardy edukacyjne przewidywały, że dzieci w wieku 10-12 lat powinny mieć możliwość gry na gitarze, uzasadniając to faktem, że ze względu na specyfikę lądowania i ustawiania nie wszyscy uczniowie w młodym wieku mogą poradzić sobie z tym zadaniem, instrumenty według wzrostu - 2/4 lub 3/4 po prostu nie były dostępne. Obecnie zmieniają się metody nauczania, programy szkoleniowe i wymagania konkurencyjne, jest to szczególnie widoczne na podstawie wyników ostatnich konkursów ogólnorosyjskich i międzynarodowych.

I oczywiście w tym przypadku z reguły standardowe programy szkoleniowe nie działają. Jak jednak określić stopień zdolności uczenia się dziecka i czy każdy powinien zostać przyjęty do szkoły muzycznej? Podczas egzaminów wstępnych, które same w sobie są stresujące, dziecko może po prostu się wycofać. Niektórzy ludzie nie rozwijają umiejętności, ponieważ nie są one rozwinięte. W ciągu kilku minut nie da się określić prawdziwej głębi możliwości danego dziecka.

Praca z dziećmi już od najmłodszych lat jest bardzo ciekawa i nie można jej odmówić. Skrzypkowie, a zwłaszcza pianiści, których szkoły podążały mniej wyboistą drogą rozwoju niż szkoła gry na gitarze w Rosji, mają pod tym względem duże doświadczenie i mogą pochwalić się wypracowanymi i sprawdzonymi już metodami nauczania gry na instrumencie, ich rozwoju dla dzieci już w wieku przedszkolnym. w wieku trzech lat, nie mówiąc już o wieku przedszkolnym czy szkolnym.

To wiek, w którym dziecko jest nie tylko spontanicznie i swobodnie aktywne, ale także ważny okres, w którym dzieci nabywają umiejętności, które pozwalają im później zapanować nad światem dorosłych. Wiek 7 – 9 lat mijają lata aktywny rozwój mózgu. Muzyka sprzyja integracji półkul mózgowych i poprawia ich aktywność - na przykład tych związanych z językoznawstwem, matematyką, kreatywnym myśleniem, ponieważ ruch ręki przyspiesza dojrzewanie nie tylko stref sensomotorycznych mózgu, ale także ośrodka mowy . W tym okresie dziecko aktywnie rozumie swoje działania poprzez uczucia. Nauczyciel musi myśleć nieszablonowo, ponieważ tylko w stanie wzmożonego zainteresowania i wzlotu emocji dziecko jest w stanie skupić swoją uwagę na konkretnym zadaniu, utworze muzycznym, przedmiocie i zapamiętać wydarzenie ze wszystkimi szczegółami i niuansami. Chęć przeżycia przyjemnego dla niego stanu (kontakt z instrumentem, komunikacja z nauczycielem) może być jego najsilniejszym motywem do działania, zachętą do lekcji muzyki.
Kolejnym warunkiem przemawiającym za nauką gry na gitarze wcześniej niż 10-12 lat jest fakt, że więzadła i mięśnie dziecka są najbardziej miękkie i giętkie, mimo że już w wieku 5-6 lat dziecko układ mięśniowo-szkieletowy jest już w pełni ukształtowany, proces ten kończy się całkowicie w wieku 11-12 lat i zmniejsza się ruchliwość mięśni.
Powtórzę jeszcze raz – gitara to specyficzny instrument i pomimo pozornej łatwości opanowania instrumentu, od razu pojawia się szereg problemów, zwłaszcza u małych dzieci. Obejmuje to niemożność dotarcia do szyi, ból przy naciskaniu strun, a co za tym idzie, słabą jakość dźwięku. Oczywiście wszystko to może wywołać u dziecka nerwowość i tutaj głównym zadaniem nauczyciela jest pomóc uczniowi pokonać trudności, tak aby pierwsze doznania nie stały się ostatnim pragnieniem dziecka. Wiele zależy od osobistych cech dziecka, poziomu jego percepcji muzycznej, rozwoju intelektualnego i danych fizycznych, ale jest rozsądne ostrożna postawa do dziecka, niewymuszony proces uczenia się i twórcze podejście pomogą nauczycielowi w pełni odkryć osobisty potencjał ucznia i jego indywidualność twórczą.
Dziś nie mówię o jakimś konkretnym wieku, moje opracowania można zastosować zarówno w młodym wieku, jak i w szkole podstawowej, w zależności od danych ucznia, jego wieku, techniki będą się zmieniać, biorąc pod uwagę psychologię związaną z wiekiem. Można zgodzić się lub nie zgodzić z psychologami, ale należy zauważyć, że w ciągu swojego życia człowiek pokonuje kilka etapów rozwoju, a każdy nowy etap koniecznie zaczyna się od kryzysu. „Okresy krytyczne” charakteryzują się wysokim stopniem receptywności i plastyczności mózgu. Jeśli w takim okresie nastąpi spotkanie z muzyką, wówczas niczym jasny błysk wydarzenie zostaje „uchwycone” lub „pod wrażeniem”, jak to określił rosyjski genetyk wiceprezes Efroimson. Jest to najbardziej aktywny wpływ środowisko na najbardziej wrażliwy okres rozwoju, a czasem determinujący całe późniejsze życie człowieka. Takie okresy występują po 1 roku, następnie bardzo silnie po 3-4 latach i po 7 latach, jak na przykład wczesne dzieciństwo. Jeśli znajdziesz się w tym okresie, będziesz miał szczęście, jeśli nie, musisz po prostu mądrze pracować pomimo presji. Ale to moja osobista opinia.

Przyjmując po raz pierwszy dziecko do mojej klasy w wieku 6,5 roku, napotkałam pierwsze trudności. Dziecko umiało czytać, ale zwykła terminologia muzyczna po prostu w tym przypadku nie działała. Do szkoły rozpoczęło się tu dwóch kolejnych 7-letnich uczniów. I zacząłem szukać nowych, jak mi się wtedy wydawało, rozwiązań. Ale jak mówi nam życie: „Wszystko, co nowe, jest dobrze zapomniane!” Sięgnąłem do literatury na temat rytmu, znalazłem wiele ciekawych osiągnięć od pianistów, pożyczyłem coś z podręczników do solfeżu autora Kalinina i oczywiście szukałem materiałów od innych gitarzystów. Pozostała najważniejsza rzecz - zaadaptować cały materiał na gitarę. I w tym miejscu chciałbym przytoczyć słowa genialnego pianisty I. Hoffmanna: „Żadna zasada ani rada dana jednemu nie będzie odpowiadała nikomu innemu, jeśli te zasady i rady nie przejdą przez sito jego własnego umysłu i nie ulegną takim zmianom, które sprawią, że nadają się do tej sprawy.”

Oto kilka moich doświadczeń. Od razu zastrzegam, że proces twórczy, poszukiwanie ciekawych form prezentacji materiału, jeszcze się nie zakończył

i myślę, że coś nowego będzie pojawiać się ciągle, odkąd każde dzieckoniesie ze sobą własne pytania, problemy i zainteresowania.

Najważniejsze, że jesteś tym zainteresowany. Nie można oczekiwać szybkich rezultatów, ale będzie mnóstwo przyjemności z komunikacji z dziećmi, pozytywnych emocji płynących z ich innowacyjnego myślenia oraz ze wspólnych zwycięstw i odkryć.

Małe sekrety gitar Senorita

Nauczanie małych dzieci ma swoją własną charakterystykę, z których główną jest powszechne stosowanie form gier. Ze względu na swoje cechy psychologiczne dziecko nie może pracować na przyszłość, na długoterminowy rezultat. Ucieleśnia wrażenie rzeczywistości w grze, jako najbardziej zrozumiałej dla niego czynności. Gra sprawia, że ​​proces nauki staje się ciekawszy i bardziej zrozumiały, pomaga pełniej odkrywać możliwości dzieci i identyfikować problemy.

Koordynacja ruchów, lądowanie, ustawienie.

Jeśli porównamy obciążenia dzieci w szkole podstawowej i wiek przedszkolny w chwili obecnej i przynajmniej w ciągu ostatniej dekady, a jeszcze lepiej dwie dekady temu, wówczas porównanie nie będzie na korzyść stanu dzisiejszego. Pragnienie rodziców, aby rozwijać swoje dzieci, ma czasami charakter „tragiczny”, ponieważ dziecko uczęszcza do kilku klubów i sekcji jednocześnie, a mimo to chodzi do przedszkole. Oczywiście nie ma w tym nic złego, jednak nie należy nadmiernie obciążać organizmu dziecka. W wyniku długich badań i braku niezbędnej dla dziecka mobilności, wiele dzieci w wieku 7 lat ma już problemy z układem mięśniowo-szkieletowym. układ motoryczny, hipo lub odwrotnie, nadmierne napięcie mięśniowe. Nawet w dorosłym życiu, przeciążone stresem psychicznym i fizycznym, często dochodzi do sztywności karku i ramion oraz problemów z kręgosłupem.

Gitara to jeden z najbardziej „niewygodnych” instrumentów muzycznych pod względem dopasowania. W przeciwieństwie do harfy, fortepianu, trąbki, skrzypiec i szeregu innych instrumentów, podczas gry, w której wykonawca siedzi wyprostowany, a plecy są ułożone symetrycznie, gitara skazuje gitarzystę na pozycję zniekształcającą górną część ciała. Inną przyczyną napięcia jest pozycja statyczna. W kontakcie z naszym ciałem gitara nas pęta, gitarzysta wydaje się „opływać” gitarą swoim ciałem, ciało jest pochylone do przodu, co prowadzi do wzrostu obciążenia kręgosłupa. Ciągłe przechylenie górnej części ciała do przodu, zgarbione ramiona są przejawem złej postawy, podczas gdy klatka piersiowa jest ściśnięta, a punkt podparcia ciała przesuwa się. W efekcie plecy znajdują się w stanie ciągłego napięcia. Dzieci zwykle od razu siadają nieprawidłowo i nawet jeśli ciągle dajesz uwagi uczniowi, zareaguje przez krótki czas i zmieni pozycję siedzącą na zwykłą.Początkowo dziecko nie jest w stanie samodzielnie kontrolować procesu siedzenia, ponieważ ma nie rozwinął jeszcze właściwych wrażeń. Dlatego nauczyciel musi wypracować prawidłową postawę, tak istotną i wygodną dla ucznia.

Utalentowany pedagog, skrzypek V. Mazel, w swoich utworach przykładał dużą wagę do tych zagadnień, np. w utworze „Muzyk i jego ręce”, z którego można dowiedzieć się wielu przydatnych informacji.

Aby pomóc dziecku łatwiej opanować grę na instrumencie i poczuć swoje ciało, zaczęłam także wykonywać z dziećmi ćwiczenia rozwijające swobodę rąk, elastyczność stawów, wzmacniające mięśnie palców, a także rozładowujące napięcie mięśni pleców, które często pojawia się podczas zabawy. lekcja. Ćwiczenia te można nazwać jakkolwiek chcesz, najważniejsze jest zachowanie podstaw strój do gry i możesz sam wymyślić obraz.

Zazwyczaj każdy proces motoryczny składa się z trzech faz: 1. przygotowanie do działania (koncentracja uwagi na określonych grupach mięśni); 2. konkretne działanie (sama praca mięśni); 3.relaks po akcji. Uważa się, że ostatnia faza jest najtrudniejsza do uregulowania. Wszystkie ćwiczenia wykonywane z dziećmi mają na celu umożliwienie dziecku poczucia napięcia i odprężenia, czyli tzw. rozwijać „intuicję motoryczną”, jak to nazywa V. Mazel.

Dziś podam małą ilość przykładów ćwiczeń, które wykonuję na zajęciach. W rzeczywistości asortyment jest znacznie bardziej zróżnicowany. W tej chwili literatury jest mnóstwo i nietrudno uzupełnić swój zasób o nowe ćwiczenia.

„Lalka nowa, uszkodzona» 1. usiądź jak lalka w gablocie (od 2-20 sekund) jak w gablocie z prostymi plecami, następnie zrelaksuj się przez 5-10 sekund. Uruchom kilka razy.

2. „Lalka” kołysze się prostym, napiętym ruchem w przód i w tył, po czym kręcenie się kończy, lalka zatrzymuje się – plecy się rozluźniają.

„Robot” lub „Żywe drzewo”- tułów jest rozluźniony i zgięty w pół - drzewo śpi, ale zaczynają poruszać się małe liście (pracują tylko palce), potem większe gałęzie się kołyszą (pracują ręce), następnie zaangażowany jest łokieć, przedramię i wszystkie ręce. Unosimy tułów do góry – drzewo się obudziło i unosząc ręce do góry, wykonujemy pełne ruchy okrężne, oddychając prawidłowo. W górę – wdech, w dół – wydech. Kiedy „drzewo” zasypia, robimy wszystko w odwrotnej kolejności”. „Robot” jest podobny do „drzewa” pod względem nastroju. Chłopcy wolą wykonać ćwiczenie o robocie, a dziewczynka o magicznym drzewie. Dziecko postrzega całe swoje ramię od ręki do ramienia, ćwiczenie to daje mu możliwość zrozumienia i wyczucia wszystkich części ramienia z osobna. Na początku może to być trudne, ale stopniowo umiejętności przychodzą.

„Boks” – Uderzamy w powietrzu całą ręką z ramienia.

„Ptaki” – Rozpiętość skrzydeł przedstawiamy pełną ręką.

Teraz ćwiczenia rozwijające zdolności motoryczne palców. Ręka muzyka jest twórcą, instrumentem wyrażania twórczej myśli. Ale dłoń, obszar dłoni i palców, jest najmniej chroniony w układzie dłoni i jest najbardziej podatny na nadmierny wysiłek. Nauczyciele pracujący z małymi dziećmi powinni zwracać szczególną uwagę na organizację działań dłoni i palców, ponieważ to właśnie ta część dłoni wykonuje najbardziej subtelne i precyzyjne ruchy, wykonując ogromną pracę przy wytwarzaniu dźwięku.

„Szczeniak” („Kotek”)- miękkimi ruchami okrągłego pędzla przedstawiamy, jak szczeniak zakopuje kość. Bardzo często podczas zabawy dziecko nie kontroluje położenia ramienia, a raczej dłoni, a najczęściej dochodzi do zaciśnięcia mięśni. Od razu przypominam, jak miękka jest łapa kociaka, reakcja jest natychmiastowa - pozycja dłoni jest korygowana, ponieważ tło emocjonalne jest blisko dziecka.

„lornetki” lub „okulary”- każdy palec z kolei nadepnie na kciuk z podkładką. Można powiedzieć, że ta lornetka usuwa obraz w zależności od stopnia przejścia palców od palca wskazującego do małego, a przybliża go w przejściu od małego palca do wskazującego.

„Dudoczka” - jak „Okulary”, tylko jednocześnie grając obiema rękami, jak na fajce. Obydwa ćwiczenia ponownie pomagają w ułożeniu prawej ręki.

"Ośmiornica" - najpierw uczy się chodzić każdą nogą (po jednym palcu), maszerować, potem w parach. Opcje mogą być różne, od prostych do złożonych: 1-2, 2-3, 3-4. 4-5; 1-4, 2-3; 1-3, 2-4 Ćwiczenie jest bardzo trudne, nie działa od razu i nie trzeba wymagać dokładnego wykonania, z czasem będzie coraz lepiej.

"Wieszak" - dziecko kładzie palce na stole, ale z uczuciem, że zawiesiło na nich ręce. Teraz możesz swobodnie machać łokciami. Porównaj: wieszak to dłoń, palce to haczyk.

W okresie bez zapisu nutowego nadal ćwiczę następujące ćwiczenia:

Grając na otwartych strunach palcowaniem p-i-m-a, wymawiając słowa wykonywanego utworu, naprzemiennie łączymy palce prawej i lewej ręki, jakby się witały.

To samo można zrobić, grając na otwartych strunach podczas palcowania

p-i-m-a-m-i. W ten sposób skupiamy uwagę dziecka na kolejności zabaw palcami. Najważniejsze jest to, że wiersze nie powinny być skomplikowane, zapadające w pamięć, interesujące dla dziecka i odpowiednie do wielkości zabawy, czyli dwóch lub trzech czwartych.

Na szczęście obecnie ukazuje się całkiem sporo zbiorów do zajęć na ten temat. Po wypróbowaniu wielu ćwiczeń na treningu wybieram te, które są dla mnie akceptowalne. Ostatnio natknąłem się na najbardziej, moim zdaniem, łatwy w użyciu - „Gimnastyka muzyczna palców” St. Petersburg, 2008. Dziękuję kompilatorom za przydatne i ciekawe materiały edukacyjne.

Notacja muzyczna albo rysuję muzykę.

W swojej praktyce wykorzystuję tablicę magnetyczną. Taśma izolacyjna

Przedstawiam laskę muzyczną. Wielokolorowe magnesy służą jako notatki. Zapoznajmy się ze sznurkami, a każdy sznurek ma swój własny kolor. Na początku pozwalałam każdemu dziecku przedstawić swój sznurek w swoim własnym kolorze, ale potem utwierdziłam się w przekonaniu, że wygodniej będzie pomóc mu w wyborze. Wybierając konkretny kolor od razu określamy wysokość sznurka. Zatem pierwsza struna „E” jest żółta – jasna jak słońce, które jest wyżej niż wszystkie inne i znajdujące się na niej nuty są najwyższe. Druga struna „B” to błękitne niebo, na którym świeci słońce. Trzecia struna „G” to zielona trawa, znajduje się niżej niż słońce i niebo. Sznurek „D” to czerwony lis, „A” to fioletowa lub biała kałuża, z której lis pije, a wszystko to znajduje się na czarnym tle, nuta „E” to szósta struna, czyli najniższa. I oczywiście rysujemy obraz na ten temat. Na początku zazwyczaj dużo rysujemy. Wszelkie wrażenia, nowe koncepcje, zabawy przenosimy z tego, co wciąż niejasne muzyczny świat w bardziej zrozumiały świat rysunku.

Na początku, w okresie przednutowym, magnesy w tym samym kolorze pomogą Ci wykonać najprostsze melodie podczas opanowania strun basowych - 4, 5, 6. Weźmy na przykład znaną piosenkę dla dzieci „Jedzie lokomotywa parowa, lokomotywa parowa jedzie”, dziecko gra na basie (w rytmie lub pulsie), układa sekwencję uderzeń w struny za pomocą kolorowych magnesów i nauczyciel gra melodię. Podczas ćwiczeń, notabene niezbyt nudno, uderzamy w struny palcem „p”. Piosenki najlepiej wykonywać w tonacji A-dur, ponieważ główne funkcje T, D, S przypadają na otwarte struny gitary. Piosenka ma wiele zwrotek, dziecko odtwarza ją kilka razy, a każda zwrotka tworzy obraz różnych zwierząt jadących na lokomotywie – króliczka bez biletu, dzielnego woźnicy, szczeniaka, kaczątek. Piosenka zawiera zatem nie tylko moment grania, ale także pierwsze zapoznanie się z tempem, charakterem i dynamiką wykonywanej muzyki. W tej chwili jest zbyt wcześnie, aby wymagać od ucznia frazowania i elastycznych niuansów, ale ogólny charakter może on wyrazić, jeśli nie grą, to w sposób mu znany - głosem. Ważne jest, żeby wybierał sposób, w jaki wykonuje muzykę i taki jest jego zamysł artystyczny. Któregoś dnia w sklepie muzycznym natknęłam się na autorską kolekcję Very Donskikh „I Draw Music” i „Draw Music with a Picture”, w której również zastosowano system kolorowych nut. Oszczędziło mi to trudu kopiowania notatek do zeszytów uczniów. Kolekcje okazały się interesujące, jasne i zrozumiałe dla dzieci. Teraz bierzemy kawałek do przestudiowania, domyślamy się, jaka struna gra na jakiej strunie, a dziecko maluje nuty w określonych kolorach, na co bardzo dobrze reaguje podczas zabawy. Aby nie przyzwyczajać się do koloru i nie popaść w bezradność przy pisaniu czarno-białym, prostych utworów ze zbiorów wykorzystuję także podczas gry na instrumencie, gdy nuty są już poznane. Bardzo wygodna w tym sensie jest autorska kolekcja „Gra dla początkujących” L. Iwanowej i „Młody gitarzysta” W. Kalinina.

Jeżeli pojawią się trudności z tekstem nutowym, możemy wyłożyć na planszy osobny, trudny element utworu, tak aby dziecko lepiej zrozumiało informację wizualnie.

Również przy pierwszym zapoznawaniu się z gitarą, na odwrocie deski, a są one zazwyczaj dwustronne, można także wykonać tabulaturę z taśmy izolacyjnej. A kiedy grasz na otwartych strunach, rozmieść magnesy odpowiednio do struny i jej koloru, możesz także pokolorować tabulaturę.

Tablica magnetyczna pomaga w rozwiązaniu wielu problemów. Studiując skalę, możesz ułożyć ją nutami dwóch kolorów, na przykład czerwonego i zielonego. Opcji definiowania koloru może być wiele, na przykład:

1. kolejno czerwono-zielony, gamy śpiewamy, nuty czerwone śpiewa nauczyciel, nuty zielone śpiewa uczeń i odwrotnie;

2. układamy jednocześnie skalę dwóch identycznych nut: zielona, ​​zielono - czerwona, czerwona: śpiewamy po kolei dwie nuty według koloru, albo w górę nauczyciel śpiewa jeden kolor, w dół zmieniają kolory;

3. budujemy skalę od „do” do „do” – śpiewamy ją, następnie przesuwamy się o jedną nutę w górę i śpiewamy od „re” do „re”, od „mi” do „mi” i tak dalej.

Również wprowadzając pojęcie wysokości tonu, można na tablicy umieścić dwie nuty w oktawie, np. „do” pierwszej oktawy, a obok „do” drugiej oktawy zaśpiewać do słowa „E-ho” ”, docierając do Twojego głosu od dołu do góry i do słowa „U-fell” od góry do dołu. Zwykle „Echo” od góry do dołu nie działa zbyt dobrze w przypadku dzieci.

Opcji będzie tyle, ile podpowie Ci Twoja wyobraźnia.

Metro - rytmiczne pulsowanie.

Oczywiście tę ważną pracę, rozwój metra – zmysłu rytmicznego, trzeba zacząć od pierwszych lekcji. Pracuję głównie według standardowych schematów. Nie będę dla każdego przepisywać dobrze znanych dogmatów. Ćwiczenia z czytania poezji i rytmu klaskania są po prostu koniecznością. Wyjaśniam, czym jest puls i czym różni się od rytmu. Oczywiście pomaga porównanie z życia - mama idzie gładko, jej kroki są długie, a dziecko obok niego, aby nie pozostać w tyle, robi dwa kroki.
Któregoś dnia wyklaskując w rytm wiersza o żołnierzach, postanowiliśmy z uczennicą maszerować, ale okazało się, że dziecku trudno jest jednocześnie kontrolować ręce i nogi. Tak więc, wraz z klaskaniem, zacząłem stosować „tupanie” poezji.

Przygotowując rozwiązanie jednego problemu, koniecznie musisz przemyśleć, jak będzie działać rozwiązanie kolejnych. Tylko w tym przypadku możemy uznać, że czas początkowego etapu szkolenia został w pełni wykorzystany.

Różne drobnostki w lub „wiatr grający w strunach”.

Długo myślałem, jak zdefiniować kolejną serię pytań - palcowanie, słowa, których używam na lekcji, gdy dzieci mówią, w ogóle, te wszystkie drobnostki, bez których czasami nie da się dziecku wytłumaczyć, rzeczy które są dla nas elementarne i dla niego nie do końca jasne. Bądź sędzią, ale czujemy się bardzo dobrze z naszymi małymi sekretami i nowymi magicznymi słowami. To oczywiście nie jest moje „know-how” i każdy nauczyciel, jeśli chce osiągnąć rezultaty, wymyśla swoje własne triki. Oto nasze:

Dla małego dziecka oznaczenie palców, czyli palcowanie, to po prostu martwe dźwięki. W lewej ręce są liczby i wszystko jest z nimi jakoś jasne, ale czym jest „p-i-m-a”, zwłaszcza jeśli się nie nauczysz język obcy?! Dla małego człowieka mama i tata są głównymi osobami i ich rolami społecznymi, bardzo dobrze je postrzega. Dlatego:

„p” – tata

"Ja i

„m” - matka

„a” – a ja?

Tak oznaczyliśmy palce prawej ręki. Staje się bardzo jasne, dlaczego kciuk prawej ręki jest zawsze z przodu - ponieważ „tata” jest najsilniejszy i najważniejszy. Pierwsze eksperymenty z przyjmowaniem dwóch dźwięków jednocześnie są również uproszczone dzięki tej terminologii. Na przykład: jeśli palcami wydamy dźwięk „p” i „m”, to jest to tata-mama itp. Co więcej, gdy zagrane zostaną dwa dźwięki (lub więcej – akord), już dobrze zorganizowane ustawienie prawej ręki podczas grania jednego dźwięku po kolei zostaje natychmiast zakłócone. Zwykle ruch pędzla idzie na bok - nie jest to prawidłowe. Aby zwrócić uwagę ucznia na ten punkt, zwykle mówię, że gramy w „Zachłannego”

to znaczy bierzemy cały dźwięk na dłoń, do siebie, „jesteśmy chciwi”, a nie „wyrzucamy go” na bok.

Problemy często pojawiają się w lewej ręce - z położeniem palca na progu. Dzieci z reguły umieszczają go na początku progu, a nie na nakrętce. Tłumaczę, że drążek to drabina, żeby skakać ze stopnia na stopień, trzeba stać bliżej krawędzi. Na początku oczywiście często pamiętamy „piosenkę na drabince”, ale stopniowo uczeń przyzwyczaja się do niej i ręka znajduje się we właściwej pozycji, zbliżonej do pozycji pozycji.

Wniosek.

Podsumowując, chcę powiedzieć, że pracując z dziećmi w wieku przedszkolnym lub wczesnoszkolnym często musimy wymyślać nowe formy nauczania. Ale właśnie to jest interesujące – szukanie i rozwiązywanie problematycznych kwestii. W końcu głównym zadaniem jest uczynienie nauki gry na instrumencie żywą, interesującą, ekscytującą i użyteczną. A emocjonalność, entuzjazm i otwartość dziecka dadzą Ci prawdziwą wdzięczność. Dzieci, jeszcze nie zepsute myślą o tym, „co pomyślą inni”, komunikują się z tobą na lekcji bardzo bezpośrednio, czasami zaskakując cię nowością swoich myśli, wrażeń z lekcji lub po prostu zadziwiając cię swoimi pytanie. Oczywiście każdy nauczyciel sam decyduje „czego” i „jak” uczyć swoich uczniów, jednak trzeba pamiętać, że lekcja to twórczość dwóch osób, nauczyciela i ucznia, inaczej można by to nazwać współtworzeniem, gdzie nauczyciel odgrywa dominującą rolę. I to nauczyciel, tworząc własny, autorski system szkolenia i edukacji, będzie mógł uwzględniać i rozwijać indywidualne możliwości student, da dziecku możliwość jak najszerszej realizacji swoich zdolności twórczych i nauczy go nieszablonowego myślenia w przyszłości.

I na koniec... Decydując się przelać moje małe odkrycia na papier, zdałem sobie sprawę, że było to o wiele trudniejsze niż tylko praca z lekcji na lekcję. W trakcie przygotowań przeczytałem tak dużo literatury o orientacji muzyczno-pedagogicznej, wiele zapomnianych rzeczy odżyło w mojej pamięci, pojawiła się nowa wiedza, że ​​teraz mówię: „Nie wszystko na marne!” Ile doświadczeń zgromadzono na przestrzeni wieków, ile wciąż nie wiemy. Jeżeli moja praca komuś się przyda będzie mi bardzo miło. Nie udaję, że jestem oryginalny, bo „wszystko, co nowe, jest dobrze zapomniane” i oczywiście „Żadna zasada czy rada dana jednemu nie będzie pasować nikomu innemu, chyba że te zasady i rady przejdą przez sito jego własnego umysłu i nie zostaną nie podlegają zmianom zapewniającym ich przydatność na daną okazję.” Tymi słowami genialnego pianisty XX wieku I. Hoffmanna zakończę swoje dzieło.

Bibliografia:

1. Donskikh V. „Rysuję muzykę”, „Kompozytor”, S-P, 2006.
2. Żukow G. N. Podstawy ogólnej pedagogiki zawodowej. Instruktaż. Moskwa, 2005.
3. Intelson L.B. Wykłady z psychologii ogólnej. „Wydawnictwo AST”, M. 2000.
4. „Jak uczyć gry na gitarze” Wydawnictwo „Klasyka XX1”, M. 2006
5. Kogan G. „U bram mistrzostwa” Radziecki kompozytor, M. 1977.
6. Kozlov V. „Małe sekrety gitary Senorita”, CJSC „Drukarnia Avtograf”, Czelabińsk, 1998.
7. Mazel V. „Muzyk i jego ręce” tom pierwszy, „Kompozytor” S-P. 2003.
8. Mazel V. „Muzyk i jego ręce”, tom drugi, „Kompozytor” S-P. 2006.
9. „Gimnastyka muzyczna palców” St. Petersburg, 2008.
10. Pedagogika twórczości. numer 2, „Związek Artystów”, St. Petersburg, 2004
11. Smirnova G.I. Wytyczne. Intensywny kurs gry na fortepianie. „Allegro”, M., 2003.
12. Urshalmi I. „Droga do wolności”, Magazyn muzyczny „Gitara” nr 1, 1991.
13. Shipovalenko I.N. „Psychologia wieku”, „Gardarki”, 2005
14. Yudovina-Golperina T.B. „Przy fortepianie bez łez, czyli ja - nauczyciel dzieci„„Związek Artystów” St.Petersburg, 2002.
15. Janewicz SA „Zagrajmy” Rozwój zdolności muzycznych dzieci w wieku 4-6 lat. „Związek Artystów”, Petersburg, 2007.

Miejska budżetowa organizacja oświatowa

Dodatkowa edukacja

„Centrum Edukacyjno-Zdrowotne dla Dzieci „Kryształ”

Klasa mistrzowska

„Metody i techniki nauczania gry na gitarze klasycznej”

Opracowany przez: Neudakhin D.S., nauczyciel w przedszkolu

Uwarowo, 2017

Temat lekcji: „Metody i techniki nauczania gry na gitarze klasycznej”

Forma lekcji: klasa mistrzowska.

Cele: Podaj ogólne pojęcie o metodyce nauczania podstawowych umiejętności gry na instrumencie.

Zadania:

1. Przekaż zgromadzone doświadczenie nauczycielom.

2. Znajomość metod i technik.

Wyposażenie lekcji:

Notatki

Gitara

Krzesło

Stań (na lewą stopę)

Plan zajęć mistrzowskich

1. Moment organizacyjny

2.Rozmowa wprowadzająca

3.Praca praktyczna

4. Wniosek

Postęp klasy mistrzowskiej:

W świecie różnorodności muzycznej (tak jak jest teraz) jest dużo muzyki, ale brakuje dobrych muzyków. Dobry muzyk jest teraz „na wagę złota”. Widać to na dużej scenie, a szczególnie tutaj, w małym miasteczku. Dobrego, profesjonalnego muzyka słychać już od pierwszych nut, a nawet patrząc na to, jak trzyma gitarę w dłoniach. Myślę, że się ze mną zgodzisz.

W mojej pracy z uczniami, podobnie jak inni nauczyciele, dążę do jakiegoś rezultatu. Wynik ten oznacza znaczącą i klarowną grę na gitarze w zespole klasycznym i wokalno-instrumentalnym.

Pierwszą techniką, którą opracowałem, jest specjalny zestaw ćwiczeń mających na celu opanowanie początkowych umiejętności siedzenia, liczenia muzycznego, zapamiętywania układu rytmicznego, ułożenia prawej i lewej ręki oraz doskonalenia amplitudy ruchu palców.

Na przykład: (wizualizacja trzech opracowanych ćwiczeń).

Ćwiczenie 1

Ćwiczenie to ma na celu rozwój kciuka prawej ręki.

Ćwiczenie 2

Ćwiczenie to ma na celu rozwój palców wskazującego, środkowego i serdecznego prawej ręki.

Ćwiczenie 3

Ćwiczenie to ma na celu rozwinięcie zakresu ruchu palców prawej i lewej ręki. Pomaga je połączyć. Uczy prawidłowej pozycji.

Drugą częścią doskonalenia umiejętności początkowych są skale. W tym wypadku nie zasypuję uczniom głów dwiema skalami durowymi i dwiema molowymi przewidzianymi w innych programach nauczania, ale daję im tylko jedną skalę durową, ale w dwóch pozycjach. Jest to gama C-dur, którą łatwo zapamiętać ze słuchu, bo to C, D, E, F... tak dobrze znane każdemu dziecku. Skalę tę podaję, jak już mówiłem, w dwóch pozycjach:

• Pierwszy z nich nazywamy otwartym, ponieważ zawiera wiele otwartych ciągów.
• Druga pozycja jest zamknięta.

W wyniku studiowania tych dwóch skal, uczeń może poruszać się po siedmiu trybach gry na gitarze włącznie. Tak, uczymy samej skali w niezwykły sposób. Aby zachęcić dziecko do samodzielnej pracy, studiowania nut na gryfie, a nie powtarzania słów i wizualnego pokazywania nut, nauczyciel opracował metodę nauki nut poprzez zabawę w pozycji. Wyjaśniam uczniom, jak znaleźć nuty w danym miejscu, a następnie gramy z nimi w nietypową grę „Zgadnij nutę”. Gra przebiega następująco:(objaśnienie zasad gry).

Uczeń pokazuje odgadniętą nutę za pomocą trzech wypowiedzi nauczyciela (numer pozycji, numer struny, numer palca).

Po tej zabawie uczeń sam odnajduje nuty na gryfie, korzystając z tego, co jest w nim zapisane notatnik muzyczny materiał. To bardzo ciekawe, polecam wszystkim moim kolegom.

Równolegle z kształceniem praktycznym odbywa się także kształcenie teoretyczne. Teoretycznie na pierwszej lekcji, jak u wszystkich, jest historia, budowa instrumentu, lepsze poznanie się. Opowiem Państwu o głównych tematach (oczywiście nie wszystkich, gdyż są one dostosowywane w miarę postępów szkolenia, w zależności od rozwoju ucznia) prowadzonej przeze mnie części teoretycznej:

• Historia, konstrukcja instrumentu.
• Pismo klepka- do nauki i zapamiętywania (jeśli uczeń jest młodszy, u mnie jest to do 10 lat, wtedy daję jedną oktawę, potem drugą itd.). Małej oktawy uczymy się tylko do nuty E, a nie niżej. W ten sposób zapamiętywana jest dolna nawa tessitury instrumentu.
• Otwarte struny w gitarze z ich umiejscowieniem na pięciolinii.
• Czas trwania nut liczony w metrum z dwoma ćwierćnutami.
• Przerywa liczenie.
• Znaki zmiany z definicją.
• Oznaki rosnącego czasu trwania.
• Podział nut, grupowanie w muzyce.
• Znaki powtórzeń w muzyce.
• Metr w muzyce.
• Palce prawej i lewej ręki.
• Po przestudiowaniu całej części teoretycznej, test kontrolny. Moim zdaniem w zupełności wystarczy, aby móc przystąpić do czytania nut, nie obciążając przy tym dziecka.

Wróćmy do wag. Po zapoznaniu się i przećwiczeniu gamy, przekazuje się ją w następujący sposób: uczeń gra ją 5 razy z rzędu, do przodu i do tyłu, w przeciętnym, zapamiętanym tempie. Dozwolone są tylko trzy błędy i nie więcej. W ten sposób zaczynają utrwalać się umiejętności występów i zachowania na scenie.

Z okazji Nowego Roku nasze stowarzyszenie organizuje swoje pierwsze wydarzenie, podczas którego wszyscy studenci, oczywiście są wyjątki, samodzielnie grają na scenie naszej instytucji. Ale najciekawsze i najbardziej znaczące wydarzenie naszego stowarzyszenia ma miejsce pod koniec lutego. Jest to festiwal strefowy „Gitara Bending”. Każdy bierze w nim udział z wielką przyjemnością. Co roku czekamy i przyjmujemy gości. Mam przyjemność zaprosić Państwa do udziału w tym festiwalu. „Guitar Bending” to komunikacja, doświadczenie i wiele różnych gatunków muzyki.

Wniosek: Stosując te techniki w nauce gry na gitarze, można przejść do nauki utworów i czytania a vista już w ciągu jednego miesiąca.