Każdy kraj ma swoich bohaterów sztuki współczesnej, których nazwiska są powszechnie znane, których wystawy przyciągają rzesze fanów i ciekawskich, a których prace trafiają do prywatnych kolekcji.

W tym artykule przedstawimy Państwu najpopularniejszych współczesnych artystów we Francji.

Malika Favre

Malika Favre została wprowadzona w świat sztuk pięknych przez swoją matkę artystkę – w ich domu nie było telewizora ani gier wideo, te rozrywki zastąpiło rysowanie. Po ukończeniu studiów Favre przeprowadziła się do Londynu, gdzie nadal mieszka i pracuje. To właśnie w Londynie, po czterech latach pracy w studiu Airside, znalazła swoje powołanie i została profesjonalną ilustratorką.

Thomasa Mainardisa

Thomas jest francuskim artystą samoukiem. Jego obrazy, których styl artysta określa mianem popekspresjonizmu, to subiektywne wrażenia i chwile wyrwane ze współczesnej popkultury, bogate w emocje i fantazje. Artystka obecnie mieszka i pracuje w małym miasteczku pomiędzy Paryżem a Lille.

Nuszka

Artystka Nushka mieszka i pracuje w Paryżu, maluje od ponad 10 lat. Malarstwa Nushki uczyła się w Detroit u amerykańskiego artysty Zawackiego, który nauczył ją podstaw malarstwa, oraz u Maggie Siner, która wprowadziła ją w mechanikę kolorów. Studiowała także u artysty Hashpy. Dzięki tak bogatej bazie malarstwo artysty łączy warsztat techniczny i styl z nowoczesną tematyką.

Laurenta Botellę

Laurent studiował malarstwo w pracowni Maithe Rovino w Osson oraz w szkole Beaux Arts w Tuluzie. Jego obrazy wykonane są w technice impresjonistycznej - a technika dla Laurenta ma ogromne znaczenie: kompozycja i kolorystyka mają na celu podkreślenie fabuły obrazu. Od 1991 roku Laurent Botella regularnie uczestniczy w wystawach i konkursach, na których wielokrotnie otrzymywał nagrody i wyróżnienia.

Laurenta Dauptaina

Laurent Dauptin posiada tytuł magistra malarstwa. Tematyka jego prac jest nietypowa: artysta rysuje głównie własne portrety, eksperymentując z różnymi technikami. Od czasu do czasu Laurent próbuje swoich sił w innych gatunkach, ale zawsze wraca do autoportretu. Od 1981 roku Dopten stale wystawiał, wielokrotnie brał udział w różnych konkursach i otrzymał za swoją twórczość liczne nagrody, z których najważniejsze to Grand Prix Salon Peintres de l'Armee, 2003, Taylor Prize, 2001 oraz nagroda złoty medal Artysta Salonu Francji, 1997.

Michela Delacroix

Michel Delacroix urodził się w 1933 r. Jego miłość do rysunku rozpoczęła się podczas niemieckiej okupacji Paryża. To właśnie Paryż, który już wtedy pozostał Paryżem, jest bohaterem jego obrazów – ciche, spokojne miasto dzieciństwa artysty. Delacroix długo eksperymentował ze stylami, aż w końcu zdecydował się na kierunek, który stał się jego znakiem rozpoznawczym - „naiwny” styl malarstwa. Delacroix był wielokrotnie nagradzany różnymi nagrodami, w tym Grand Prix des Amateurs d'Art, Paryż 1973, Grand Prix de la Cote d'Azur, Cannes 1976, Premier Prix de Sept Collines, Rzym 1976 itp. Jego prace znajdują się w kilku kolekcjach publicznych i prywatnych, m.in Muzeum Narodowe Sztuka współczesna w Paryżu i muzeum międzynarodowe sztuka naiwna.

Sylwester Evrard

Francuski artysta Sylvestre Evrard mieszka i pracuje w Lille. W zasadzie bohaterami jego obrazów są ludzie. Styl i nastrój obrazów artysty, jak sam mówi, można krótko scharakteryzować wyrażeniem Andre Malraux: „Sztuka to obecność w życiu tego, co powinno należeć do śmierci”.

Patricia Perrier-Radix

Twórczość Patricii charakteryzuje się swobodą, łatwością i perfekcją. Artystka nie ustaje w poszukiwaniu swojego stylu, stale wzbogaca swoją wiedzę studiując różne materiały, ale ma skłonność do pracy z akrylem i farba olejna na płótnie. Jej obrazy zaskakują emocjonalnością – malując postacie bez twarzy, Patricia po mistrzowsku oddaje najdrobniejsze odcienie uczuć i nastrojów z precyzją ulotnych gestów i póz.

Henryk Lamy

Współczesny francuski artysta figuratywny Henri Lamy kształcił się w malarstwie olejnym, ale pociągała go bezpośredniość i spontaniczność akrylu, wzbogacając swoje prace ostrymi, wyrazistymi kolorami. Henri tworzy swoje obrazy farbą kapiącą z noża, której krople przeplatają się, łączą i niemal natychmiast wysychają. Z bliska te akrylowe obrazy mogą wyglądać abstrakcyjnie i pokazywać swoje prawdziwe kolory jedynie widzowi, który cofnie się kilka kroków.

Joanna Perdu

Joanna, znana także wśród kolegów i miłośników sztuki jako La D'Jo, uzyskała dyplom ze sztuk pięknych i poświęca się jej w całej jej różnorodności, od malarstwa po fotografię. Swoje pomysły czerpie ze świata rozrywki: muzyki, tańca, sztuki. teatr, cyrk.., a w centrum jej obrazów zawsze znajdują się z tego żyjące istoty magiczny świat. Dziś jej obrazy można znaleźć w galeriach w różnych zakątkach świata. Celowo naiwne dzieła Perdu przykuły uwagę krytyków i zaowocowały wieloma recenzjami, zwykle entuzjastycznymi.

Był czas, kiedy artystów nie doceniano za ich twórczość. Ale obecnie te osoby są bardzo cenione, niezależnie od tego, czy pochodzą z czasów historycznych, czy żyją. Francuscy malarze są szczególnie szanowani za swoje niesamowite i zachwycające dzieła.

Oto 10 najsłynniejszych i najwybitniejszych francuskich artystów i malarzy. Cofnijmy się w czasie i spójrzmy na to wszystko razem. Proszę cieszyć się!

TOP 10 najsłynniejszych francuskich artystów i malarzy:

10. Paul Gauguin (1848-1903)

Paul Gauguin był francuskim artystą i malarzem czasów postimpresjonistycznych. Wniósł ogromny wkład w rozwój malarstwa awangardowego. Gauguin miał bliskie stosunki z Van Goghem.

9. Vincent Van Gogh (1853-1890)

Vincent Van Gogh należy do okresu postimpresjonistycznego. Jest jednym z najsłynniejszych malarzy i artystów na świecie. Znany ze swojej śmiałości i żywych obrazów Vincent urodził się w Holandii.

8. Kamil Pissarro (1830-1903)

Camille Pissarro należy do epoki impresjonistów i postimpresjonistów. Jest jednym z najbardziej wpływowych i najlepsi malarze wszechczasów. Pracował nad nowymi i niepowtarzalnymi stylami w swoich obrazach, co mogłoby dać przewagę jego karierze.

7. Edouard Manet (1832-1883)

Edouard Manet jest znany ze swojego wkładu w szkoły realizmu i impresjonizmu. Był wielkim i nowatorskim malarzem. Przekształcił dzieła w kierunku impresjonizmu, aby nadać im nowoczesny wygląd.

6. Eugeniusz Delacroix (1798-1863)

Eugene Delacroix słynie z romantycznych obrazów i dzieł sztuki. Inspirację do tego dzieła czerpał od malarzy weneckiego renesansu i Rubensa.

5. Paul Cézanne (1839-1906)

Paul Cézanne urodził się w XVIII wieku. Niesamowity artysta epoki impresjonizmu. Rozpoczął swoją karierę od form impresjonistycznych, ale rozwinął się jako artysta innowacyjny, dający najlepsze prace sztuka XIX w.

4. Charles-François Dabigny (1817-1878)

Charles-François Dabigny jest jednym z najbardziej znany artysta wszechczasów. Wciąż jest pamiętany ze swoich tradycyjnych malarstwa pejzażowego i służy do imponowania innym unikalnymi dziełami sztuki.

3. August Renoir (1841-1919)

August Renoir należy do epoki impresjonizmu. Jest jednym z najsłynniejszych malarzy, który odegrał kluczową rolę w rozwoju twórczości impresjonistycznej.

2. Claude Monet (1840-1926)

Claude Monet jest malarzem impresjonistą. Jest jednym z najbardziej wpływowych malarzy XVIII wieku. Był pod silnym wpływem twórczości licealistów i pojawiły się jego własne prace, takie jak „Impresja”, „Wschód słońca” i inne.

1. Edgar Degas (1834-1917)

Edgar Degas uważany jest za prekursora impresjonizmu. Malował realistyczne aspekty życia ludzkiego. Jego styl pracy był naprawdę wyjątkowy i imponujący.

Francuscy artyści to największe nazwiska światowej kultury. Co więcej, to francuscy mistrzowie pobili wszelkie rekordy cen dzieł sztuki na najlepszych aukcjach. Szkoda tylko, że ich autorzy zyskali dopiero pośmiertną sławę, ale takie są koleje losu wielu twórców piękna.

Artyści Francji: fenomen francuskiego impresjonizmu

Tak więc najdrożej sprzedali się, a przez to najbardziej znani i rozpoznawalni na świecie, byli francuscy artyści XX wieku. Nawet ludzie zupełnie niedoświadczeni w sztukach pięknych znają ich imiona. Przede wszystkim są to artyści impresjoniści. Francja była wobec nich nieprzyjazna za ich życia, lecz po śmierci stali się prawdziwą dumą narodową.

Najwięksi artyści Francji, którzy zdobyli światowe uznanie, sławę i sławę w szerokie koła, - Ten Pierre'a Renoira, Edwarda Maneta, ‎Edgara Degasa, Paula Cezanne’a, Claude Monet I Paul Gauguin. Wszyscy są przedstawicielami najsłynniejszego i najlepiej sprzedającego się nurtu w malarstwie XX wieku – impresjonizmu. Nie trzeba dodawać, że ruch ten narodził się we Francji i najpełniej ujawnia swoje miejsce i znaczenie w historii sztuki światowej. Niesamowite połączenie oryginalnej techniki i dużej ekspresji emocjonalnej fascynowało i nadal fascynuje koneserów piękna na całym świecie w impresjonizmie.

Artyści Francji: powstawanie malarstwa francuskiego

Ale francuscy artyści to nie tylko impresjonizm. Podobnie jak gdzie indziej w Europie, malarstwo tutaj rozkwitło w okresie renesansu. Oczywiście Francja nie może pochwalić się takimi gigantami jak Leonardo da Vinci czy Rafael, ale mimo to wniosła swój wkład we wspólną sprawę. Wpływy włoskie były jednak zbyt silne, aby stworzyć oryginalną szkołę narodową.

Pierwszym wielkim francuskim artystą, który całkowicie uwolnił się od wpływów zewnętrznych, był Jacques Louis David, słusznie uważany za twórcę narodowej tradycji malarskiej. Najsłynniejszym obrazem artysty był słynny portret konny cesarza Napoleona zatytułowany „Napoleon na przełęczy św. Bernarda” (1801).

Artyści XIX-wiecznej Francji, pracujący w kierunku realistycznym, są oczywiście mniej znani niż impresjoniści, ale mimo to wnieśli wymierny wkład w rozwój malarstwa światowego. Ale XX wiek stał się triumfem sztuki francuskiej, a Paryż stał się centrum muz. Słynna dzielnica stolicy Francji Montmartre, która dała schronienie dziesiątkom biednych artystów, którzy później stali się częścią złotego funduszu dziedzictwa ludzkości, łącznie z nazwiskami Renoira, van Gogh, Toulouse-Lautreca, I Picasso I Modiglianiego, stał się ośrodkiem sztuk pięknych i nadal przyciąga rzesze turystów. Znany artysta Współcześni Francuzi również tradycyjnie mieszkają na Montmartre.

Szczegóły Kategoria: Sztuki piękne i architektura końca XVI-XVIII w. Opublikowano 27.04.2017 14:46 Wyświetleń: 3249

Na początku XVIII wieku. We Francji pojawił się nowy styl - rokoko.

W tłumaczeniu z francuskiego rokoko (rocaille) oznacza „muszlę”. Imię tego styl artystyczny ujawnia swoją charakterystyczną cechę - zamiłowanie do skomplikowanych kształtów, dziwacznych linii, przypominających pełna wdzięku sylwetka muszle.
Styl rokoko nie przetrwał długo (do około lat 40. XX wieku), ale jego wpływ na kultura europejska okazał się bardzo mocny.
W drugiej połowie XVIII w. rozpoczął się nowy wzrost zainteresowania kulturą starożytną. Było to częściowo spowodowane wykopaliskami w Pompejach, podczas których odkryto unikalne zabytki sztuki. Z drugiej strony temu zainteresowaniu sprzyjały idee francuskiego oświecenia: ideał sztuki i życia społecznego widzieli oni w historii i kulturze Starożytna Grecja I Starożytny Rzym. W ten sposób pojawił się nowy styl - neoklasycyzm. Nie we wszystkich krajach tak było. Na przykład we Włoszech styl barokowy istniał jednocześnie ze stylem rokoko, podczas gdy we Francji barok nie rozwinął się zbytnio. W Rosji rokoko i neoklasycyzm uzupełniały się.
W XVIII wieku klienci jeszcze nie grali Wiodącą rolę w losach artysty: stał się głównym sędzią dzieł sztuki opinia publiczna. Pojawił się krytyka artystyczna: Denis Diderot, Jean Jacques Rousseau i inni.
Ważne wydarzenie w życiu artystycznym Francja XVIII V. stały się wystawami publicznymi - Salonami. Od 1667 roku organizowały je corocznie paryska Królewska Akademia Malarstwa i Rzeźby przy wsparciu dworu królewskiego. Sukcesem na Salonie było uznanie dla malarza lub rzeźbiarza. W Salonach starali się brać udział nie tylko Francuzi, dlatego Paryż stopniowo przekształcał się w paneuropejskie centrum artystyczne.

Jean Antoine Watteau (1684-1721)

Rozalba Carriera. Portret Antoine’a Watteau (1721)
Antoine Watteau to francuski malarz pierwszej tercji XVIII wieku, twórca stylu rokoko.
W malarstwie odkrył sferę subtelnych emocji, zgodną z liryzmem pejzażu.
A. Watteau urodził się w prowincjonalnym miasteczku w rodzinie dekarza. Już w środku wczesne lata Jego zdolności artystyczne ujawniły się, a ojciec oddał go na termin do lokalnego malarza o niewielkim talencie. Bardzo szybko mentor przestał być przydatny przyszłemu artyście. Antoine Watteau wbrew woli ojca potajemnie opuszcza rodzinne miasto Valenciennes i udaje się pieszo do Paryża, gdzie zostaje zatrudniony w pracowni malarskiej na moście Notre Dame, której właściciel organizował seryjną produkcję tanich kopii obrazów w „ wspólny gust” dla odbiorców hurtowych. Watteau mechanicznie kopiował te same popularne obrazy, a w wolnych chwilach malował z życia. Był wyjątkowo pracowity.

Antoine Watteau „Kapryśny” (ok. 1718). Państwowe Muzeum Ermitażu(Petersburg)
Wkrótce Watteau znalazł swoich pierwszych mecenasów – Pierre’a Mariette’a i jego syna Jeana, rytowników i kolekcjonerów, właścicieli dużej firmy sprzedającej ryciny i obrazy. W Mariettes Watteau miał okazję zapoznać się z twórczością Rembrandta, Tycjana i Rubensa. Za pośrednictwem Mariette Watteau został uczniem artysty Claude’a Gillota, mistrza scenografii teatralnej i twórcy małych obrazów. „Od tego mistrza Watteau nabył jedynie zamiłowanie do groteski i komizmu, a także zamiłowanie do współczesnych tematów, którym później się poświęcił. A jednak trzeba przyznać, że dzięki Gillotowi Watteau w końcu zrozumiał siebie i od tego czasu oznaki talentu, który należało rozwijać, stały się wyraźniejsze” (biograf artysty Edme-François Gersin).

Antoine Watteau „Aktorzy komedii francuskiej” (ok. 1712). Państwowe Muzeum Ermitażu (Sankt Petersburg)
W wieku 33 lat Watteau stał się najpopularniejszym malarzem w Paryżu, co przyczyniło się do jego europejskiej sławy.

Antoine Watteau „Gilles” (1718-1719). Luwr (Paryż)
Tak o tym obrazie mówi M.Yu. Niemiec, czołowy badacz Muzeum Rosyjskiego: „Gilles” nie ma praktycznie odpowiednika w historii sztuki. Niewiele osób w ogóle pisało aktorów. Co więcej, nikt nie odważył się pokazać aktora w całkowitej bezczynności. Dla samego Watteau był to odważny krok: namalować postać na samym środku płótna, wypełniając jego większą część szeroką szatą, która całkowicie zakrywa ciało komika, a w głębi ukazać twarze innych aktorów, za pomocą zabawa i animacja ostro kontrastują z niemal nieruchomą twarzą bohatera... Pozbawiony gestów i mimiki, symetrycznie i płasko wpisany w płótno, spokojnie egzystuje w czasie, jakby zatrzymał się dla niego na zawsze. Wszystko, co ulotne i przemijające, jest mu obce. Krzątanina za nim tkwi w ruchach aktorów. Przed nim śmiech i radość publiczności. I pozostaje niezmiennie nieruchomy, z zabawnym i wzruszającym wyrzutem w swoich okrągłych, czułych i inteligentnych oczach.
Już całkiem chory Watteau wziął szyld sklepu z antykami „Wielki Monarch” na moście Notre-Dame. Sklep ten należał do jego przyjaciela Gersena.

Antoine’a Watteau. Szyld sklepu Gersena (1720-1721). Pałac Charlottenburg (Berlin)
Watteau namalował obraz znaków na dwóch oddzielnych płótnach, które następnie wstawiono w jedną ramę. Akcja obrazu przeniesiona jest z pejzażu do wnętrza. Płótno przedstawia przestronny sklep, który według planu artysty otwiera się bezpośrednio na paryski chodnik.
Na pierwszym planie, po lewej stronie, służba wkłada do skrzynki portret niedawno zmarłego Ludwika XIV. W górnym rogu wisi portret jego teścia, króla hiszpańskiego Filipa IV, po prawej stronie, eksperci uważnie przyglądają się obrazowi w owalnej ramie; pejzaże i martwe natury współistnieją tu ze scenami mitologicznymi.
Główną cechą tej pracy jest jej programowy charakter. Według Louisa Aragona Watteau pod przykrywką znaku przedstawił historię malarstwa taką, jaką znał. Obraz ten stał się niejako artystycznym testamentem autora. Antoine Watteau zmarł w wieku 36 lat na gruźlicę.

Pomnik Antoine’a Watteau w jego rodzinne miasto Valenciennes (1884)
Z rozwojem stylu rokoko związana jest także twórczość Francois Bouchera.

Francois Boucher (1703-1770)

F. Boucher – francuski malarz, rytownik, dekorator. Jego dzieła charakteryzują się wykwintnymi formami, liryczną delikatnością kolorystyczną, wdziękiem, kokieterią, sięgającą czasem afektacji.

Gustafa Lundberga. Portret Francois Bouchera
Boucher był mistrzem grawerowania, ilustrowania książek Owidiusza, Boccaccia i Moliera. Tworzył dekoracje do oper i sztuk teatralnych, obrazy na gobeliny królewskie; wykonywał ozdobne obrazy na porcelanie Sevres, malował wachlarze, wykonywał miniatury itp.
W malarstwie sięgał po tematykę alegoryczną i mitologiczną, malował sceny rodzajowe, pasterskie (poetyzowanie spokojnego i prostego życia wiejskiego), pejzaże i portrety.

F. Bouchera. Portret Madame de Pompadour
Boucher otrzymał tytuł artysty nadwornego. Dekorował rezydencje króla i Madame de Pompadour, prywatne rezydencje w Paryżu. W ostatnich latach był dyrektorem Królewskiej Akademii Malarstwa i Rzeźby i „pierwszym malarzem króla”.

F. Bouchera. Portret Marii Buzo, żony artysty (1733)
Inny obraz F. Bouchera ilustruje fragment opowiadania La Fontaine’a „Pustelnik”. W pobliżu pod postacią pustelnika osiedla się młody mężczyzna, który planuje uwieść piękną, ale nieśmiałą dziewczynę ze wsi. Udaje mu się przekonać matkę dziewczynki o swojej świętości, a ona sama zabiera do niego córkę, aby wysłuchała jego dobrych nauk. Boucher ukazuje oryginalną interpretację twórczości La Fontaine’a, jednak w jego kompozycji główne miejsce zajmuje pejzaż.

F. Boucher „Pejzaż z pustelnikiem. Brat Luce” (1742). Muzeum sztuki piękne ich. A. S. Puszkina (Moskwa)

Demokratyczne poglądy na sztukę francuską

Ucieleśniały je prace „malarza trzeciej władzy” Jeana Baptiste’a Simeona Chardina oraz portrety Maurice’a Quentina de Latoura.

Jean Baptiste Symeon Chardin (1699-1779)

Chardin. Autoportret
Chardin celowo unikał tematów charakterystycznych dla sztuki swoich czasów. Malował głównie martwe natury i sceny codzienne, ale wyrażał w nich własne spostrzeżenia. Interesował się życiem ludzi „trzeciego stanu” (wszystkich grup ludności z wyjątkiem uprzywilejowanych: duchowieństwa i szlachty).
Twórczość Chardina jako artysty kontynuowała tradycje mistrzów holenderskich i flamandzkich i reprezentowała rozkwit realizmu w XVIII wieku. Nawet jego martwa natura miała aspekt przedstawiania rzeczywistości. Źródłem kompozycji obrazującej harmonijną egzystencję stały się dla niego najzwyklejsze przedmioty: dzbany, stare garnki, warzywa itp.

Chardin „Scat” (1728). Luwr (Paryż)
Artysta wiedział, jak doskonale oddać różnorodność kolorystyczną i wyczuwał wewnętrzne powiązanie obiektów. Małymi pociągnięciami przekazywał odcienie koloru i potrafił uwzględnić w obrazie wpływ światła słonecznego.
Wracając do malarstwa gatunkowego i zwykłych scen domowych, Chardin odtworzył na płótnie spokojny, wyważony sposób życia Życie codzienne, blisko każdego człowieka. To właśnie takie obrazy zapewniły mu jedno z czołowych miejsc w historii. Malarstwo francuskie. W 1728 został członkiem paryskiej Akademii Sztuk, a w 1743 - jej doradcą; później został członkiem Akademii Nauk, Literatury i Sztuk Pięknych w Rouen.
Uduchowiał najzwyklejsze przedmioty i czynności: „Praczka” (1737), „Słój z oliwkami” (1760), „Atrybuty sztuki” (1766).

Chardina „Martwa natura z atrybutami artystycznymi” (1766, Państwowe Muzeum Ermitażu (St. Petersburg). Obraz powstał na zamówienie Katarzyny II dla gmachu budowanej Akademii Sztuk w Petersburgu
D. Diderot porównał swoje umiejętności do czarów: „Och, Chardin, to nie białe, czerwone i czarne farby rozcierasz na palecie, ale sama esencja przedmiotów; bierzesz powietrze i światło z czubka pędzla i nakładasz je na płótno!”

Chardin „Bańki mydlane” (1733-1734). Narodowa Galeria Sztuki, Waszyngton (USA)
Twórczość Jeana Honore Fragonarda wyróżnia swoiste połączenie malarstwa „galantowego” z gatunkiem codziennym.

Jean Honore Fragonard (1732-1806)

Francuski malarz i rytownik. Tworzył w stylu rokoko. Autor ponad 550 obrazów (nie licząc rysunków i rycin).

J.O. Fragonarda. Autoportret (ok. 1760-1770)
Był uczniem F. Bouchera i J.B.S. Chardin. Początkowo interesował się malarstwem historycznym, później zaczął malować w duchu Watteau i Bouchera. Często ma sceny życie intymne, treści erotyczne, panele dekoracyjne, portrety, miniatury, akwarele, pastele. Zajmował się także akwafortą i grawerowaniem.
Jednak w epoce klasycyzmu stracił na popularności.

J.O. Fragonarda „Zatrzask” (1777). Luwr (Paryż)
Obraz przedstawia scenę miłosną: pan, nie odrywając wzroku od pani, prawa ręka sięga do drzwi, gdzie zamyka górny rygiel. Lewa ręka panie wydają się powtarzać ten ruch. Na stole leży jabłko, biblijny symbol pokusy i upadku.
W obrazach historycznych Fragonard jest mało oryginalny. Jego pejzaże są dość upiększone. Ale obrazy gatunkowe artysty wyróżniają się umiejętną kompozycją, wdzięcznym designem, delikatną kolorystyką i subtelnym smakiem: „Lekcja muzyki”, „Pastoralna”, „Kąpiący”, „Śpiąca nimfa”, „Amor zdejmujący koszulę z piękności”, „ Młody Gitarzysta”, „Pocałunek w ukryciu”.

J.O. Fragonard „Skradziony pocałunek” Ermitaż (Sankt Petersburg)
W połowie XVIII w. Francuskie oświecenie zaproponowało klasyczne ideały jako środek edukacji. W malarstwie pojawił się kierunek sentymentalny i moralizatorski, w którym wyróżniał się artysta Jean-Baptiste Greuze.

Jean-Baptiste Greuze (1725-1805)

J.-B. Sny. Autoportret
Greuze szczególnie odniósł sukces w gatunku życia rodzinnego z jego problemami i dramatami - tutaj ma niewielu rywali w malarstwie francuskim.

J.-B. Sny „Klątwa ojca” (1777). Luwr (Paryż)
Obraz przedstawia scenę z dramatu rodzinnego, kiedy syn oznajmia ojcu, że wyjeżdża do wojska, a ten go przeklina.
Jako portrecista również radził sobie najlepiej, bo... rozumiał portret inaczej niż jego współcześni, którzy przedstawiali mężczyzn jako Apollosa, a kobiety jako Florę i Wenus. Jego portrety są pełne podobieństwo zewnętrzne, pełen życia i uczuć.

J.-B. Marzy o „Portrecie dziewczyny”. Narodowe Muzeum Sztuki Azerbejdżanu
W Ermitażu w Petersburgu znajduje się 11 dzieł Greuze’a.
We Francji w XVIII w. zwiększone zainteresowanie przyrodą i pejzaż. Charakterystyczny dla neoklasycyzmu rodzaj pejzażu („fantazji architektonicznej”) stworzył Hubert Robert.

Hubert Robert (1733-1808)

Vigée-Lebrun, Marie Elisabeth Louise. Portret Huberta Roberta (1788) Luwr (Paryż)
francuski pejzażysta; zyskał europejską sławę dzięki swoim dużym płótnom z romantycznymi wizerunkami starożytnych ruin otoczonych wyidealizowaną przyrodą. Jego pseudonim brzmiał „Robert z Ruin”.

Hubert Robert „Starożytne ruiny” (1754-1765). Budapeszt

Jacques-Louis David (1748-1825)

J L. Dawid. Autoportret (1794)
Francuski malarz i pedagog, czołowy przedstawiciel francuskiego neoklasycyzmu w malarstwie. Wrażliwy kronikarz swoich burzliwych czasów.
Urodzony w rodzinie hurtownika żelaza. Wychowywał się głównie w rodzinie spokrewnionej. Kiedy dostrzeżono zdolność dziecka do rysowania, zakładano, że zostanie architektem, podobnie jak obaj jego wujowie.
David pobierał lekcje rysunku w Akademii św. Łukasz. W 1764 r. krewni przedstawili go François Boucherowi, lecz z powodu choroby nie mógł uczyć się u młodego człowieka. W 1766 roku David wstąpił do Królewskiej Akademii Malarstwa i Rzeźby i rozpoczął naukę w pracowni Vienne’a. W latach 1775-1780 Dawid studiował na Akademia Francuska w Rzymie studiował sztukę starożytną i twórczość mistrzów renesansu.
W 1783 został wybrany na członka Akademii Malarstwa.
Aktywnie uczestniczył w ruchu rewolucyjnym, został wybrany do Konwencji Narodowej, przyłączył się do Montagnardów pod wodzą Marata i Robespierre'a i głosował za śmiercią króla Ludwika XVI. Namalował szereg obrazów poświęconych rewolucjonistom: „Przysięga w sali balowej” (1791, niedokończony), „Śmierć Marata” (1793). Również w tym czasie organizował masowe festiwale publiczne i stworzył Muzeum Narodowe w Luwrze.

J L. Davida „Śmierć Marata” (1793). Królewskie Muzea Sztuk Pięknych (Bruksela)
To płótno jest jednym z najbardziej znane obrazy poświęcony Wielkiej Rewolucji Francuskiej.
Jean Paul Marat jest dziennikarzem radykalnej gazety Friend of the People, przywódcą jakobinów. Zachorowawszy na chorobę skóry, Marat nie wychodził z domu i dla złagodzenia swoich cierpień brał kąpiele. 13 lipca 1793 roku został zasztyletowany w swoim mieszkaniu przez szlachciankę Charlotte Corday.
Na drewnianym stojaku znajduje się dedykacja autora: „MARATO, David”. W dłoni Marata ściska kartkę papieru z tekstem: „13 lipca 1793, Marie Anne Charlotte Corday do obywatela Marata. Jestem nieszczęśliwy i dlatego mam prawo do twojej ochrony. Tak naprawdę Marat nie miał czasu na otrzymanie tej notatki, bo... Corday zabił go pierwszy.
W 1794 roku został uwięziony za swoje rewolucyjne poglądy.
W 1797 był świadkiem uroczystego wjazdu Napoleona Bonaparte do Paryża i od tego czasu stał się jego zagorzałym zwolennikiem, a po dojściu do władzy – dworskim „pierwszym artystą”. David tworzy obrazy poświęcone przeprawie Napoleona przez Alpy, jego koronacji, a także szereg kompozycji i portretów osób bliskich Napoleonowi. Po klęsce Napoleona w bitwie pod Waterloo w 1815 roku uciekł do Szwajcarii, a następnie przeniósł się do Brukseli, gdzie mieszkał do końca życia.

J L. Dawid „Bonaparte na przełęczy św. Bernarda” (1801)
Ten obraz Dawida rozpoczyna epokę romantyzmu Malarstwo europejskie. Jest to niezwykle romantyczny portret konny generała Napoleona Bonaparte, który w maju 1800 roku poprowadził armię włoską przez przełęcz św. Bernarda wysoko w Alpach.
Naturalne tło nadaje obrazowi romantyczne znaczenie: strome górskie klify, śnieg, silny wiatr i zła pogoda. Poniżej, jeśli przyjrzysz się uważnie, możesz zobaczyć wyryte imiona trzech wielkich dowódców, którzy przeszli tę drogę: Hannibala, Karola Wielkiego i Bonapartego.

J L. Dawid „Koronacja Napoleona” (1805-1808)
Płótno powstało pod wrażeniem obrazu Rubensa „Koronacja Marii Medycejskiej”.
Pochowany Jacques-Louis David w Brukseli, a jego serce przewieziono do Paryża i pochowano na cmentarzu Père Lachaise.
W XVIII wieku We Francji pracowali malarze historyczni Jean Jouvenet, Nicolas Colombel, Pierre Subleira, portreciści Claude Lefebvre, Nicolas Largilliere i Hyacinthe Rigaud.
W połowie XVIII w. Rodzina Vanlo była sławna, zwłaszcza bracia Jean-Baptiste i Charles oraz inni artyści.

Francuską szkołę artystyczną przełomu XVII i XVIII wieku można nazwać wiodącą szkołą europejską; to właśnie we Francji w tym czasie wykształciły się takie style artystyczne, jak rokoko, romantyzm, klasycyzm, realizm, impresjonizm i postimpresjonizm.

Rokoko (francuskie rokoko, od rocaille – motyw dekoracyjny w kształcie muszli) – styl w sztuce europejskiej I połowy XVIII wieku. Rokoko cechuje hedonizm, wycofanie się w świat idyllicznej zabawy teatralnej oraz upodobanie do tematów duszpasterskich i zmysłowo-erotycznych. Charakter wystroju rokokowego nabrał zdecydowanie eleganckich, wyrafinowanych form.

François Boucher, Antoine Watteau i Jean Honoré Fragonard pracowali w stylu rokoko.

Klasycyzm - styl w sztuce europejskiej XVII - początków XIX wieku, którego cechą charakterystyczną było odwoływanie się do form sztuki antycznej jako idealnego standardu estetycznego i etycznego.

Jean Baptiste Greuze, Nicolas Poussin, Jean Baptiste Chardin, Jean Dominique Ingres i Jacques-Louis David pracowali w stylu klasycyzmu.

Romantyzm - styl Sztuka europejska w XVIII-XIX w., charakterystyczne cechy co było afirmacją wewnętrznej wartości duchowego i twórczego życia jednostki, ukazaniem silnych, a często buntowniczych pasji i charakterów.

Francisco de Goya, Eugene Delacroix, Theodore Gericault i William Blake pracowali w stylu romantyzmu.

Edwarda Maneta. Śniadanie w warsztacie. 1868

Realizm - styl artystyczny, którego zadaniem jest jak najdokładniejsze i obiektywne uchwycenie rzeczywistości. Stylistycznie realizm ma wiele twarzy i wiele opcji. Różne aspekty realizmu w malarstwie to barokowy iluzjonizm Caravaggia i Velazqueza, impresjonizm Maneta i Degasa oraz dzieła Nynena Van Gogha.

Narodziny realizmu w malarstwie najczęściej kojarzone są z twórczością francuskiego artysty Gustave’a Courbeta, który w 1855 roku otworzył w Paryżu swoją osobistą wystawę „Pawilon realizmu”, chociaż jeszcze przed nim pracowali artyści szkoły Barbizon Theodore Rousseau, Jean- François Millet i Jules Breton pracowali w sposób realistyczny. W latach 70. XIX wieku. realizm podzielono na dwa główne kierunki - naturalizm i impresjonizm.

Malarstwo realistyczne stało się powszechne na całym świecie. Wędrowcy pracowali w stylu realizmu o silnej orientacji społecznej w XIX wieku w Rosji.

Impresjonizm (z francuskiego impresja - impresja) - styl w sztuce ostatniej tercji XIX - początków XX wieku, którego cechą charakterystyczną była chęć jak najbardziej naturalnego uchwycenia realnego świata w jego ruchliwości i zmienności, oddania swojej ulotności wrażenia. Impresjonizm nie poruszał zagadnień filozoficznych, lecz skupiał się na płynności chwili, nastroju i oświetleniu. Tematem impresjonistów jest samo życie, jako seria małych świąt, przyjęć, przyjemnych pikników na łonie natury w przyjaznym otoczeniu. Impresjoniści jako jedni z pierwszych malowali w plenerze, nie kończąc pracy w pracowni.

Edgar Degas, Edouard Manet, Claude Monet, Camille Pissarro, Auguste Renoir, Georges Seurat, Alfred Sisley i inni pracowali w stylu impresjonizmu.

Postimpresjonizm to styl w sztuce, który pojawił się pod koniec XIX wieku. Postimpresjoniści starali się w sposób swobodny i powszechny przekazać materialność świata, sięgając po dekoracyjną stylizację.

Postimpresjonizm dał początek takim ruchom artystycznym, jak ekspresjonizm, symbolizm i modernizm.

Vincent Van Gogh, Paul Gauguin, Paul Cezanne i Toulouse-Lautrec pracowali w stylu postimpresjonistycznym.

Przyjrzyjmy się bliżej impresjonizmowi i postimpresjonizmowi na przykładzie twórczości poszczególnych mistrzów Francji w XIX wieku.

Edgara Degasa. Autoportret. 1854-1855

Edgara Degasa (życie 1834-1917) – francuski malarz, grafik i rzeźbiarz.

Zaczynając od obrazów historycznych i portretów o surowej kompozycji, w latach 70. XIX wieku Degas zbliżył się do przedstawicieli impresjonizmu i zaczął przedstawiać współczesne życie miejskie - ulice, kawiarnie, przedstawienia teatralne.

W obrazach Degasa starannie przemyślana i zweryfikowana jest dynamiczna, często asymetryczna kompozycja, precyzyjny, elastyczny rysunek, nieoczekiwane kąty i aktywna interakcja figury z przestrzenią.

E. Degasa. Łazienka. 1885

W wielu pracach Edgar Degas ukazuje charakterystyczne zachowania i wygląd ludzi, wynikające ze specyfiki ich życia, ujawnia mechanizm profesjonalnego gestu, postawy, ruchu człowieka, jego plastyczne piękno. Sztukę Degasa cechuje połączenie piękna i prozy; artysta, jako trzeźwy i subtelny obserwator, jednocześnie rejestruje żmudną, codzienną pracę ukrytą za eleganckim showmanem.

Ulubiona technika pasteli pozwoliła Edgarowi Degasowi w pełni wykazać się talentem rysownika. Bogate odcienie i „błyszczące” pociągnięcia pasteli pomogły artyście stworzyć tę szczególną kolorową atmosferę, tę opalizującą lekkość, która tak wyróżnia wszystkie jego prace.

W swoich dojrzałych latach Degas często zwracał się do tematu baletu. Kruche i nieważkie postacie baletnic ukazują się widzowi albo w półmroku zajęć tanecznych, albo w świetle reflektorów na scenie, albo w krótkich minutach odpoczynku. Pozorna przypadkowość kompozycji i bezstronna postawa autora sprawiają wrażenie szpiegowania cudzego życia, artysta ukazuje nam świat wdzięku i piękna, nie popadając w nadmierny sentymentalizm.

Edgara Degasa można nazwać subtelnym kolorystą; jego pastele są zaskakująco harmonijne, czasem delikatne i lekkie, czasem zbudowane na ostrych kontrastach kolorystycznych. Styl Degasa wyróżniał się niezwykłą swobodą; stosował pastele odważnymi, łamanymi pociągnięciami, czasami pozostawiając ton papieru prześwitujący przez pastel lub dodając pociągnięcia olejem lub akwarelą. Kolor na obrazach Degasa wywodzi się z opalizującego blasku, z płynącego strumienia tęczowych linii, które rodzą formę.

Późne prace Degasa wyróżniają się intensywnością i bogactwem koloru, które uzupełniane są efektami sztucznego oświetlenia, powiększonymi, niemal płaskimi formami i ciasną przestrzenią, nadając im intensywnie dramatyczny charakter. W tym

okres Degas napisał jeden ze swoich najlepsze prace- „Niebiescy tancerze”. Artysta operuje tu dużymi plamami barwnymi, przywiązując szczególną wagę do dekoracyjnej organizacji powierzchni obrazu. Pod względem piękna harmonii kolorów i kompozycji kompozycyjnej obraz „Niebiescy tancerze” można uznać za najlepsze ucieleśnienie tematu baletu Degasa, który osiągnął w tym obrazie najwyższe bogactwo kombinacji faktur i kolorów.

PO Renoir. Autoportret. 1875

Pierre'a Augusta Renoira (życie 1841-1919) – francuski malarz, grafik i rzeźbiarz, jeden z głównych przedstawicieli impresjonizmu. Renoir znany jest przede wszystkim jako mistrz portretu świeckiego, niepozbawiony sentymentalizmu. W połowie lat 80. XIX w. faktycznie zerwał z impresjonizmem, powracając do liniowości klasycyzmu w okresie twórczości Ingres. Renoir, wybitny kolorysta, często osiąga wrażenie malarstwa monochromatycznego za pomocą subtelnych zestawień walorów, zbliżonych tonacją kolorystyczną.

PO Renoir. Brodzik dla dzieci. 1869

Jak większość impresjonistów, Renoir jako tematy swoich obrazów wybiera ulotne epizody życia, preferując świąteczne sceny miejskie - bale, tańce, spacery („Nowy most”, „Splash Pool”, „Moulin da la Galette” i inne). Na tych płótnach nie zobaczymy ani czerni, ani ciemnego brązu. Tylko gama wyraźnych i jasnych kolorów, które łączą się ze sobą, gdy patrzysz na obrazy z pewnej odległości. Postacie ludzkie na tych obrazach są namalowane w tej samej impresjonistycznej technice, co otaczający je krajobraz, z którym często się łączą.

PO Renoir. Portret aktorki Zhanny Samary. 1877

Szczególne miejsce w twórczości Renoira zajmują poetyckie i urokliwe wizerunki kobiet: wewnętrznie różne, ale zewnętrznie nieco do siebie podobne, zdają się być naznaczone wspólnym piętnem epoki. Renoir namalował trzy różne portrety aktorki Jeanne Samary. Na jednym z nich aktorka ukazana jest w wykwintnej zielononiebieskiej sukience na różowym tle. Na tym portrecie Renoirowi udało się podkreślić najlepsze cechy swojego modela: urodę, żywy umysł, otwarte spojrzenie, promienny uśmiech. Styl pracy artysty jest bardzo swobodny, miejscami aż do niedbałości, ale to stwarza atmosferę niezwykłej świeżości, duchowej przejrzystości i spokoju. W przedstawieniu aktów Renoir osiąga rzadkie wyrafinowanie goździków (malarstwo w kolorze koloru). ludzka skóra), zbudowany na połączeniu ciepłych odcieni skóry z przesuwającymi się jasnozielonkawymi i szaroniebieskimi refleksami, nadającymi płótnu gładką i matową powierzchnię. W obrazie „Akt w świetle słońca” Renoir używa głównie kolorów podstawowych i wtórnych, całkowicie wykluczając czerń. Plamy barwne uzyskane za pomocą małych kolorowych pociągnięć dają charakterystyczny efekt łączenia w miarę oddalania się widza od obrazu.

Należy zauważyć, że użycie odcieni zieleni, żółci, ochry, różu i czerwieni do przedstawienia skóry zszokowało ówczesną publiczność, nieprzygotowaną na dostrzeżenie faktu, że cienie powinny być kolorowe, wypełnione światłem.

XIX wieku rozpoczął się w twórczości Renoira tzw. „okres Ingres”. Bardzo słynne dzieło tego okresu – „Wielcy kąpiący się”. Aby zbudować kompozycję, Renoir po raz pierwszy zaczął używać szkiców i szkiców, linie rysunku stały się wyraźne i określone, kolory straciły swoją dawną jasność i nasycenie, obraz jako całość zaczął wyglądać bardziej powściągliwie i zimniej.

Na początku lat 90. XIX wieku w sztuce Renoira nastąpiły nowe zmiany. W sposób malarski pojawia się opalizacja koloru, dlatego okres ten nazywany jest czasami „perłowym”, następnie okres ten ustępuje miejsca „czerwonemu”, nazwanemu tak ze względu na upodobanie do odcieni czerwieni i różu.

Eugeniusza Henriego Paula Gauguina (życie 1848-1903) – francuski malarz, rzeźbiarz i grafik. Wraz z Cezanne’em i Van Goghiem był największym przedstawicielem postimpresjonizmu. Malować zaczął już w wieku dorosłym; wczesny okres jego twórczości kojarzony jest z impresjonizmem. Najlepsze dzieła Gauguina powstały na wyspach Tahiti i Hiva Oa w Oceanii, gdzie Gauguin opuścił „złośliwą cywilizację”. Cechą charakterystyczną stylu Gauguina jest tworzenie na dużych płaskich płótnach statycznych i kontrastujących kompozycji kolorystycznych, głęboko emocjonalnych, a jednocześnie dekoracyjnych.

Na obrazie „Żółty Chrystus” Gauguin przedstawił ukrzyżowanie na tle typowego francuskiego krajobrazu wiejskiego, cierpiącego Jezusa otoczonego przez trzy bretońskie wieśniaczki. Spokój w powietrzu, spokojne, uległe pozy kobiet, przesiąknięte słońcem żółty krajobraz z drzewami w czerwonej jesiennej listowiu, chłop w oddali zajęty swoimi sprawami, nie może powstrzymać się od konfliktu z tym, co dzieje się na krzyżu. Otoczenie ostro kontrastuje z Jezusem, którego twarz ukazuje etap cierpienia graniczący z apatią, obojętnością na wszystko, co Go otacza. Sprzeczność między bezgranicznymi mękami przyjętymi przez Chrystusa a „niezauważaniem” tej ofiary przez ludzi – to jest główny temat to dzieło Gauguina.

P. Gauguina. Czy jesteś zazdrosny? 1892

Obraz „Och, czy jesteś zazdrosny?” należy do polinezyjskiego okresu twórczości artysty. Obraz oparty jest na scenie z życia zaobserwowanej przez artystę:

na brzegu dwie siostry - właśnie pływały, a teraz ich ciała są rozciągnięte na piasku w swobodnych, zmysłowych pozach - mówiąc o miłości, jedno wspomnienie wywołuje niezgodę: „Jak? Czy jesteś zazdrosny!".

Malując bujne, pełnokrwiste piękno tropikalnej przyrody, naturalnych ludzi nieskażonych cywilizacją, Gauguin przedstawił utopijne marzenie o ziemskim raju, o życiu człowieka w harmonii z naturą. Polinezyjskie obrazy Gauguina przypominają panele dekoracyjną kolorystyką, płaskością i monumentalnością kompozycji oraz ogólnością stylizowanego projektu.

P. Gauguina. Skąd pochodzimy? Kim jesteśmy? Gdzie idziemy? 1897-1898

Obraz „Skąd przybyliśmy? Kim jesteśmy? Gdzie idziemy?" Gauguin uznał to za wzniosłe zwieńczenie swoich refleksji. Zgodnie z zamysłem artysty obraz należy czytać od prawej do lewej: trzy główne grupy postaci ilustrują postawione w tytule pytania. Grupa kobiet z dzieckiem po prawej stronie obrazu przedstawia początek życia; grupa środkowa symbolizuje codzienną egzystencję dojrzałości; w grupie skrajnie lewicowej Gauguin przedstawił ludzką starość, zbliżającą się do śmierci; niebieski bożek w tle symbolizuje inny świat. Obraz ten jest szczytem innowacyjnego stylu postimpresjonistycznego Gauguina; jego styl łączył wyraźne użycie koloru, dekoracyjną barwę i kompozycję, płaskość i monumentalność obrazu z emocjonalną ekspresją.

Twórczość Gauguina antycypowała wiele cech rodzącego się w tym okresie stylu secesyjnego i wpłynęła na rozwój mistrzów grupy „Nabi” oraz innych malarzy początku XX wieku.

V. Van Gogha. Autoportret. 1889

Vincent van Gogh (życie 1853-1890) – francuski i holenderski artysta postimpresjonistyczny, malować zaczął, podobnie jak Paul Gauguin, już w wieku dorosłym, w latach 80. XIX wieku. Do tego czasu Van Gogh z powodzeniem pracował jako handlarz, następnie nauczyciel w szkole z internatem, a później studiował w protestanckiej szkole misyjnej i przez sześć miesięcy pracował jako misjonarz w biednej dzielnicy górniczej w Belgii. Na początku lat osiemdziesiątych XIX wieku Van Gogh zwrócił się w stronę sztuki, uczęszczając do Akademii Sztuk w Brukseli (1880-1881) i Antwerpii (1885-1886). We wczesnym okresie swojej twórczości Van Gogh pisał szkice i obrazy w ciemnej, malarskiej palecie, wybierając jako tematy sceny z życia górników, chłopów i rzemieślników. W pracach Van Gogha z tego okresu („Zjadacze ziemniaków”, „Wieża starego kościoła w Nynen”, „Buty”) widać boleśnie ostre postrzeganie ludzkiego cierpienia i uczucia przygnębienia, przytłaczającą atmosferę napięcia psychicznego. W listach do brata Theo artysta tak pisał o jednym z obrazów z tego okresu „Zjadacze ziemniaków”: „Starałem się w nim podkreślić, że ci ludzie, jedząc ziemniaki przy świetle lampy, kopali ziemię tymi samymi rękami, które wyciągali do naczynia; Tym samym obraz mówi o ciężkiej pracy i o tym, że bohaterowie uczciwie zarobili na jedzenie.” W latach 1886-1888. Van Gogh mieszkał w Paryżu, odwiedzał w całej Europie prestiżową prywatną pracownię artystyczną słynnego nauczyciela P. Cormona, studiował malarstwo impresjonistyczne, rytownictwo japońskie i dzieła syntetyczne Paula Gauguina. W tym okresie paleta Van Gogha stała się jasna, zniknął ziemisty odcień farby, pojawiły się czyste błękity, złocistożółte, czerwone odcienie, jego charakterystyczne dynamiczne, płynne pociągnięcie pędzlem („Agostina Segatori w Tambourine Cafe”, „Most nad Sekwaną, „Père Tanguy”, „Widok Paryża z mieszkania Theo przy Rue Lepic”).

W 1888 roku Van Gogh przeniósł się do Arles, gdzie ostatecznie ustalono jego oryginalność. twórczy sposób. Ognisty temperament artystyczny, bolesny pęd ku harmonii, pięknie i szczęściu, a jednocześnie strach przed siłami wrogimi człowiekowi, ucieleśniają się albo w pejzażach mieniących się słonecznymi kolorami południa („Żółty dom”, „Żniwa. La Croe Valley”), czy też w złowieszczych, przypominających koszmarne obrazy („Cafe Terrace at Night”); dynamika koloru i kreski

V. Van Gogha. Taras kawiarni nocnej. 1888

wypełnia życiem duchowym i ruchem nie tylko przyrodę i zamieszkujących ją ludzi („Czerwone winnice w Arles”), ale także przedmioty nieożywione („Sypialnia Van Gogha w Arles”).

Intensywnej pracy Van Gogha w ostatnich latach towarzyszyły napady chorób psychicznych, które doprowadziły go do szpitala psychiatrycznego w Arles, następnie do Saint-Rémy (1889–1890) i do Auvers-sur-Oise (1890), gdzie popełnił samobójstwo . Twórczość dwojga ostatnie lataŻycie artysty naznaczone jest ekstatyczną obsesją, niezwykle wzmożoną ekspresją zestawień kolorystycznych, nagłymi zmianami nastroju – od szalonej rozpaczy i ponurego wizjonera („Droga z cyprysami i gwiazdami”) po drżące poczucie oświecenia i spokoju („Krajobraz w Auvers po deszcz").

V. Van Gogha. Irysy. 1889

W okresie leczenia w klinice Saint-Rémy Van Gogh namalował cykl obrazów „Irysy”. Jego malarstwo kwiatowe pozbawione jest wysokiego napięcia i ukazuje wpływ japońskiej grafiki ukiyo-e. Podobieństwo to objawia się podkreśleniem konturów obiektów, nietypowymi kątami, obecnością obszarów szczegółowych i obszarów wypełnionych jednolitym kolorem, który nie odpowiada rzeczywistości.

V. Van Gogha. Pole pszenicy z wronami. 1890

„Pole pszenicy z wronami” to obraz Van Gogha, namalowany przez artystę w lipcu 1890 roku i jest jednym z jego najsłynniejszych dzieł. Obraz został podobno ukończony 10 lipca 1890 roku, 19 dni przed jego śmiercią w Auvers-sur-Oise. Istnieje wersja, w której Van Gogh popełnił samobójstwo w trakcie malowania tego obrazu (wychodząc na zewnątrz z materiałami do malowania, strzelił sobie w okolicę serca z pistoletu zakupionego do odstraszania stad ptaków, po czym samodzielnie dotarł do szpitalu, gdzie zmarł z powodu utraty krwi).