Wielcy kompozytorzy świata. Sztuka muzyczna XVIII wieku

Najwięksi kompozytorzy wszech czasów na świecie: zestawienia chronologiczne i kolejność alfabetyczna, podręczniki i dzieła

100 wielkich kompozytorów świata

Lista kompozytorów w porządku chronologicznym

1. Josquin Despres (1450 –1521)
2. Giovanni Pierluigi da Palestrina (1525 –1594)
3. Claudio Monteverdi (1567 –1643)
4. Heinrich Schütz (1585 –1672)
5. Jean Baptiste Lully (1632 –1687)
6. Henryk Purcell (1658 –1695)
7. Arcangelo Corelli (1653 –1713)
8. Antonio Vivaldi (1678 –1741)
9. Jean Philippe Rameau (1683 –1764)
10. Jerzy Handel (1685 –1759)
11. Domenico Scarlatti (1685 –1757)
12. Jan Sebastian Bach (1685 –1750)
13. Christoph Willibald Gluck (1713 –1787)
14. Józef Haydn (1732 –1809)
15. Antonio Salieri (1750 –1825)
16. Dmitrij Stepanowicz Bortnyansky (1751 –1825)
17. Wolfgang Amadeusz Mozart (1756 –1791)
18. Ludwig Van Beethoven (1770 –1826)
19. Johann Nepomuk Hummel (1778 –1837)
20. Nicollo Paganini (1782 –1840)
21. Giacomo Meyerbeer (1791 –1864)
22. Carl Maria von Weber (1786 –1826)
23. Gioachino Rossini (1792 –1868)
24. Franciszek Schubert (1797 –1828)
25. Gaetano Donizetti (1797 –1848)
26. Vincenzo Bellini (1801 –1835)
27. Hektor Berlioz (1803 –1869)
28. Michaił Iwanowicz Glinka (1804 –1857)
29. Feliks Mendelssohn-Bartholdy (1809 –1847)
30. Fryderyk Chopin (1810 –1849)
31. Robert Schumann (1810 –1856)
32. Aleksander Siergiejewicz Dargomyżski (1813 –1869)
33. Franciszek Liszt (1811 –1886)
34. Ryszard Wagner (1813 –1883)
35. Giuseppe Verdi (1813 –1901)
36. Charles Gounod (1818 –1893)
37. Stanisław Moniuszko (1819 –1872)
38. Jacques Offenbach (1819 –1880)
39. Aleksander Nikołajewicz Sierow (1820 –1871)
40. Cesar Frank (1822 –1890)
41. Bedřich Smetana (1824 –1884)
42. Anton Bruckner (1824 –1896)
43. Johann Strauss (1825 –1899)
44. Anton Grigoriewicz Rubinstein (1829 –1894)
45. Johannes Brahms (1833 –1897)
46. ​​​​Aleksander Porfiriewicz Borodin (1833 –1887)
47. Camille Saint-Saens (1835 –1921)
48. Leo Delibes (1836 –1891)
49. Mili Aleksiejewicz Bałakiriew (1837 –1910)
50. Georges Bizet (1838 –1875)
51. Modest Pietrowicz Musorgski (1839 –1881)
52. Piotr Iljicz Czajkowski (1840 –1893)
53. Antonin Dvorak (1841 –1904)
54. Jules Massenet (1842 –1912)
55. Edvard Grieg (1843 –1907)
56. Nikołaj Andriejewicz Rimski-Korsakow (1844 –1908)
57. Gabriel Fauré (1845 –1924)
58. Leos Janaczek (1854 –1928)
59. Anatolij Konstantinowicz Lyadov (1855 –1914)
60. Siergiej Iwanowicz Tanejew (1856 –1915)
61. Ruggero Leoncavallo (1857 –1919)
62. Giacomo Puccini (1858 –1924)
63. Hugo Wilk (1860 –1903)
64. Gustav Mahler (1860 –1911)
65. Claude Debussy (1862 –1918)
66. Ryszard Strauss (1864 –1949)
67. Aleksander Tichonowicz Greczaninow (1864 –1956)
68. Aleksander Konstantinowicz Głazunow (1865 –1936)
69. Jean Sibelius (1865 –1957)
70. Franz Lehár (1870 –1945)
71. Aleksander Nikołajewicz Skriabin (1872 –1915)
72. Siergiej Wasiliewicz Rachmaninow (1873 –1943)
73. Arnold Schönberg (1874 –1951)
74. Maurice Ravel (1875 –1937)
75. Nikołaj Karłowicz Medtner (1880 –1951)
76. Bela Bartok (1881 –1945)
77. Nikołaj Jakowlewicz Myaskowski (1881 –1950)
78. Igor Fedorowicz Strawiński (1882 –1971)
79. Anton Webern (1883 –1945)
80. Imre Kalman (1882 –1953)
81. Alban Berg (1885 –1935)
82. Siergiej Siergiejewicz Prokofiew (1891 –1953)
83. Arthur Honegger (1892 –1955)
84. Darius Milhaud (1892 –1974)
85. Carl Orff (1895 –1982)
86. Paweł Hindemith (1895 –1963)
87. George Gershwin (1898 –1937)
88. Izaak Osipowicz Dunajewski (1900 –1955)
89. Aram Iljicz Chaczaturian (1903 –1978)
90. Dmitrij Dmitriewicz Szostakowicz (1906 –1975)
91. Tichon Nikołajewicz Chrennikow (ur. 1913)
92. Benjamin Britten (1913 –1976)
93. Gieorgij Wasiljewicz Swirydow (1915 –1998)
94. Leonard Bernstein (1918 –1990)
95. Rodion Konstantinowicz Szczedrin (ur. 1932)
96. Krzysztof Penderecki (ur. 1933)
97. Alfred Garievich Schnittke (1934 –1998)
98. Bob Dylan (ur. 1941)
99. John Lennon (1940–1980) i Paul McCartney (ur. 1942)
100. Żądło (ur. 1951)

ARCYDZIEŁA MUZYKI KLASYCZNEJ

Najsłynniejsi kompozytorzy świata

Lista kompozytorów w kolejności alfabetycznej

Tannhäuser: Być może wielu z Was zna twórczość A. Neumayra... Udało mi się przeczytać jego wersje o A. Brucknerze, J. Brahmsie... Dziś przytaczam fragment dzieła poświęconego wielkiemu W.A. Mozartowi. .. Mam nadzieję, że będzie to interesujące także dla Ciebie. Chociaż większość z tego, co napisano, jest powszechnie znana, tajemnica Mozarta wciąż pozostaje tajemnicą.

Śmierć Wolfganga Amadeusza Mozarta – gwałtowna czy naturalna? Śmiertelna choroba Mozarta rozpoczęła się od obrzęku rąk i nóg, po którym nastąpiły wymioty i wysypka - kompozytor chorował przez 15 dni i zmarł za pięć minut rano 5 grudnia 1791 roku.
W odpowiedziach na jego śmierć w berlińskiej gazecie „Musicalisches Wochenblatt” z 12 grudnia praski korespondent napisał: „Mozart zmarł. Wrócił z Pragi chory, od tego czasu cały czas był chory: przypuszczano, że ma puchlinę. Po śmierci jego ciało było tak spuchnięte, że myślano, że został otruty. W XVIII wieku panował zwyczaj przypisywania każdej niespodziewanej śmierci wybitnej osobistości przyczyny nienaturalnej, a legenda o otruciu Mozarta zaczęła coraz bardziej nawiedzać umysły. Powód podała także wdowa po nim Constanze, która wielokrotnie powtarzała słowa Mozarta wypowiedziane podczas spaceru po Praterze: „Oczywiście, dali mi truciznę!”

Temat ten powrócił 30 lat po śmierci Mozarta i w 1823 roku po raz pierwszy padło imię truciciela Salieri. Stary kompozytor, w stanie psychicznej ciemności, próbował poderżnąć mu gardło, co przypisywano wyrzutom sumienia z powodu morderstwa Mozarta. Ich relacje naprawdę nie były najlepsze, a „przebiegłość” Salieriego polegała na jego intrygach na dworze. Niemniej jednak, jak komunikowali, Salieri cenił opery Mozarta. Johann Nepomuk Hummel, były student Mozart napisał; „... Salieri był tak uczciwą, realistycznie myślącą i szanowaną osobą, że coś takiego nie przyszło mu do głowy nawet w najbardziej odległym sensie”. Sam Salieri przed śmiercią powiedział odwiedzającym go: znany muzyk Do Ignaza Moschelesa: „...Mogę cię zapewnić z całkowitą wiarą i prawdą, że w tej absurdalnej plotce nie ma nic sprawiedliwego... opowiedz o tym światu, kochany Moscheles: stary Salieri, który wkrótce umrze, powiedział ci to .” Niewinność Salieriego potwierdza opinia lekarska sporządzona przez głównego lekarza Wiednia Guildernera von Lobesa, z której wynika, że ​​Mozart jesienią zachorował na gorączkę reumatyczno-zapalną, na którą cierpiało i umierało wówczas wielu mieszkańców Wiednia, oraz że podczas szczegółowego oględzin zwłok nie znaleziono nic niezwykłego. Obowiązujące wówczas prawo stanowiło: „Przed pochówkiem każde zwłoki należy zbadać, aby upewnić się, że nie doszło do przestępstwa... Zidentyfikowane przypadki należy natychmiast zgłaszać władzom w celu dalszego oficjalnego dochodzenia”.
Ale, jak wiadomo, ludzie czasami bardziej wierzą w legendy niż w prawdę historyczną.

Klasycznym przykładem jest tragedia „Mozart i Salieri”, napisana w 1830 roku przez naszego genialnego rodaka Aleksandra Siergiejewicza Puszkina. Śmierć Mozarta z rąk Salieriego nie została udowodniona i jest fikcją historyczną opartą na plotkach. Jeśli jednak relację Puszkina można uznać za licencję poetycką, to raport o rzekomym przyznaniu się Salieriego do morderstwa Mozarta, o którym pisał biograf Edward Homes w 1845 roku, rzekomo stanowi głębokie śledztwo w sprawie śmierci wielkiego kompozytora.
Później, w 1861 r., odpowiedzialność za rzekome morderstwo zrzucono na masonów, o czym pisano w 1910 r., a następnie w 1928 r. Neuropatolog Mathilde Ludendorff w 1936 roku w swojej książce „Życie i gwałtowna śmierć Mozarta” pisała o pochówku kompozytora według żydowskiego rytuału, który jednocześnie miał charakterystyczne cechy typowe masońskie morderstwo. Obalając te twierdzenia, należy zauważyć, że Mozart, wiedząc o wrogości cesarzowej Marii Teresy wobec Żydów, nie bał się zaprzyjaźnić z nimi, a także był lojalny wobec masonów. Kompozytor nie dał więc ani jednemu, ani drugiemu najmniejszego powodu do nienawiści.

Już w 1953 roku Igor Bełza opublikował książkę, w której nawiązał do faktu, że Guido Adler odnalazł w wiedeńskim archiwum duchowym pisemną skruchę Salieriego ze wszystkimi szczegółami otrucia, którą przekazał swojemu rosyjskiemu znajomemu Borysowi Asafiewowi. Ta publikacja Bełzy została obalona w moskiewskim czasopiśmie muzycznym.
W 1963 roku w popularnej książce niemieckich lekarzy Dudy i Kernera „Choroby wielkich muzyków” autorzy stwierdzili, że Wolfgang Amadeus Mozart „padł ofiarą zatrucia rtęcią sublimatem”, czyli powolnym i stopniowym zatruwaniem rtęci sublimatowej rozpuszczonej w alkoholu, ale szczytem spekulacji jest hipoteza, że ​​Mozart przypadkowo otruł się rtęcią, próbując wyleczyć się z kiły.

Ewolucja muzyki

W pierwszej połowie XVIII wieku ewolucja muzyki osiąga epokę świetlną. Formy powstałe na początku XVII wieku osiągają najwyższy poziom doskonałości. Czterech wielkich mistrzów, działających w czterech różnych krajach, swoją twórczością definiuje całą sztukę muzyczną tego okresu: Alexandro Scarlatti we Włoszech, Jean Philippe Rameau we Francji, Johann Georg Handel w Anglii i Johann Sebastian Bach w Niemczech.

W zależności od gustów i trendów, ich prace można oceniać różnie. Nie ulega jednak wątpliwości, że wszyscy czterej, każdy w swojej dziedzinie, wypełnili swoją misję z równą doskonałością. Dwóch z nich to Niemcy. Siła ich twórczości skupiała wokół siebie wszystko, co znaczące, co do tej pory udało się osiągnąć muzyce europejskiej.

W pierwszej połowie XVIII w. nadal dominował muzyka włoska i być może nigdy nie był bardziej genialny. W Niemczech już w XVII w. rozpowszechnili zwyczaj mianowania Włochów na stanowiska w kaplicach dworskich i posługi w teatrach, a nawet założyli całą włoską operę. Splendor i przepych przedstawień przewyższały wszystko, co dotychczas widziano. Włosi pojawiają się wszędzie i zajmują pierwsze miejsca w Anglii, Polsce, Rosji i nie tylko w Niemczech. Sama Francja stanowczo opiera się atakowi włoskiej opery i odrzuca w równym stopniu jej złe, jak i dobre strony.

Po oddzieleniu się od Wenecji Neapol objął przywództwo na początku XVIII wieku. ruch muzyczny w dziedzinie opery. Dzięki Francesco Provenzeale i Alexandro Scarlattiemu Neapol, który do tej pory nie odegrał znaczącej roli w rozwoju muzyki, nadaje nazwę szkole o określonym kierunku i jest przez to gloryfikowany.

Francesco Provenzeale jest kompozytorem wielu oper: komicznych („Niewolnik jego żony”), poważnych na tematy starożytne (Cyrus, Crerks, Erytrea itp.). Francesco Provenzeale pozostawał pod wpływem Wenecjan, dzięki czemu wykształcił styl, który wkrótce stał się charakterystyczny dla całej neapolitańskiej szkoły operowej, a później całej opery włoskiej XVIII wieku.

Alexandro Scarlatti urodził się w 1659 r. na Sycylii, zmarł w Neapolu w XVII w., był uczniem Carissimiego, po wystawieniu swojej pierwszej opery „Niewinny błąd” w Rzymie w 1679 r. został dyrygentem w 1680 r. na dworze szwedzkiej królowej Krystyny , który mieszkał w Rzymie. W 1694 Scarlatti został dyrygentem wicekróla w Neapolu. Od XVII 03 do XVII 08 prowadzi metrizę (szkołę muzyczną) przy jednym z rzymskich kościołów, po czym ponownie wraca do Neapolu. Liczba dzieł Scarlattiego jest kolosalna: tylko 1 XVIII opera, 700 kantat itp.

Styl szkoły neapolitańskiej ma wyraźne cechy. Przede wszystkim jest to styl melodyczny, oparty w całości na naszym systemie modalnym i tonalnym dur-moll. Melodia - główny element Muzyka neapolitańska, bogato rozbudowana melodia, namiętna i zmysłowa, wyrażająca potężne, natychmiastowe uczucie. To uczucie jest wspólne każdemu – od razu, od pierwszych dźwięków, zrozumiałe. Zatem melodia w szkole neapolitańskiej jest najsilniejszym uogólniającym i jednoczącym czynnikiem społecznym. Istotną cechą tej liryczno-dramatycznej muzyki jest melodyjność (wokalność). Stąd biorą się jej formy, stąd ekspresyjne melodyczne recytatywy oper neapolitańskich z bogatym akompaniamentem instrumentalnym, stąd cała niepowtarzalna struktura tych oper: ciąg arii połączonych recytatywami.

Jean Philippe Rameau (1683-XVII 64) to jeden z najwybitniejszych przedstawicieli sztuki operowej XVIII wieku we Francji. Rameau pierwszy pokazał swoje działalność muzyczna jako organista-teoretyk oraz kompozytor muzyki klawesynowej i religijnej. Dopiero w XVII 33 roku udało mu się zwrócić na siebie uwagę jako kompozytora teatralnego operą „Hipolit”.

Jest to oryginalne i typowe od początku do końca. Praca francuska: wszystko jest z umiarem, wszystko jest jasne, wszystko jest zrównoważone, uczucie jest łagodzone przez rozsądek, gust i nawykową dyscyplinę człowieka, ograniczonego ramami publicznej grzeczności, waleczności i ironii. Muzyka Rameau stanowi całkowity kontrast ze zmysłową nagością włoskich tekstów i niemieckim „zanurzeniem się w sobie”, w osobistym życiu psychicznym. To prawda, że ​​\u200b\u200bw pracy Rameau – rzadki przypadek – połączyły się wielki kompozytor i wielki teoretyk. Temperament kompozytora chłodzi racjonalność badacza i odwrotnie, wnioski spekulatywne są poparte przenikliwością i przeczuciem kompozytora, gdyż praca teoretyczna Rameau jest nadal raczej dziełem praktykującego muzyka, wywodzącego się z doświadczenia, niż prawdziwego myśliciela.

Muzyka Rameau jest figuratywna, plastyczna i teatralna. Do końca XIX wieku teatr był jednym z najważniejszych organów francuskiego życia intelektualnego. Większość, jeśli nie cała, francuska muzyka XVII i XVIII wieku i później, w tym Berlioza, ma charakter figuratywny i plastyczny i jest muzyką teatru i baletu. Wszelka muzyka koncertowa i kameralna we Francji, od suit Couperina po dzieła orkiestrowe Debussy'ego, a także w centrum symfonii i oratoriów Berlioza, kojarzona jest z teatralnością. Oto jeszcze kilka oper Rameau: Dzielni Indianie (XVII 35), Kastor i Pollux (XVII 37), Triumfy Hebe (XVII 39) Dardanus (XVII 39).

Reforma Glucka była bardzo ważna dla historii dramatu muzycznego. Jej punktem wyjścia była opera neapolitańska, lecz sama reforma miała miejsce na terytorium Francji. Gluck w swojej muzyce wyraził nowe ideały swojej epoki i stworzył dzieło, które wciąż opiera się upływowi czasu. Starożytny mit ożył w szczerej i uduchowionej, krystalicznie czystej muzyce i prostej akcji: bez intryg, bez przerywników, bez drobne postacie(jeden żałosny amorek pojawia się jako ustępstwo na rzecz starych gustów operowych). Chór i balet tworzą organiczne ogniwa akcji, a nie przypadkowe wstawki. Słynne „nie” – surowa odpowiedź cieni piekielnych na modlitwy Orfeusza – to jeden z najsilniejszych efektów dramatycznych, a taniec i śpiew na Polach Elizejskich to jeden z najbardziej wzruszających momentów w całej teatralnej muzyce zachodnioeuropejskiej.

„Orfeusz” został skomponowany na podstawie tekstu włoskiego i główną rolę przeznaczony również na altówkę. Ale Włosi, przyzwyczajeni do pełnokrwistej, zmysłowej melodii i bogactwa kulturowej barwy, nie zrozumieli prostoty dramatycznie wyrazistej muzyki „Orfeusza”. Gluck kontynuował swoje dzieło i zaproponował weneckiej publiczności Alceste, a następnie kolejną operę, Paryż i Helena.

W pierwszej połowie XVIII wieku, wraz z twórczością Handla (1685-XVII 59) i Bacha, muzyka niemiecka osiągnęła dwa gigantyczne, nieosiągalne szczyty. Na początku swojej kariery Handel pozostawał pod wpływem wpływów neapolitańskich. Ponieważ dominował, tak potężny talent jak Handel nie mógł przejść obok niego bez pokonania go i wzbogacenia w ten sposób jego techniki. Jego wczesne prace w stylu włoskim nie są pozbawione wyrazistego piękna, ale nie oddają jeszcze całego Haendla. To, co w nim było najlepsze i oryginalne, nie mogło w pełni objawić się w obcych mu formach. Podobnie jak Gluck (a później Mozart) musiał tworzyć własną sztukę. Dała mu Anglia ze swoją wielowiekową, ściśle zorganizowaną kultową muzyką chóralną właściwy środek uderzenie. Osobiście trudno mu było znieść porażkę swoich oper i całej walki o biznes operowy, ale w przypadku muzyki niepowodzenie Handla na tym polu należy uznać za wynik absolutnie dobry: niepowodzenia otworzyły Haendlowi oczy i sprowadziły go na właściwą drogę ścieżki, być może wbrew jego woli. Handel pisał oratoria – zasadniczo dramaty muzyczne. Oto wszystkie najważniejsze dzieła Handla tego rodzaju: Mesjasz (XVII 42) Acisse i Galatea, Estera - XVII 32, Deborah - XVII 33, Święto Aleksandra, czyli Triumf Muzyki - XVII 36, Saul - XVII 38, Izrael w Egipcie – XVII 39, Samson – XVII 43, Belszaczar – XVII 44, Juda Machabeusz – XVII 46, Józef – XVII 48, Zuzanna, Salomon, Teodora, Jefta – XVII 48-XVII 51

Johann Sebastian Bach (1685 - XVII 50) jest punktem końcowym długiego łańcucha ewolucji. Dziełami Bacha są potężne sklepienia budowli i kopuła wieńcząca ogromny pomnik. Wpływ Bacha zaczął być silniej odczuwalny nie za jego życia, ale od początków XIX wieku. A jeśli nie można zgodzić się z opinią współczesnych wielbicieli jego sztuki, że Bach jest twórcą całej muzyki europejskiej, to można go w pełni uznać za ojca nowoczesna muzyka. Bach nigdy nie miał okazji odwiedzić Włoch. Dlatego jego pisma zachowały czysto niemiecką cierpkość. Dlatego większość koneserów muzyki jego czasów, przyzwyczajonych już do miękkich rytmów, akcentów i katylenów szkoły neapolitańskiej, nie rozumiała jego genialnego dzieła i nie zwracała na niego należytej uwagi: jego kompozycje wydawały się pompatyczne. Poza niewielkim kręgiem studentów i kilkoma niemieckimi organistami wpływ Bacha na jego epokę był niezwykle ograniczony. Jego dzieła rytowano bardzo rzadko. Większość z nich pozostała w rękopisach i została przepisana przez samego kompozytora.

Wolfgang Amadeusz Mozart (XVII 56-XVII 91) był uczniem swojego ojca Leopolda Mozarta, wybitnego skrzypka i pedagoga, który dostrzegł geniusz syna i poświęcił swoje życie jego kształtowaniu. W Monachium podczas karnawału XVII 75 skomponował operę „Ogrodnik dworski”, a w tym samym roku – „Król pasterz”. W XVII 81 roku w Monachium wystawiono jego poważną klasyczną włoską operę Idomeneo. W XVII 82 ma miejsce „Uprowadzenie z Seraju”! W XVII 86 wystawiono w Venen „Wesele Figara”. w XVII 87 Don Juan został pokazany w Pradze. XVII 88 skomponowano trzy wielkie symfonie w g-moll, es-dur i c-dur. W XVII 90 roku napisał operę „Wszyscy tak robią”. W XVII 91 roku powstały ostatnie opery „Tytus”, „Czarodziejski flet” i „Requiem”.

Ich los nie był łatwy.

Kilka znani kompozytorzy XVIII wiek, poprzednicy i współcześni Michaiła Iwanowicza Glinki. Zachowało się o nich niewiele informacji.
Zachowało się bardzo niewiele informacji na temat wybitny kompozytor i skrzypek Ivan Khandoshkin. Pochodzący ze środowiska pańszczyźnianego otrzymał dobre wykształcenie. Gry na skrzypcach nauczył się od jednego z Włochów mieszkających w Rosji i wkrótce osiągnął ogromne umiejętności jako wykonawca.

Iwan Chandoszkin. Kancona.

Iwan Chandoszkin. „W dół Matki Wołgi”

Interesujące są także jego liczne dzieła na skrzypce: wariacje na temat motywy ludowe, sonaty. Ucieleśniają w nich rosyjskie pieśni ludowe, choć zauważalne jest powiązanie z muzyką ogólnoeuropejską. Równie mało wiemy o innych rosyjskich kompozytorach XVIII wieku - takich jak Daniił Kaszyn, Fiodor Dubyansky, Wasilij Paszkiewicz. Wiemy tylko, że wielu z nich otrzymało dobro edukacja muzyczna za granicą, zostali tam docenieni i nagrodzeni tytułami honorowymi. Ale nie wszystkim udało się osiągnąć to, do czego zostali powołani, nie wszyscy osiągnęli w sztuce takie wyżyny, jakie były w ich mocy. W Rosji kompozytorzy ci wiele zrobili dla rozwoju muzyki narodowej. A jednak bycie utalentowanym i wyedukowani ludzie pozostali na pozycji poddanych. Będąc całkowicie zdani na kaprysy swoich panów, często łączyli obowiązki muzyczne z obowiązkami woźnicy, myśliwego i lokaja. Ta sytuacja, upokarzająca godność człowieka i nie pozwalająca ujawnić się w pełni talentowi, była przyczyną wielu tragedii, a nawet śmierci niektórych muzyków.

Taki jest na przykład los Maksyma Bieriezowskiego. Wraz z wielkim Mozartem znakomicie wziął udział w konkursie Akademii Muzycznej w Bolonii i otrzymał tytuł akademika. Jedna z oper rosyjskiego kompozytora, wystawiona za granicą, odniosła ogromny sukces. Według współczesnych łączył w nim „żywotność i dobry gust z wiedzą muzyczną”. Ale po powrocie do Rosji Bieriezowski okazał się nikomu niepotrzebny i nie mógł znaleźć zastosowania dla swojego błyskotliwego talentu. Doprowadzony do rozpaczy popełnił samobójstwo – miał 32 lata.

Maksym Bieriezowski. Sonata na skrzypce i klawesyn.

Maksym Bieriezowski. „Nie odrzucaj mnie na starość”

Równie wcześnie z powodu skrajnej biedy i gruźlicy zmarł inny wybitny rosyjski muzyk, Stepan Dechterew, poddany hrabiego Szeremietiew. „Zniszczył go talent i niewola” – napisał jeden z jego uczniów. „Niezwykły talent wcześnie zwrócił na niego uwagę ekspertów, a jego władca, hrabia Szeremietiew, zapewnił mu środki na naukę. Został wysłany do Włoch poprawa.
Jego kompozycje muzyczne przyniosło mu tam zaszczytną sławę. Ale wracając do ojczyzny, spotkał surowego despotę, który zgodnie z rewizją prawa do duszy genialnego człowieka chciał bezwarunkowo przywłaszczyć sobie jego inspirację: położył na nim żelazną rękę”. Jedno z rozkazów hrabiego wymownie mówi o bezsilności, w jakiej znalazł się muzyk: „Nauczyciel koncertu Stepan Dekhterev za koncertowanie nieznajomym powinien potrącić z pensji 5 rubli. i daj go piosenkarzowi Chapovowi za ogłoszenie tego.” Wybitny rosyjski kompozytor, dyrygent, śpiewak – Dechterew otrzymywał 177 rubli rocznie. 70 kopiejek, a zwykli zagraniczni muzycy orkiestry otrzymywali 1225 rubli. A jednak Stepan Dekhterev pozostawił wiele oryginalnych dzieł. Wśród nich wyróżnia się pierwsze rosyjskie oratorium na temat narodowy „Minin i Pożarski, czyli wyzwolenie Moskwy”. Jego sukces był tak duży, że oratorium było wielokrotnie wykonywane jako jedno z najważniejszych dzieł muzyki rosyjskiej. początek XIX wiek. Gazety donosiły, że „w skład orkiestry wchodziło tylko prawie 200 rosyjskich muzyków i śpiewaków, pod dyrekcją samego Dechterewa”. Muzyka oratorium, pełna wzniosłego heroicznego patosu, do dziś zachwyca surową, męską urodą.

Stepan Dechteriew. Oratorium „Minin i Pożarski”, preludium.

Aria Dmitrija Pożarskiego z Oratorium „Minin i Pożarski”

Stepan Dechteriew. „Dziś Chrystus jest w Betlejem”.

Daniil Kashin, zapalony miłośnik i kolekcjoner rosyjskich pieśni ludowych, zrobił wiele, aby upowszechnić rosyjskie pieśni ludowe. Współcześni nazywali go „ulubieńcem obywateli Moskwy”, „słowikiem rosyjskich pieśni”. Według współczesnych Kaszyn „podsłuchał te pieśni zarówno od woźniców na autostradzie, jak i od rosyjskich chłopów na polu”. Dobra znajomość pieśni ludowych pozwoliła mu skompilować i wydać dość duży jak na tamte czasy zbiór „Rosyjski pieśni ludowe” - jedna z pierwszych kolekcji w Rosji. Kashin był znakomitym pianistą i dyrygentem – sam wykonywał swoje kompozycje, które cieszyły się dużym zainteresowaniem. Ale przez całe życie był muzykiem pańszczyźnianym. Dopiero na krótko przed śmiercią udało mu się z wielkim trudem uzyskać wolność. Tragiczny był także los innych utalentowanych muzyków spośród ludu.
A jednak ślad, jaki pozostawili w muzyce rosyjskiej, jest ogromny: ich opery, utwory instrumentalne, utwory na fortepian i skrzypce, romanse i pieśni odegrały dużą rolę w rozwoju muzyki rosyjskiej swoich czasów. Kompozytorzy ci z reguły mieli wysoko rozwinięte poczucie godności narodowej, utwierdzając je w przeciwieństwie do arystokratów, którzy pasjonowali się wszystkim, co obce. W połowie XVIII wieku muzyka szeroko wkroczyła w życie wszystkich warstw rosyjskiego społeczeństwa. Muzyki uczono w zamkniętych szkołach i internatach. Wszędzie, gdzie gromadziło się nawet małe społeczeństwo, rozbrzmiewała muzyka. „Zwyczaj grania muzyki zakorzenił się wszędzie, w całej Rosji” – napisał o tym czasie akademik B.V. Asafiew. - Bez względu na to, jak okrutna była moralność i jak zła była sytuacja muzyków pańszczyźnianych (a także aktorów), to jednak za ich pośrednictwem szerzyła się kultura wokalna i instrumentalna, rozwijały się gusta i kształtowali się wybitni wykonawcy i kompozytorzy przed szlachtą promowano kompozytorów ze swojej środowej, rosyjskiej kultura muzyczna został już stworzony przez uzdolnionych ludzi niskiego, lub jak to się mówiło, „podłego” pochodzenia.”

Największą i najbardziej znaczącą postacią muzyki rosyjskiej XVIII wieku był utalentowany kompozytor Evstignei Ipatoevich Fomin. Dzięki swojej działalności reformatorskiej pozostawił głęboki ślad. Ale większość jego dzieł albo została zagubiona i zapomniana, albo dotarła do nas w postaci oddzielnych fragmentów.
Syn żołnierza, dzięki swemu genialnemu talentowi, został wysłany do Włoch, gdzie uczył się u słynnego Padre Martini (który był niegdyś nauczycielem wielkiego Mozarta). Tam w Bolonii Fomin otrzymał tytuł akademika. A po powrocie do ojczyzny otrzymał zaszczytne zamówienie - napisanie opery „Nowogród Bogatyr Boeslavich” do libretta Katarzyny II (autokratka czasami folgowała swojej próżności, tworząc proste, pretensjonalne wiersze i dramaty). Ale Fomin nie został kompozytorem nadwornym.

Evstigney Fomin. Uwertura „Orfeusz i Zvridika”

Wielcy kompozytorzy, których nazwiska są powszechnie znane na całym świecie, stworzyli ogromną liczbę cennych dzieł. Ich dzieła są naprawdę wyjątkowe. Każdy z nich posiada indywidualny i niepowtarzalny styl.

Wielcy kompozytorzy świata (zagraniczni). Lista

Poniżej są kompozytorzy zagraniczni różnych stuleci, których nazwiska są znane na całym świecie. Ten:

• A. Vivaldiego.
• J. S. Bacha.
• W. A. ​​Mozart.
• I. Brahms.
• J. Haydna.
• R. Schumanna.
• F. Schuberta.
• L. Beethovena.
• I. Straussa.
• R. Wagnera.
• G. Verdiego.
• A. Berga.
• A. Schönberga.
• J. Gershwina.
• O. Messiaena.
• C. Ivesa.
• B. Brittena.

Wielcy kompozytorzy świata (rosyjski). Lista

On stworzył duża liczba operetka, pracowała z płucami formy muzyczne o charakterze tanecznym, w którym odnosił duże sukcesy. Dzięki Straussowi walc stał się w Wiedniu tańcem niezwykle popularnym. Nawiasem mówiąc, piłki nadal się tam trzymają. W dorobku kompozytora znajdują się polki, balety i kadryle.

I G. Verdi są wspaniali, którzy stworzyli ogromną liczbę oper, które zdobyły szczerą miłość publiczności.

Najwybitniejszym przedstawicielem modernizmu w muzyce tego stulecia był Niemiec Ryszard Wagner. Jego dziedzictwo operowe jest bogate. Tannhäuser, Lohengrin, Latający Holender i inne opery są nadal aktualne, popularne i wystawiane na scenie.

Włoski kompozytor Giuseppe Verdi to postać dość majestatyczna. Nadał włoskiej operze nowy oddech, pozostając jednocześnie wiernym operowym tradycjom.

Rosyjscy kompozytorzy XIX wieku

M. I. Glinka, A. P. Borodin, MP Musorgski, P. I. Czajkowski - wielcy kompozytorzy muzyka klasyczna XIX wieku, którzy żyli i tworzyli swoje dzieła w Rosji.

Twórczość Michaiła Iwanowicza Glinki określiła narodowe i światowe znaczenie w historii muzyki rosyjskiej. Jego twórczość, wyrosła na rosyjskich pieśniach ludowych, ma charakter głęboko narodowy. Słusznie uważany jest za innowatora, twórcę rosyjskiej klasyki muzycznej. Glinka owocnie pracował we wszystkich swoich operach „Iwan Susanin” („Życie dla cara”) oraz „Rusłan i Ludmiła” otworzyły drogę dwóm wiodącym kierunkom. Bardzo ważne Do rozwoju sztuki muzycznej przyczyniły się także jego dzieła symfoniczne: „Kamarinskaya”, „Waltz-Fantasy” i wiele innych.

Aleksander Porfiriewicz Borodin to wielki rosyjski kompozytor. Jego twórczość jest niewielka objętościowo, ale znacząca pod względem treści. Centralne miejsce zajmują bohaterskie obrazy historyczne. Ściśle splata głęboki liryzm z epicką rozmachem. Opera „Książę Igor” łączy w sobie cechy ludowego dramatu muzycznego i opery epickiej. Jego pierwsza i druga symfonia wyznaczają nowy kierunek w symfonii rosyjskiej – heroiczno-epopetyczny. W dziedzinie kameralnych tekstów wokalnych stał się prawdziwym innowatorem. Jego romanse: „Morze”, „O brzegi odległej ojczyzny”, „Pieśń ciemnego lasu” i wiele innych. Borodin miał znaczący wpływ na swoich zwolenników.

Modest Pietrowicz Musorgski to kolejny wielki rosyjski kompozytor XIX wieku. Był członkiem kręgu Bałakirewa, zwanego „Potężną Garścią”. Pracował owocnie w różnych różne gatunki. Jego opery są wspaniałe: „Khovanshchina”, „Boris Godunov”, „Jarmark Sorochinskaya”. W jego twórczości widoczne są cechy indywidualności twórczej. Jest właścicielem wielu romansów: „Kalistrat”, „Seminarysta”, „Kołysanka dla Eremushki”, „Sierota”, „Svetik Savishna”. Uchwycają wyjątkowe charaktery narodowe.

Piotr Iljicz Czajkowski – kompozytor, dyrygent, pedagog.

W jego twórczości wiodły gatunki operowe i symfoniczne. Treść jego muzyki jest uniwersalna. Jego opery „Dama pik” i „Eugeniusz Oniegin” to arcydzieła rosyjskiej muzyki klasycznej. Centralne miejsce w jego twórczości zajmuje także symfonia. Już za jego życia jego dzieła stały się znane na całym świecie.

Przedstawiciele nowej szkoły wiedeńskiej

A. Berg, A. Webern, A. Schoenberg to wielcy kompozytorzy, którzy żyli i tworzyli swoje dzieła przez cały XX wiek.

Alban Berg zasłynął na całym świecie dzięki swojej niesamowitej operze Wozzeck, która wywarła na słuchaczach ogromne wrażenie. Pisał go przez kilka lat. Jego premiera odbyła się 14 grudnia 1925 r. Wozzeck jest obecnie klasycznym przykładem opery XX wieku.

Anton Webern to austriacki kompozytor, jeden z najwybitniejszych przedstawicieli nowej szkoły wiedeńskiej. W swoich pracach posługiwał się techniką serialną i dodekafoniczną. Cechuje go zwięzłość i lakoniczność myśli, koncentracja środków muzycznych i wyrazowych. Jego twórczość wywarła głęboki wpływ na Strawińskiego, Bouleza, Gubajdulinę i wielu innych kompozytorów rosyjskich i zagranicznych.

Arnold Schoenberg jest tego wybitnym przedstawicielem styl muzyczny jak ekspresjonizm. Autor technik serialnych i dodekafonicznych. Jego kompozycje: II Kwartet smyczkowy (fis-moll), „Dramat z muzyką na chór i orkiestrę”, opera „Mojżesz i Aaron” i wiele innych.

J. Gershwina, O. Messiaena, C. Ivesa

To wielcy kompozytorzy XX wieku, znani na całym świecie.

George Gershwin to amerykański kompozytor i pianista. Ogromną popularność zyskał dzięki wielkoformatowemu dziełu Porgy and Bess. To opera „folkloryczna”. Scenariusz powstał na podstawie powieści DuBose’a Haywarda. Nie mniej znane są jego dzieła instrumentalne: „Błękitna rapsodia na fortepian i orkiestrę”, „Amerykanin w Paryżu”, „Druga rapsodia” i wiele innych.

Olivier Messiaen to francuski kompozytor, organista, pedagog i teoretyk muzyki. W swoich niezwykłych pracach teoretycznych nakreślił nowe i dość złożone zasady kompozycja muzyczna. Idee teologiczne znalazły odzwierciedlenie w jego dziełach. Bardzo fascynowały go głosy ptaków. Stworzył więc „Katalog ptaków” na fortepian.

Charles Ives to amerykański kompozytor. Na jego twórczość wpłynął m.in muzyka ludowa. Dlatego jego styl jest niezwykle wyjątkowy. Stworzył pięć symfonii, pięć sonat skrzypcowych, dwie sonaty fortepianowe, kantata „Niebiańska kraina” i wiele innych utworów.

Rosyjscy kompozytorzy XX wieku

S. S. Prokofiew, I. F. Strawiński, D. D. Szostakowicz to wielcy kompozytorzy XX wieku.

Siergiej Siergiejewicz Prokofiew – kompozytor, dyrygent, pianista.

Jego muzyka jest różnorodna pod względem treści. Zawiera teksty i epikę, humor i dramat, psychologię i charakterystykę. Twórczość operowa i baletowa wyznaczyła nowe zasady i techniki dramaturgii muzycznej. Jego opery to „Hazardzista”, „Miłość do trzech pomarańczy”, „Wojna i pokój”. Prokofiew zajmował się gatunkiem muzyki filmowej. Powszechnie znana jest jego kantata „Aleksander Newski”, stworzona we współpracy z reżyserem S. Eisensteinem.

Igor Fiodorowicz Strawiński – kompozytor emigracyjny, dyrygent.

Jego twórczość dzieli się na okres rosyjski i zagraniczny. Jego najjaśniejsze balety: „Pietruszka”, „Święto wiosny”, „Ognisty ptak”. Strawiński wniósł także wielki wkład w gatunek symfoniczny.

Dmitrij Dmitriewicz Szostakowicz – kompozytor, pedagog, pianista. Jego twórczość jest wieloaspektowa pod względem gatunkowym i treści figuratywnych. Szczególnie ważne jest jego znaczenie jako kompozytora-symfonisty. Jego piętnaście symfonii odzwierciedla złożony świat ludzkie uczucia z doświadczeniami, zmaganiami, tragicznymi konfliktami. Jego opera „Katerina Izmailova” – wspaniały esej tego gatunku.

Wniosek

Muzyka wielkich kompozytorów pisana jest w różnych gatunkach, zawiera wielowątkowe wątki, stale aktualizowane techniki odpowiadające konkretnej epoce. Niektórzy kompozytorzy osiągnęli doskonałość w kilku gatunkach, inni zaś z powodzeniem zajęli się niemal wszystkimi dziedzinami. Z całej galaktyki wielkich kompozytorów trudno wyróżnić tych najlepszych. Wszyscy wnieśli znaczący wkład w historię światowej kultury muzycznej.