Oprócz kilkudziesięciu rękopisów twarzy, opowiadających o życiu malarstwa średniowiecznego do X wieku. wiemy głównie z dowodów literackich. Ale łącząc to ostatnie z tym, co zachowały się księgi obrazkowe, co „przetrwało” w późniejszej epoce w sztuce malarstwa ściennego, kolorowego szkła, które w końcu zamanifestowało się w pokrewnej dziedzinie dekoracji rzeźbiarskich, możemy uzyskać pewne wyobrażenie o poszukiwań Zachodu w tej epoce.

Niewątpliwie już od V wieku. zachodnie kościoły zostały pokryte jakimś malowidłem na dużych przestrzeniach ścian, które nieco później zaczynają być ozdobione mozaikami z kolorowego szkła. Co więcej, na temat kodeksów zachodnich jesteśmy przekonani, że w ówczesnych warsztatach pisarskich (głównie klasztornych) dokonano nowej pracy nad księgą, nieznanej starożytności klasycznej, która oznaczała syntezę pisma i malarstwa, gdzie samo pismo staje się „malowniczy”, gdzie „obraz” zostaje podporządkowany inicjałowi jako definiującej ramy i gdzie twórczy wysiłek wkłada się w stworzenie ozdobnej dekoracji tekstu i inicjału ściśle z nim związanego.

Ale już z epoki ottońskiej w Niemczech (X wiek) zachowały się bardziej okazałe zabytki: nie tylko mała sztuka miniatur książkowych, ale także wielka sztuka malarstwa monumentalnego. Freski, otwarte w 1888 roku w kościele św. Jerzego w Oberzell na wyspie Reichenau, są zupełną analogią z miniaturami rękopisów tego samego klasztoru, mówiącymi o wielostronnej pracy artystycznej silnego paleniska. Nie był jedyny. Ale spokojną i nieco nieruchomą sztukę innych znanych niemieckich szkół tego okresu (Trier-Echternach, Kolonia) przyćmiewa niesamowity rozkwit Reichenau z charakterystyczną siłą twórczego projektowania, oryginalną harmonią kompozycji, stanowczością rysunku i piękno kolorowych połączeń. Stosunki z Włochami i Bizancjum, odrodzone za czasów Ottonów, wpływ sztuki „Wysp Oceanu” – od IX wieku. Ren i część Dunaju stały się drogą wędrówek Irów i Anglosasów - wszystko to tłumaczy rozkwit malarstwa w Niemczech w X wieku. Nie trwało to długo. A jeśli chodzi o X wiek. Francja nie może się przeciwstawić niczemu, co byłoby jej równoważne, ale dzieło ujawnione przez zabytki następnego stulecia (głównie w freskach kościoła Saint-Sauvin) otwiera w jej historii długą i owocną epokę. Obecnie usuwa się szarą pokrywę wapna, pod którą w XVII-XIX wieku. zakopane starożytne obrazy, ukazują piękno romańskich fresk w najróżniejszych regionach Francji: dzieła różnych szkół artystycznych, wszędzie przesiąknięte podstawową jednością.

Tak jak ilustracja księgi z tego okresu dostosowana do awersu strony, do podziału tekstu, pozująca i pierwotnie rozwiązująca głównie zadania zdobnicze, tak jej malarstwo dostosowało się do podziału architektonicznego kościoła romańskiego. Nie zagłuszając harmonii linii architektonicznych, w harmonii z nią podkreśla i wzbogaca ją swoimi ornamentalnymi ramami, designem i stylem kompozycji, szerokimi i prostymi, pozbawionymi wszelkich zbędnych detali, sprowadzającymi sceny do minimum akcji, niczym Grecki dramat, który nie zna głębi perspektywy, ani światła, ani cienia, ale żyje jakby w dwuwymiarowej wieczności. A zachwycony widz mimowolnie zadaje sobie pytanie: czy można znaleźć epokę, która lepiej rozumiałaby prawo monumentalnej dekoracji?

Malarz romański, choć żyje w świecie, w którym „oczy chaosu patrzą przez sferę porządku”, jest bliskim lub dalekim uczniem wschodnich – syryjskich i bizantyjskich – nauczycieli, uczniem ich ucznia, mnicha Paderborn Teofil , bardziej niż on, z dala od tradycji starożytności. Wykonując polecenia Teofila, jest wierny swojej gamie kolorystycznej, swojej recepturze na „malowanie ciała”, prawu „światła absolutnego” i „cienia absolutnego”. Nie odbiega od bizantyjskiego typu garderoby. Na ogół powtarza orientalne schematy i typy ikonograficzne.

I to jednak nie tylko w najlepszych kreacjach palenisk niemieckich i francuskich, ale często w lokalnych gimnazjach, poprzez naśladownictwo, wkraczają oryginalne poszukiwania, oddziałujące na naiwną świeżość idei, w twórczą oryginalność, ujawniającą, że malarz, przez własną obserwację ustalił ruch i intymne szczegóły życia, które „wczytał w jej piękno”.

Malowidło z epoki romańskiej, które pokrywało ściany, sklepienia, krypty, a nawet kolumny, uchwyciło również posągi. Rzeźba romańska wciąż czasami zachowuje ślady kolorystyki, która ją niegdyś ożywiała. Ten artystyczny gust, stając się stopniowo wzorcem religijnym, przejdzie także przez gotyckie miejskie średniowiecze, by w czasach nowożytnych zstąpić do wyrobów rękodzieła, które do dziś wypełniają katolickie sklepy malowanymi lalkami. Ale rzeźby artystyczne od renesansu do epoki Klingera pozostają bezbarwne.

W romańskim fresku średniowiecze stworzyło to, co najlepsze, co było w jego mocy, w sensie sztuki malarstwa monumentalnego. W architekturze gotyckiej stopniowo zanika. Niesprzyjające jej życiu są dwa czynniki. Po pierwsze, minimalizując płaszczyznę ściany, dodatkowo przełamując ją kolumnami, kolumnami i ozdobnymi fryzami. Po drugie, działanie kolorowych okularów. Pod jasnymi refleksami, którymi wypełniały świątynię, delikatne kolory obrazu bledły i zmieniały się. To prawda, że ​​indywidualni artyści, szukając sposobów na odparcie śmiertelnego dla malarstwa efektu, podnoszą jego tonalność do jasnego i współbrzmiącego ze szkłem, kreślą złotem („jedyna farba, której nie gaszą błękitno-czerwone refleksy szklane”) ramy, bordiury, czułki, wprowadzić osobne złote detale: złote laski, rzeczy, paski, nadgarstki, buty, anielskie skrzydła. Taki jest obraz utkanych z kolorowego szkła pomostów Sainte Chapelle i całej gamy francuskich kościołów, które go naśladowały. Sufit zaczął być pokryty błękitem i usiany złotymi gwiazdami – efekt uwielbiany przez włoski gotyk.

Ale ogólnie wszędzie, z wyjątkiem Włoch, które zachowały architekturę romańską, która poprzez szereg niezauważalnych przejść przełożyła ją na architekturę renesansu i przyniosła malowidło ścienne do tej epoki, ta ostatnia nie była dumą architektury gotyckiej, zwłaszcza kościół (zamki i pałace w większym stopniu zachowały szerokie płaszczyzny murów i naturalne światło wewnątrz). Dominuje tu blask kolorowego szkła.

Znany był zarówno w epoce przedromańskiej, jak i romańskiej we wszystkich krajach zachodnich, a przede wszystkim we Francji. Ale najbardziej niezwykłym czasem w jego historii był koniec XII i początek XIII wieku. Kiedy, by dokończyć bazylikę Saint-Denis pod Paryżem, na wezwanie opata tego klasztoru Sugera powstała przy bazylice genialna galaktyka „witraży”, powstała tu prawdziwa szkoła tej sztuki . Jej doświadczenie i artystów wykorzystał następnie dokończony kościół Notre Dame w Paryżu, a od 1210 roku najlepsze siły skoncentrowały się w Chartres, niedaleko jego katedry. W pół wieku ośrodek ponownie przeniósł się do Paryża, gdzie częściowo zmienione techniki i upodobania czasów „burzy i nawału” wpłynęły na prace nad szkłem. Spokojna i piękna fuzja błękitnych teł wczesnego okresu, luksus ozdobnych ramek, Styl rzymski figury i grupy ustępują miejsca mniejszej mozaice tła, gdzie zestawienie błękitu i czerwieni w zbyt bliskiej odległości daje mniej radosny liliowy odcień, a kadry stają się uboższe. Grupy, odchodzące od prostoty i koncentracji monumentalnego stylu, przepełnione są ruchem i życiem. Legenda o świętych, z bogactwem intymnych, realistycznych detali nieprzewidzianych przez żaden kanon, wypiera kanoniczne wątki i skłaniając artystę do otwarcia oczu na świat, przybliża jego sztukę do życia...

Włochy zachowały je w większej względnej liczbie. Zwykłe rozmieszczenie materiału, nawiązujące do przedrenesansowych fresków włoskich, zaczynające się nie tylko od Giotta, ale często od Cimabue, daje zewnętrzne uzasadnienie dla naszego błędu: ten rozdział jest zbyt bogaty, by traktować go w pigułce. W tych ramach bardziej naturalne i pełne będą linie, które poświęciliśmy malarstwu francuskiego średniowiecza, które na dłużej zachowało pierwotny charakter epoki. Tu, podobnie jak we Włoszech, a także nad Renem, w Niemczech Zachodnich, liczne podręczniki z XIII-XIV wieku – de arte iluminandi – czasami przy braku zabytków są świadectwem wielkiego doświadczenia naukowego, technicznego i artystycznego zachodniego malarza doświadczenie, które przejął z receptur wschodnich i bizantyjskich i wzbogacił własną obserwacją.

Następujący w XI-XV wieku. za dziejami miniatury widzimy, jak kanon ustępuje miejsca swobodnej obserwacji, wyszczerbione i emaliowane tło naturalnemu pejzażowi, hieratyczne grupy warunkowe scenom życia pełnym wolności i ludzkiego piękna. Niewątpliwie codziennie i co godzinę „Ulica Malarzy” paryskiego XIV-XV wieku. był teatrem odkryć i wydarzeń technicznych i artystycznych. Jeśli w tym wieku ostatnie słowo mówiono w kierunku perfekcji złotego tła (przepis na nakładanie i polerowanie listków z prawdziwego złota na stronie, która wciąż sprawia wrażenie polanej masywnym złotem i dającego rodzaj złotego wybrzuszenia, jest niezmiernie wyrafinowana w Zachód), to stulecie niesamowitych przepisów na farby z efektem emalii rozkwitło delikatne grupy Jacquemarta d'Esden, żyjące niejako w nigdy nie zachodzącym słońcu. Ilustracja przedstawia jedynie bezbarwną fotografię zegarmistrza z jego szkoły i tylko dzięki wysiłkowi wyobraźni można sobie wyobrazić delikatną blond kolorystykę miękkich loków anioła, rumieniec policzków lśniących jak płatki róż i delikatną zieleń pistacjową. rizy na tle śnieżnobiałej alby. Inne warsztaty z tego samego miasta i tego samego stulecia zagłębiają się w zadania światłocienia, tworząc niezrównane paryskie rzemiosło, gdzie białe formy i postacie są lekko otarte różowymi i liliowymi refleksami. Dziewięć odcieni szarości - od perłowej i srebrnej po mysz i ciemny "kret" - można policzyć na przetykanych złotą nicią szatach, amikts-śpiewaczy w scenie pogrzebu (tego samego zegarmistrza).

Pod koniec wieku coraz więcej obiecujących znalezisk, więcej płaskorzeźb postaci, bardziej urokliwych detali krajobrazu, ważniejszy temat i nastroje.

Postacie pokryte są powietrzem; ciągną się zielone łąki, zmieniając kolor na niebieski, w stronę horyzontu w oddali, poprzecinane jasną rzeką; zamki, miasta rysują się na tle gór, odległość wygląda przez okno, kręcone chmury unoszą się po niebie, grupy są połączone życie intymne i są naznaczone pieczęcią jednostki w jej twarzach i gestach.

Z końcem XIV i początkiem XV wieku. miniaturzyści, nie mniej mobilni niż kupcy czy studenci, tworzą całe międzynarodowe kolonie w miastach artystycznych. „Ulica malarzy” tego okresu gościła wielu włoskich i flamandzkich gości i łapczywie piła ich znaleziska. Sztuka braci Limburg, z bezgraniczną elegancją paryskiego pędzla, asymiluje włoski urok i flamandzki przemyślany realizm. Te cechy wyróżniają najlepsze miniatury zegarmistrza Peterhof.

Nie wszystko jest tak naprawdę artystyczne w sztuce ilustracji obrazowej, która rozkwitła pod koniec średniowiecza. Rosnące zapotrzebowanie na nią sprawia, że ​​powstają produkty szablonowe o niskiej jakości. Nie tylko szlachcic miejski, mieszczanin profesor, lekarz, mieszczanka chce mieć barwnie ozdobiony psałterz, podręcznik, powieść, książkę marzeń czy zegarek. Wraz z takimi mistrzami jak Fouquet sztuką ilustracji zajęła się ogromna liczba trzeciorzędnych rzemieślników.

Ich prace nie są pozbawione zainteresowania. Nie mylimy się co do wartości artystycznej mechanizmu zegarowego, który wyszedł z nieznanego paryskiego warsztatu w połowie XV wieku, z wizerunkami miesięcy, które zachowały 24 sceny „gier i dzieł z XV wieku”. Ale w wielu z tych scen - w postaci pielgrzyma, spokojnie chrapiącego pod amboną przy akompaniamencie wspaniałej homilii (marzec); na ulicy miasta w kwietniowy dzień pełen gospodyń domowych z koszami i chłopców z gałązkami; na zdjęciu z pola hayfield w połączeniu z czerwcowym piknikiem na trawie; w rozwijającym się maju; w lipcowej rzece, animowana przez łodzie, w grudniowej bitwie na śnieżki itd., itd. - życie średniowiecznego miasta ożywa dzięki pracy i zabawie. Te powierzchownie codzienne i warunkowo wesołe sceny o przeciętnej jakości wykonania omijają jakikolwiek poważny stosunek do przedstawionego życia. Praca miejska, a zwłaszcza wiejska jest tu interpretowana idyllicznie, z punktu widzenia zamożnego artysty, który wyszedł, by go podziwiać w wolnych chwilach. Ani „niegrzeczni chłopi”, przedmiot jego pogardy, ani ci mniej uprzywilejowani przez historię i los sąsiedzi, którzy mają „niebieskie paznokcie” i których „długi dzień pracy” nie stanowią poważnego problemu dla tej zabawnej sztuki wigilii renesansu . Został on osadzony głębiej przez „myśl dialektyczną” XII wieku, aby powrócić z nową penetracją w sztuce flamandzkiej.

Jesteśmy w przededniu narodzin wielkiego malarstwa, gdzie Północ wypowie nowe słowo, tak aby z charakterystyczną dla niego szczerością i silne uczucieżycie, aby przypomnieć zadowolonej z siebie, harmonijnie ukojonej odczucia renesansowej Europy o tragicznych tajemnicach życia i artystycznym ucieleśnieniu.

Nie mieliśmy okazji rozwodzić się nad różnymi rodzajami sztuki „użytkowej”, które piękne średniowieczne życie miejskie średniowieczny dom i oparcia, meble gotyckie siedziska.

Styl renesansowy jest wyrazem już odmiennych relacji społecznych i innej organizacji pracy. Wraz z nim wchodzimy w relacje z wielkim kapitalizmem w gospodarce i reżimem absolutyzmu w polityce.

Z wydarzeń „ładu zewnętrznego” zaraza z 1348 r. i wojna stuletnia uczyniły głęboką bruzdę na ciele codziennej i mentalnej drogi Zachodu, która po części wyznaczyła dolną granicę „miejskiego”, „gotyckiego”. ” sztuka, a także sama granica średniowiecza.

Dedykowany wszystkim dziewczynom
dziewczyny, kobiety i babcie!

Artyści XV wieku zaczęli pokrywać swoje płótna gęstym dywanem roślinnym, imitującym gobeliny. Przed tobą gobelin w kolorze burgundzkim przedstawiający jednorożca w niewoli.

Tradycja przedstawiania różnych roślin, nadawania im znaczenie symboliczne pojawił się w starożytności. Tak, liście. akant uważany za symbol śmierci.

Na gobelinach rośliny przedstawione są z zaskakująco „botaniczną” dokładnością, ale wydaje się, że na razie są tylko dekoracją.

W scenie polowania na jednorożca prawy dolny róg pokazuje: drzewo pomarańczowe. Była to roślina egzotyczna, uważana była za symbol raju.

Podróże do odległych krajów pozwoliły Europejczykom zapoznać się z nowymi roślinami - palmy daktylowe, na przykład.

Często różne rodzaje rośliny ozdobiono marginaliami rękopisów.

Bardzo popularna była legenda o magicznych właściwościach korzenia. mandragory.

Palmy wyglądały tak.

Stożek sosny(sosna) była symbolem drzewa życia.

Kilka kwiatów uznano jednocześnie za symbole Dziewicy.

Niektóre rośliny miały symboliczne znaczenie różne religie. Zdjęcie przedstawia arkusz ze starej żydowskiej księgi przedstawiającej menorę i drzewa oliwne, symbol pokoju. (Hiszpania, XII wiek)

W początkowym liście średniowiecznego rękopisu widzimy Śmierć podziwiającą siebie w lustrze, a wokół - barwinki, symbol młodości i piękna. Najwyraźniej ironia.

Starożytne mity były popularne w okresie renesansu. Na obrazie Cosimo Tura (1465) jest muzą Kaliope, patronki poezji. Gałązka w jej dłoni wiśnie- symbol płodności, tutaj - najwyraźniej twórczy.

Raphael Santi „Sen rycerza” (1504).
Oczywiste jest, że ukryta symbolika dosłownie prosiła o płótna alegoryczne. Na tym obrazie trudny wybór między mądrością a cielesnymi przyjemnościami jest „zaszyfrowany”. Po lewej bogini Minerwa, podająca śpiącemu rycerzowi księgę, symbol wiedzy, po prawej Wenus, ofiarująca kwiaty jabłoni- symbol zmysłowego dziedzictwa.

W opowieściach Starego Testamentu jest dużo symboliki. Na obrazie Zuzanna i starsi Albrechta Altdorfera (1526) bohaterka udaje się na dwór (po prawej), niosąc lilia- symbol niewinności. Jeśli pamiętasz, pożądliwi starsi molestowali ją, podglądając jej kąpiel, a kiedy pobożna kobieta im odmówiła, fałszywie oskarżyli ją o cudzołóstwo. Mądry król Dawid dokonał sprawiedliwego sądu, sprowadzając niegodziwych do czystej wody. Zobacz Susannę przechodzącą obok wysokiej łodygi dziewanna, zwany także „królewskim berłem” – symbolem władzy i sprawiedliwości.

Kolejny piękny gobelin południowoflamandzki „Zabicie jednorożca”. Teraz z symbolami.

W lewym dolnym rogu widoczny jest krzak Leszczyna Jest symbolem bogactwa i obfitości. Wiewiórka to symbol pracowitości.

I oczywiście w malarstwie religijnym XV-XVI wieku jest wiele tajnych symboli. Pokrycie trawy u stóp świętych, zwłaszcza na obrazach z okresu renesansu północnego, to prawdziwy podręcznik botaniczny. Wydaje się, że znajomość btanicy była dla artystów ówczesną umiejętnością niezbędną. Co ciekawe, prawie każda roślina miała swoje znaczenie.

Kiedyś opowiedziałem wam bardzo szczegółowo o Ołtarzu Gandawskim Jana van Eycka. Przypomnę, że jest tu bardzo dużo symboli, w tym roślinnych.

Na przykład Ewa trzyma w dłoni owoc Drzewa Poznania, ale tutaj nie jest to jabłko, ale „jabłko Adama” lub niejadalne iberyjski cytron.

jabłko, jak cytrynowy jest symbolem grzechu pierworodnego.

Na tym wspaniałym płótnie Matthiasa Grunewalda „Madonna ze Stuppach” (1517) widzimy symbole Maryi w wazonie - biały lilia- niewinność i czystość, kwiat róży- smutek macierzyński i rany Chrystusa, aksamitka(lub nagietki) - "Złoto Maryi", dar pocieszenia Matki Bożej ubogim i ubogim. Maryja daje dziecko Orzech włoski- symbol Chrystusa (nieokreślona muszla to ludzkie ciało, smaczny rdzeń to boska esencja).

Na tym samym ołtarzu w Gandawie można również zobaczyć kwiaty Matki Boskiej: kwiat róży- smutek, lilia- czystość, Orlik i konwalia- łzy.

Lilia doliny można też zobaczyć u stóp św. Weroniki z obrazu Roberta Campreina. I dalej mniszek lekarski: uroczy kwiatek - Dzieciątko Chrystus, spiczaste liście - włócznia Longinusa, męka Chrystusa.

Jacques Dare, Madonna z Dzieciątkiem ze świętymi w Zakazanym Ogrodzie (1425). U stóp Maryi ciemiernik, symbol Chrystusa i życia wiecznego. Lewy róg - irys, symbol matczynego żalu i udręki.

Anioły prezentujące Madonnę z Dzieciątkiem jaśmin. Cosimo Rossini (1440-1507)
Jaśmin to symbol czystości.

„Boże Narodzenie” Hugo van der Goesa – protoplasta martwych natur. Fragment:

Na pierwszym planie obrazu widzimy już nam znajome lilie, irysy(biały symbolizuje czystość, niebieski - smutek macierzyński), Orlik. I również goździki- krew Chrystusa i Miłość matki, oraz fiołki- symbol pokory. Kłoski pszenica- chleb, ciało Pana.

Wenecka kopia Ledy i łabędzia Leonarda da Vinci. W starożytnej opowieści mitologicznej kwiaty mają zupełnie inne znaczenie: anemon- wietrzność, Orlik- symbol płodności, barwinek w rękach Ledy - naturalna siła, pasja, młodość, jaskier żrący(„nocna ślepota”) - nieostrożność. Dąb nad głową Ledy jest symbolem Zeusa.

Maryja daje dziecko goździki- symbol miłości rodzicielskiej. (Leonardo da Vinci „Madonna z goździkiem”).

Gerard David „Boże Narodzenie z darczyńcami, św. Hieronima i Leonarda” (1510-15).

Oto symboliczne mniszek lekarski, znasz już jego znaczenie:

Gerolamo di Labri „Madonna z Dzieciątkiem ze świętymi” (1520). drzewo laurowe chwała, nieśmiertelność. Paw jest symbolem życia wiecznego (z jakiegoś powodu jego ciało uważano za nieprzekupne)

Martin Schongauer „Madonna w palisandrze”.
Właściwie, kwiat róży- symbol cierpienia i ofiary Chrystusa i Maryi, „rany Boże”. Ciekawe, że nie są tu przedstawione róże, ale drzewiaste piwonie. Wierzono, że róże w raju nie mają kolców, więc peon nadawał się do tej roli.

A to są szkice Schongauera (1495). Czeladnik!


Stephana Lochnera. Kolejny krzew róży. U stóp Matki Bożej fiołki, symbol pokory.

Jos van Cleve (1513-15). Często Madonnę z Dzieciątkiem przedstawiano z owocami. Chrystus trzyma w swoich rękach Pomarańczowy(owoc drzewa raju) lub brzoskwinia- sprzeciw wobec jabłka, owocu-symbolu grzechu pierworodnego; brzoskwinia jest symbolem Trójcy. Granat na tacy - symbol Kościoła Powszechnego, winogrono- wino - krew Chrystusa, orzech - już wiesz wiśnia- krew Jezusa gruszka- słodycz cnoty.

Filippo Lippi (koniec XV wieku). Także granat.

Giovanni Bellini (1480), oto mamy gruszka.

Jos van Cleva (1525). Wyraźnie w ręku brzoskwinia. Cytrynowy leży wyzywająco na bok - jest symbolem ziemskich namiętności: piękny na zewnątrz, niemożliwie kwaśny w środku. Jest wyraźnie przeciwny orzechowi, symbolowi Chrystusa.

Carlo Crivelli (1480). dziecko trzymające w ręku karduelis, symbol męki Chrystusa. Po lewej stronie siedzi mucha - czujny diabeł, symbol śmierci, rozkładu. Czasami Jabłko interpretowany jako symbol odkupienia i ogórek- czystość i zmartwychwstanie.

Lucasa Cranacha. Winogrono- eucharystyczny symbol Chrystusa, Krwi Chrystusa.

Martin Schongauer „Święta Rodzina” Winogrono, aw koszu - jeżyna, symbol czystości Maryi Panny.

Ołtarz Isenheim autorstwa Matthiasa Grunewalda, 1510-15

Święci w szarfach stoją na splecionych cokołach bluszcz- symbol zmartwychwstania, życia wiecznego, oddania.
Teraz odeszli święci.

Adrian Isenbrandt „Maria Magdalena z pejzażem” Za świętym przebiśnieg, symbol nadziei i oczyszczenia.

Lucasa Cranacha. „Święta Dorota”. Kiedy święta była prowadzona na egzekucję, strażnik kpiąco zaproponował jej dokonanie cudu - zdobycie róże w środku zimy. Natychmiast do świętego podszedł chłopiec z koszem róż. Teraz jest symbolem św. Doroty.

Antonio Correggio „Święta Katarzyna”. Oddział palmy- symbol męczeństwa.

Albrecht Durer „Maksymilian Pierwszy”. Granat- już wiesz.
Poszli wszyscy świeccy.

Hansa Suessa van Kullbacha. Dziewczyna tka wieniec nie zapomnij mnie- symbol oddania ukochanej osobie. Potwierdza to napis na taśmie.

„Młody rycerz w krajobrazie” (książę Urbino?). Vittore Carpaccio. Podobno portret jest pośmiertny. Jastrząb atakuje czaplę na niebie w pobliżu wody, już ją zjada. Pies to wierność, lilia to czystość, tęczówka to smutek, gronostaj to symbol zakonu, do którego należał rycerz.

Portret damy. W koszu są kwiaty, które wskazują, że to najprawdopodobniej panna młoda: fiołek - pokora, jaśmin - czystość, goździk - miłość.

Andrea Solario „Portret mężczyzny z goździkiem”. Takie ceremonialne portrety „pana młodego” cieszyły się dużą popularnością. Pokazali, że bohater jest zakochany i zamierza się pobrać. Albo młody mąż przedstawił taki portret swojej żonie jako znak miłości.

Wiele więcej:

Nieznany 1480.

1490

Lucasa Cranacha. Portret dr Johanna Kuspina i jego narzeczonej (już żony?) Anny Kuspinian.

Hansa Holbeina. Portret Georga Gisse.

Hansa Memlinga

Dirka Jacobsa. Portret Pompeusza Okko (1534)

Michael Wohlgemuth „Portret Urszuli Tücher” (1478)

Warsztat Jana van Eycka

Pisanello, Portret hrabiny Ginewry d'Este (1447)
A to portret dziewczyny, która już nie żyła, zanim powstał. Zmarła w wieku 21 lat, winę za śmierć obwiniono jej męża (jego druga żona też dziwnie zmarła). Na zdjęciu symboliczne kwiaty: orlik - łzy, goździk - miłość (może rodzicielska, nie wiemy kto zamówił zdjęcie), motyle i gałązka sosnowych igieł - nieśmiertelność w pamięci bliskich.

Domenico Gerlandaio „Portret damy”. Podobno jest panną młodą, kolejnym symbolem czystości jest kwiat pomarańczy.

Albrecht Dürer, autoportret w wieku 22 lat.
Portret przeznaczony był dla młodej żony, ostrokrzew w jej rękach jest symbolem wierności małżeńskiej. Obraz zainspirował mnie do stworzenia tego posta.

Neuzv. Pani z rodziny Hofer. Niezapominajka - lojalność, oddanie. Być może zmarł mąż pani - może to wskazywać mucha na nakryciu głowy, tutaj jest to symbol śmierci, kruchości bytu.

Lady Filippa Kingsby. Wiśnia - płodność, obfitość

Portret damy (1576). Tutaj jaskier w dłoniach - bogactwo, pierwiosnek - małżeństwo. Widzisz, ciociu było szczęście!

Mirabello Cavalori "Chłopiec z Hiacyntem i Brzoskwinią". Hiacynt symbolizował odwagę, zręczność, figlarność. Czasami - mądrość, ale tutaj - prawie. A hiacynty ładnie pachną - dali mi dzisiaj.

I wreszcie portret Mikołaja Kopernika autorstwa Tobiasa Steamera. Konwalia to symbol goryczy i łez. Naukowiec, jak wiecie, miał tego dużo!

I życzę, abyście nie doświadczali goryczy, ale wylewali łzy tylko z radości!

Okres rozwoju kultury i sztuki w Europie Zachodniej od czasu upadku Cesarstwa Zachodniorzymskiego (V w.) do początków renesansu (XV w.) po raz pierwszy został nazwany przez włoskich pisarzy humanistycznych „Średniowieczem”. Uważali ten czas za dziki i barbarzyński w przeciwieństwie do starożytności i kultury swoich czasów. Później naukowcy zrewidowali tę negatywną ocenę. Szczegółowe badanie zabytków artystycznych, dokumentów, dzieł literackich doprowadziło do wniosku, że sztuka średniowieczna był ważnym i znaczącym etapem rozwoju kultury światowej.

W historii sztuki zachodnioeuropejskiej średniowiecza zwyczajowo wyróżnia się trzy okresy - sztukę wczesnego średniowiecza (V-IX wiek), sztukę romańską i gotycką. Dwie ostatnie nazwy są warunkowe. Romański (od łacińskiego słowa „Roma” - „Rzym”) archeolodzy XIX wieku. zwane budynkami X-XII wieku, w których znaleźli podobieństwa do architektury rzymskiej, później zaczęli nazywać sztukę epoki jako całości. Pierwotnie gotyk był nazywany całą sztuką średniowieczną. Włoscy humaniści uważali go za wytwór Gotów na początku V wieku. złupił Rzym. Kiedy pojawił się termin „sztuka romańska”, gotyk zaczął być rozumiany jako dzieła architektury, rzeźby i malarstwa z połowy XII-XV wieku, które różniły się od poprzednich wyraźną oryginalnością.

Odo z Metzu. Wnętrze kaplicy pałacowej w Akwizgranie. OK. 798-805.

Epoka wczesnego średniowiecza to czas kształtowania się nowej kultury, która została stworzona na terenie Europy przez obce plemiona. Rzymianie nazywali ich barbarzyńcami. Po pokonaniu niegdyś potężnego Rzymu ludy barbarzyńskie utworzyły swoje królestwa na terytorium podbitego imperium. Nowi władcy Europy nie wiedzieli, jak budować kamienne budowle tak umiejętnie jak Rzymianie, niezwykle rzadko i bardzo warunkowo przedstawiali osobę w sztuce. Znacznie bliższy im był świat fantastycznych zwierząt i skomplikowany wzór ozdób, którymi ozdabiali metal, drewno, kość, elementy garderoby, broń, przybory rytualne.

Początkowo zdobywcy przyciągali budowniczych i artystów żyjących na podbitych przez nich ziemiach, ale umiejętności wysokich umiejętności konstrukcyjnych stopniowo zanikały, a ornament groził wyparciem starożytnych tradycji przedstawiania osoby na zawsze.

W miarę rozwoju stosunków feudalnych w Europie umacniała się władza centralna, idea władzy i wielkości starożytny Rzym przyciągnął władców nowych państw, którzy marzyli o chwale rzymskich cezarów. Król Franków Karol Wielki, twórca potężnej potęgi, starając się otoczyć swoją potęgę wielkością i przepychem, został koronowany w Rzymie i próbował wskrzesić na swoim dworze tradycje kultury rzymskiej. W rezydencji Karola w Akwizgranie wybudowano pałac, a obok niego – kościół pałacowy – kaplicę. Jest dobrze zachowana. Wzorem był dla niej kościół San Vitale w Rawennie, skąd przywieziono marmurowe kolumny zainstalowane w kaplicy. Ale ogólnie rzecz biorąc, stworzenie frankońskiego architekta jest cięższe i masywniejsze niż świątynia bizantyjska.

Wśród architektury kamiennej epoki karolińskiej (tzw. dynastia frankońskich królów, której najwybitniejszym przedstawicielem był Karol Wielki) dominowały budowle sakralne. Wiązało się to z tą szczególną rolą.

które Kościół odgrywał w życiu średniowiecznego społeczeństwa. Największa właścicielka feudalna uzasadniała istniejący system swoimi naukami i jako główny klient dzieła sztuki, władczo kierował rozwojem sztuki we własnych interesach. Pod jej wpływem zaczęły kształtować się surowe zasady przedstawiania świętych tematów, które obowiązują każdego artystę.

Kościół w Paray-le-Monial. OK. 1100. Francja.

Kościoły i pałace karolińskie ozdobiono obrazami i mozaikami, a rzeźby znajdowano także w świątyniach. Zginęło jednak wiele zabytków, a twórczość artystów karolińskich możemy oceniać tylko po rzeźbionych tabliczkach z kości słoniowej, które nam spływały, biżuterii, drogocennych pensjach z rękopiśmiennych książek, a przede wszystkim po ilustracjach w tych książkach - miniaturach. Książki we wczesnym średniowieczu były rzadkością. Tworzą je zakony cesarzy, wielkich panów feudalnych, biskupów i opatów klasztorów w specjalnych warsztatach - skryptoriach. W epoce karolińskiej na dworze królewskim iw dużych ośrodkach kościelnych istniały skryptoria. W przeciwieństwie do swoich poprzedników, artyści z VIII-IX wieku. dokładnie studiował dzieła mistrzów rzymskich i bizantyjskich i wiele się od nich nauczył. Głównym elementem projektu w książkach były miniatury przedstawiające historie aktorzy% krajobrazów, tło architektoniczne (patrz Miniatura).

W epoce romańskiej architektura odgrywała wiodącą rolę w twórczości artystycznej. Do XI wieku rozległa konstrukcja kamienna rozwinięta w całej Europie. Podczas wznoszenia budowli z kamienia średniowieczni architekci napotykali na szereg trudności technicznych, w szczególności przy wznoszeniu stropów: często płonęły drewniane belki i stropy, natomiast konstrukcje kamienne – łuki, kopuły, sklepienia – miały półkoliste obrysy i niczym napięty łuk sprawiały wrażenie starać się rozsunąć ściany budynku na boki. Starając się tego uniknąć, architekci romańscy wykonali bardzo grube mury oraz masywne filary i podpory.

W podzielonej, walczącej Europie X-XII wieku. główne typy konstrukcji architektonicznych były zamek rycerski, zespół klasztorny i świątynia. W dobie walk domowych i wojen kamienne budowle służyły jako ochrona przed atakami. Dlatego budowle romańskie są bardzo podobne do twierdzy: mają masywne mury, wąskie okna, wysokie wieże.

Postacie apostołów. Fragment dekoracji rzeźbiarskiej fasady kościoła św. Trofim w Arles. OK. 1180-1200. Francja.

Sztuka romańska najdobitniej ujawniła się w architekturze budynków kościelnych, ich malowniczej i rzeźbiarskiej dekoracji. Świątynia romańska charakteryzuje się surowym, odważnym pięknem, wyróżnia się okazałością i uroczystą mocą. W Zachodnia Europa kościoły miały wydłużoną część środkową. Wewnątrz pomieszczenie to zostało podzielone rzędami podpór, filarów lub częściej arkad na węższe podłużne hale - nawy. Od strony zachodniej, gdzie znajdowało się wejście, było ono obramowane lub zwieńczone basztami; w części wschodniej umieszczono sanktuarium świątyni – ołtarz. Wyznaczała go specjalna nisza - absyda. Część ołtarzową kościoła poprzedziła nawa poprzeczna. Oddalenie od wejścia do jasno oświetlonego ołtarza, do którego droga prowadziła przez nawę półmroku, podkreślała odległość, która, jak wówczas sądzono, zdawała się oddzielać człowieka od boga.

Wewnątrz romańskie kościoły pomalowano freskami, na zewnątrz ozdobiono jaskrawo malowanymi płaskorzeźbami o tematyce biblijnej. Koronujące części kolumn – kapitele – ozdobiono fabułą rzeźby. Artyści romańscy nie tracili zamiłowania do dekoracji zdobniczych, ale w znacznie większym stopniu pociągały ich wizerunki człowieka i jego czyny. Mistrzowie tamtych czasów coraz częściej zaczęli zwracać się ku dziedzictwu przeszłości, znali twórczość artystów bizantyjskich, byli spostrzegawczy. Potrafili dostrzec i przekazać wyrazistą pozę, charakterystyczny gest i zabawnie opowiedzieć o wydarzeniu. Aby nadać tej historii wyrazistości, romańscy mistrzowie często naruszali proporcje ludzkiego ciała, powiększali poszczególne detale i przerysowywali ruchy.

Często malarze i rzeźbiarze puszczali wodze wyobraźni i „zasiedlali” ściany świątyń czy strony rękopisów z wizerunkami fantastycznych stworzeń, postaciami akrobatów, ptaków i zwierząt, wyobrażeniami zapożyczonymi z ludowych wierzeń.

Niewiele zachowało się dzieł sztuki świeckiej z epoki romańskiej. Dlatego szczególnie interesujący jest duży haftowany dywan, który zdobił katedrę w Bayeux we Francji (XI wiek). Przedstawione na nim sceny opowiadają o podboju Anglii przez Normanów.

Do XII wieku głównymi ośrodkami kulturalnymi były klasztory, w których mieszkało najwięcej wykształconych ludzi, dyskutowano o problemach budowlanych, kopiowano książki. W XII wieku. przewaga zaczęła przenosić się do nowych ośrodków gospodarczych i kulturalnych – miast. Tu narodziła się średniowieczna nauka, kwitło rzemiosło i twórczość artystyczna. Miasta walczyły z panami feudalnymi o niepodległość. Wśród mieszczan wolnomyślicielstwo i krytyczne nastawienie do System feudalny. W tym okresie poezja rycerska osiągnęła wysoki rozkwit, ukształtowała się literatura klasy miejskiej. Wyprawy krzyżowe zmieniły reprezentacje geograficzne Europejczyków, poszerzyły wiedzę o otaczającym ich świecie. Wydawał się ogromny i dynamiczny.

Wnętrze katedry Notre Dame w Reims. 13 wiek Francja.

W tym czasie we Francji, gdzie władza królewska walczyła o zjednoczenie kraju, zaczęła kształtować się sztuka gotycka, która następnie rozprzestrzeniła się na Anglię, Niemcy, Hiszpanię, Czechy i inne kraje europejskie.

Architektura pozostała główną formą sztuki w epoce gotyku. Najbardziej żywo ucieleśniała nowe idee dotyczące otaczającego ją świata. Inne formy sztuki, przede wszystkim rzeźba, zaczęły nabierać samodzielnego znaczenia. Najwyższym dziełem gotyckim jest majestatyczna katedra miejska. W ojczyźnie sztuki gotyckiej, we Francji, na jednym z miejskich placów wzniesiono katedry. Budowniczowie, którzy pracowali nad stworzeniem okazałego budynku, zjednoczyli się w specjalnej organizacji - loży, w skład której wchodzili murarze, stolarze, rzeźbiarze i dmuchacze szkła, którzy wytwarzali kolorowe szkło do witraży. Budowę kierował naczelny mistrz, doświadczony i zręczny architekt. Architekci gotyckich katedr byli odważnymi eksperymentatorami. Udało im się opracować złożoną konstrukcję, która pozwoliła na wyodrębnienie szkieletu budynku w budynku z podpór sklepień i dodatkowych filarów wspierających - przypór. Specjalne łuki łączące - latające przypory przeniosły nacisk sklepień nawy głównej, który był wyższy od bocznych, na przypory usytuowane wzdłuż murów. Teraz już nie mur, ale ta budowla jako całość trzymała sklepienia, więc gotyckie mistrzowie śmiało wycinali okna w ścianach, a między podporami wbudowano jasne i wysokie arkady. Gotyk charakteryzuje się lancetowymi łukami skierowanymi ku górze. Podkreślali lekkość i aspiracje architektury gotyckiej w górę. We Francji mistrzowie zwrócili szczególną uwagę na projekt elewacji zachodniej, która była bogato zdobiona rzeźbami. Wizerunki rzeźbiarskie umieszczono także na portalach po bokach nawy poprzecznej. Wewnątrz katedry smukłe filary, otoczone cienkimi półkolumnami, gwałtownie wznosiły się do ostrołukowych sklepień, arkady tworzyły majestatyczną perspektywę naw.

W prezbiterium, nawach bocznych i w górnej kondygnacji nawy głównej liczne okna lśniły wielobarwnymi witrażami. W zależności od pogody, pory dnia czy roku światło przenikające przez kolorowe szkło barwiło wnętrze świątyni na różne sposoby, czyniąc je tajemniczymi lub radośnie świątecznymi.

Rzeźba gotycka w porównaniu do romańskiej przypomina bardziej okrągły posąg. Postacie, choć przymocowane do kolumny lub ściany, stały się bardziej obszerne, śmiało wystają w realną przestrzeń. Tematyka obrazów również stała się bardziej zróżnicowana. Wraz z tematami kościelnymi pojawiły się postaci starożytnych filozofów, królów, prawdziwe wizerunki przedstawicieli różnych narodów, ilustracje budujących bajek. Wizerunki świętych zaczęły upodabniać się do swoich współczesnych i pojawiły się pierwsze próby stworzenia portretów osób świeckich. Wcześniej takie obrazy znajdowano tylko na nagrobkach szlachetnych panów feudalnych i wybitnych przedstawicieli kościoła. Średniowieczni mistrzowie nie pracowali z natury i tworzyli idealne i reprezentacyjne wizerunki portretowe. Już w epoce gotyku artyści starają się nadać modelowi realistyczne rysy. Rzeźbiarze, którzy około 1250 roku wykonali w niemieckim Naumburgu dwanaście posągów panów feudalnych, którzy przekazali fundusze na budowę świątyni, nie mogli zobaczyć portretów zmarłych na długo przedtem. Niemniej jednak mistrzowie obdarzyli je indywidualnymi rysami, wyrazistymi twarzami i charakterystycznymi gestami.

Wraz ze świątyniami w epoce gotyku wiele uwagi poświęcono budowie obiektów świeckich – ratuszów, pasaży handlowych, szpitali i magazynów. W zamkach bogato przebudowywano sale ceremonialne. W miastach stopniowo powstały dwa place – katedra i rynek. Miasto było chronione wysokimi murami z bramami wjazdowymi. Ratusz, budynek magistratu miejskiego, był symbolem samorządu miejskiego. W krajach, w których miasta kwitły, ratusze mogły czasami konkurować swoją wielkością z katedrami.

Trendy i trendy w malarstwie średniowiecza.

Ogólne trendy

Sztuka tego okresu, choć zróżnicowana stylistycznie, charakteryzuje się kilkoma ogólnymi nurtami. W tej chwili większość grafika miał cel religijny, więc dominującym kierunkiem była sztuka chrześcijańska. Wiele obrazów, dyptyków, tryptyków i rzeźb z okresu średniowiecza zostało opracowanych na ołtarze kościelne z uwzględnieniem specyfiki wnętrz świątynnych.

Ważny element w kreacji obrazy religijne nastąpiła dodatkowa dekoracja dzieł sztuki. Elementy malarstwa można było wykonać ze złota lub innych szlachetnych materiałów.

Nowi Patroni

Przemiany artystyczne w średniowieczu przyniosły szybko zmieniające się warunki społeczne. Rozwój handlu doprowadził do tego, że zamożni obywatele i kupcy mogli nabywać dla siebie dzieła sztuki. Na początku XV wieku wielu mieszczan posiadało zbiory obrazów.

Urzędnicy miejscy wsparli sztuki piękne, zamawiając sławni mistrzowie tworzenie ołtarzy do ołtarzy i kościołów.

Ruch w kierunku realizmu

Nie można określić dokładnego czasu przejścia do realizmu w sztuce średniowiecza. Innowacje powstałe w wielu dziedzinach sztuki w wielu krajach europejskich przez długi czas nie mogły być zidentyfikowane w innych kulturach narodowych. Niemniej jednak można argumentować, że prace wykonane na przełomie XIII i XIII wieku przyczyniły się do powstania wczesnego renesansu.

Jednym z pierwszych obrazów z elementami realizmu był włoski artysta Cimabue (1240-1302), który przekazał głębię obrazu za pomocą bogatych kolorów i kontrastów świetlnych.

Gotyk międzynarodowy

Elegancki i wyrafinowany sposób malowania rozwinął się głównie dzięki dokonaniom włoskich mistrzów. Ich technika charakteryzowała się zastosowaniem gładkich linii, skomplikowanych konturów ciała i miękkiej mimiki przedstawionych osób.

Początek XV wieku to okres wyraźnego postępu w kierunku realizmu w sztukach wizualnych, charakterystyczny także dla literatury i rzeźby. Artyści wykazują zainteresowanie szczegółami, co nadaje kompozycji integralność i kompletność. Tym razem w sztuka europejska scharakteryzowany jako okres renesansu.

malarstwo średniowieczne aktualizacja: 14 września 2017 r. przez: Gleb

Malarstwo średniowiecza

Kultura średniowiecza

ogólna charakterystyka kultura

W IV wieku rozpoczęła się Wielka Migracja Narodów - najazd plemion z Północna Europa i Azji na terytorium Cesarstwa Rzymskiego. Zachodnie Cesarstwo Rzymskie upadło; jego druga część - Bizancjum - miała istnieć jeszcze przez jakiś czas. Nadeszło średniowiecze - epoka historyczna następująca po starożytnym świecie i poprzedzająca renesans.

Początki kultury średniowiecznej w dużej mierze sięgają epoki starożytności. Oprócz chrześcijaństwa średniowiecze przejęło od starożytności niektóre formy sztuki a także umiejętności rzemieślniczych.

Edukacja i nauka

W VII-VIII wieku przy klasztorach istniały szkoły, w których nauczycielami byli mnisi, a uczniowie, których było niewielu, byli dziećmi rycerzy. Tutaj uczyli teologii i „siedmiu wolnych sztuk”, a także pisania i liczenia. Później rozszerzono edukację (ale nie dla wszystkich, ale tylko dla szlachty) - studiowali łacinę, prawo, medycynę, arabski.

Z tych szkół powstały uniwersytety (od słowa uniwersum-"wspólnota"):

1) w Bolonii (Włochy, 1088);

2) Kordoba (Hiszpania, IX);

3) Oksford (1209);

4) Sorbona w Paryżu (1215);

5) Wiedeń (1348) itd.

Uniwersytety cieszyły się samorządem wewnętrznym (wybierały rektora itp.). Badana tutaj populacja ogólna. Formy szkolenia – wykład (czytanie specjalistycznego tekstu i komentarz do niego) lub spór (otwarty spór między uczestnikami seminarium), po ukończeniu studiów wydawany był dyplom. Były też podręczniki.

Nauka średniowiecza została odkryta przez teologów IV-V wieku. - tak zwani „ojcowie kościoła”:

2) Ambroży;

3) filozof Boecjusz;

4) historycy Jordan i Beda Czcigodny.

Centrum „renesansu karolińskiego” stanowiła tzw. akademia – koło naukowe na dworze Karola Wielkiego, utworzone w 794 r. na wzór szkoły antycznej. Liderem akademii został teolog i poeta Alcuin.

W XII-XIII wieku. nauka wciąż się rozwija. Jej podstawą staje się scholastyka - doktryna, w której rzeczywistość pojmowana była za pomocą logiki rozumu. Jednocześnie scholastycy często dawali się ponieść słownej formie, za którą słabo odgadywano treść, to znaczy pisali i mówili ciężkim, niezrozumiałym językiem.

Wybitnym naukowcem średniowiecza był Tomasz z Akwinu(1225–1247), pedagog, autor 18 prac z zakresu teologii i filozofii.

Innym znanym naukowcem był Roger Bacon(1214-1294) - przyrodnik, nauczyciel matematyki i filozofii.

Światopogląd. Literatura. Teatr

Barbarzyńcy czcili siły natury; odegrali ważną rolę w ich życiu magiczne rytuały. Wraz z pojawieniem się i rozwojem państw w Europie, sednem ludzkiego życia i światopoglądu staje się religia chrześcijańska. Całe życie jest traktowane tylko jako krótki odcinek, pełen niebezpieczeństw dla ludzka dusza. Ideałem jest życie bez fanaberii i perwersyjnych radości, szczera wiara w Boga, przestrzeganie rytuałów, a także takie cechy natury jak pokora, cierpliwość, cnota, wiara, nadzieja itp. Nieograniczona moc, zarówno duchowa, jak i materialna i polityczna , - zdobyć kościół i duchowieństwo.

Jeśli traktaty wczesnośredniowieczny nie były adresowane do określonych grup ludności, wówczas literatura średniowiecza miała charakter klasowy. Badacze identyfikują:

1) chłop;

2) miejskie;

3) literatura rycerska.

Główne gatunki:

1) powieści;

4) epicki (szlachetny);

5) opowiadania;

6) biografie;

7) historie;

9) eseje edukacyjne itp.

Wybitne prace:

1) epicka „Pieśń Rolanda”;

2) „Pieśń Nibelungów”;

3) „Pieśń o boku”;

4) powieść „Tristan i Izolda”;

5) cykl powieści o królu Arturze i rycerzu Lancelocie;

6) cykl powieści o Fox Renard;

8) powieści.

Dramatycznie wzrosła liczba zajęć rozrywkowych i edukacyjnych. Kaznodzieje przemawiali przed katedrami, dyskutowali profesorowie i studenci. Zorganizowano także teatralne przedstawienia religijne. Katedry budowali miejscy mistrzowie (a nie klasztorni, jak poprzednio). Sami mieszczanie często byli klientami lub twórcami dzieł sztuki dekorujących katedry.

Malarstwo średniowiecza

Ponieważ plemiona barbarzyńskie były stale koczownicze, ich wczesną sztukę reprezentują głównie:

1) broń;

2) biżuteria;

3) różne naczynia.

Rzemieślnicy barbarzyńcy preferowali jasne kolory i drogie materiały, podczas gdy nie uroda produktu była bardziej ceniona, ale materiał, z którego został wykonany.

Malarstwo rzymskie służyło za wzór dla miniaturystów. Autor miniatury średniowiecznej jest nie tylko ilustratorem; to utalentowany gawędziarz, któremu w jednej scenie udało się przekazać zarówno legendę, jak i jej symboliczne znaczenie.

„Renesans Karolingów” (francuski) renesans„Renesans”) – tak naukowcy nazwali sztukę tej epoki. Wiele klasztorów frankońskich posiadało skryptoria (warsztaty pisania książek), w których mnisi przepisywali starożytne rękopisy i kompilowali nowe, zarówno kościelne, jak i świeckie. Rękopisy umieszczano w oprawach wykonanych z kości słoniowej lub metali szlachetnych z wstawkami z kamieni szlachetnych. W projektowaniu ksiąg, oprócz skomplikowanej ornamentyki, często wykorzystywano motywy sztuki chrześcijańskiej - wieńce, krzyże, figurki aniołów i ptaków.

Około końca III wieku. zwój papirusu został zastąpiony pergaminem; zamiast stylu (kije do pisania) zaczęli używać ptasich piór.

W epoce Karolingów sztuka miniaturowego ilustrowania książkowego osiągnęła niezwykły rozkwit. Nie było miniaturowych szkół, ale istniały ośrodki produkcji ilustrowanych rękopisów w klasztorach (np. warsztat księgarski w Akwizgranie).

Świątynie karolińskie na zewnątrz były ozdobione bardzo skromnie, ale wewnątrz błyszczały malowidłami ściennymi - freskami. Wielu badaczy zauważyło duże znaczenie Dzieła wizualne w barbarzyńskim świecie, w którym większość ludzi nie potrafiła czytać. Na przykład w kościele św. Jana Chrzciciela (VIII w.) w mieście Müster (dzisiejsza Szwajcaria) to najstarsze znane freski. Sztuka Imperium Ottonowskiego odegrała ogromną rolę w rozwoju stylu romańskiego.

Malowidła ścienne z okresu romańskiego praktycznie nie zachowały się. Były budujące; ruchy, gesty i twarze bohaterów były ekspresyjne; obrazy są płaskie. Z reguły na sklepieniach i ścianach świątyni przedstawiano sceny biblijne. Na ścianie zachodniej były sceny Sądu Ostatecznego.

W XIII-XIV wieku. wraz z księgami kościelnymi, bogato ilustrowanymi wizerunkami świętych i scenami ze Świętej Historii, rozpowszechniły się:

1) księgi godzin (zbiory modlitw);

2) powieści;

3) kroniki historyczne.

Architektura

Po pojawieniu się w V-VIII wieku. Państwa plemion germańskich przeszły na chrześcijaństwo. Zaczęto wznosić kamienne kościoły chrześcijańskie. Świątynie budowano z masywnych kamieni, na sufity użyto drewna. Kościoły zbudowano na wzór rzymskich bazylik. W większości przypadków kolumny zostały zapożyczone ze starożytnych świątyń: ruiny służyły jako rodzaj kamieniołomu do wydobywania nowych materiałów budowlanych.

centra kultury od X wieku pozostały klasztory i kościoły. Świątynia, która w planie miała kształt krzyża, symbolizowała drogę krzyża Chrystusa – drogę cierpienia. W X wieku. szerzyć wiarę w cudowną moc relikwii - przedmiotów związanych z życiem Chrystusa, Matki Bożej, świętych. Coraz więcej pielgrzymów starało się odwiedzać święte miejsca.

Król Ostrogotów Teodoryk był ostrożnym i inteligentnym politykiem, patronował rzymskiej szlachcie i kościołowi, nauce i sztuce. Chciał być znany jako wielki, dlatego w jego stolicy Rawennie kładli drogi, budowali mosty, wodociągi, fortyfikacje wojskowe, pałace i świątynie, odnawiali zniszczone budynki. Ponadto do dziś przetrwał wspaniały grób Teodoryka.

Ale Karol Wielki uczynił stolicę małego miasteczka Akwizgran (nowoczesne Niemcy). Tutaj zbudowano pałac królewski i budynki administracyjne. Do dziś zachowała się kaplica (kaplica) w Akwizgranie i bramy klasztoru w Lorsch (nowoczesne Niemcy, ok. 800).

Od X wieku architekci stopniowo zmieniali projekt świątyni – musiała ona sprostać wymogom coraz bardziej złożonego kultu. W architekturze ówczesnych Niemiec rozwinął się szczególny typ kościoła - majestatyczny i masywny. Taka jest katedra w Speyer (1030-1092/1106), jedna z największych w Europie Zachodniej.

W sztuce romańskiej wiodącą pozycję zajmowała architektura klasztorna. Zwiększyła się wielkość kościołów, co doprowadziło do powstania nowych projektów sklepień i podpór. W okresie romańskim zmieniła się architektura świecka.

Typowe przykłady francuskiej architektury romańskiej:

1) Kościół św. Piotr;

2) Kościół św. Paweł w klasztorze w Cluny (1088-1131).

Zachowały się jedynie niewielkie fragmenty tej budowli, jej opisy i rysunki. W XI-XII wieku. budowa wielkich katedr rozpoczęła się w miastach nad Renem - w Worms, Speyer, Moguncji. W Niemczech zachowały się także zabytki ówczesnej architektury świeckiej – zamki i twierdze feudalne.

Sztuka Włoch powstała pod wpływem wielowiekowych tradycji kulturowych.

W Hiszpanii doszło do rekonkwisty - wojny o wyzwolenie terytorium kraju schwytanego przez Arabów. Następnie w Hiszpanii rozpoczęto budowę zamków-twierdza. Królestwo Kastylii stało się krainą zamków. Jednym z najwcześniejszych przykładów architektury romańskiej jest Pałac Królewski Alcazar (IX wiek). Dotrwał do naszych czasów.