Zadanie płaskie „Punkt, linia, plamka” przeznaczone jest dla uczniów do opanowania podstawowych umiejętności myślenia kompozycyjnego polegającego na wykorzystaniu prostych elementów kompozycyjnych podczas ich układania w przestrzeni dwuwymiarowej. Celem studenta jest osiągnięcie zrównoważonej kompozycji formalnej składającej się z linii, kropek i plam o prostych geometrycznych kształtach. Kroki wykonania:
1. Szkic wstępny – 2 kartki formatu A4. Wstępny szkic kompozycji o tematyce skojarzeniowej podany przez nauczyciela bez użycia narzędzi rysunkowych (rysunek ołówkiem, rysunek pędzlem, aplikacja), wszystkie opcje wykonujemy w górnej części kartki formatu A4 (patrz ryc. 1a, b) , a na dole arkusza sygnatura pracy: „Szkice kompozycji planarnej na temat „…”, uzupełnione przez st. gr. ..., nauczyciele..." Podpis napisany jest ołówkiem, wąską czcionką architektoniczną o wysokości 5 mm. Szkice wykonywane są w 2 wersjach – liniami prostymi i krzywymi i zatwierdzane przez prowadzącego. Pole kompozycji może mieć kształt kwadratu lub prostokąta (do uzgodnienia z prowadzącym).
2. Dwie zatwierdzone opcje (prosta i krzywoliniowa) są opracowywane ołówkiem przy użyciu narzędzi rysunkowych na kartce formatu A3 i wymagają uzgodnienia z prowadzącym.
3. Zaakceptowane w II etapie kompozycje finalizowane są w czarno-białej, utrwalonej grafice (format A3). Dopuszczalna jest zarówno aplikacyjna metoda uzupełniania (nakładające się na siebie elementy z zakładką), jak i metoda przezroczysta (kontury nałożonych na siebie elementów tworzą nowe figury). Przy finalizacji zaleca się stosowanie wypełnień pełnych, proste kreskowanie oraz stosowanie różnych grubości i rodzajów linii. Przykładowe wykonane prace przedstawiono na rys. 2.
B) 
Ryż. 1. Szkicowanie kompozycji utworzonej na podstawie linii prostych (a) i zakrzywionych (b).
Ryż. 2. Przykłady wykonania zadania 1, etap II.
(Uczniowie Bryantseva N., Karpacheva A., Lugvischuk E., Khasabyan Yu., Tarasenko A., nauczyciele Shatalov A.A., Minaeva A.V., Yaguza I.A.)
4. Opracowanie 2 kompozycji kolorystycznych (na podstawie kompozycji wykonanej według ustalonego harmonogramu w III etapie) na 2 tematy asocjacyjne wskazane przez prowadzącego. Format A3 (czyli każda opcja zajmuje miejsce A4), wstępny szkic każdego z 2 tematów w 2 opcjach na formatach A6 (te 4 szkice ułożone są w formacie A4). Jeden ze szkiców wykonany jest w gamie achromatycznej, drugi w pełnym kolorze. Ostateczne kompozycje wykonane są w pełnym kolorze. Materiał: gwasz. Przykłady układu szkiców do wykonania na ryc. 3., przykłady prac końcowych na ryc. 4.
Ryc.3. Układ w formacie A4 szkiców achromatycznych i kolorowych, gwasz.
Ryc.4. Przykłady kolorowych dzieł kompozycyjnych, gwasz (sztuka Tarasenko A., Gorbacheva S., Melnikova O., Nikonenko N., Tunitsky V., nauczyciele Shatalov A.A., Yaguza I.A.).
Notatka
Według uznania nauczyciela dwuwymiarowa część Sekcji 1.1 może zostać skrócona. połowę i zamiast tego wykonaj serię próbnych ćwiczeń „Linia i płaszczyzna w przestrzeni: systemy prętowe i wantowe”.
W takim przypadku cała sekwencja pracy jest wykonywana w porozumieniu z nauczycielem wyłącznie według szkiców utworzonych na podstawie linii prostych lub zakrzywionych. Wstępne szkice i przykłady wykonania zaproponowanych zamiast tego ćwiczeń makietowych („Chata-High-Tech” i „Maszt”) podano poniżej (Rys. 5-6 i 7-8). Co więcej, w tym przypadku jest to zrobione rozwinięcie ostatecznej kompozycji graficznej w przestrzenną w formie układu (ryc. 9). Szkice do ćwiczeń „Chata-High-Tech” i „Maszt” wykonane są ołówkiem w ilości 2 sztuk, każdy w formacie A5.
Przed wykonaniem prac modelarskich uczniowie muszą wcześniej przygotować się do wycinania prętów z grubej tektury o dowolnej długości, ale ta sama szerokość(nie więcej niż 3 mm). Kable rozciągliwe imituje się nitką lub cienkim nacięciem mocnego, ale swobodnie wyginającego się papieru. Podczas mocowania prętów konieczne jest zabezpieczenie każdego wolnego końca pręta 3 odciągami. Następnie należy przymocować co najmniej jedną płaszczyznę do powstałego układu prętów kablowych.
Ryż. 5. Szkice do makiety ćwiczenia „Shalash-high-tech” (uczniowie Chuprikova M., Okhrimenko N., Yesoyan N., nauczyciele Shatalov A.A., Yaguza I.A.)
Ryż. 6. Przykłady wykonania makiety ćwiczenia „Shalash-high-tech” (uczniowie Pastushkov S., Eloyan A., Reshetova Y., Okhrimenko N., nauczyciele Shatalov A.A., Yaguza I.A.)
Ryż. 7. Szkice do makiety ćwiczenia „Maszt” (uczniowie Abdurashidov M., Eloyan A., Okhrimenko N., nauczyciele Shatalov A.A., Yaguza I.A.)
Ryż. 8. Przykłady wykonania skomplikowanego próbnego ćwiczenia „Maszt” (uczniowie Verkhoglyad D., Orlova L., nauczyciele Shatalov A.A., Rembovskaya V.E., Obukhova L.Yu.)
Na życzenie ucznia i w porozumieniu z prowadzącym istnieje możliwość rozbudowy konstrukcji masztu
(wprowadzenie dodatkowych prętów i stężeń, zabezpieczenie różnych płaszczyzn i zakrzywionych powierzchni przy poszukiwaniu stężeń itp.). We wszystkich przypadkach warunkiem koniecznym jest osiągnięcie niezmienności geometrycznej całej konstrukcji.
Ryż. 9. Przykłady opracowania układu kompozycji graficznych (uczniowie Balantseva A., Begun M., Barashyan A., Snesarev A., Gasanbekova S., Kurchuk V., nauczyciele Shatalov A.A., Minaeva A.V.)
Teraz, po opanowaniu tych umiejętności przynajmniej w Ogólny zarys, możesz przejść do kompozycji.
Kompozycja - czyli linie sił i równowagi - to kwestia złożona i raczej subiektywna, ponieważ wzajemne harmonijne rozmieszczenie obiektów na rysunku jest kwestią gustu każdej osoby. Jednak pomimo tego, że nie ma towarzysza smaku i koloru, są tacy ogólne zasady kompozycje, dzięki którym można harmonijnie ułożyć dowolny stos przedmiotów. Przynajmniej przy odpowiednim przeszkoleniu.
Kompozycja to sposób, w jaki różne obiekty są rozmieszczone względem siebie na rysunku lub w rzeczywistości.
To, jak są one umiejscowione w rzeczywistości, nie jest w tym przypadku szczególnie istotne. Chyba, że planujesz ogród skalny. Ale wzajemne relacje pomiędzy wizerunkami obiektów na zdjęciu... To jest naprawdę ważne. Między innymi także dlatego, że nawet jeśli w „prawdziwym życiu” przedmioty i tak są ułożone, to znając zasady, można je ułożyć na rysunku znacznie lepiej niż w życiu.
Pierwszą zasadą jest więc rysowanie nie powinien dotykać krawędzi arkusza, chyba że określono to w konkretnym celu i projekcie. Dla formatu A3 od krawędzi powinno pozostać około 2 cm wolnego miejsca.
Druga zasada. I właściwie najważniejsze. Zdjęcie musi zawierać Harmonia. Innymi słowy, równowaga. Albo wręcz przeciwnie, musi panować brak harmonii, brak równowagi. Wszystko zależy od tego, co chcesz pokazać.
Co to znaczy?
Porównajmy kwadrat stojący na powierzchni:
i ten sam kwadrat, tylko lekko zniekształcony.
Który obraz jest bardziej zrównoważony?
Teraz umieśćmy duży kwadrat na krawędzi arkusza. A ten mały jest w środku.
I odwrotnie, duży kwadrat na środku arkusza. A ten mały jest w kącie.
Który z nich jest bardziej harmonijny?
Każda osoba ma osobiste preferencje. Niektórzy uważają jedną rzecz za harmonijną i zrównoważoną, inni za inną. Prawie niemożliwe jest wyjaśnienie zasady harmonii i nierównowagi na odległość, na odległość. Każdy tworzy dla siebie system harmonii i nierównowagi. A potem, jeśli należy to do jego zadań, testuje system na innych osobach. Sprawdzam ją.
Możesz rozwinąć swój własny system harmonii tylko poprzez praktykę. I testuję to na innych osobach.
Zasada harmonii i nierównowagi dotyczy zarówno kształtów na rysunku, jak i kolorów i tonów użytych na rysunku. Kolor to czerwony, niebieski itp. Odcienie - ciemniejsze, jaśniejsze, bardzo ciemne, bardzo jasne. Jeden kolor może mieć wiele odcieni. Jeden kolor może mieć wiele odcieni – żółty może być bardziej czerwony, mniej czerwony, bardziej zielony itp. Wszystkie te cechy są także powiązane ze sobą w harmonii lub w nierównowadze.
Harmonia i nierównowaga w czysta forma osiąga się poprzez taką lub inną kombinację obrazów obiektów i kombinacji kolorów.
Trzecia zasada. Linie energetyczne. To trochę jak z drugą zasadą. Niektórzy ludzie za jego pomocą osiągają harmonię lub nierównowagę. Ale linie sił są inne.
Trochę ćwiczeń. Zrób zdjęcie, które najbardziej Ci się podobało.
Na przykład „Madonna” Leonarda da Vinci.
A teraz spójrzcie na rękę Dzieciątka, którą wyciąga rękę do twarzy Madonny. Linie tej dłoni płynnie wtapiają się we włosy Madonny. Kontur włosów gładko przebiega wokół twarzy, schodzi w dół do płaszcza, a linia kontynuuje się wraz z fałdami płaszcza. Fałdy płaszcza giną pod ręką Madonny z Jagodami. Jednak linia siły biegnie dalej przez fałdy ubrania powyżej łokcia, spływa do dłoni z jagodami, do dolnej ręki Dziecka.
Linia ramienia dziecka przechodzi także w linię mocy jego głowy, w linię mocy twarzy Madonny.
Podobnie jak ramiona, nogi Dziecka są również połączone linią sił. Początek linii wyznaczają palce dłoni Madonny. Kierunek ten kontynuuje prawą nogę Dziecka i przechodzi w linie fałd płaszcza. Lewa noga Dziecka kontynuuje linię siły z jednej strony – w fałdach płaszcza, a z drugiej – w jego ciele, przechodząc do głowy.
Zobacz, jak linie sił łączą pierwszy plan z postaciami i tłem w oknach w tle. W lewym oknie linia najbliższego wzniesienia spotyka się z linią podbródka Dziecka. Linia odległej góry w lewym oknie zamienia się w linię mocy poza twarz dziecka.
Dokładnie w ten sam sposób Madonna „wchodzi” w krajobraz. Linia najbliższego wzgórza kontynuuje fałdy płaszcza. Zbocza gór również zbiegają się na liniach płaszcza. Zwróć uwagę, że linia najbliższego lewego wzgórza i linia najbliższego prawego wzgórza przechodzą w naszyjnik Madonny i spotykają się na biżuterii. Nawiasem mówiąc, dekoracja jest wizualnym centrum obrazu, punktem przecięcia większości linii siły.
Mam nadzieję, że zauważyłeś te funkcje. Wymienione linie to nie wszystkie linie widoczne na zdjęciu. Nie wiem, czy Leonardo da Vinci wziął te wersety pod uwagę, opracowując kompozycję „Madonny”, czy nie. Ale te linie tam są. A dzięki nim kompozycja okazuje się nie tylko harmonijna i wyważona, ale i połączona. Kompozycja nie rozpada się. Ona jest cała.
Zatem,
linie, które można wyraźnie prześledzić niezależnie od obiektu na każdym obrazie, to linie siły.
Nazywa się je władzą, ponieważ niosą ze sobą cały obraz, jego integralność. Usuń je, układając przedmioty w inny sposób - a obraz się rozpadnie i osłabnie. Linie sił łączą obrazy obiektów. Mogą to być linie rzeczywiste lub wyimaginowane. Znikają i pojawiają się. Jeśli jednak uda się je prześledzić, obraz będzie kompletny.
Z drugiej strony, linie energetyczne- to właśnie wyraża charakter przedmiotu. Jeśli ich kombinacja ulegnie zmianie, obiekt się zmieni. Linie siły pozostają po usunięciu wszystkich nieistotnych, nieistotnych i nieistotnych szczegółów obiektu. Usuń wszystko, co nie charakteryzuje bezwarunkowo podmiotu. Linie siły są szkieletem idei obiektu. Jego eidos, idealny obraz.
Obiekty oddziałują na rysunku za pomocą linii sił. Albo się komunikują, albo są od siebie odłączeni. Linie siły pokazują wzajemne relacje obiektów.
Linie siły mają różną gęstość i mogą tworzyć punkty zbieżności – epicentra. Na zdjęciu może być ich kilka lub tylko jeden. Może w ogóle nie istnieć. W zależności od tego zmienia się charakter obrazu.
Nauka korzystania z linii sił jest łatwa — wystarczy tylko patrzeć. Za obrazami już wykonanymi, za tym co rysujesz. W pewnym momencie, gdy zgromadzi się materiał oparty na faktach, zrozumiesz, jak zastosować go do konkretnych zadań. Co więcej, prawie wszystkie żywe istoty zawierają wiele linii siły.
Najpierw obserwuj przykłady, a następnie narysuj siebie.
Jak te zasady mają zastosowanie? Bardzo prosta. Jeśli chcesz narysować ruch, tego obrazu nie można zrównoważyć. Bo ruch to nie spokój. W ruchu nie ma równowagi, jest chęć gdzieś pójść. Linie sił zbiegają się w kierunku celu ruchu. Jeśli chcesz namalować statyczny obraz, to brak harmonii na pewno Ci tego nie umożliwi. Kiedy nie ma harmonii, wzrok widza wędruje po obrazie, tworząc ruch.
W malarstwie statycznym musi być równowaga. Wszystkie części są ze sobą powiązane. Połączone liniami energetycznymi w jedną całość. Linie siły nie mają epicentrów lub mają jedno wyraźnie określone epicentrum.
Korzystając z kombinacji tych zasad, możesz osiągnąć ogromną liczbę możliwych niuansów i nastrojów, gdy części obrazu przeplatają się ze sobą w zaplanowanej kolejności, a być może nawet pasują do wnętrza twojego pokoju, linie siły z których kontynuuje linie obrazu. Cóż, teraz właściwie instrukcje dotyczące szkolenia kompozycji:
Ćwicz wyrażanie harmonii i nierównowagi, linii sił i rozmieszczania rysunku na papierze do momentu, w którym poczujesz, że całkowicie opanowałeś ten krok.
Na podstawie materiałów z http://wozmoznosti.narod.ru/drow/yegor/step4.html
Witajcie drodzy fotografowie-amatorzy!
Dzisiaj porozmawiamy o liniach i ich roli w kompozycji fotograficznej.
Kiedy więc próbujemy skomponować ujęcie w wizjerze lub na ekranie LCD naszego aparatu, musimy zwrócić szczególną uwagę na linie. To oni potrafią zjednoczyć różnych elementy kompozycyjne wykadruj lub rozdziel je, określ nastrój, wyrazistość i dynamikę fotografii.
Linie mogą być zarówno pomocnikiem fotografa, wzmacniającym konkretny efekt, jak i prawdziwym niszczycielem całego rozwiązania kompozycyjnego.
Znajomość fotografa na temat wykorzystania linii w kompozycji kadru nie tylko pomaga mu tworzyć jasne, ciekawe obrazy fotograficzne, ale także pozwala mu zrozumieć, jak widz będzie postrzegał wykonane przez niego zdjęcia. Gdzie zatrzyma się jego wzrok, na jakie szczegóły obrazu zwróci największą uwagę i jaki będzie jego ogólny odbiór fotografii. W zależności od umiejscowienia linie wyrażają dynamikę ruchu i nadają zdjęciu określony nastrój.
Studium do „Madonny w grocie” Leonarda da Vinci
i jedna z możliwych „linii piękna” tego szkicu.
Linia taka może pełnić w kompozycji zarówno funkcję konturu kadru fotografowanego obiektu, jak i linii prowadzącej.
Linie ukośne
Ukośne linie w kompozycji kadru nie tylko dodają dynamiki obrazowi i w istocie symbolizują ruch, ale po prostu przyciągają uwagę widza.
Punkt początkowy linii ukośnej umieszcza się zwykle w jednym z rogów kadru, a następnie linię rysuje się albo od lewego górnego rogu do prawego dolnego („opadająca” przekątna), albo od lewego dolnego rogu do prawy górny róg („wznosząca się” przekątna). Realizacja obu wersji linii ukośnej daje widzowi poczucie napięcia w ruchu.
Przekątnymi można także kierować wzrok widza w taki sposób, aby poruszając się po ukośnych liniach, w pełni dostrzegł wszystkie istotne dla fabuły detale fotografii.
Przekątna może się łączyć główny obiekt fotografowanie z obrazem tła, zmuszając w ten sposób osobę do przeniesienia wzroku w kadr.
Dodatkowo ukośne linie pozwalają dodać głębi i wymiaru przestrzennego zdjęciu. Pod tym względem efekt specjalny występuje, gdy w ramce znajdują się linie zbiegające się w odległości.
Przyjrzeliśmy się więc głównym typom linii w kompozycji fotograficznej. Nie zapominajmy jednak, że linia, po której porusza się wzrok widza, może być nie tylko progresywna, ale także tworzyć owal, trójkąt, kwadrat itp. Najsilniejsze wrażenie powstaje, gdy w kadrze znajduje się nieparzysta liczba obiektów przyciągających uwagę , a dokładniej, gdy liczba ta jest równa trzy (trójkąt złożony).
Teraz wiemy, że linie w rękach wprawnego fotografa stają się potężną bronią, za pomocą której fotograf pomaga widzowi dokładnie zobaczyć obraz i nastrój, który chciał przekazać na swoim zdjęciu.
Ale używając linii ukierunkowanej uwagi, musisz przestrzegać dwóch zasad.
Po pierwsze należy zadbać o to, aby linie zawsze wskazywały najważniejsze obiekty na obrazku. Pozwala to również na ukierunkowanie uwagi widza.
Po drugie, należy upewnić się, że wzdłuż linii nie ma zauważalnych „kropek”, które mogłyby odwrócić wzrok widza od głównej linii, którą fotograf „ułożył” specjalnie dla niego, aby mógł poczuć cały obraz jako całość .
Dodatkowe linie i kropki na zewnątrz obrazu rozpraszają uwagę, zmienia się kierunek spojrzenia i traci się koncentrację niezbędną do pełnej świadomości obrazu, następuje utrata zainteresowania, a postrzeganie całej fotografii staje się nudne.
Na koniec podsumujemy główne wyniki.
Linie są jednym z głównych elementów kompozycji każdej fotografii.
Linie, rzeczywiste lub wyimaginowane, mogą wzmocnić efekt obrazu lub nadać fotografii szczególny nastrój.
Linie w kadrze niosą ze sobą zróżnicowany ładunek emocjonalny: linie zakrzywione i poziome uspokajają, linie przerywane irytują, linie pionowe uwydatniają, linie ukośne dodają dynamiki.
Oczywiście, aby dowiedzieć się, jak prawidłowo go używać i, co najważniejsze, we właściwym miejscu Różne rodzaje linii wymagana jest ciągła praktyka. Wchodzić w Jeszcze raz z aparatem zobacz, jak wykorzystać linie w ramce, aby nadać zdjęciu większą wyrazistość i emocjonalną jasność. Ponadto staraj się stale analizować kształt obiektów. Zadaj sobie pytanie, jak sfotografować ten lub inny obiekt, aby zmaksymalizować jego kształt na zdjęciu, uczynić go bardziej interesującym dla widza i przekazać niezbędny nastrój w kadrze. I bardzo szybko rozwiniesz umiejętność analizowania kształtów i linii.
Co to jest kompozycja?
W każdej formie artystycznej kluczową rolę odgrywa prawidłowe rozmieszczenie elementów dzieła, co pozwala najdokładniej oddać ideę tego dzieła. Oznacza to, że podświetl klucz historie, przekazać niezbędny nastrój i zachować harmonię. Kompozycja (od łacińskiego compositio) to połączenie (połączenie) tych elementów w jedną całość.
Centrum geometryczne i kompozycyjne.
Budujemy kompozycję na płaszczyźnie. Niezależnie od tego, czy jest to fotografia, kartka papieru czy monitor komputera. Jeśli narysujemy dwie ukośne linie przez tę płaszczyznę, punkt ich przecięcia wskaże geometryczny środek naszej przyszłej kompozycji. Każdy obiekt wpisany w to centrum będzie czuł się całkiem pewnie.
(zbieżność środków geometrycznych i kompozycyjnych)
Centrum kompozycyjne służy skupieniu uwagi widza na szczegółach kompozycji. W fotografii, malarstwie i rysunku z reguły wyróżnia się ośrodki fabularne i kompozycyjne. Oznacza to, że główna fabuła dzieła znajduje się w centrum kompozycyjnym.
Środek kompozycji i środek geometryczny kompozycji mogą się nie pokrywać.
W kompozycji może być kilka środków kompozycyjnych, podczas gdy środek geometryczny jest tylko jeden.
Centrum kompozycyjne można wyróżnić:
- kontrast światła i cienia
- kontrast kolorów
- rozmiar
- kształt
Podstawowe pojęcia i zasady kompozycji.
Linie ukośne w kompozycji:
Wykres po lewej stronie przedstawia wzrost. Wykres po prawej stronie oznacza spadek. Tak się po prostu stało. I odpowiednio w kompozycji ukośna linia narysowana od lewego dolnego rogu do prawego górnego jest postrzegana lepiej niż linia narysowana od lewego górnego rogu do prawego dolnego rogu.
Skład zamknięty i otwarty:
W zamkniętej kompozycji główne kierunki linii zmierzają do środka. Ta kompozycja nadaje się do przekazania czegoś stabilnego i nieruchomego.
Elementy w nim nie mają tendencji do wychodzenia poza płaszczyznę, lecz zdają się być zamknięte w centrum kompozycji. A spojrzenie z dowolnego punktu kompozycji kieruje się w stronę tego centrum. Aby to osiągnąć, możesz zastosować zwarty układ elementów w centrum kompozycji, czyli ramę. Ułóż elementy tak, aby wszystkie wskazywały środek kompozycji.
Otwarta kompozycja, w której kierunki linii wychodzą z centrum, daje możliwość kontynuacji obrazu w myślach i wyniesienia go poza płaszczyznę. Nadaje się do przenoszenia otwartej przestrzeni i ruchu.
Zasada złotego podziału:
Harmonia to spójność. Jedna całość, w której wszystkie elementy się uzupełniają. Jakiś jednolity mechanizm.
Nie ma nic bardziej harmonijnego niż sama natura. Dlatego zrozumienie harmonii przychodzi do nas od niej. A w naturze ogromna liczba obrazów podlega dwóm zasadom: symetrii i zasadzie złotego podziału.
Jaka jest symetria, jest jasne. Jaki jest złoty podział?
Złoty podział można uzyskać dzieląc odcinek na dwie nierówne części tak, aby stosunek całego odcinka do większej części był równy stosunkowi większej części odcinka do mniejszej. To wygląda tak:
Części tego segmentu stanowią w przybliżeniu 5/8 i 3/8 całego segmentu. Oznacza to, że zgodnie z zasadą złotego podziału centra wizualne na obrazie będą zlokalizowane w następujący sposób:
Zasada trzech trzecich:
Ten rysunek nie jest zgodny z zasadą złotego podziału, ale stwarza poczucie harmonii. Jeśli podzielimy płaszczyznę, na której znajduje się nasz figury geometryczne o dziewiątej równe części, zobaczymy, że elementy znajdują się w punktach przecięcia linii podziału, a poziomy pasek pokrywa się z dolną linią podziału. W tym przypadku obowiązuje zasada trzech trzecich. Jest to uproszczona wersja zasady złotego podziału.
Dynamika i statyka w obrazie, ruchu, rytmie.
Kompozycja dynamiczna – kompozycja wywołująca wrażenie ruchu i wewnętrznej dynamiki.
Kompozycja statyczna (statyka w kompozycji) - stwarza wrażenie bezruchu.
Obraz po lewej stronie wydaje się statyczny. Zdjęcie po prawej stronie stwarza iluzję ruchu. Dlaczego? Ponieważ z naszego doświadczenia doskonale wiemy, co stanie się z okrągłym przedmiotem, jeśli przechylimy powierzchnię, na której się on znajduje. I postrzegamy ten obiekt jako poruszający się nawet na zdjęciu.
W ten sposób linie ukośne można wykorzystać do przekazania ruchu w kompozycji.
Ruch możemy przekazać także zostawiając wolną przestrzeń przed poruszającym się obiektem, aby nasza wyobraźnia mogła kontynuować ten ruch.
Statykę w kompozycji osiąga się poprzez brak linii ukośnych, wolną przestrzeń przed obiektem i obecność linii pionowych.
Rytm jest jednym z kluczowych momentów w sztuce. Może sprawić, że kompozycja będzie spokojna lub nerwowa, agresywna lub uspokajająca. Rytm wynika z powtórzeń.
Rytm w sztuki piękne można tworzyć poprzez powtarzanie kolorów, obiektów, plam światła i cienia.
Symetria i asymetria w kompozycji, osiągnięcie równowagi.
Symetria:
W naturze duża liczba obrazy wizualne podlegają prawu symetrii. Dlatego symetria jest dla nas łatwo dostrzegalna w kompozycji. W sztukach plastycznych symetrię osiąga się poprzez takie ułożenie obiektów, że jedna część kompozycji wydaje się być lustrzanym odbiciem drugiej. Oś symetrii przechodzi przez środek geometryczny. Symetryczna kompozycja służy do przekazywania spokoju, stabilności, niezawodności, a czasem majestatu. Nie należy jednak tworzyć obrazu całkowicie symetrycznego. W końcu nic nie jest z natury doskonałe.
Symetria to najprostszy sposób na osiągnięcie równowagi w kompozycji. Jednak nie jedyny.
Asymetria, osiągnięcie równowagi:
Aby zrozumieć, czym jest równowaga, możesz wyobrazić sobie skalę mechaniczną.
W tym przypadku zasada symetrii działa. Po lewej i prawej stronie skali dwa obiekty o tym samym kształcie i rozmiarze są symetrycznie rozmieszczone w tej samej odległości. Tworzą równowagę.
Asymetria zaburzy tę równowagę. A jeśli jeden z obiektów jest większy, to po prostu przeważy nad mniejszym.
Można jednak te obiekty zrównoważyć dodając do kompozycji coś w formie przeciwwagi. Asymetria pozostanie:
Równowagę z asymetrią będzie można uzyskać także zawieszając większy obiekt bliżej środka:
Osiągnięcie równowagi jest jednym z najważniejszych znaczące etapy podczas budowania asymetrycznej kompozycji. Równowagę można osiągnąć kontrastując rozmiary, kształty plam koloru i cienia.
Wniosek.
Zasady kompozycji nie są obowiązkowe. Wręcz przeciwnie. Niektóre zasady są ze sobą sprzeczne. Zanim jednak złamiesz jakąkolwiek zasadę, musisz ją poznać i umieć z niej skorzystać. Pamiętaj, że jeśli złamiesz zasady, musisz jasno zrozumieć DLACZEGO to robisz.
Jeden z najbardziej najlepsze przykłady Linia wiodąca to molo. Jest atrakcyjny nie tylko ze względu na swoją linię, ale także dlatego, że molo niezmiennie kojarzy się z obecnością akwenu. Możesz tworzyć różne obrazy w zależności od dodatkowych elementów w pobliżu obiektu.
Drogi i korytarze są również doskonałymi przykładami linii wiodących. Wciągają widza w dziedzinę tematów architektonicznych.
Linie wiodące nie zawsze charakteryzują się wieloma równoległymi liniami. Czasami będziesz musiał improwizować, pracując z tym, co masz. Przykładowo kierownica łodzi płynącej w stronę Taj Mahal, jak na zdjęciu powyżej. Linie jednostki pływającej zbierają się w jednym punkcie, tworząc strzałkę. Praktycznie wskazują widzowi główną część obrazu.
Linie wiodące nie zawsze są oczywiste. Zwłaszcza w naturze, chociaż zdarza się to również w świecie zbudowanym. Linie mogą być cienkie i ledwo zauważalne. Można je rozpoznać obserwując układ elementów ułożonych w rzędzie. Mogą to być kamienie, strumienie lub po prostu przedmioty o podobnym kształcie.
W przypadku korzystania z długiego czasu otwarcia migawki podczas fotografowania poruszającego się obiektu często pojawiają się linie prowadzące. Jednocześnie energia ruchu staje się jeszcze bardziej wyrazista, gdy poruszającemu się obiektowi towarzyszy rozmycie.
Linie wiodące nie powinny zawsze zaczynać się od środka obrazu. Spróbuj też umieścić je na zdjęciu, stosując zasadę trójpodziału. Przykłady takich obrazów są częstsze, niż mogłoby się wydawać. Po prostu ćwicz, aby zauważać je wokół siebie.
Może się zdarzyć, że nie od razu wykryjesz linie wiodące. Czasami zauważasz je już po zrobieniu zdjęcia. Na przykład te zdjęcia w porcie w Sydney i Melbourne. Ruch promu na jednym zdjęciu i unoszenie się chmur na innym to elementy, których fotograf nie zaplanował. Ale strzały okazały się bardzo udane.
Wideo: Linie wiodące jako podstawa kompozycji obrazu
