Decorar uma sala de música em uma instituição de ensino pré-escolar: mostrar gosto e imaginação. O impulso criativo é estimulado por “March” do filme “Circus” de Dunaevsky, “Bolero” de Ravel, “Sabre Dance” de Khachaturian

Sua loja, shopping center ou boutique acabou de abrir? Você não sabe decorar adequadamente uma área de vendas com acompanhamento musical e, o mais importante, não tem ideia de onde conseguir para não violar direitos autorais? DigiSky está ao seu serviço.

Trabalhamos há mais de 10 anos, a nossa experiência e conhecimento acumulado permitem-nos dizer que para nós o design musical para uma loja é uma área onde conhecemos todas as nuances. Durante este período, desenvolvemos design musical para as seguintes lojas: Metro Cash&Carry, Podruzhka, Monetka, Perekrestok Express, Selgros Cash&Carry e muitas outras.

Nossa cooperação com você será estruturada da seguinte forma:

• Selecionaremos o design musical da loja para você. Escolheremos o formato desejado que idealmente enfatize e complemente as especificidades do seu negócio;
• Ajudaremos você a selecionar e instalar equipamentos profissionais (reprodutor de música, alto-falantes, etc.). Gerenciaremos o acompanhamento musical e atualizaremos as músicas de nosso escritório;
• De tempos em tempos analisaremos o desempenho do sistema e ajustaremos conforme necessário;
• Ajudaremos você a se livrar da necessidade de lidar com royalties aos autores das composições. Nós também assumiremos isso.

Por que o design musical de uma loja é tão importante?

O comprador, ao cruzar a soleira da loja, se encontra em um mundo especial, o mundo da marca. Se ele já esteve lá e voltou, significa que algo o fisgou. É claro que o mesmo não se pode dizer dos supermercados, onde as pessoas vão comprar mantimentos. E eles fazem isso todos os dias. A única coisa que os forçará a mudar de loja habitual é o envenenamento por itens “vencidos” ou fortes margens de lucro. Outra coisa é uma loja de roupas, eletrodomésticos e eletrônicos. Aqui, o principal para o seu proprietário é não evocar emoções negativas nos compradores. Tudo ajuda, desde a simpatia da equipa e descontos até ao design musical do salão.

Diferentes acompanhamentos musicais têm efeitos diferentes na atividade de compra. Se você tocar uma música mais calma, seus clientes escolherão os produtos mais lentamente e sua atividade diminuirá. Se você escolher uma música dançante rítmica, você incentivará os compradores a tomar uma decisão o mais rápido possível.

“A musicoterapia é um remédio para a alma”

A musicoterapia é uma medicina auditiva. O fato de que a música pode mudar o estado mental e físico de uma pessoa já era conhecido há muito tempo. Grécia antiga e outros países.No entanto, não apenas sons ordenados naturais, mas também criados artificialmente curam. Melodias especialmente selecionadas aliviam a raiva, a frustração e melhoram o seu humor. As melodias que trazem alegria a uma pessoa têm um efeito benéfico no seu corpo: diminuem o pulso, aumentam a força das contrações cardíacas, promovem a vasodilatação, normalizam a pressão arterial, estimulam a digestão e aumentam o apetite.

A música atua de forma seletiva: dependendo da natureza da obra, do instrumento em que é executada. Por exemplo, o violino e o piano acalmam o sistema nervoso e a flauta tem um efeito relaxante. Segundo a lenda bíblica, o rei Saul foi salvo de ataques de loucura tocando harpa.

Contudo, música excessivamente alta com ritmos enfatizados instrumentos de percussão prejudicial não só à audição, mas também sistema nervoso. Os ritmos modernos aumentam o nível de adrenalina no sangue, o que pode causar estresse. Curiosamente, a música de Bach, Mozart e Beethoven tem um incrível efeito antiestresse.

No Japão, a musicoterapia é amplamente utilizada para normalizar a atividade física e Estado psicológico pessoas na produção, na escola, nas universidades, e agora a música se tornou um dos elementos da assistência obstétrica.

Estudos especiais mostraram que a música de Wagner, as operetas de Offenbach, o Bolero de Ravel e A Sagração da Primavera de Stravinsky, com seu ritmo crescente, têm o efeito mais estimulante. Esses trabalhos têm maior efeito quando se trabalha com crianças letárgicas e patéticas. É verdade que a educação musical é muito individual e requer muito esforço e conhecimento para selecionar melodias com habilidade.

“Caprice nº 24” de Paganini em processamento moderno, ao contrário, melhora o tônus ​​​​do corpo e o humor. A música, que distrai a atenção de imagens desagradáveis, promove a contracepção da atenção. O equilíbrio do sistema nervoso foi facilitado pelos fonogramas da floresta, pelo canto dos pássaros, pelas peças do ciclo “As Estações” de Tchaikovsky, “ Sonata ao Luar»Beethoven.

A ciência estabeleceu que um ambiente silencioso afeta negativamente a psique humana, uma vez que o silêncio absoluto não é um ambiente de fundo familiar para ele.

Embora as instituições de saúde e educacionais não tenham voltado a sua atenção para o problema da musicoterapia na medida adequada, professores, médicos e pais entusiasmados têm de selecionar por conta própria um medicamento “sonoro”.

O objetivo das aulas com musicoterapia: criar um background emocional positivo para a reabilitação (eliminando o fator ansiedade); estimulação de funções motoras; desenvolvimento e correção de processos motores (sensações, percepções, ideias) e habilidades sensoriais; Desinibição da função da fala.

EM idade escolar um efeito sedativo ou ativador é alcançado pelo acompanhamento musical de diversos jogos, orientação corretiva especial de atividades tradicionais com crianças.

O ritmo musical é amplamente utilizado no tratamento de distúrbios motores e de fala, correção de desenvolvimento psicomotor insuficiente, senso de ritmo e respiração pela fala. A música pode ser usada durante a execução trabalho independente quando a comunicação verbal é excluída. A exceção é a pequena leitura - leitura com música, uma combinação de música e atividades.

O sucesso da aula é influenciado pela personalidade positiva do professor, pelo seu conhecimento dos métodos de expressão musical - tocar o instrumentos musicais e a capacidade de cantar, bem como a inclusão no processo preventivo e correcional do fator dinâmica de grupo, contágio positivo psicoemocional mútuo, empatia e simpatia entre os participantes das aulas de música em grupo.

10. É aconselhável usar instrumentos clássicos e

música especificamente terapêutica, mas não vocal e não a mais

popular porque eles carregam carga semântica desnecessária.

A seleção da música deve ser boa

pensando. É muito mais complicado do que pode parecer à primeira vista

visão. Pareceria óbvio usar um sedativo,

música estimulante ou otimista. Porém, nem tudo é assim

Apenas. Música animada pode te irritar

uma pessoa sobrecarregada de tristeza. Por pessoa capaz

é improvável que excitação e confusão causem uma impressão profunda

um adágio solene, que o deixará ainda mais inquieto.

Por outro lado, quando uma pessoa que chega desanimada ouve

música triste, pode animá-lo.

Como parte de uma sessão de musicoterapia, você pode e deve utilizar diversas técnicas ativas, exercícios e métodos por mim descritos acima, como exercícios de movimento e dança, exercícios rítmicos e respiratórios, dramatização de performances terapêuticas - jogos, ativação de imagens visuais e ideias , reprodução de música, ludoterapia, terapia vocal, arteterapia, cromoterapia, terapia de contos de fadas e outros métodos.

Lista de receitas musicais

Os cientistas, tendo realizado numerosos estudos e experimentos, chegaram à conclusão de que muitas melodias realmente têm um forte efeito terapêutico:

A música revigorante de Tchaikovsky, Pakhmutova, Tariverdiev e o som da dombra aliviam o nervosismo e a irritabilidade.

Ajuda a aliviar o estresse, a concentração, ideal para estudos solitários e meditação, romântico, criando uma sensação de espaço livre, música de Schubert, Schumann, Tchaikovsky, Liszt, sons de kobyz.

Para evitar o cansaço, você precisa ouvir “Morning” de Grieg, “Dawn over the Moscow River” (fragmento da ópera “Khovanshchina”) de Mussorgsky, o romance “Evening Bells”, o motivo da música “Russian Field” , “As Estações” de Tchaikovsky.

Eles levantam o ânimo, aliviam a depressão, carregam a intensidade dos seus sentimentos - jazz, blues, Dixieland, soul, calypso e reggae, originados da temperamental música africana.

O impulso criativo é estimulado por “March” do filme “Circus” de Dunaevsky, “Bolero” de Ravel, “Sabre Dance” de Khachaturian.

Você pode relaxar completamente com a “Valsa” de Shostakovich do filme “The Gadfly”, a orquestra de Pourcel, “A Man and a Woman” de Ley, um romance de ilustrações musicaisà história de Pushkin "The Snowstorm", de Sviridov.

A suíte Peer Gynt de Grieg normaliza o sono e a função cerebral.

A música de Mozart contribui para o desenvolvimento das habilidades mentais das crianças.

Como tratamento para enxaquecas, os médicos japoneses oferecem "Spring Song" de Mendelssohn, "Humoresque" de Dvorak, bem como uma boa dose de George Gershwin ("An American in Paris").

Ouvir a famosa polonesa de Oginski também alivia dores de cabeça.

A pressão arterial e a atividade cardíaca são normalizadas pela “Marcha Nupcial” de Mendelssohn

A Sonata nº 7 de Beethoven cura gastrite

As úlceras estomacais desaparecerão ao ouvir a Valsa das Flores de Strauss.

A música (lit. grega - a arte das musas) é um tipo de arte que reflete a realidade em imagens sonoras artísticas. A música é um tipo específico de atividade criativa e comunicação entre as pessoas.

Os sistemas figurativos da música permitem incorporar conceitos que definem ideias sociais e filosóficas. Para concretizar as ideias das suas obras, os compositores recorrem à síntese da música com a palavra (música vocal e instrumental programática), ação cênica, dança, imagem (gêneros musicais cênicos, música cinematográfica).

A música tem grande significado cognitivo, educacional e organizacional na vida da sociedade. Como um importante meio de educação espiritual de uma pessoa, a música forma gostos estéticos e ideais, desenvolve sensibilidade emocional, um senso de beleza.

Arranjo musical - acompanhamento musical de uma performance dramática, filme, performance circense, programa de rádio, etc. Existem 2 tipos de arranjo musical - compilação, ou seja, a utilização de fragmentos de obras musicais existentes (por exemplo, seleção de trechos de obras sinfônicas e de câmara música para acompanhar filmes mudos) e compor músicas especiais.

Noise design é o design de som, ruídos e sons organizados em determinado andamento e ritmo, utilizado na produção de apresentações teatrais, filmes, programas de rádio e televisão. Realizado com equipamento especial.

Música teatral - em sentido amplo, música em quaisquer apresentações teatrais, ou seja, tanto em produções de teatro musical (ópera, balé, opereta, drama musical, comédia musical) quanto dramáticas.

No teatro dramático, contribui para a criação de uma certa atmosfera emocional da performance; junto com outros meios, recria o colorido histórico, nacional e local, aprofunda as características dos personagens, enfatiza momentos decisivos no desenvolvimento da ação e clímax dramáticos.

Além dos números musicais entrelaçados com a ação cênica, também são utilizadas peças instrumentais relativamente grandes que precedem toda a produção ou atos individuais da performance - Abertura e Intermissão.

LITERATURA:

Glumov A., Música no Teatro Dramático Russo. Ensaios históricos, M., 1955; Settle R., Música no teatro, L., 1957.

Grande Enciclopédia Soviética. - M.: Enciclopédia Soviética. 1969-1978.

Direção e música.

Os sistemas teatrais do século XX são tendenciosos em relação à música.

No ano histórico para o teatro mundial de 1898, o antigo princípio de concepção musical de uma performance acaba por se esgotar.

A princípio, Stanislávski ficou simplesmente irritado com a música tradicional nas aberturas e as habituais polcas com castanholas durante os intervalos de Hamlet. Para "Tsar Fyodor Ioannovich", a primeira produção Teatro de Arte, em 1898, foi encomendada uma abertura especial - e o diretor não ficou satisfeito: “Esta é uma sinfonia maravilhosa”, mas soa além do drama, sem fazer parte dele. Se antes o compositor conseguia elevar o drama médio e às vezes seus “números musicais” continham alguma interpretação da peça, enfatizando certos momentos dela, agora a arte do teatro passou para um novo estágio.

O encenador sente a insuficiência e a obsolescência da velha estética teatral; necessita de uma música nascida do palco, ligada internamente ao drama que se desenvolve no palco.

Com o advento da direção, surge uma nova unidade no palco dramático: subordinado a uma vontade unificadora e proposital, o mundo da performance se desdobra.

A música torna-se necessária ao teatro do diretor em seu sentido amplo. Por outras palavras, o papel da música no microcosmo do drama é potencialmente igual ao papel poderoso da música na realidade mais ampla.

Propondo em 1906 a primeira tradução russa da obra “Ópera e Drama” de Richard Wagner (1851), o tradutor A. Shepelevsky insistiu em sua especial relevância na Rússia: “A própria vida, o próprio desenvolvimento da arte, levantou a questão da intervenção de música no drama...

“Nosso drama literário”, lemos em Wagner, “está tão longe do real quanto o piano está do canto sinfônico das vozes humanas”;

Na verdade, na virada do século XX, um forte movimento começou no teatro dramático em direção a um complexo, abrangendo a realidade nas maiores conexões possíveis, a apresentação cênica do drama, e a música deveria ocupar o seu lugar na estrutura da ação criada por o diretor. A estrutura do palco reproduziu na performance um complexo entrelaçamento de influências do indivíduo e de seu ambiente. A performance, da qual a música passou a fazer parte, foi {22} em comparação com o teatro do pré-diretor, é totalmente animado.

LITERATURA:

Tarshis N. A. Música de uma performance dramática. São Petersburgo: Editora SPbGATI, 2010. 163 p.

História da música teatral.

Música de teatro– um fator dramático ativo de grande significado semântico e formativo; é capaz de criar uma certa atmosfera emocional, enfatizar a ideia principal da peça), especificar o tempo e o local da ação, caracterizar o personagem, influenciar o andamento e o ritmo da performance, destacar os clímax principais e dar unidade à performance com a ajuda do desenvolvimento de entonação e leitmotifs de ponta a ponta. Por funções dramáticas a música pode estar em harmonia com o que está acontecendo no palco (fundo musical consoante) ou contrastar com ele. Há uma distinção entre música fora da ação cênica (abertura, intervalos, protetores de tela) e dentro do palco. A música pode ser escrita especialmente para a performance ou composta por fragmentos de obras já conhecidas (método de compilação a partir de material musical).

História da música teatral volta para a espécie mais antiga teatro, que herdou seu caráter sintético das ações rituais religiosas. No antigo drama oriental, a palavra, a música e a dança eram combinadas em termos iguais. Na antiga tragédia grega, que surgiu do ditirambo, a base musical era o canto coral em uníssono acompanhado por instrumentos. Na Índia o teatro clássico foi precedido por tipos musicais e dramáticos de apresentações teatrais folclóricas. Na história Teatro chinês o protagonismo também pertence a apresentações teatrais e musicais mistas; A síntese da música e do drama realiza-se de forma única num dos principais géneros teatrais da Idade Média - o zaju. No Japão, entre os antigos tipos de apresentações teatrais, o bugaku (século VIII) - apresentações na corte com música gagaku - são especialmente notáveis. Um papel importante é desempenhado pela música nos teatros no (séculos XIV-XV), joruri (século XVI) e kabuki (século XVII). Na Idade Média Europa Ocidental, onde a herança teatral da antiguidade foi relegada ao esquecimento, o drama profissional desenvolveu-se principalmente na corrente principal da arte eclesial. Nos séculos IX-XIII. na Igreja Católica, o clero representava dramas litúrgicos latinos diante do altar; nos séculos XIV-XV. o drama litúrgico tornou-se uma peça de mistério com diálogos falados, apresentados fora da igreja nas línguas nacionais. Num ambiente secular, a música era ouvida durante as festividades da corte, procissões de máscaras e apresentações folclóricas. Durante o Renascimento A arte da Europa Ocidental voltou-se para as tradições do teatro antigo; A tragédia, a comédia e a pastoral floresceram em um novo solo. Geralmente eram encenados com exuberantes interlúdios musicais de conteúdo alegórico e mitológico, compostos por números vocais no estilo madrigal e danças. Uma das etapas mais importantes da história da música teatral foi Teatro inglês Século XVI. Graças a W. Shakespeare e seus contemporâneos - os dramaturgos F. Beaumont e J. Fletcher - tradições estáveis ​​​​desenvolvidas no teatro inglês da era elisabetana, a chamada música incidental - pequenos números musicais inseridos que foram organicamente incluídos no drama. Posteriormente, um novo gênero sintético foi formado em solo inglês - ópera balada. Seus criadores, J. Gay e J. Pepusch, basearam a dramaturgia de sua “Ópera do Mendigo” (1728) na alternância de cenas conversacionais com canções de espírito folclórico. Na Espanha A fase inicial do desenvolvimento do drama clássico nacional está associada aos gêneros de rappresentationes (performances sagradas), bem como à écloga (idílio do pastor) e à farsa - obras mistas teatrais e musicais com execução de canções, leituras de poesia, danças, o cujas tradições foram continuadas nas zarzuelas. Na França recitativos, refrões, episódios instrumentais das tragédias classicistas de J. Racine e P. Corneille foram escritos por M. Charpentier, J. B. Moreau e outros.

Os diálogos conversacionais alternam-se aqui com recitativos, árias e entradas de dança (entradas) nas tradições do balé da corte francesa (ballet de cour) 1º andar. século 17

No século XVIII, surgiu na França a primeira obra do gênero melodrama - a cena lírica “Pigmalião” de Rousseau, interpretada em 1770 com música de O. Coignier.

Até a 2ª metade do século XVIII, a música para apresentações teatrais muitas vezes tinha apenas a conexão mais geral com o conteúdo do drama e podia ser transferida livremente de uma apresentação para outra. “A sinfonia inicial deve estar ligada à peça como um todo, os intervalos ao final do ato anterior e ao início do ato seguinte, a sinfonia final ao final da peça. É necessário ter em mente o caráter da peça. personagem principal e a ideia principal da peça e guiar-se por eles na hora de compor a música” (I. Sheibe). “Como a orquestra em nossas peças substitui de alguma forma o antigo coro, os especialistas há muito expressam o desejo de que o caráter da música seja mais consistente com o conteúdo das peças, cada peça requer um acompanhamento musical especial” (G. Lessing; ). Logo apareceu teatral música no espírito de novos requisitos, incluindo aqueles pertencentes aos clássicos vienenses - W. A. ​​​​Mozart (para o drama “Thamos, King of Egypt” de Gebler, 1779) e J. Haydn (para a peça “Alfred, or the Patriot King” de Bicknell, 1796) ; no entanto, o maior impacto destino futuro a música teatral foi influenciada pela música de L. Beethoven para "Egmont" de Goethe (1810), que é um tipo de música teatral que geralmente transmite o conteúdo dos momentos-chave do drama. Música teatral do século XIX desenvolvido na direção traçada por Beethoven, mas nas condições da estética do romantismo. Na virada dos séculos 19 e 20 Novas tendências surgiram na abordagem da música teatral. Diretores notáveis ​​​​da época (K. S. Stanislavsky, V. E. Meyerhold, G. Craig, O. Falkenberg, etc.) abandonaram a música do tipo concerto e exigiram cores sonoras especiais, instrumentação não convencional e a inclusão orgânica de episódios musicais no drama. O teatro do diretor desta época deu vida a um novo tipo de compositor teatral, levando em conta não só as especificidades do drama, mas também as características da produção em questão. No século 20 Interagem 2 tendências que aproximam a música do drama: a primeira delas é caracterizada pelo fortalecimento do papel da música nas performances dramáticas (as experiências de C. Orff, B. Brecht, numerosos autores de musicais), a segunda está associada a a teatralização de géneros musicais (cantatas de palco de Orff, “Le Noces” de Stravinsky, oratórios teatrais de A. Honegger, etc.). O desenho musical das performances de Brecht serve como um dos principais meios de criar o efeito de “alienação”, destinado a destruir a ilusão da realidade do que está acontecendo no palco. Segundo o plano de Brecht, a música deveria consistir em números de canções enfaticamente banais e de gênero leve - zongs, baladas, refrões, que tivessem um caráter inserido, cujo texto verbal expressasse de forma concentrada o pensamento do autor.

Música teatral russa tem uma história centenária. Nos tempos antigos, as cenas de diálogo representadas por bufões eram acompanhadas por “canções demoníacas”, tocando harpa, domras e apitos. No drama folclórico, que surgiu de apresentações de bufões ("Ataman", "Mavrukh", "Comédia sobre o Czar Maximiliano", etc.), soavam canções russas e música instrumental. O gênero de performance musical litúrgica ortodoxa desenvolvida na igreja - “Lavagem dos pés”, “Performance na caverna”, etc. Nos séculos XVII-XVIII. o assim chamado drama escolar(dramaturgos - S. Polotsky, F. Prokopovich, D. Rostovsky) com árias, coros em estilo religioso, cantos seculares, lamentos, números instrumentais. O Comedy Hall (fundado em 1672) contava com uma grande orquestra com violinos, violas, flautas, clarinetes, trompetes e órgão. A partir da época de Pedro, o Grande, difundiram-se as apresentações teatrais solenes (prólogos, cantatas) baseadas na alternância de cenas dramáticas, diálogos, monólogos com árias, coros e balés. Grandes compositores russos (O. A. Kozlovsky, V. A. Pashkevich) e compositores italianos estiveram envolvidos em seu projeto. Até o século XIX. na Rússia não houve divisão em trupes de ópera e teatro; em parte por esse motivo, gêneros mistos predominaram aqui por muito tempo (ópera-balé, vaudeville, comédia com coros, drama musical, drama com música, melodrama, etc.). Tragédias e dramas “músicados” desempenharam um papel significativo na história da música teatral russa, que em muitos aspectos preparou o caminho para a ópera clássica russa do século XIX.

Novo período inaugurado no teatro russo do século 19 M. I. Glinka música para o drama “Príncipe Kholmsky” de N.V. Kukolnik, escrito logo após “Ivan Susanin” (1840). Na abertura e nos intervalos, o conteúdo figurativo dos principais momentos do drama é geralmente revelado e os princípios sinfônicos da música teatral pós-Beethoven são desenvolvidos.

Música teatral russa 2ª parte. século 19 está amplamente relacionado com a dramaturgia de A. N. Ostrovsky. Especialista e colecionador de russo canção popular, Ostrovsky costumava usar a técnica de caracterização por meio da música. Suas peças apresentavam canções russas antigas, cantos épicos, parábolas, romance burguês, canções de fábricas e prisões, entre outras.

Na virada dos séculos 19 e 20 na música teatral houve um profundo reforma. K. S. Stanislávski foi um dos primeiros a propor, em nome da integridade da performance, limitar-nos apenas aos números musicais pré-determinados pelo dramaturgo, moveu a orquestra para trás do palco e exigiu que o compositor “se acostumasse” com o diretor. plano.

Se o Teatro de Arte de Moscou limitou o papel da música em prol da integridade da performance, então diretores como A. Ya. Tairov, K. A. Marjanishvili, P. P. Komissarzhevsky, V. E. Meyerhold, E. B. Vakhtangov defenderam a ideia do teatro sintético. Pontuação do diretor para a peça Meyerhold considerou-a como uma composição construída de acordo com as leis da música. Ele acreditava que a música deveria nascer da performance e ao mesmo tempo moldá-la; ele buscou uma fusão contrapontística de planos musicais e cênicos (envolveu D. D. Shostakovich, V. Ya. Shebalin e outros na obra).

Em várias produções modernas, há uma tendência notável para o musical, por exemplo, na apresentação do Teatro de Leningrado. Lensovet (diretor I.P. Vladimirov) “A Megera Domada” com música de G.I. Gladkov, onde os personagens interpretam canções pop (a função é semelhante aos zongs do teatro B. Brecht), ou “O Escolhido do Destino” encenado por S. Yu. (comp. S. Rosenzweig). Em termos do papel ativo da música na dramaturgia da peça, as produções individuais aproximam-se do tipo de teatro sintético de Meyerhold ("Pugachev" com música de Yu. M. Butsko e especialmente "O Mestre e Margarita" de M. A. Bulgakov com música por E. V. Denisov no Teatro Dramático de Moscou e comédias sobre Taganka, dirigidas por Yu.

Nos anos 70 século 20 Yu. M. Butsko, V. A. Gavrilin, G. I. Gladkov, S. A. Gubaidulina, E. V. Denisov, K. A. Karaev, A. P. Petrov, N. trabalharam muito no campo da música teatral, A. N. Sidelnikov, S. M. Slonimsky, M. L. Tariverdiev, A. G. Shnitke, R. K. Shchedrin, A. Ya.

Música teatral ucraniana no teatro dos anos 70-90 do século XIX.

Processo teatral ucraniano do final do século XIX - início do século XX. certifica a semelhança com as tendências modernistas da Europa.

A concepção musical das apresentações foi fornecida pelos compositores N. Lysenko e K. Stetsenko.

A música ucraniana era parte integrante do teatro cotidiano, realista e romântico, complementando sua ação psicológica e delineando mais claramente os personagens humanos. Os encantos únicos das canções folclóricas ucranianas significavam muito aqui.

Um dos famosos compositores do século XIX Arte. havia S. Gulak-Artemovsky, cantor de ópera e dramaturgo que estudou no Seminário Teológico de Kiev. Em 1839, M. Glinka, O. Dargomyzhsky e M. Volkonsky organizaram um concerto e usaram os fundos arrecadados para enviar o talentoso jovem para a Itália. A estreia de S. Gulak-Artemovsky aconteceu no palco da Ópera de Florença.

Na segunda metade do século XIX. Entre os compositores profissionais ucranianos, destaca-se a obra de P. Nishchinsky e P. Sokalsky. P. Nishchinsky formou-se na Universidade de Atenas, onde recebeu o título de Mestre em Ciências. Em Odessa organizou e dirigiu coros. O auge de seu trabalho é considerado o filme musical “Vechernitsy”, escrito para a peça “Nazar Stodolya” de T. Shevchenko. EM final do século XIX século, o compositor Pyotr Sokalsky (1832-1896) escreveu as óperas “Mazepa” e “Noite de Maio” (baseadas nas histórias de N. Gogol).

Um dos primeiros compositores profissionais da Galiza foi Mikhail Verbitsky (1815-1870). Em 1863, ele escreveu uma música baseada nas palavras de P. Chubinsky “A Ucrânia ainda não está morta”, que se tornou o hino nacional da Ucrânia.

Deu uma contribuição especial para o desenvolvimento da cultura musical nacional Nikolai Lysenko (1842-1912) – excelente compositor, pianista, regente de coral, folclorista, teórico musical e professor, fundador de escola profissionalizante.

Literatura:

Tairov A., Notas de um diretor, M., 1921;

Dasmanov V., Design musical e sonoro da peça, M., 1929;

Sats N.I., Música em teatro para crianças, em seu livro: Nosso caminho. Teatro Infantil de Moscou, M., 1932;

Begak E., Design musical da performance, M., 1952;

Glumov A., Música no Teatro Dramático Russo, M., 1955;

Tipos e gêneros.

Gênero musical vem do francês "gênero", que significa tipo, espécie, tipo, espécie, maneira, gênero.

Classificação dos gêneros musicais: os gêneros musicais são geralmente divididos em três grandes grupos - gêneros de música vocal(cantando com ou sem acompanhamento instrumental), gêneros música instrumental e gêneros música vocal e instrumental.

Os gêneros vocais estão associados à palavra (romance, canção), enquanto o conteúdo ideológico e estético de uma obra instrumental (sonata, sinfonia) se expressa apenas em sons musicais. O grupo intermediário são os gêneros de música vocal-instrumental (cantata, oratório), que combina as capacidades da música vocal e instrumental.

O conceito de gênero musical é utilizado em vários aspectos:

amplo - gênero sinfônico, de câmara, ópera, etc.;

estreito - grande ópera, ópera cômica, ópera lírica, drama musical, etc.; sinfonia, sinfonia de câmara, suíte; abertura; poema sinfônico, sonata, quarteto, etc.; ária, arioso, cavatina, romance, canção, etc.

Um gênero musical tem certas funções:

Semântico, determinando o conteúdo da própria obra de arte.

Comunicativo - funções que estão associadas à comunicação artística e à sua organização.

Tectônicos (formadores de estrutura) que determinam a construção da obra.

Existem várias maneiras de classificar gêneros musicais. Uma das classificações comuns é a diferenciação dos gêneros de acordo com as condições de sua construção e execução. De acordo com esta classificação, os gêneros são divididos em:

Música folclórica (folclore musical)

Música de entretenimento (incluindo música pop contemporânea)

Música de Câmara (executada por conjuntos de câmara)

Música sinfônica (executada por grandes orquestras)

Música coral (executada por coros)

Música teatral (incluindo ópera, música para peças de teatro, filmes, etc.)

A música instrumental clássica divide-se em música sinfônica e música de câmara. Música sinfônica é a música destinada a ser executada por uma orquestra sinfônica. Os principais gêneros da música sinfônica: sinfonia, abertura, concerto, suíte, bem como poema sinfônico, fantasia sinfônica, divertissement, etc.

A música instrumental de câmara destina-se a pequenos intérpretes. Antigamente, esse era o nome dado à música tocada em casa. A música instrumental de câmara inclui sonata, trio, quarteto, bem como um grande número de“pequenos gêneros de câmara” - pequenas peças instrumentais, incluindo noturno, prelúdio, cantilena, barcarola, capricho, allegro, andante, etc.

música folclórica

Música étnica

musica russa

Música folclórica contemporânea

Música espiritual

Música sacra cristã

Música católica

Música ortodoxa

Música protestante

Música clássica europeia

Música da Idade Média

Canto gregoriano (gregoriano)

• Polifonia inicial

  Escola Notre Dame, França Notre Dame de Paris

  Romantismo

  Expressionismo

  Futurismo

Jazz

Jazz de Nova Orleans

Dixielândia

Balanço ocidental

Música popular contemporânea

Música pop

• Show de menestrel

  Salão de música

• Música pop

Música eletrônica

Breakbeat

• Novas férias escolares

Musica rock

Rock'n'roll

• rockabilly

  psicobilly

  Neorocabilly

Características, classificação e funções da música teatral

A música teatral tem a obrigação de ser lacônica, concreta e igual à simplicidade da forma.

A música para a apresentação pode ser especialmente escrita ou selecionada a partir de obras previamente escritas.

É necessário notar outra característica essencial da música teatral: ela flui não apenas para os olhos do espectador, mas também para o estado criativo do ator. A música me ajuda a concentrar, assumir o papel e infundir criatividade em minha vida.

“Sound design” para a performance – musical, noise e sound design. Antes do design musical, a inclusão na execução de obras vocais, danças, canções instrumentais, fragmentos de obras sinfônicas, coros - enfim, músicas de todos os gêneros e formas. Antes do design de ruído - a inclusão na performance cênica de ruídos teatrais, como. bem como tal som ів, como gritos tvarin, dzvin, etc. Uma ideia secreta, um plano para tal design é chamado de coroa sonora da performance.

Os atores nos teatros abraçaram a orquestra, e agora o ator dramático está cada vez mais tocando com uma faixa de apoio musical. O desenho do ruído foi totalmente eliminado e tornou-se possível utilizar equipamentos volumosos e nem sempre sofisticados para a remoção do ruído do palco. Tudo isso realmente ampliou a criatividade do diretor no desenho artístico dos teatros, que estão sempre em busca de novas expressões e técnicas. - ativo, animado, dinâmico Aqueles que realmente desejam captar a luz emocional das pessoas comuns.

Cada peça tem seus próprios designs específicos de gênero que exigem uma solução musical musical. Ações e performances não requerem música. E ao mesmo tempo, encenada em vários teatros, a música adquire peculiaridades próprias, principalmente nesta produção. Portanto, a música das apresentações dramáticas está sujeita a grandes dificuldades de categorizações e classificações.

A música em uma performance dramática é dividida em vários tipos típicos:

Abertura;

Intervalo musical (introdução antes da cena ou cena);

Final musical de um ato ou performance;

Números musicais durante a apresentação no palco.

A abertura soa no início da performance quando a cortina é fechada e indica o primeiro contato com o espectador.

As peças musicais que foram ouvidas pela primeira vez na abertura podem ser continuadas e desenvolvidas no decorrer da apresentação (leitmotiv). Antes do intervalo musical, há uma pausa quando é necessário reorganizar o cenário ou pausar a troca de pinturas.

Como a abertura e os intervalos musicais introduzem o público na apresentação do dia seguinte, eles são chamados de “finais”, e os finais musicais podem, por exemplo, completar o espetáculo, conduzindo à música já estabelecida na apresentação.

O papel mais rico da música é que ela é incluída diretamente no decorrer da ação cênica. Com base no método de produção musical, a música no mundo é dividida em duas categorias principais.

A música que aparece do lado de fora é o lado visível da ação. Essa música é chamada de música de palco, bem como de música real, autêntica, motivada, “música no decorrer da história”, “da perspectiva do autor”, etc. tal “enredo” musical.

A música que é introduzida na performance pelo diretor é trazida para outra categoria, menos baseada no enredo, e se eleva acima dela na medida em que soa não no meio da ação, mas depois dela.

É difícil não estar fisicamente no palco e não ser respeitado aqui. Somente o espião percebe isso, e os indivíduos vivos “não suspeitam” dela. E essa música está intimamente ligada à ação e ao seu elemento ativo. Essa música é como a vida interior e espiritual dos heróis. Essa música é chamada de psicológica, espiritual, emocional, lustrosa, de fundo, etc. uma peça? apresenta um diretor e às vezes chama isso de “música de um diretor”.

Funções da música de história. A música do enredo de uma performance, quando guardada na mente das mentes, pode ter funções altamente significativas:

Caracterizar os personagens ativos;

Indicar o local e hora do dia;

Crie a atmosfera e o clima da apresentação no palco;

Conte-nos sobre a atividade invisível para os observadores.

A música do enredo também desempenha um papel importante na caracterização do local e da hora do dia. Neste caso, a música torna-se um atributo de qualquer espécie, um atributo da vida quotidiana ou de cenários históricos, e permite criar um colorido único desta ou de outra época, caracterizando um grupo de pessoas.

Funções da música mental. Introduzir música mental na performance é muito mais importante do que o enredo. Sua inteligência pode se tornar sobrenatural com a realidade da vida que se mostra no palco. Portanto, a música mental sempre evoca uma poderosa realização interior. Ao mesmo tempo, o leque de possibilidades dessa música é ainda mais amplo e pode ser alcançado por meio de habilidades orquestrais e vocais altamente complexas. Na maioria das vezes, a música mental é usada para criar uma atmosfera de ação e um fundo emocional.

Nos episódios com texto, a música intelectual pode se manifestar de forma mais ativa e “direta”, como se criasse apenas um fundo emocional sombrio. Sempre que ocorre uma cena fraca e é motivada por diálogo, as réplicas transmitem apenas parte do que os personagens estão pensando. A música expõe a profundidade da sua experiência e aumenta a sua atividade interior. A música mental pode revelar o monólogo interno do herói. O dramático monólogo interno começa a soar após qualquer situação, quando o herói, tendo-se perdido, avalia-as, mede-as e muitas vezes experimenta um abalo emocional. Isto permite que a música “emerja” aqui por completo, ajuda-nos a compreender aquilo que é importante, e por vezes sem tato, colocar em palavras. Nesses episódios há uma interação com a mise-en-scène correspondente.

A música mental, assim como o enredo, podem caracterizar personagens ativos. A música intelectual permite não só destacar as características dos heróis, mas também descobrir diferentes soluções em cenas de comédia, e atua a partir da crítica satírica e da paródia. A música intelectual, em vários casos, pode tornar-se um participante indireto e direto da história, uma parte importante do desenvolvimento da trama: também pode ajudar ou, por exemplo, distorcer o desenvolvimento da história.

Decoração musical para o feriado.

Qualquer evento festivo não pode prescindir de um arranjo musical profissional, que é o componente mais importante de um evento de massa. Danças, brincadeiras e brindes engraçados não ficam completos sem uma boa música ou gravação. É muito importante selecionar corretamente as composições que visam levantar o ânimo dos convidados e “heróis da ocasião”. Para cada etapa de um casamento ou aniversário, deve-se selecionar uma música adequada que possa animar os participantes ou deixá-los de bom humor.

Se você planeja organizar música ao vivo, contrate músicos profissionais e familiarize-se com seu estilo sonoro. Durante o processo seletivo, o ideal seria assistir você mesmo à apresentação. Porém, no processo de organização de um evento, muitas vezes não há tempo para essas ninharias. Portanto, você deve pelo menos ler as avaliações do candidato selecionado.

Observe que um verdadeiro profissional é capaz não apenas de reproduzir composição musical– criam uma atmosfera única e podem complementar o fluxo do roteiro com uma piada apropriada, enfatizando a base temática. Eles colocam os acentos musicais corretamente. O custo dos seus serviços pode ser elevado, mas o dinheiro não pode comprar uma experiência positiva do evento. Qualidade em nível superior- Esse Condição necessaria para um casamento ou banquete moderno.

No entanto, o que estilo musical vale a pena escolher? Serão sucessos musicais comuns dos quais todos já estão um pouco cansados? Ou será um rock que os convidados podem não gostar? Sugerimos prestar atenção à música clássica - pode ser adequada em qualquer situação e criará uma atmosfera única de diversão ou tranquilidade.

Os benefícios da música clássica ao vivo em uma festa

Se você já ouviu o som de música clássica ao vivo, dificilmente conseguirá esquecer aquela sensação indescritível de harmonia e paz. Os cientistas realizaram um estudo sobre os efeitos positivos da música clássica no corpo humano. Hoje, a maioria dos eventos acontece com a participação Orquestra Sinfónica ou conjunto.

Muitos organizadores de férias nem tentam surpreender seus clientes com um som original. A vida comum pode arruinar até o acontecimento mais feliz. No entanto, a música clássica, antiga ou jazz pode criar uma atmosfera única e única. Uma orquestra profissional é adequada tanto para casamentos como para aniversários. Vamos ficar atentos às principais vantagens desse tipo de arranjo musical:

• Versatilidade - essa música é adequada para qualquer tipo de evento, e agradará convidados de qualquer faixa etária;
• Exclusividade – embora a maioria dos organizadores utilize sistemas estéreo, você obterá um som vivo e harmonioso;
• Originalidade – apesar de música clássica permanece relevante há vários séculos, você certamente surpreenderá seus convidados com uma orquestra pessoal.

Todos também conhecem os efeitos benéficos dessa música no corpo humano. Após o evento, os convidados não se cansarão, pelo contrário, sairão do salão de banquetes inspirados e repletos de harmonia. Portanto, recomendamos fortemente que você considere fazer o seu próprio Orquestra Sinfónica . Deixe os sons instrumentos de corda encherá os ouvidos e os corações de cada participante evento festivo. Esse feriado certamente será lembrado por muito tempo tanto pelos organizadores quanto pelos convidados do evento. Como já referimos, a música clássica estará sempre na moda pela sua singularidade, originalidade e harmonia.

Decorar uma sala de música para as férias.

Este trabalho é destinado a professores de pré-escola e diretores musicais.

Na hora de decorar um music hall para as férias procuro transmitir o clima festivo do evento, para tornar o salão inesquecível, sempre diferente e atrativo para crianças e adultos. EM Ultimamente Eu uso tecido no meu trabalho. Este é um material durável, cujo design pode ser usado em diversas variações, alterando a forma e o conteúdo do design misturando elementos de design prontos.

Outono- uma época maravilhosa e brilhante do ano. Por isso, para decorar o music hall, foi utilizado não apenas um véu arejado de diversas cores, mas também fitas, frutas, galhos e folhas artificiais e embalagens multicoloridas para flores feitas de fibra de coco.

As árvores são uma moldura de arame denso, sobre a qual se monta de forma caótica um véu multicolorido.

O outono pode ser diferente e por isso neste ano letivo as árvores em floresta de outono Costurei diretamente em um véu fino e pendurei as telas não só na parede central, mas também em uma cortina adicional destinada a cortina, criando assim uma sensação de perspectiva.

O próximo feriado, que adultos e crianças anseiam, Ano Novo . Em 2010 ele era assim.

Multicamadas às vezes ajuda muito. 1ª camada - véu branco, 2ª camada - organza azul, 3ª camada - quadrados espelhados azuis amarrados em uma linha de pesca. Sobre uma camada branca há flocos de neve azuis e, claro, uma linda árvore de Natal.

Um ano depois, o conceito do salão mudou completamente, a árvore ficou menos colorida e a mantivemos, como todo o salão, em um esquema de cores azul prateado. Se você notou, a parede central é decorada com a mesma organza e véu, só que desta vez é drapeada de forma diferente, e fios prateados foram adicionados aos fios azuis dos espelhos. E claro, o baú, forrado de brocado. As fechaduras, assim como as chaves das mesmas, são feitas sob encomenda em uma oficina em plástico grosso e cobertas com filme prateado.

Para o Ano Novo deste ano letivo, passei quase 2 meses fazendo decorações. Tivemos que envolver nossos professores na criação do cenário. pré escola, porque Deu muito trabalho costurar o forro no tecido base, mas acho que valeu a pena!

23 de fevereiro- este é um feriado que pessoalmente me causa dificuldades na decoração do salão. Foi assim no ano passado.

A estrela e o galho são feitos encaixando-se uma moldura recortada em papelão grosso. O material é cetim crepe.

A primavera é uma época do ano muito delicada. Foi assim que fiz o design para Dia da Mulher.

As flores são feitas do mesmo cetim crepe e costuradas na moldura em oito. Um ano depois, o oito foi desmontado e as flores foram simplesmente “espalhadas pelo campo” a partir de um suave véu verde. No canto há uma tela invertida coberta com papel de parede, que se transforma em uma sala.

Este ano foi frutífero em termos de ideias e bastante trabalhoso para a sua implementação. Tive que trazer novamente a equipe para me ajudar a costurar 1.500 flores e transformar todo esse esplendor em um arco-íris. As flores foram costuradas com meu cetim manchado favorito durante 1,5 meses.

9 de maio- esta é uma data especial. Todos os anos, de 20 a 30 veteranos vêm visitar nosso jardim de infância, para os quais nos preparamos concerto festivo, arrumamos as mesas. Você sempre deseja criar uma atmosfera festiva. Este projeto foi montado a partir de peças. O galho já foi utilizado no feriado do dia 23 de fevereiro, e a chama eterna é feita por analogia com a estrela vermelha, mas em tamanhos maiores. Isso é o que aconteceu.

Graduação do ensino médio- Esse ultimo feriado V Jardim da infância. Portanto, deve ser inesquecível. Não tivemos nenhuma graduação. Passamos uma delas no reino subaquático em busca de uma pérola de conhecimento.

Peixes e algas são feitos de diversos tecidos e bordados com lantejoulas. A formatura do ano passado aconteceu no formato de programa de TV Saturday Night, de modo que o destaque do salão não estava na parede central, mas nas mesas postas onde se sentavam os formandos e seus pais. Embora você concorde que cortinas multicamadas e Balões crie um clima festivo.