O artista Ivan Aivazovsky (Hovhannes Ayvazyan) é um dos maiores pintores marinhos de todos os tempos, um poeta do elemento água, que deixou uma marca significativa na história da pintura russa. “O mar é a minha vida”, expressou-se, com os nomes dos espaços marítimos cativando o espectador pelo seu realismo. O artista é chamado de gênio inimitável paisagens marinhas, autor de cerca de 6.000 pinturas, muitas das quais foram para instituições de caridade.
A vida de um inimitável pintor marinho
O artista nasceu em 17 de julho de 1817 na cidade de Feodosia, na família de um empresário armênio, que logo faliu. A beleza urbana das margens suavemente inclinadas predeterminou todo o seu futuro. A infância do menino foi passada na pobreza, mas ainda jovem Ivan mostrou habilidades em música e desenho. Inicialmente, o futuro artista estudou numa instituição paroquial arménia, depois no ginásio de Simferopol.
Em 1833, Aivazovsky tornou-se estudante, onde mais tarde estudou na aula de paisagem de M. N. Vorobyov. Um papel predeterminado para o artista foi a visita a F. Tanner, que tinha habilidades especiais na representação de água. O artista percebeu o talento do jovem e o acolheu, onde compartilhou suas técnicas e habilidades.
O ano de 1837 tornou-se decisivo na época. Nessa época, o nome do inimitável pintor marinho - Aivazovsky - começou a ser ouvido com frequência. As pinturas intituladas “Noite de Luar em Gurzuf” (1839) e “Costa do Mar” (1840) foram reconhecidas por professores de academias, pelas quais o artista recebeu uma medalha.
A partir de 1840, visitou vários países onde trabalhou ativamente, o que o tornou popular. Após o retorno de Aivazovsky, ele foi transferido para o quartel-general naval e também recebeu o título de acadêmico da Academia de Artes. Mais tarde, visitou ativamente países europeus, onde contemplou a vastidão do mundo e adquiriu novas impressões.
Em 1847, o artista foi aceito como membro honorário da Academia de Artes de São Petersburgo. Ao longo de sua vida, Aivazovsky abriu uma escola de arte, uma galeria de arte e realizou mais de 120 exposições.
A habilidade e criatividade do gênio do elemento mar
O trabalho de Aivazovsky expressa muito claramente a majestade e a emotividade das batalhas navais. Talvez isso se deva aos fenomenais poderes de observação do artista, porque ele nunca pintou um quadro da vida, mas apenas fez anotações e anotações. “Os movimentos dos jatos vivos são evasivos para o mato”, disse Aivazovsky. Pinturas com os títulos “Batalha de Chesme” e “A Nona Onda”, permeadas por um ciclo de ação, enfatizam a capacidade do artista de observar e posteriormente reproduzir acontecimentos.
Velocidade incrível de conclusão do trabalho
A extraordinária habilidade do artista pode ser percebida não apenas em seu poder de observação, mas também em sua velocidade de execução. Somente Ivan Aivazovsky poderia realizar um trabalho considerável em tão pouco tempo. O artista criou as pinturas com os títulos “Paisagem do Mar Negro” e “Tempestade” em apenas 2 horas, utilizando uma técnica única. Particularmente impressionantes são as batalhas navais retratadas na tela, cujo enredo é percebido de uma só vez. O drama se transforma em uma expressão do calor espiritual da luz, que enfatiza a singularidade do estilo. Olhando para as criações do mestre, você sente literalmente a rapidez e o redemoinho das ondas. A transmissão do humor prossegue com uma ligeira dualidade de silêncio e raiva. O sucesso significativo do mestre também reside em transmitir o realismo do que está acontecendo, pois só um gênio pode retratar dessa forma a composição emocional do elemento mar.
As criações mais populares do artista
Durante as reformas dos anos sessenta e setenta, as artes floresceram. Desta vez é considerado o apogeu exatamente quando Aivazovsky estava criando. As pinturas intituladas “Tempestade à Noite” (1864) e “Tempestade no Mar do Norte” (1865) são consideradas as mais poéticas. Consideremos dois Aivazovskys. Fotos com nomes são apresentadas abaixo.
"A Nona Onda" (1850)
O artista dedicou 11 dias a esta pintura. Nicolau I comprou originalmente a obra para l'Hermitage. Em 1897, a tela foi transferida para o Museu Estatal Russo. A obra “Nuvens sobre o mar, calma” também está no Museu Estatal Russo em São Petersburgo.
“Nuvens sobre o mar, calmas” (1889)
Olhando para a superfície do mar, a majestade das nuvens e do espaço aéreo, podemos ver quão multifacetado é o espectro de luz. A luz em suas obras nada mais é do que um símbolo de vida, esperança e eternidade. Vemos o quão únicas são as criações do mestre. Este artista continua sendo o mais famoso e querido entre os telespectadores até hoje.
Ivan Aivazovsky nasceu na família de um empresário falido, então passou sua infância na pobreza, mas o talento do menino foi notado e ele foi ajudado. Ele adotou algumas coisas de um arquiteto local, depois estudou no ginásio de Simferopol, onde seu sucesso no desenho impressionou pessoas influentes que contribuíram para sua admissão na Academia de Artes.
Ivan Konstantinovich não determinou imediatamente seus próprios interesses. A sua visita a São Petersburgo desempenhou um papel decisivo no seu trabalho. Artista francês F. Tanner, que dominou as técnicas de representação da água. Em 1836, Tanner aceitou o jovem como seu assistente e ensinou-lhe as técnicas que conhecia. Já no outono do mesmo ano, Ivan Aivazovsky apresentou cinco paisagens marinhas para uma exposição acadêmica. Essas pinturas foram muito bem avaliadas e resenhas apareceram nos jornais. E em 1837, por duas novas obras, ele recebeu uma grande medalha de ouro e recebeu o título de artista, essas pinturas foram “O Grande Ataque em Kronstadt”, “Calma no Golfo da Finlândia”. Na primavera de 1838, Ivan Konstantinovich retornou a Feodosia, onde montou para si uma oficina, na qual começou a trabalhar, ganhando experiência na escrita com a vida.
De 1840 a 1844 Aivazovsky permaneceu na Itália como estrangeiro aposentado da Academia de Artes e também visitou a Alemanha, França, Espanha e Holanda. Durante estes quatro anos, o artista trabalhou frutuosamente e expôs as suas obras, que fizeram grande sucesso em todo o lado. Após retornar de suas viagens, Aivazovsky recebeu o título de acadêmico da Academia de Artes, e também foi designado para o Estado-Maior Naval. Tudo isso permitiu que Ivan Aivazovsky no ano seguinte acompanhasse a expedição do famoso navegador e geógrafo russo F. P. Litke à Turquia, Grécia, Ásia Menor e ganhasse novas impressões, que posteriormente utilizou em suas pinturas. Aivazovsky também visitou repetidamente o Cáucaso, o Egito, Nice, Florença e até a América.
Em 1846, Aivazovsky construiu para si uma nova e espaçosa oficina em Feodosia, onde trabalhou principalmente. Agora trabalhava mais, contando com sua rara memória visual e técnicas que havia aprendido há muito tempo e que desde então as aperfeiçoou, levando-as ao automatismo. O artista conseguiu pintar um grande quadro em algumas horas, o que fez mais de uma vez, mostrando sua habilidade e talento para espectadores maravilhados.
O legado de Aivazovsky foi toda uma enciclopédia visual do mar, que ele capturou em vários estados. Ele deixou 6.000 pinturas, de valor desigual. Entre eles estão modelos, de qualidade média, e excelentes, como os conhecidos “A Nona Onda” (1850) ou “O Mar Negro” (1881). Além disso, Aivazovsky escreveu muitas pinturas históricas de batalha que falam sobre as batalhas vitoriosas da frota russa. O mar é o que ele pintou com habilidade e amor. Tentando pintar paisagens simples, Aivazovsky obteve resultados mais modestos retratando uma pessoa, ficou desamparado.
Ivan Konstantinovich Aivazovsky (Hovhannes Ayvazyan) nasceu em Feodosia em 29 de julho de 1817. Seu pai, Konstantin Grigorievich Aivazovsky, armênio de nacionalidade, casou-se com um colega armênio chamado Hripsime. Ivan (ou Hovhannes - este foi o nome que lhe foi dado ao nascer) tinha três irmãs e um irmão Gabriel (ao nascer - Sargis), que mais tarde se tornou historiador e sacerdote armênio. Konstantin Aivazovsky era um comerciante, inicialmente bastante bem-sucedido, mas em 1812 faliu devido à epidemia de peste.Mesmo quando criança, Ivan Aivazovsky demonstrou extraordinária arte e habilidades musicais- por exemplo, ele dominou o violino sem ajuda externa. Yakov Khristianovich Kokh, um arquiteto de Feodosia, foi o primeiro a notar os talentos artísticos do jovem Ivan e ensinou-lhe lições iniciais de artesanato. Ele forneceu a Aivazovsky lápis, papel, tintas e também atraiu a atenção de A.I. Kaznacheev, o prefeito de Feodosia, para os talentos do menino.
Aivazovsky formou-se na escola distrital de Feodosia e depois foi admitido no ginásio de Simferopol com a ajuda do prefeito, que naquela época já havia se tornado um admirador do talento do jovem. Em seguida, foi matriculado na Academia de Artes de São Petersburgo (educação ministrada às custas do Estado), graças à recomendação do pintor alemão Johann Ludwig Gross, primeiro professor de desenho do jovem Aivazovsky. Ivan Aivazovsky, de dezesseis anos, chegou a São Petersburgo em 1833.
Em 1835, as paisagens de Aivazovsky “Vista do litoral nas proximidades de São Petersburgo” e “Estudo do ar sobre o mar” foram premiadas com uma medalha de prata, e o artista foi nomeado assistente do elegante pintor paisagista francês Philippe Tanner. Este último proibiu Aivazovsky de escrever por conta própria, mas jovem artista continuou a pintar paisagens e, no outono de 1836, cinco de suas pinturas foram apresentadas em uma exposição na Academia de Artes, todas recebendo críticas favoráveis da crítica.
Mas Philip Tanner apresentou uma queixa contra Aivazovsky ao czar e, por instrução de Nicolau I, todas as obras do artista foram retiradas da exposição. Aivazovsky foi perdoado seis meses depois. Foi transferido para a aula de pintura naval militar sob a orientação do professor Alexander Ivanovich Sauerweid. Após vários meses de estudos com Sauerweid, Aivazovsky obteve um sucesso sem precedentes - no outono de 1837 foi premiado com a Grande Medalha de Ouro pela pintura “Calma”, ganhando assim o direito de viajar para a Crimeia e a Europa.
O período de criatividade de 1838 a 1844.
Na primavera de 1838, o artista foi para a Crimeia, onde viveu até o verão de 1839. O tópico principal Seu trabalho incluiu não apenas paisagens marítimas, mas também cenas de batalha. Por sugestão do general Raevsky, Aivazovsky participou de operações militares na costa circassiana, no vale do rio Shakhe. Lá ele fez esboços para a futura pintura “Desembarque de Destacamento no Vale Subashi”, que ele pintou mais tarde; então esta pintura foi adquirida por Nicolau I. No outono de 1839, o pintor retornou a São Petersburgo e, em 23 de setembro, recebeu um certificado de graduação da Academia de Artes, primeiro grau e nobreza pessoal.Durante este período, Aivazovsky tornou-se membro do círculo do artista Karl Bryullov e do compositor Mikhail Glinka. No verão de 1840, o artista e seu amigo da Academia, Vasily Sternberg, foram para a Itália. O destino final da viagem foi Roma; no caminho pararam em Florença e Veneza. Em Veneza, Aivazovsky conheceu N.V. Gogol e também visitou a ilha de St. Lázaro, onde conheceu seu irmão Gabriel. Radicado no sul da Itália, em Sorrento, trabalhou de uma maneira única - passando pouco tempo ao ar livre, e na oficina recriou a paisagem, improvisando e dando asas à imaginação. A pintura “Caos” foi adquirida pelo Papa Gregório XVI, que concedeu ao pintor uma medalha de ouro por esta obra. O período “italiano” da obra do artista é considerado de muito sucesso tanto do ponto de vista comercial como do ponto de vista crítico - por exemplo, as obras de Ivan Konstantinovich mereceram grandes elogios do pintor inglês William Turner. A Academia de Artes de Paris premiou as pinturas de Aivazovsky com uma medalha de ouro.
Em 1842, Aivazovsky visitou a Suíça e a Alemanha, depois foi para a Holanda, de lá para a Inglaterra, e posteriormente visitou Paris, Portugal e Espanha. Houve alguns incidentes - no Golfo da Biscaia o navio em que Ivan Konstantinovich navegava foi apanhado por uma tempestade e quase afundou, e informações sobre a morte do artista apareceram na imprensa parisiense. No outono de 1844, Aivazovsky retornou à sua terra natal após uma viagem de quatro anos.
Carreira posterior, período de 1844 a 1895.
Em 1844, Ivan Konstantinovich foi agraciado com o título de pintor do Estado-Maior Naval, em 1847 - professor da Academia de Artes de São Petersburgo. Foi membro honorário de cinco Academias de Artes em cidades europeias - Paris, Roma, Florença, Stuttgart, Amsterdã.A base da criatividade Aivazovsky era um tema marítimo, ele criou uma série de retratos de cidades na costa da Crimeia. Entre os pintores marinhos, Aivazovsky não tem igual - ele capturou o mar como um elemento tempestuoso com ondas espumantes ameaçadoras e, ao mesmo tempo, pintou inúmeras paisagens beleza incrível, representando o nascer e o pôr do sol no mar. Embora entre as pinturas de Aivazovsky também existam tipos de sushi (principalmente paisagens montanhosas), bem como retratos - o mar é sem dúvida o seu elemento nativo.
Ele foi um dos fundadores da escola ciméria pintura de paisagem transmitindo beleza na tela Costa do Mar Negro leste da Crimeia.
Sua carreira pode ser considerada brilhante - ele ocupou o posto de contra-almirante e recebeu muitas encomendas. Quantidade total As obras de Aivazovsky ultrapassam 6.000.
Aivazovsky não gostava da vida metropolitana; sentiu-se irresistivelmente atraído pelo mar e em 1845 voltou para lá. cidade natal- Feodosia, onde viveu até o fim da vida. Ele recebeu o título de primeiro cidadão honorário de Feodosia.
Ele não foi apenas um artista notável, mas também um filantropo - com o dinheiro que ganhou fundou uma escola de arte e uma galeria de arte. Aivazovsky se esforçou muito para melhorar Feodosia: iniciou a construção ferrovia, que conectou Feodosia e Dzhankoy em 1892; graças a ele surgiu o abastecimento de água na cidade. Também se interessou por arqueologia, esteve envolvido na proteção de monumentos da Crimeia e participou em escavações arqueológicas (alguns dos itens encontrados foram transferidos para l'Hermitage). Às suas próprias custas, Aivazovsky ergueu um novo edifício para o Museu Histórico e Arqueológico de Feodosia.
À Sociedade Palestina, chefiada por I.I. Tchaikovsky, irmão. compositor famoso, Ivan Konstantinovich doou sua obra “Caminhando sobre as Águas”.
Conclusão da carreira e últimos dias do pintor
Aivazovsky morreu em 2 de maio de 1900 em Feodosia, tendo atingido a velhice (viveu até os 82 anos).Até seu último dia, Aivazovsky escreveu - uma de suas últimas telas se chama “A Baía do Mar”, e a pintura “A Explosão de um Navio Turco” permaneceu inacabada devido à morte repentina do artista. A pintura inacabada permaneceu no cavalete do ateliê do pintor.
Ivan Konstantinovich enterrado em Feodosia, na cerca de um templo armênio medieval. Três anos depois, a viúva do pintor instalou em seu túmulo uma lápide de mármore - um sarcófago feito de mármore branco pelo escultor italiano L. Biogioli.
Em 1930, um monumento a Aivazovsky foi erguido em Feodosia em frente à galeria de arte de mesmo nome. O pintor é representado sentado num pedestal e olhando para o mar, nas mãos - uma paleta e um pincel.
Família
Aivazovsky foi casado duas vezes. Ele se casou pela primeira vez em 1848 com uma inglesa Julia Grevs, filha de um médico de São Petersburgo. Neste casamento, que durou 12 anos, nasceram quatro filhas. No começo vida familiar era próspero, então apareceu uma rachadura no relacionamento entre os cônjuges - Yulia Yakovlevna queria morar na capital e Ivan Konstantinovich preferia sua terra natal, Feodosia. O divórcio final ocorreu em 1877, e em 1882 Aivazovsky casou-se novamente - Anna Nikitichna Sarkisova, uma jovem viúva de comerciante, tornou-se sua esposa. Apesar de seu marido ser quase 40 anos mais velho que Anna Sarkisova, o segundo casamento de Aivazovsky foi bem-sucedido.
Um fato interessante é que muitos dos netos do grande pintor seguiram seus passos e se tornaram artistas.
O mar e Aivazovsky são sinônimos há um século e meio. Dizemos “Aivazovsky” - imaginamos o mar, e quando vemos um pôr do sol ou uma tempestade no mar, um veleiro ou ondas espumosas, calmaria ou brisa do mar, dizemos: “Puro Aivazovsky!”
É difícil não reconhecer Aivazovsky. Mas hoje “Arthive” irá mostrar-lhe um Aivazovsky raro e pouco conhecido. Aivazovsky inesperado e incomum. Aivazovsky, que você pode nem reconhecer imediatamente. Resumindo, Aivazovsky sem mar.
Paisagem de inverno. Ivan Konstantinovich Aivazovsky, década de 1880
Estes são autorretratos gráficos de Aivazovsky. Talvez ele esteja irreconhecível aqui. E ele se parece mais não com suas próprias imagens pitorescas (veja abaixo), mas com seu bom amigo, com quem viajou pela Itália em sua juventude - Nikolai Vasilyevich Gogol. Autorretrato à esquerda - como Gogol, compondo “ Almas mortas"em uma mesa cheia de correntes de ar.
Ainda mais interessante é o autorretrato à direita. Por que não com paleta e pincéis, mas com violino? Porque o violino foi amigo fiel de Aivazovsky durante muitos anos. Ninguém se lembrava de quem o deu a Hovhannes, de 10 anos, um menino de uma família grande e pobre de imigrantes armênios em Feodosia. É claro que os pais não tinham dinheiro para contratar um professor. Mas isso não era necessário. Hovhannes foi ensinado a tocar por músicos viajantes no bazar Feodosia. Sua audição acabou sendo excelente. Aivazovsky conseguia captar qualquer melodia, qualquer melodia de ouvido.
O aspirante a artista trouxe seu violino para São Petersburgo e tocou “para a alma”. Muitas vezes, em uma festa, quando Hovhannes fazia amizades úteis e começava a frequentar a sociedade, era convidado a tocar violino. Possuindo um caráter descontraído, Aivazovsky nunca recusou. Na biografia do compositor Mikhail Glinka, escrita por Vsevolod Uspensky, há o seguinte fragmento: “Uma vez no Titereiro, Glinka conheceu um aluno da Academia de Artes, Aivazovsky. Ele cantou com maestria uma canção selvagem da Crimeia, sentado no chão ao estilo tártaro, balançando e segurando o violino contra o queixo. Glinka gostou muito das músicas tártaras de Aivazovsky; sua imaginação foi atraída para o leste desde a juventude... Duas músicas eventualmente se tornaram parte da Lezginka, e a terceira - na cena de Ratmir no terceiro ato da ópera “Ruslan e Lyudmila”.
Aivazovsky levará seu violino consigo para todos os lugares. Nos navios da esquadra do Báltico, sua execução divertia os marinheiros; o violino cantava para eles sobre os mares quentes e vida melhor. Em São Petersburgo, vendo pela primeira vez sua futura esposa Julia Grevs em uma recepção social (ela era apenas a governanta dos filhos do mestre), Aivazovsky não se atreveu a se apresentar - em vez disso, ele pegaria novamente o violino e o cinto uma serenata em italiano.
Uma pergunta interessante: por que na foto Aivazovsky não apoia o violino no queixo, mas o segura como um violoncelo? A biógrafa Yulia Andreeva explica essa característica da seguinte forma: “Segundo numerosos depoimentos de contemporâneos, ele segurava o violino de maneira oriental, apoiando-o no joelho esquerdo. Dessa forma ele poderia tocar e cantar ao mesmo tempo.”
Autorretrato de Ivan Aivazovsky, 1874
E este autorretrato de Aivazovsky é apenas para comparação: ao contrário dos anteriores não tão conhecidos, o leitor provavelmente o conhece. Mas se no primeiro Aivazovsky lembrava Gogol, então neste, com costeletas bem cuidadas, ele se parecia com Pushkin. Aliás, essa foi justamente a opinião de Natalya Nikolaevna, esposa do poeta. Quando Aivazovsky foi apresentado ao casal Pushkin em uma exposição na Academia de Artes, Natalya Nikolaevna gentilmente observou que a aparência do artista a lembrava muito de retratos jovem Alexandre Sergeevich.
Petersburgo. Cruzando o Neva. Ivan Konstantinovich Aivazovsky, década de 1870
No primeiro (e se descartarmos as lendas, então o único) encontro, Pushkin fez duas perguntas a Aivazovsky. A primeira é mais que previsível quando você conhece alguém: de onde é o artista? Mas o segundo é inesperado e até um tanto familiar. Pushkin perguntou a Aivazovsky se ele, um homem do sul, não estava com frio em São Petersburgo. Se ao menos Pushkin soubesse o quanto ele estava certo. Durante todos os invernos na Academia de Artes, o jovem Hovhannes sentiu realmente um frio catastrófico.
Há correntes de ar nos corredores e nas salas de aula, os professores envolvem as costas em lenços de penas. Hovhannes Aivazovsky, de 16 anos, aceito na classe do professor Maxim Vorobyov, está com os dedos dormentes por causa do frio. Ele está com frio, se enrola em uma jaqueta manchada de tinta que não esquenta nada e tosse o tempo todo.
É especialmente difícil à noite. Um cobertor comido pelas traças não permite que você se aqueça. Todos os membros estão com frio, os dentes não tocam os dentes e, por algum motivo, as orelhas estão especialmente frias. Quando o frio impede você de dormir, o estudante Aivazovsky lembra de Feodosia e do mar quente.
O médico da sede, Overlach, escreve relatórios ao presidente da Academia, Olenin, sobre a saúde insatisfatória de Hovhannes: “O acadêmico Aivazovsky foi transferido vários anos antes para São Petersburgo da região sul da Rússia e precisamente da Crimeia, desde sua estada aqui ele sempre me senti pouco saudável e já foi usado muitas vezes. Estive na enfermaria acadêmica, sofrendo, antes e agora, dores no peito, tosse seca, falta de ar ao subir escadas e batimentos cardíacos fortes.”
É por isso que “Crossing the Neva”, uma paisagem rara de São Petersburgo para o trabalho de Aivazovsky, parece fazer seus dentes doerem por causa do frio imaginário? Foi escrito em 1877, a Academia já se foi há muito tempo, mas a sensação do frio cortante do norte de Palmyra permanece. Blocos de gelo gigantescos surgiram no Neva. A Agulha do Almirantado aparece através das cores frias e nebulosas do céu roxo. Está frio para as pessoinhas no carrinho. É frio, alarmante – mas também divertido. E parece que há tantas coisas novas, desconhecidas, interessantes - ali, à frente, atrás do véu de ar gelado.
Traição de Judas. Ivan Konstantinovich Aivazovsky, 1834
O Museu Estatal Russo em São Petersburgo preserva cuidadosamente o esboço de Aivazovsky “A Traição de Judas”. É feito em papel cinza com lápis branco e italiano. Em 1834, Aivazovsky preparou uma pintura sobre um tema bíblico seguindo as instruções da Academia. Hovhannes era bastante reservado por natureza, adorava trabalhar sozinho e não entendia como seu ídolo Karl Bryullov conseguia escrever na frente de qualquer multidão.
Aivazovsky, pelo contrário, preferia a solidão para o seu trabalho, por isso, quando apresentou “A Traição de Judas” aos seus camaradas da academia, foi uma surpresa completa para eles. Muitos simplesmente não conseguiam acreditar que um provincial de 17 anos, apenas no segundo ano de estudos, fosse capaz de tal coisa.
E então seus malfeitores deram uma explicação. Afinal, Aivazovsky sempre desaparece do colecionador e filantropo Alexei Romanovich Tomilov? E em sua coleção estão Bryullovs, Poussins, Rembrandts e quem sabe mais quem. Certamente o astuto Hovhannes simplesmente copiou uma pintura de algum mestre europeu pouco conhecido na Rússia e a passou como sua.
Felizmente para Aivazovsky, o presidente da Academia de Artes, Alexei Nikolaevich Olenin, tinha uma opinião diferente sobre “A Traição de Judas”. Olenin ficou tão impressionado com a habilidade de Hovhannes que o honrou com grande favor - convidou-o para ficar com ele na propriedade Priyutino, onde Pushkin e Krylov, Borovikovsky e Venetsianov, Kiprensky e os irmãos Bryullov visitaram. Uma honra inédita para um acadêmico novato.
Estágio oriental. Café perto da Mesquita Ortakoy em Constantinopla. Ivan Konstantinovich Aivazovsky, 1846
Em 1845, Aivazovsky, de 27 anos, cujas paisagens marítimas já ressoavam por toda a Europa, de Amsterdã a Roma, estava sendo homenageado na Rússia. Ele recebe “Anna no Pescoço” (Ordem de Santa Ana, 3º grau), o título de acadêmico, 1.500 acres de terra na Crimeia por 99 anos de uso e, o mais importante, um uniforme naval oficial. O Ministério da Marinha, pelos serviços prestados à Pátria, nomeia Aivazovsky como o primeiro pintor do Estado-Maior Naval. Agora, Aivazovsky deve ter permissão para entrar em todos os portos russos e em todos os navios, onde quer que queira ir. E na primavera de 1845, por insistência do Grão-Duque Konstantin Nikolaevich, o artista foi incluído na expedição naval do almirante Litke à Turquia e à Ásia Menor.
Naquela época, Aivazovsky já havia viajado por toda a Europa (seu passaporte estrangeiro tinha mais de 135 vistos e os funcionários da alfândega estavam cansados de acrescentar novas páginas), mas ainda não havia estado nas terras dos otomanos. Pela primeira vez ele vê Quios e Patmos, Samos e Rodes, Sinop e Esmirna, Anatólia e o Levante. E acima de tudo ele ficou impressionado com Constantinopla: “Minha viagem”, escreveu Aivazovsky, “com Sua Alteza Imperial Konstantin Nikolayevich foi extremamente agradável e interessante, em todos os lugares consegui esboçar esboços para pinturas, especialmente em Constantinopla, da qual estou admirado . Provavelmente não há nada no mundo mais majestoso do que esta cidade, tanto Nápoles como Veneza são esquecidas lá.”
“Café na Mesquita Ortakoy” é uma das vistas de Constantinopla pintada por Aivazovsky após esta primeira viagem. Em geral, as relações de Aivazovsky com a Turquia são uma história longa e difícil. Ele visitará a Turquia mais de uma vez. O artista foi muito valorizado pelos governantes turcos: em 1856, o Sultão Abdul-Mecid I concedeu-lhe a Ordem de “Nitshan Ali”, 4º grau, em 1881, o Sultão Abdul-Hamid II - com uma medalha de diamante. Mas entre esses prêmios também houve Guerra Russo-Turca 1877, durante o qual a casa de Aivazovsky em Feodosia foi parcialmente destruída por uma bomba. No entanto, é significativo que o tratado de paz entre a Turquia e a Rússia tenha sido assinado num salão decorado com pinturas de Aivazovsky. Ao visitar a Turquia, Aivazovsky comunicou-se de maneira especialmente calorosa com os armênios que viviam na Turquia, que o chamavam respeitosamente de Aivaz Effendi. E quando, na década de 1890, o sultão turco cometeu um massacre monstruoso no qual morreram milhares de arménios, Aivazovsky atirou desafiadoramente prémios otomanos ao mar, dizendo que aconselhou o sultão a fazer o mesmo com as suas pinturas.
“Café perto da Mesquita Ortakoy”, de Aivazovsky, é uma imagem ideal da Turquia. Ideal - porque é pacífico. Sentados relaxando em travesseiros bordados e imersos em contemplação, os turcos bebem café, inalam a fumaça do narguilé e ouvem melodias discretas. Fluxos de ar derretido. O tempo flui entre seus dedos como areia. Ninguém tem pressa - não há necessidade de pressa: tudo o que é necessário para a plenitude do ser já está concentrado no momento presente.
Moinhos de vento nas estepes ucranianas ao pôr do sol. Ivan Konstantinovich Aivazovsky, 1862
Não se pode dizer que Aivazovsky na paisagem “Moinhos de vento nas estepes ucranianas...” esteja irreconhecível. Um campo de trigo sob os raios do pôr do sol é quase como a superfície ondulada do mar, e os moinhos são as mesmas fragatas: em alguns o vento infla as velas, em outros faz girar as pás. Onde e, mais importante, quando Aivazovsky poderia tirar sua mente do mar e se interessar pelas estepes ucranianas?
Voltando do casamento. Ivan Konstantinovich Aivazovsky, 1891
Chumaks de férias. Ivan Konstantinovich Aivazovsky, 1885
Talvez quando ele se mudou com a família de Feodosia para Kharkov por um curto período? E ele não o transportou à toa, mas evacuou-o às pressas. Em 1853, Türkiye declarou guerra à Rússia, em março de 1854 a Inglaterra e a França aderiram - a Guerra da Crimeia começou. Em Setembro o inimigo já estava em Yalta. Aivazovsky precisava salvar urgentemente seus parentes - sua esposa, quatro filhas e uma velha mãe. “Com tristeza espiritual”, relatou o artista a um dos correspondentes, “tivemos que deixar a nossa querida Crimeia, deixando para trás todas as nossas riquezas, adquiridas pelo nosso trabalho ao longo de quinze anos. Além da minha família, minha mãe de 70 anos, tive que levar todos os meus parentes comigo, então paramos em Kharkov, por ser a cidade mais próxima do sul e barata para uma vida modesta.”
O biógrafo escreve que no novo local, a esposa de Aivazovsky, Yulia Grevs, que anteriormente havia ajudado ativamente o marido na Crimeia em suas escavações arqueológicas e pesquisas etnográficas, “tentou cativar Aivazovsky com arqueologia ou cenas da vida da Pequena Rússia”. Afinal, Julia queria muito que o marido e o pai ficassem mais tempo com a família. Não deu certo: Aivazovsky correu para a sitiada Sebastopol. Durante vários dias sob bombardeio, ele pintou batalhas navais reais, e apenas uma ordem especial do vice-almirante Kornilov forçou o destemido artista a deixar o teatro de operações militares. No entanto, o legado de Aivazovsky inclui muitas cenas de gênero etnográfico e paisagens ucranianas: “Chumaks de férias”, “Casamento na Ucrânia”, “Cena de inverno na Pequena Rússia” e outros.
Retrato do senador Alexander Ivanovich Kaznacheev, líder da nobreza da província de Tauride. Ivan Konstantinovich Aivazovsky, 1848
Aivazovsky deixou relativamente poucos retratos. Mas ele escreveu a este senhor mais de uma vez. No entanto, isso não é surpreendente: o artista considerava Alexander Ivanovich Kaznacheev seu “segundo pai”. Quando Aivazovsky ainda era pequeno, Kaznacheev serviu como prefeito de Feodosia. No final da década de 1820, ele começou a receber cada vez mais reclamações: alguém pregava peças na cidade - pintando cercas e caiando paredes de casas. O prefeito foi inspecionar o art. Nas paredes havia figuras de soldados, marinheiros e silhuetas de navios induzidos por samovar de carvão - devo dizer, muito, muito verossímeis. Depois de algum tempo, o arquiteto municipal Koch informou ao Tesoureiro que havia identificado o autor deste “graffiti”. Era Hovhannes, de 11 anos, filho do ancião do mercado, Gevork Gaivazovsky.
“Você desenha lindamente”, concordou Kaznacheev quando conheceu o “criminoso”, “mas por que nas cercas de outras pessoas?!” No entanto, ele entendeu imediatamente: os Aivazovskys são tão pobres que não podem comprar material de desenho para o filho. E Kaznacheev fez isso sozinho: em vez de punição, deu a Hovhannes uma pilha de papel bom e uma caixa de tintas.
Hovhannes começou a visitar a casa do prefeito e tornou-se amigo de seu filho Sasha. E quando em 1830 Kaznacheev se tornou governador de Tavria, ele levou Aivazovsky, que se tornara membro da família, para Simferopol para que o menino pudesse estudar no ginásio de lá, e três anos depois fez todos os esforços para garantir que Hovhannes fosse matriculado na Academia Imperial de Artes.
Quando o crescido e famoso Aivazovsky voltar a viver na Crimeia para sempre, ele manterá relações amistosas com Alexander Ivanovich. E mesmo em certo sentido, ele imitará o seu “dito pai”, cuidando intensamente dos pobres e desfavorecidos e fundando a “Oficina Geral” - uma escola de arte para jovens talentosos locais. E Aivazovsky, usando seu próprio projeto e às suas próprias custas, erguerá uma fonte em homenagem a Kaznacheev em Feodosia.
Caravana num oásis. Egito. Ivan Konstantinovich Aivazovsky, 1871
Em 17 de novembro de 1869, o Canal de Suez foi aberto à navegação. Situado nos desertos egípcios, conectou o Mediterrâneo e o Mar Vermelho e tornou-se uma fronteira condicional entre a África e a Eurásia. O curioso e ainda ávido por impressões, Aivazovsky, de 52 anos, não poderia perder tal evento. Ele veio ao Egito como parte da delegação russa e se tornou o primeiro pintor marinho do mundo a pintar o Canal de Suez.
“Aquelas pinturas em que a força principal é a luz do sol... devem ser consideradas as melhores”, Aivazovsky sempre esteve convencido. E havia muito sol no Egito - apenas trabalho. Palmeiras, areia, pirâmides, camelos, horizontes distantes do deserto e “Caravana em um oásis” - tudo isso permanece nas pinturas de Aivazovsky.
O artista também deixou lembranças interessantes do primeiro encontro da canção russa com o deserto egípcio: “Quando o navio a vapor russo entrava no Canal de Suez, o navio francês à sua frente encalhou e os nadadores foram obrigados a esperar até que fosse retirado. Essa parada durou cerca de cinco horas.
Era uma linda noite de luar, dando uma espécie de beleza majestosa às costas desertas país antigo faraós, separados por um canal da costa asiática.
Para encurtar o tempo, os passageiros do navio a vapor russo encenaram um improviso concerto vocal: Sra. Kireeva, possuidora de uma voz maravilhosa, assumiu as funções de vocalista, o coro harmonioso pegou...
E assim, nas costas do Egito, soou uma canção sobre a “Mãe Volga”, sobre a “floresta escura”, sobre o “campo aberto” e correu ao longo das ondas, prateadas pela lua, brilhando intensamente na fronteira de duas partes do mundo...”
Catholicos Khrimyan nas proximidades de Etchmiadzin. Ivan Konstantinovich Aivazovsky, 1895
Retrato do irmão do artista Gabriel Ayvazyan. Ivan Konstantinovich Aivazovsky, 1883
Batismo do povo armênio. Grigor, o Iluminador (século IV) Ivan Konstantinovich Aivazovsky, 1892
Talvez seja novidade para alguém saber que Ivan Konstantinovich Aivazovsky foi um verdadeiro fanático da Armênia igreja apostólica, uma das mais antigas, aliás, igrejas cristãs. Havia uma comunidade cristã armênia em Feodosia, e o Sínodo estava localizado no “coração da Armênia” - a cidade de Etchmiadzin.
O irmão mais velho de Aivazovsky, Sargis (Gabriel), tornou-se monge, depois arcebispo e um notável educador armênio. Para o próprio artista, a sua filiação religiosa não era de forma alguma uma formalidade vazia. Sobre o mais eventos importantes de sua vida, por exemplo, sobre um casamento, ele informou ao Sínodo de Etchmiadzin: “Em 15 de agosto de 1848, casei-me com Julia, filha de Jacob Greves, um inglês-luterano, mas ele se casou na igreja armênia e no condição de que meus filhos deste casamento também fossem batizados na fonte sagrada armênia."
Quando a vida familiar dá errado, Aivazovsky terá que pedir permissão para dissolver o casamento ali.
Em 1895, um ilustre convidado veio a Feodosia para visitar Aivazovsky - Catholicos Khrimyan, chefe da Igreja Armênia. Aivazovsky o levou para a Antiga Crimeia, onde ergueu uma nova no local das igrejas destruídas e até pintou um altar para ela. Num jantar de gala para 300 pessoas em Feodosia, os Catholicos prometeram ao artista: “Eu, Khrimyan Hayrik, numa mão - uma cruz, na outra - a Bíblia, vou rezar por ti e pelos meus pobres Povo armênio" No mesmo ano, o inspirado Aivazovsky pintará o quadro “Catholicos Khrimyan nas proximidades de Etchmiadzin”.
Em cinco anos, Aivazovsky, de 82 anos, estará morto. Seu túmulo no pátio do antigo templo é decorado com uma inscrição em Língua armênia: “Nascido mortal, ele deixou para trás uma memória imortal.”
Anna Nikitichna Burnazyan-Sarkizova, segunda esposa de I.K. Aivazovsky. Ivan Konstantinovich Aivazovsky, 1882
Seria injusto para o leitor terminar a nossa história sobre as pinturas de Aivazovsky, onde o mar está ausente, com o facto da morte do artista. Além disso, tendo tocado em muitos marcos biográficos importantes, ainda não falamos sobre amor.
Quando Aivazovsky tinha pelo menos 65 anos, ele se apaixonou. Além disso, ele se apaixonou como um menino - à primeira vista e em circunstâncias menos propícias ao romance. Ele estava andando de carruagem pelas ruas de Feodosia e cruzou com cortejo fúnebre, que incluía uma bela jovem vestida de preto. O artista acreditava que em sua terra natal, Feodosia, conhecia todo mundo pelo nome, mas era como se a tivesse visto pela primeira vez e nem soubesse quem ela era para a falecida - filha, irmã, esposa. Fiz perguntas: descobri que ela era viúva. 25 anos. O nome é Anna Sarkizova, nascida Burnazyan.
O falecido marido deixou para Anna uma propriedade com um jardim maravilhoso e grande riqueza para a Crimeia - uma fonte de água doce. Ela é uma mulher completamente rica e autossuficiente e também 40 anos mais nova que Aivazovsky. Mas quando o artista, tremendo e não acreditando na felicidade possível, a pediu em casamento, Sarkizova o aceitou.
Um ano depois, Aivazovsky confessou numa carta a um amigo: “No verão passado casei-me com uma senhora, uma viúva armênia. Eu não a conhecia antes, mas já tinha ouvido falar muito sobre seu bom nome. Agora posso viver com calma e felicidade. Não moro com minha primeira esposa há 20 anos e não a vejo há 14 anos. Há cinco anos, o Sínodo de Etchmiadzin e os Catholicos permitiram-me o divórcio... Só que agora tinha muito medo de ligar a minha vida a uma mulher de outra nação, para não derramar lágrimas. Isso aconteceu Pela graça de Deus, e agradeço sinceramente por seus parabéns.”
Eles viverão 17 anos em amor e harmonia. Como em sua juventude, Aivazovsky escreverá muito e de forma incrivelmente produtiva. E também terá tempo de mostrar o oceano à sua amada: no 10º ano de casamento eles navegarão para a América via Paris, e, segundo a lenda, isso lindo casal muitas vezes serão as únicas pessoas no navio que não serão suscetíveis ao enjôo. Enquanto a maioria dos passageiros, escondidos em suas cabines, esperavam o vento e a tempestade passarem, Aivazovsky e Anna admiravam serenamente a imensidão do mar.
Após a morte de Aivazovsky, Anna se tornaria uma reclusa voluntária por mais de 40 anos (e viveria até os 88): sem convidados, sem entrevistas, muito menos tentativas de organizar sua vida pessoal. Há algo de obstinado e ao mesmo tempo misterioso no olhar de uma mulher cujo rosto está meio escondido por um véu de gaze, tão semelhante à superfície translúcida da água das paisagens marítimas de seu grande marido, Ivan Aivazovsky.
Por que o mar de Aivazovsky é tão vivo, respirável e transparente? Qual é o eixo de qualquer uma de suas pinturas? Onde devemos olhar para desfrutar plenamente de suas obras-primas? Como ele escreveu: longo, curto, alegre ou doloroso? E o que o impressionismo tem a ver com Aivazovsky?
Claro, Aivazovsky nasceu gênio. Mas havia também um ofício que ele dominava de forma brilhante e cujas complexidades ele queria compreender. Então, de onde nasceram a espuma do mar e os caminhos lunares de Aivazovsky?..
Ivan Konstantinovich Aivazovsky. Tempestade na costa rochosa. 102×73 cm.
“Cores secretas”, onda Aivazovsky, esmalte
Ivan Kramskoy escreveu a Pavel Tretyakov: “Aivazovsky provavelmente tem o segredo de compor tintas, e até as próprias tintas são secretas; Nunca vi tons tão brilhantes e puros, mesmo nas prateleiras das lojas de mosquitos.” Alguns segredos de Aivazovsky chegaram até nós, embora o principal não seja segredo nenhum: para pintar o mar assim é preciso nascer perto do mar, morar perto dele longa vida, para o qual eles nunca se cansarão.
A famosa “onda Aivazovsky” é uma onda marítima espumosa, quase transparente, que parece móvel, rápida e viva. O artista conseguiu transparência pela técnica do glazing, ou seja, aplicando as camadas mais finas de tinta umas sobre as outras. Aivazovsky preferia o óleo, mas suas ondas muitas vezes parecem aquarelas. É com o envidraçamento que a imagem adquire essa transparência, e as cores parecem muito saturadas, mas não pela densidade do traço, mas pela especial profundidade e sutileza. Os vitrais magistrais de Aivazovsky são uma delícia para os colecionadores: a maioria de suas pinturas está em excelentes condições - as camadas mais finas de tinta são menos suscetíveis a rachaduras.
Aivazovsky escreveu rapidamente, muitas vezes criando obras em uma sessão, de modo que sua técnica de envidraçamento tinha suas próprias nuances. Aqui está o que Nikolai Barsamov, diretor de longa data da Galeria de Arte Feodosia e o maior especialista no trabalho de Aivazovsky, escreve sobre isso: “...ele às vezes passava água sobre uma pintura de base semi-seca. Muitas vezes o artista esmaltava as ondas em sua base, o que dava profundidade e força ao tom colorido e conseguia o efeito de uma onda transparente. Às vezes, planos significativos da pintura eram escurecidos pelo vidro. Mas o envidraçamento na pintura de Aivazovsky não era uma última etapa obrigatória do trabalho, como acontecia com os antigos mestres com o método de pintura em três camadas. Toda a sua pintura era feita basicamente em uma única etapa, e muitas vezes ele utilizava o envidraçamento como uma das formas de aplicação de uma camada de tinta sobre fundo branco no início da obra, e não apenas como marcações finais no final da obra. O artista às vezes utilizava o vidrado na primeira etapa do trabalho, cobrindo grandes áreas da pintura com uma camada de tinta translúcida e utilizando o primer branco da tela como revestimento luminoso. É assim que ele às vezes escrevia água. Ao distribuir habilmente camadas de tinta de densidades variadas pela tela, Aivazovsky conseguiu uma representação verdadeira da transparência da água.”
Aivazovsky recorreu aos esmaltes não apenas ao trabalhar nas ondas e nas nuvens, mas com a ajuda deles, ele foi capaz de dar vida à terra. “Aivazovsky pintou terra e pedras com pincéis de cerdas ásperas. É possível que ele as tenha cortado especialmente para que as pontas duras das cerdas deixassem sulcos na camada de tinta, diz o crítico de arte Barsamov. - A tinta nesses locais costuma ser aplicada em camada espessa. Via de regra, Aivazovsky quase sempre esmaltava o terreno. O tom vidrado (mais escuro), caindo nos sulcos das cerdas, conferiu uma vivacidade peculiar à camada de tinta e maior realidade à forma retratada.”
Quanto à questão “de onde vêm as tintas?”, sabe-se que em últimos anos ele comprou tintas da empresa berlinense Mewes. É simples. Mas também há uma lenda: supostamente Aivazovsky comprou tintas da Turner. A esse respeito, apenas uma coisa pode ser dita: teoricamente é possível, mas mesmo assim, Aivazovsky certamente não pintou todas as 6.000 obras com tintas Turner. E a pintura à qual o impressionado Turner dedicou o poema foi criada por Aivazovsky antes mesmo de conhecer o grande pintor marinho britânico.
Ivan Konstantinovich Aivazovsky. Baía de Nápoles em uma noite de luar. 1842, 92×141cm.
“Na sua foto vejo a lua com seu ouro e prata, acima do mar, refletida nela. A superfície do mar, sobre a qual uma leve brisa sopra com ondas trêmulas, parece um campo de faíscas. Me perdoe grande artista, se me enganei ao confundir a imagem com a realidade, mas seu trabalho me encantou e a alegria tomou conta de mim. Sua arte é eterna e poderosa, porque você é inspirado pelo gênio.", - poemas de William Turner sobre a pintura de Aivazovsky “A Baía de Nápoles em uma noite de luar”.
Ivan Konstantinovich Aivazovsky. Entre as ondas. 1898, 285×429cm.
O principal é começar, ou No ritmo de Aivazovsky
Aivazovsky sempre começava seu trabalho com uma imagem do céu e pintava-o em uma única etapa - podia durar 10 minutos ou 6 horas. Ele pintou a luz do céu não com a superfície lateral do pincel, mas com sua ponta, ou seja, “iluminou” o céu com numerosos toques rápidos do pincel. O céu está pronto - você pode relaxar, se distrair (porém, ele se permitiu isso apenas com pinturas, o que demorou bastante). Ele poderia escrever o mar em várias passagens.
Segundo Ivan Aivazovsky, trabalhar muito tempo em uma pintura significa, por exemplo, pintar uma tela por 10 dias. Foi exatamente esse tempo que o artista, que na época tinha 81 anos, levou para criar sua maior pintura, “Entre as Ondas”. Ao mesmo tempo, segundo ele, toda a sua vida foi uma preparação para esse filme. Ou seja, a obra exigiu esforço máximo do artista – e dez dias inteiros. Mas na história da arte, não é incomum que pinturas levem vinte ou mais anos para serem pintadas (por exemplo, Fyodor Bruni escreveu sua “Serpente de Cobre” durante 14 anos, iniciada em 1827 e concluída em 1841).
Na Itália, Aivazovsky em determinado período tornou-se amigo de Alexander Ivanov, o mesmo que escreveu “A Aparição de Cristo ao Povo” durante 20 anos, de 1837 a 1857. Eles até tentaram trabalhar juntos, mas logo brigaram. Ivanov poderia trabalhar em um esboço durante meses, tentando obter uma precisão especial de uma folha de choupo, enquanto Aivazovsky conseguiu explorar todas as áreas circundantes e pintar várias pinturas durante esse tempo: “Não consigo escrever silenciosamente, não consigo ficar debruçado durante meses. Não saio de cena até falar.”. Tantos talentos diferentes maneiras diferentes a criatividade - trabalho duro e admiração alegre pela vida - não poderia permanecer por perto por muito tempo.
Ivan Aivazovsky ao lado de sua pintura, fotografia de 1898.
Aivazovsky no cavalete.
“O mobiliário da oficina era excepcionalmente simples. Em frente ao cavalete havia uma cadeira simples com assento de junco de vime, cujo encosto estava coberto com uma camada bastante espessa de tinta, já que Aivazovsky tinha o hábito de jogar a mão e o pincel no encosto da cadeira e, sentado meio -virou-se para a pintura, olhando para ela”, das memórias de Konstantin Artseulov, este neto de Aivazovsky também se tornou um artista.
Criatividade como alegria
A musa de Aivazovsky (desculpem-nos por esta pompa) é alegre, não dolorosa. " Pela leveza, pela aparente facilidade do movimento da mão, pela expressão de contentamento do rosto, pode-se dizer com segurança que tal trabalho é um verdadeiro prazer.”, - estas são as impressões de um funcionário do Ministério da Corte Imperial, o escritor Vasily Krivenko, que assistiu ao trabalho de Aivazovsky.
Aivazovsky, é claro, percebeu que para muitos artistas seu dom é uma bênção ou uma maldição; algumas pinturas são pintadas quase com sangue, esgotando e esgotando seu criador. Para ele, abordar a tela com o pincel sempre foi a maior alegria e felicidade; adquiriu em sua oficina uma leveza e onipotência especiais. Ao mesmo tempo, Aivazovsky ouviu atentamente os conselhos práticos e não deixou de lado os comentários de pessoas que valorizava e respeitava. Embora não seja suficiente acreditar que a leveza do seu pincel seja um inconveniente.
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Só os preguiçosos não falavam da importância de trabalhar com a natureza naquela época. Aivazovsky preferiu fazer esboços fugazes da vida e pintar no estúdio. “Preferido” talvez não seja a palavra certa; não é uma questão de conveniência, foi a sua escolha fundamental. Ele acreditava que era impossível retratar da vida o movimento dos elementos, o sopro do mar, o estrondo do trovão e o relâmpago - e era exatamente isso que o interessava. Aivazovsky tinha uma memória fenomenal e considerava sua tarefa “no local” absorver o que estava acontecendo. Sentir e lembrar, para voltar ao estúdio e jogar essas sensações na tela - é para isso que a natureza é necessária. Ao mesmo tempo, Aivazovsky foi um excelente copista. Enquanto estudava com Maxim Vorobyov, ele demonstrou essa habilidade ao máximo. Mas copiar - até mesmo as pinturas de alguém, até mesmo a natureza - parecia-lhe muito menos do que poderia fazer.
Ivan Konstantinovich Aivazovsky. Baía de Amalfi em 1842. Esboço. Década de 1880
Ivan Konstantinovich Aivazovsky. Costa em Amalfi. 105×71 cm.
O artista Ilya Ostroukhov deixou memórias detalhadas do rápido trabalho de Aivazovsky e de como eram seus esboços de vida:
“Com a forma de execução obra de arte Conheci o falecido e famoso pintor marinho Aivazovsky em 1889, durante uma de minhas viagens ao exterior, a Biarritz. Aproximadamente na mesma época em que cheguei a Biarritz, Aivazovsky também chegou lá. O venerável artista já tinha, pelo que me lembro, cerca de setenta anos... Ao saber que eu conhecia bem a topografia da região, [ele] imediatamente me levou para um passeio à beira-mar. Era um dia de tempestade, e Aivazovsky, encantado com a vista das ondas do mar, parou na praia...
Sem tirar os olhos do oceano e da paisagem de montanhas distantes, ele lentamente tirou seu minúsculo caderno e desenhei apenas três linhas a lápis - o contorno das montanhas distantes, a linha do oceano no sopé dessas montanhas e a linha da costa longe de mim. Então fomos mais longe com ele. Depois de caminhar cerca de um quilômetro, ele parou novamente e fez o mesmo desenho de várias linhas na outra direção.
- Hoje está um dia nublado.- disse Aivazovsky, - e por favor, diga-me onde o sol nasce e se põe aqui.
Eu apontei. Aivazovsky colocou vários pontos no livro e escondeu o livro no bolso.
- Agora vamos. Isso é o suficiente para mim. Amanhã pintarei as ondas do oceano em Biarritz.
No dia seguinte, foram pintadas três pinturas espetaculares das ondas do mar: em Biarritz: de manhã, ao meio-dia e ao pôr do sol...”
Ivan Konstantinovich Aivazovsky. Biarritz. 1889, 18×27cm.
O sol de Aivazovsky, ou o que o impressionismo tem a ver com isso
O artista armênio Martiros Saryan percebeu que não importa a tempestade grandiosa que Aivazovsky retrata, um raio de luz sempre romperá o acúmulo de nuvens de tempestade na parte superior da tela - às vezes claro, às vezes sutil e quase imperceptível: “É nela, nesta Luz, que reside o significado de todas as tempestades retratadas por Aivazovsky.”
Ivan Konstantinovich Aivazovsky. Tempestade no Mar do Norte. XX, 202×276 cm.
Ivan Konstantinovich Aivazovsky. Noite enluarada. 1849, 192×123cm.
Ivan Konstantinovich Aivazovsky. Baía de Nápoles em uma noite de luar. 1892, 73×45 cm.
Ivan Konstantinovich Aivazovsky. O navio "Imperatriz Maria" durante uma tempestade. 1892, 224×354cm.
Ivan Konstantinovich Aivazovsky. Noite de luar em Capri. 1841, 26×38cm.
Se for o sol, então iluminará a tempestade mais negra; se for um caminho lunar, então preencherá toda a tela com seu brilho. Não vamos chamar Aivazovsky de impressionista ou de precursor do impressionismo. Mas citemos as palavras do filantropo Alexei Tomilov - ele critica as pinturas de Aivazovsky: “As figuras são sacrificadas a tal ponto que é impossível reconhecer se em primeiro plano são homens ou mulheres (...) ostentam o ar e a água”. Dizemos dos impressionistas que os protagonistas de suas pinturas são a cor e a luz, uma das principais tarefas é a transferência da massa luz-ar. Nas obras de Aivazovsky, a luz vem em primeiro lugar e, sim, com razão, o ar e a água (no caso dele, trata-se do céu e do mar). Todo o resto é construído em torno dessa coisa principal.
Ele se esforça não apenas para retratar de forma verossímil, mas também para transmitir sensações: o sol deve brilhar para que você queira fechar os olhos, o espectador encolherá com o vento e recuará de medo das ondas. Este último, em particular, foi feito por Repin quando Aivazovsky abriu repentinamente a porta da sala à sua frente, atrás da qual estava sua “Nona Onda”.
Ivan Konstantinovich Aivazovsky. A nona onda. 332×221 cm.
Como olhar as pinturas de Aivazovsky
O artista deu recomendações totalmente inequívocas: deve-se procurar o ponto mais brilhante da tela, a fonte de luz, e, depois de observá-lo de perto, deslizar o olhar pela tela. Por exemplo, quando foi repreendido por “Moonlit Night” não ter sido finalizado, ele argumentou que se o espectador “ prestará a atenção principal à lua e aos poucos, aderindo ao ponto interessante da foto, olhará outras partes da foto de passagem, e além disso, sem esquecer que se trata de noite, o que nos priva de todos os reflexos, então tal espectador descobrirá que esta imagem é mais completa do que deveria".
Ivan Konstantinovich Aivazovsky. Noite de luar na Crimeia. Gurzuf, 1839, 101×136,5 cm.
Ivan Konstantinovich Aivazovsky. A Explosão de um Navio Konstantin Aivazovsky não é um daqueles artistas que perdem a inspiração no processo e abandonam o seu trabalho inacabado. Mas um dia isso aconteceu com ele também - ele não terminou o quadro “A Explosão do Navio” (1900). A morte atrapalhou. Este trabalho inacabado é especialmente valioso para os pesquisadores de seu trabalho. Permite entender o que o artista considerava o principal do quadro e com quais elementos começou a trabalhar. Vemos que Aivazovsky começou com um navio e a chama de uma explosão - algo que tocará a alma do espectador. E o artista deixou os detalhes que o espectador simplesmente passará para depois.
Explosão do navio. 1900
Ivan Konstantinovich Aivazovsky. Gruta Azul. Nápoles. 1841, 100×74cm.
O espectador moderno às vezes fica desanimado com o colorido intenso das pinturas de Aivazovsky, suas cores brilhantes e intransigentes. Existe uma explicação para isso. E isso não é de todo um mau gosto do artista.
Hoje veremos as marinas de Aivazovsky em museus. Muitas vezes são galerias provinciais, com interiores dilapidados e sem iluminação especial, que é substituída simplesmente pela luz da janela. Mas durante a vida de Aivazovsky, suas pinturas foram penduradas em ricas salas de estar e até mesmo em palácios. Sob tectos em estuque, em paredes revestidas com luxuosas treliças, à luz de lustres e candelabros. É bem possível que o artista tenha tomado cuidado para que suas pinturas não se perdessem no cenário de tapetes coloridos e móveis dourados.
Especialistas dizem que as paisagens noturnas de Aivazovsky, que muitas vezes parecem rústicas sob pouca luz natural ou sob lâmpadas raras, ganham vida, tornando-se misteriosas e nobres, como o artista as pretendia, quando vistas à luz de velas. Principalmente aquelas pinturas que Aivazovsky pintou à luz de velas.
