Na verdade, por que - nem todo mundo deveria ser músico? Músicos são pessoas especiais, indivíduos que se destacam pela maneira de se vestir, de falar e de mentalidade. Claro que nem todos poderão seguir a música profissionalmente, mas não há necessidade de se esforçar para isso - cada um tem o seu caminho! Muitos pais sonham em ensinar música aos filhos. Apenas alguns confiam na necessidade da educação musical de seu filho e estão dispostos a fazer todo o possível para isso, outros duvidam das habilidades musicais de seu filho e têm medo de prejudicá-lo. Em geral, os fatores decisivos não devem ser os desejos dos pais, mas o talento e o desejo da criança pela música.
Então, o que uma escola de arte dá a uma criança? Qual é a utilidade disso? Vamos listar brevemente os pontos principais.
A música desenvolve a emotividade.
Um senso de ritmo se desenvolve.
A audição musical torna-se mais sutil.
Tocar um instrumento musical desenvolve a coordenação e habilidades motoras finas mãos (o que tem um efeito positivo no desenvolvimento do cérebro).
Cantar amplia as capacidades do sistema respiratório e reduz o número de resfriados.
O sentido do paladar se desenvolve.
A performance em conjunto fornece habilidades práticas para atividades coletivas e ensina você a ouvir os outros. A memória se desenvolve.
A perseverança é formada (você precisa fazer exercícios regularmente!).
Apresenta você à cultura mundial.
Quando o bebê cresce, os pais têm uma dúvida - para onde encaminhar a criança para seu desenvolvimento integral.
Mas muitas vezes os pais escolhem seção de esportes, sem pensar que o bebê precisa de educação adicional.
Antigamente, os filhos dos nobres aprendiam alfabetização, aritmética, línguas, dança e música. Aprender a tocar um instrumento musical foi considerado um indicador de boa educação.
Naturalmente, nem todas as crianças ao final da “escola de música” escolherão a profissão de músico. Alguns esquecerão tudo o que aprenderam durante vários anos. Os pais podem achar que os anos passados na escola de música foram em vão.
Muitos pais temem que seus filhos estejam muito ocupados estudando em escolas infantis de música. É inevitável. Mas isso não é ruim. A criança estará ocupada aprendendo e não vagará inutilmente em companhias duvidosas. Ele terá desenvolvido gosto musical. A música, o desenho e a dança desenvolvem a autodisciplina e, com um planejamento adequado do tempo, a criança terá tempo para fazer a lição de casa, tocar música e sair com os amigos. Na fase inicial depende muito dos pais. Parece que recentemente a criança estava ardendo de vontade de dominar o instrumento, mas ele não está mais lá. As crianças tendem a ser preguiçosas e a tarefa dos pais é apresentá-las à música e não deixar que tudo siga seu curso. Vale ressaltar que nem todas as crianças idade pré-escolar sabem o que eles querem fazer. Os pais devem convencer a criança de que aprender música é prestigioso e legal. Além disso, ele poderá fazer o que seus amigos de rua, que vagam sem rumo pela rua e não sabem o que fazer de si mesmos, não conseguem, e ele poderá tocar um instrumento musical.
Estudar em uma escola de música desenvolve a comunicação e gosto estético, amplia a mente. Quanto à audição musical, algumas crianças a possuem desde o nascimento, enquanto outras precisam desenvolvê-la.
Aulas de música desenvolvem coordenação
Estudos demonstraram que as crianças que aprendem a tocar instrumentos musicais (especialmente cordas e teclados) melhoram a coordenação e as habilidades motoras finas. Não admira. Ao tocar, tanto os dedos quanto toda a mão fazem muitos movimentos, inclusive os muito pequenos. Além disso, o direito e mão esquerdaÀs vezes eles fazem movimentos completamente diferentes. Eles tocam com intensidades diferentes (um pode tocar alto e outro baixo), em personagem diferente e em ritmos diferentes. Tudo isso ajuda a melhorar as conexões entre os centros cerebrais que controlam os movimentos. Desenvolve o pensamento espacial.
As aulas de música se desenvolvem intelectualmente
Sob a influência das impressões musicais, as crianças mais inertes e de desenvolvimento mental lento, que, ao que parecia, não podiam ser estimuladas por nenhuma força, começaram a falar.
Como demonstraram estudos conjuntos de cientistas húngaros e alemães, as crianças que estudam música têm melhores reações e aprendem a contar com mais facilidade. Também foi observada uma conexão direta entre as habilidades musicais e matemáticas de uma criança. Professores classes júnior Dizem que depois das aulas de música as aulas de leitura vão muito bem. A percepção das crianças é intensificada. Eles pensam melhor.
Ouvir música promove melhor assimilação do material cognitivo de outras disciplinas e reduz a sensação de “sobrecarga”. Aula de música com seus elementos lúdicos e experiências artísticas, que contrabalança o estudo das disciplinas científicas, desempenha a função de relaxamento, facilitando assim o desenvolvimento de material cognitivo em outras disciplinas.
Aulas de música aproximam crianças e pais
Não nos referimos apenas ao processo de aprender a tocar um instrumento musical, mas também a ouvir música e cantar juntos. E, talvez, especialmente tocando música juntos. As possibilidades aqui são muito diversas: tocar a quatro mãos, tocar em conjunto instrumentos diferentes. Ou, por exemplo, uma opção quando os pais que sabem tocar acompanham um pequeno violinista ou cantor.
Concertos caseiros conjuntos também aproximam as pessoas. Nem todas as crianças gostam de ser solistas. É muito mais agradável se apresentar em conjunto com seu pai, mãe ou avó.
Cantar em coral contribui para o desenvolvimento espiritual das crianças
Achamos que você não pode errar se matricular seu filho no coral. Durante o canto coral, as crianças se sentem responsáveis pelo som geral da música, pela alegria da criatividade coletiva e pela influência enobrecedora da própria música.
É interessante que geralmente se desenvolvem relacionamentos calorosos e amigáveis entre aqueles que cantam no mesmo coro, tanto crianças quanto adultos. O humor emocional de cada membro do coro é transmitido entre si. É criada uma atmosfera especial de paixão pela música, alegria e criatividade conjunta.
Nas aulas de coreografia as crianças aprendem a sentir a música com competência. As aulas ajudam a fortalecer a musculatura das costas, desenvolver a postura correta, moldar a posição do corpo, desenvolver habilidades físicas naturais como: passo (alongamento), levantamento de peso, flexibilidade, salto e até arte.
Após as primeiras aulas você poderá observar como isso acontece crescimento criativo e os talentos de seus filhos são revelados. As aulas de coreografia não só ensinam ao seu filho disciplina e organização, mas também têm um efeito benéfico no desenvolvimento mental, pois ao aprender composições coreográficas, a criança tem que lembrar constantemente a sequência dos movimentos - isso faz a criança pensar, enquanto a memória muscular se desenvolve, coordenação dos movimentos e inicia o aparelho vestibular funciona bem.
O desenho é de grande importância na formação da personalidade de uma criança. A conexão entre desenho e pensamento é especialmente importante. Além disso, o desenho desenvolve a memória, a atenção, a motricidade fina, ensina a criança a pensar e analisar, medir e comparar, compor e imaginar. Para o desenvolvimento mental das crianças tem grande importância expansão gradual do estoque de conhecimento. Isso afeta formação vocabulário e discurso coerente na criança.
Dez razões para mandar seu filho para uma escola de música
Apesar de a criança gritar músicas de Cheburashka desafinadas e não ter audição; apesar de não haver onde colocar o piano e a avó não poder levar a criança “para ouvir música”; apesar de a criança não ter tempo nenhum - inglês, espanhol, aula de natação, catequese, etc., etc....
Existem boas razões para superar tudo isso e ainda ensinar música, e os pais modernos deveriam saber estas razões:
1. Brincar é seguir uma tradição. Todos os aristocratas, russos e europeus, aprenderam música. Tocar música é brilhante, brilhante e chique, a apoteose dos costumes seculares. Duke Ellington começou a tocar piano porque as meninas sempre se reúnem em torno do cara que toca. O que então podemos dizer sobre a garota brincando?
2. Aulas de música cultivar a vontade e a disciplina: é preciso praticar o instrumento constantemente, regularmente e sem pausas. Quase com a mesma tenacidade com que os campeões treinam na academia e na pista de patinação. Mas, ao contrário dos heróis do esporte, ao tocar piano você não pode quebrar o pescoço, a perna ou mesmo o braço.
A música constrói o caráter sem o risco de lesões.
3. Ao estudar música, a criança desenvolve habilidades matemáticas. Ele pensa espacialmente, batendo nas teclas certas, manipula figuras sonoras abstratas, memorizando o texto musical, e sabe que uma peça musical é como uma prova matemática: não subtrai nem soma! Não é por acaso que Albert Einstein tocava violino, e os professores de física e matemática de Oxford representam 70% dos membros do clube de música da universidade.
Atenção, pais de futuros matemáticos e engenheiros! Tocar música é mais agradável do que resolver problemas difíceis sob a orientação de um tutor.
4. Música e linguagem são irmãs gêmeas. Eles nasceram um após o outro: primeiro - música; então - fala verbal, e em nosso cérebro eles continuam a viver lado a lado.
Frases e sentenças, vírgulas e pontos, perguntas e exclamações são encontradas tanto na música quanto na fala.
Quem toca e canta fala e escreve melhor, lembra palavras estrangeiras com mais facilidade e aprende gramática mais rápido. Amantes da música e escritores Turgenev e Stendhal, Pasternak e Tolstoi, Jean-Jacques Rousseau e Romain Rolland, cada um dos quais conhecia mais de um lingua estrangeira, recomendo aulas de música para todos os futuros poliglotas.
5. A música é estrutural e hierárquica: grandes obras quebrar em partes menores. Uma compreensão espontânea da hierarquia musical facilita a compreensão de um computador, que também é totalmente hierárquico e estrutural.
Os psicólogos comprovaram que os pequenos músicos, alunos do famoso Shinichi Suzuki, mesmo que não tivessem muito sucesso no desenvolvimento da audição e da memória musical, estavam à frente de seus pares em termos de pensamento estrutural. Atenção, pais de futuros engenheiros de TI, administradores de sistemas e programadores! A música leva direto ao topo da ciência da computação; Não é por acaso que a Microsoft prefere funcionários com formação musical.
6. As aulas de música desenvolvem habilidades de comunicação. Ao longo dos anos de estudo, um músico infantil conhecerá o galante Mozart, o robusto Prokofiev, o filosófico Bach e outras figuras musicais muito diferentes. Enquanto joga, ele terá que se passar por eles e transmitir ao público seu caráter e forma de sentir.
Agora falta um passo para o talento do gestor. Afinal, o principal para ele é entender as pessoas e, usando seu entendimento, gerenciá-las. Atenção, pais de futuros fundadores de impérios empresariais! A música leva de coração a coração, e a arma mais formidável de um gerente de alto nível é o sorriso desarmante de um “cara legal”.
7. Os músicos são bondosos e corajosos ao mesmo tempo. Segundo psicólogos, os músicos homens são sensuais, como as mulheres, e as mulheres são persistentes e obstinadas, como os homens. A música suaviza a moral, mas para ter sucesso é preciso ser corajoso. Atenção, pais que esperam ajuda e apoio na velhice! As crianças que estudaram música são ao mesmo tempo simpáticas e pacientes e, portanto, estão mais frequentemente dispostas a dar aos pais idosos o mesmo “copo de água”.
8. Os músicos têm menos medo da frase assustadora – o prazo para envio de trabalhos. Em uma escola de música, você não pode reagendar uma prova de escala ou um concerto de turma para amanhã ou com uma semana de antecedência. A posição de artista no palco ensina prontidão máxima, e uma criança com essa experiência não será reprovada em um exame sério, em uma entrevista de emprego ou em um relatório importante.
9. As aulas de música criam pequenos “césares” que sabem fazer muitas coisas ao mesmo tempo. A música ajuda a navegar em vários processos simultâneos: por exemplo, um pianista que faz leitura à primeira vista faz várias coisas ao mesmo tempo - lembra o passado, olha para o futuro e controla o presente.
A música flui em seu próprio ritmo e o leitor não consegue parar, descansar ou respirar. Da mesma forma, um controlador de tráfego aéreo, um operador de computador ou um corretor da bolsa monitora diversas telas e simultaneamente escuta e transmite informações em vários telefones. A música ensina a pensar e viver em diversas direções.
10. Os cientistas que realizaram pesquisas sociológicas chegaram à conclusão de que, entre as pessoas que acabaram na prisão, não há uma única pessoa que se formou em uma escola de música na infância.
Não é à toa que muitas celebridades têm formação musical:
Agatha Christie escreveu sua primeira história sobre por que ela achava difícil tocar piano no palco;
Condoleezza Rice, por outro lado, adora se apresentar em público com seu deslumbrante vestido de concerto,
Bill Clinton tem certeza de que sem o saxofone nunca teria se tornado presidente.
Olhe para pessoas de sucesso em qualquer área, pergunte se elas se envolveram com música quando crianças, mesmo que por pouco tempo, mesmo que não com muito zelo? Claro que sim. E temos 10 razões para seguir o seu exemplo inspirador.
Não há maior felicidade para um músico do que tocar música juntos, e o grau de profissionalismo de qualquer músico é diretamente proporcional à sua habilidade em tocar em conjunto. Sim, ele pode ser um excelente solista, que é um prazer ouvir, mas só se pode apreciá-lo plenamente como músico ouvindo como ele toca em grupo.
Conjunto- uma palavra familiar a todos. Muitas vezes é usado para se referir a coisas que não têm nada a ver com música. Por exemplo, um conjunto arquitetônico. Traduzido do francês, “conjunto” significa coerência e coerência. Este é precisamente o seu componente mais importante. Fazer algo juntos e em sincronia. O principal segredo e sucesso constante do conjunto está na sincronicidade.
Os conjuntos são diferentes e dependendo do número de músicos têm nomes próprios. Palavras como dueto, trio, quarteto conhecido até por pessoas distantes da música.
Que condições devem ser observadas ao tocar em conjunto? Como conseguir a coerência e assim desenvolver as competências sem as quais um músico não pode ser chamado de músico? Existem diversas sutilezas e nuances que precisam ser monitoradas até que se tornem um hábito.
- Um bom jogo, antes de tudo! O falso desempenho anulará todos os bons esforços e levará à insatisfação do público. Você tem que trabalhar no sistema e trabalhar duro.
- Todos os membros do conjunto devem aderir estritamente a uma forma de tocar. É inaceitável ter entendimentos diferentes de uma obra musical do ponto de vista orientação musical. Por exemplo, uma valsa deve soar exatamente como uma valsa, e se, de repente, alguém perder o caráter de uma valsa e tocar algo próximo a uma marcha, o conjunto simplesmente “desmoronará”.
- Mesma compreensão de andamento e ritmo. Todos os músicos são pessoas, não metrônomos, e alguns tendem a desacelerar o andamento, enquanto outros tendem a acelerar. Isto precisa ser monitorado cuidadosamente, assim como o ritmo, porque uma compreensão distorcida do ritmo também levará à falta de coerência e sincronicidade.
- Tocar em conjunto requer os mesmos toques de performance. À primeira vista, parece que isso não é tão significativo, mas na verdade, diferentes toques são uma desarmonia da música, que pode ser evitada se você analisar cuidadosamente a obra musical.
- Não deixamos “caudas”! É necessário terminar e começar uma frase musical ao mesmo tempo, a menos, é claro, que se pretenda inicialmente algo diferente. Finais que não são completados juntos por todos os membros do conjunto são muito feios e desleixados de se ouvir.
- Consistência dinâmica. A apresentação solo deve ser esquecida ao tocar em conjunto. Se o músico liderar tópico principal, ele deve tocar com mais brilho, mas durante o contraponto ou acompanhamento, o som deve ser reduzido.
Parece que todas as técnicas acima não são tão complicadas. Na verdade, tocar em grupo requer anos de trabalho e trabalho concentrado, mas trabalho que traz prazer. Aqui vocês precisam captar avidamente os olhares e movimentos uns dos outros, com medo de perder alguma coisa. É aqui que a sensibilidade e a atenção são importantes, qualidades que serão muito úteis na vida. Portanto, não há dúvida de que o conjunto é uma atividade útil e divertida não só para os ouvintes, mas também para os intérpretes!
Agora vamos ouvir música! A música será em conjunto.
L. van Beethoven Sonata para violino e piano nº 5 “Primavera”
Papel conjunto tocando na formação do gosto musical dos alunos usando o exemplo de um conjunto instrumentos folclóricos
Bessoltsev V.A.,
professor de educação adicional
GBOU CDT "Tsaritsyno" Moscou
acordeão, aula de violão,
líder do conjunto de instrumentos folclóricos.
A formação do gosto musical por meio da percepção dos diversos estilos e gêneros musicais é de grande importância no desenvolvimento da personalidade. Aristóteles também observou que “a música é capaz de exercer uma certa influência no lado ético da alma, e como a música tem tais propriedades, então obviamente deveria ser incluída entre as disciplinas de educação de jovens”.
Hoje em dia, os críticos de arte notam cada vez mais a enorme influência da arte musical na formação da cultura musical e na cultura espiritual e moral de uma pessoa. E isso não é por acaso; a atitude em relação à música de vários gêneros é um indicador da esfera espiritual e da atitude moral e estética dos alunos. Sem dúvida, para o desenvolvimento do gosto musical dos alunos é necessária a participação em vida musical instituição educacional, incluindo tocar em conjunto de instrumentos folclóricos.
Por mais de cem anos, a música orquestral e de conjunto tocada em instrumentos folclóricos russos vem se desenvolvendo na Rússia. Com o advento da Grande Orquestra Russa sob a direção de V.V. Andreev, começou a era da formação do gênero de música instrumental folclórica. Os instrumentos folclóricos estão atingindo um novo nível - o desempenho acadêmico.
Nas últimas décadas, a execução de instrumentos folclóricos russos tem sido particularmente ativa. Uma contribuição notável para o desenvolvimento de orquestras e conjuntos de instrumentos folclóricos russos foi feita por Artista nacional Rússia N. N. Kalinin. Graças ao seu trabalho incansável, surgiram no país mais de 60 orquestras e conjuntos profissionais, muitos dos quais antes amadores.
EM Federação Russa lar de mais de 100 nacionalidades com suas próprias cultura musical, variedade de ferramentas. É necessário levantar a questão da introdução de instrumentos nacionais no processo educativo, para que todas as pessoas que vivem na Rússia possam desenvolver profissionalmente os seus instrumentos nacionais.
Em muitos instituições educacionais Conjuntos de instrumentos folclóricos russos começaram a ser criados em escolas de arte e em instituições de ensino pedagógico de vários níveis. Esses grupos ajudam a apresentar aos alunos a cultura nacional. Assim, em 1992, um conjunto de instrumentos folclóricos russos foi formado sob minha liderança no ginásio nº 1 da cidade de Ulyanovsk. Para mim, como professor de instrumentos folclóricos, foi extremamente importante formar uma equipe de alunos do ginásio apaixonados por tocar instrumentos folclóricos.O conjunto de instrumentos folclóricos tem um enorme potencial, pois pode atrair crianças para a música de diferentes idades que ainda estão em busca de realização criativa.Claro, a base do repertório era e é a melodia folclórica. O programa do conjunto incluiu tais famosos músicas folk como: “Vendedores ambulantes”, “Ah, seu dossel, meu dossel”, “Estepe, e estepe por toda parte” e outros. Os alunos poderiam executar peças simples na balalaica, domra, balalaica-contrabaixo ou instrumentos de percussão(caixa, maracás, pandeiro, colheres, etc.). Mas a programação do conjunto também incluía clássicos populares, obras pop, composições de jazz e músicas de filmes. Os integrantes do conjunto fizeram arranjos originais das obras que executaram. Folclórico instrumentos musicais ajudam a formar uma conexão entre a tradicionalidade e a percepção moderna da realidade através de formas performáticas.A natureza coletiva da atividade, metas e objetivos comuns, formam uma atitude consciente em relação ao assunto e um senso de responsabilidade para com os companheiros.No processo de execução de instrumentos folclóricos, cria-se um clima psicológico favorável que contribui para a divulgação das qualidades individuais e coletivas das crianças, tendo em conta características naturais crianças de diferentes idades, é criado um mecanismo opinião entre as crianças e o professor, forma-se um ambiente em desenvolvimento para a manifestação atividade criativa crianças. Esta atividade continua, mas dentro dos muros dos centros de criatividade infantil em Moscou.
Deve-se notar que crianças com diferentes formações musicais chegam ao conjunto de instrumentos folclóricos. Para aquelas crianças que não receberam educação primária Educação musical, na primeira fase é ensinada a notação musical elementar, os exercícios mais simples são dominados e obras musicais. E então, gradativamente, é feita uma transição para um nível técnico mais complexo de tocar o instrumento. Com uma preparação tão variada dos alunos, o repertório do conjunto é cuidadosamente selecionado para que cada participante possa executar a peça desde o primeiro ano de estudo. Por exemplo, para o acordeão de botões são tomadas as melodias folclóricas mais simples e o aluno executa apenas o acompanhamento harmônico do tema.
Quanto às obras, agora muitos compositores estão recorrendo música folclórica, escreve obras que são estilizações de canções folclóricas. Além de dominar o repertório folclórico, os alunos são convidados a se familiarizarem com outros estilos - clássicos, jazz, pop (“Bad Date”, “Tiko-tiko”, “Train to Chutanuga”). Assim, apresentar aos alunos vários estilos musicais contribui para a formação de um gosto musical versátil, audição melódico-harmônica e senso de conjunto.
Para desenvolver o gosto musical é importante ouvir as atuações de músicos de destaque e, por isso, planejamos sempre assistir a concertos, com foco na atuação em conjunto. Assistir a concertos juntos não apenas amplia seus horizontes musicais, mas também ajuda as crianças a se aproximarem emocionalmente umas das outras. Vida cultural Moscou permite que você faça uma escolha e elabore seu próprio plano de visitas a concertos, diversas competições e festivais.A música desenvolve o potencial espiritual dos alunos, pois a música, sendo um dos tipos específicos de arte, reflete a realidade através imagens musicais e sistemas de música meios expressivos, que de forma discreta e gradual tem um efeito profundo sobre mundo espiritual indivíduo, sua cultura interna.Ensine os alunos a distinguir entre autênticos trabalhos de arte dos escritos primitivos é a principal tarefa na formação de valores estéticos e universais.
O nosso conjunto participa também em concursos e festivais infantis nesta área a diversos níveis. Cada oportunidade de participar de uma competição criativa apresenta ainda mais a música às crianças, desenvolve o gosto musical, cultiva as qualidades de personalidade necessárias para a competição e a competição saudável, instila nas crianças trabalho árduo, coesão e ajuda-as a ganhar confiança em seus pontos fortes e habilidades.
Os meus muitos anos de experiência permitem-me afirmar com segurança que ao estudar num grupo de instrumentos folclóricos, as crianças familiarizam-se com toda a riqueza das formas e géneros musicais, com a cultura espiritual da sociedade, arte musical, o que sem dúvida tem um impacto profundo no desenvolvimento do bom gosto musical e no potencial espiritual e criativo da criança. Os resultados e a eficácia da educação musical são determinados não tanto pela forma como as pessoas são capazes de compreender e perceber a música, mas pela prontidão e preparação dos membros da sociedade para uma atividade criativa consciente e independente.
Literatura:
- Dolzhansky A.N. Breve dicionário musical. São Petersburgo, 2000
- Gottlieb A. Fundamentos da técnica de conjunto. M., 1989.
- Imkhanitsky M.Ts. Nas origens da cultura orquestral folclórica russa. M., 1984
Relatório metodológico
“Principais direções no trabalho com um conjunto”
Troshina Vera Timofeevna,
Professor de violão na Escola de Arte Infantil
Rtischevo, região de Saratov
Um conjunto é um grupo de artistas atuando juntos. A arte da performance em conjunto baseia-se na capacidade do intérprete de equilibrar a sua individualidade artística, o seu estilo de atuação com a individualidade da performance do seu parceiro. Um conjunto é uma forma coletiva de jogo, durante a qual vários músicos revelam conjuntamente o conteúdo artístico de uma obra através de meios performáticos. Atuar em conjunto envolve não apenas a capacidade de tocar juntos, mas outra coisa é importante aqui - sentir e criar juntos. Trabalhar em equipe envolve, sem dúvida, algumas dificuldades: não é tão fácil aprender a sentir-se parte do todo. Ao mesmo tempo, tocar em conjunto desenvolve uma série de qualidades profissionais valiosas no intérprete - disciplina o ritmo, dá uma noção do andamento certo, promove o desenvolvimento da audição melódica, polifônica e harmônica, desenvolve confiança e ajuda a alcançar estabilidade no desempenho. Sabe-se que quando um aluno atua solo com incerteza, gagueira, após jogar em conjunto, ele passa a jogar com mais segurança. Os alunos mais fracos começam a alcançar o nível dos mais fortes; a partir da comunicação prolongada entre si, todos se tornam melhores como pessoa, como indivíduo, uma vez que são cultivadas qualidades como compreensão mútua, respeito mútuo e senso de coletivismo. Pelo que foi dito, podemos concluir que um instrumentista que nunca tocou em conjunto está se privando de muito, pois os benefícios desse tipo de atividade são óbvios. Uma das condições mais importantes para um trabalho bem-sucedido é a capacidade de criticar você mesmo e seus companheiros. Sabe-se que a palavra “autocrítica” é mais fácil de dizer do que de colocá-la em prática. Mas você não deve apenas praticar, mas também não ser mesquinho com elogios, ser capaz de encorajar e inspirar. Há muito se observa que o elogio, mesmo que não totalmente merecido, estimula a atividade da maioria das pessoas. Uma criança precisa de autoconfiança. A regra básica do conjunto é “Um por todos, todos por um”, “O sucesso ou fracasso de um é o sucesso ou fracasso de todos”.
O ritmo como fator de unidade do conjunto
Entre os componentes que unem os alunos em um único conjunto, o ritmo metro talvez tenha o lugar principal. Na verdade, o que ajuda os músicos do conjunto (e pode haver dois ou mais deles) a tocar juntos, de modo que parece que uma pessoa está tocando. Esta é uma sensação de ritmo metro. Ele, em essência, desempenha as funções de um maestro no conjunto; o sentimento de batidas fortes de cada participante é aquele “maestro oculto”, cujo “gesto” ajuda a unir os membros do conjunto e, portanto, suas ações em um todo. A sensação das batidas fortes e fracas de um compasso, por um lado, e a certeza rítmica “dentro de um compasso”, por outro, são os alicerces sobre os quais se baseia a arte de tocar em conjunto. A unidade e sincronicidade do seu som é a primeira entre outras condições importantes. Se, se a execução dos componentes restantes for imprecisa, apenas o resultado artístico geral for reduzido, então, se o ritmo da métrica for violado, o conjunto entrará em colapso. Mas este não é o único significado do ritmo da métrica. Ele também é capaz de influenciar o lado técnico do desempenho. A certeza rítmica torna a execução mais confiante e tecnicamente confiável. Além disso, um aluno que joga de forma irregular está mais suscetível a todo tipo de acidentes, e os acidentes, como sabemos, levam à perda do equilíbrio psicológico e ao surgimento de ansiedade. Como podemos garantir que cada um dos participantes, ao executar a sua parte, fortaleça a base rítmica de todo o conjunto? É necessário trabalhar de forma sistemática e persistente nesse sentido. Num conjunto, é claro, pode haver intérpretes com um sentido de ritmo diferente. Você precisa começar cultivando um senso de ritmo absoluto, preciso e “metronômico”: este se tornará o princípio unificador do ritmo coletivo geral. É necessário que o conjunto tenha intérpretes ritmicamente estáveis. Então os outros começarão a gravitar em torno daqueles que são ritmicamente mais fortes.
Dinâmica como meio de expressão
Ao tocar em conjunto, você precisa ser econômico no gasto de recursos dinâmicos e gerenciá-los com sabedoria. Devemos partir do fato de que, por mais rico que seja o conjunto em instrumentos de timbre brilhante, uma de suas principais reservas, conferindo flexibilidade e sofisticação ao som, é a dinâmica. Diferentes elementos de textura musical devem soar em diferentes níveis dinâmicos. Tanto na pintura quanto na música, nada resultará se tudo tiver igual poder. Na música, como na pintura, existe um primeiro plano e um fundo. Tendo cultivado tal senso de dinâmica, o músico do conjunto determinará inequivocamente a força do som de sua parte em relação às outras. No caso em que o intérprete em cuja parte a voz principal soa toca um pouco mais alto ou um pouco mais baixo, seu parceiro reagirá imediatamente e executará sua parte também um pouco mais alto ou mais baixo. É importante que a medida destes “ligeiramente” seja precisa.
Como trabalhar de forma prática a dinâmica em conjunto. Primeiro você precisa aprender a jogar dentro de um ou outro sombra dinâmica absolutamente direto. Por exemplo, você pode pedir a todos os participantes que toquem uma nota ou escala em um P bemol (piano), depois em um f bemol, e assim passar por todas as etapas dinâmicas. É claro que a potência do som não é um conceito tão definido, assim como o tom mf de uma guitarra não é o mesmo que mf de um piano, fá de uma balalaica não é o mesmo que fá de um acordeão de botões. O intérprete deve cultivar um ouvido desenvolvido (microaudição), complementando a dinâmica com o conceito de microdinâmica, que significa a capacidade de registrar os menores desvios no sentido de aumentar ou diminuir a intensidade do som.
Tempo como meio de expressão
Determinando o andamento de uma peça – ponto importante nas artes cênicas. Um andamento escolhido corretamente contribui para a transmissão correta do caráter da música; um andamento incorreto distorce esse caráter em um grau ou outro. Embora existam instruções do autor para o andamento, até mesmo para determinar a velocidade usando um metrônomo, o andamento está “incorporado” na própria música. Rimsky-Korsakov também argumentou que “um músico não precisa de um metrônomo, ele ouve o andamento da música”. Não é por acaso que Bach, via de regra, não indicava nenhum andamento em suas composições. Dentro de uma peça, o andamento pode variar. “Não existe um ritmo tão lento que não existam locais que exijam aceleração... e vice-versa. Não existem termos correspondentes na música para definir isso; essas designações devem estar embutidas na alma” (V. Tolba).
Técnicas para alcançar sincronicidade no som do conjunto
A sincronicidade do som do conjunto deve ser entendida como a precisão da coincidência no tempo das batidas fortes e fracas de cada compasso, a máxima precisão na execução das menores durações por todos os membros do conjunto. Ao considerar o problema da performance sincronizada, três pontos precisam ser enfatizados: como começar uma peça juntos, como tocar juntos e como terminar uma peça juntos. O conjunto deve ter um intérprete que atue como maestro, às vezes deve apresentar introduções, lançamentos e desacelerações; O sinal para entrar é um pequeno aceno de cabeça, que consiste em dois momentos: um movimento ascendente quase imperceptível (auftakt) e depois um movimento descendente claro e bastante acentuado (raz). Este último serve como um sinal para aderir. O aceno nem sempre é feito da mesma maneira; tudo depende da natureza e do andamento da peça executada. Quando a peça começa atrás de uma batida, o sinal é essencialmente o mesmo, com a diferença que se na primeira versão houve uma pausa ao levantar a cabeça, neste caso é preenchido com o som da batida. Durante um ensaio, você pode calcular uma batida vazia, pode haver as palavras: “Atenção, prepare-se, vamos começar”, após a palavra “começar” deve haver uma pausa natural (como uma respiração). Para alcançar a sincronicidade no som do conjunto, depende muito da natureza da música. Percebe-se que em peças de caráter ativo e obstinado, essa qualidade é alcançada mais rapidamente do que em peças de caráter calmo e contemplativo. O mesmo pode ser dito em relação ao “início”.
Quase não há necessidade de enfatizar a importância de concluir o trabalho em conjunto, ao mesmo tempo:
a) o último acorde - tem uma certa duração - cada um dos músicos do conjunto conta as batidas métricas “para si” e toca o acorde exatamente no tempo.
b) acorde - acima do qual existe uma fermata, cuja duração deve ser determinada. Tudo isso é resolvido durante o processo de ensaio. O ponto de referência para remoção também pode ser um movimento - um aceno de cabeça.
Se a sincronicidade do intérprete é uma qualidade necessária em qualquer conjunto, então é ainda mais necessária numa variedade como o uníssono. Afinal, em uníssono, as partes não se complementam, mas se duplicam, embora às vezes em oitavas diferentes, o que não altera a essência da questão.
Portanto, as deficiências do conjunto são ainda mais perceptíveis. Tocar em uníssono requer unidade absoluta - ritmo métrico, dinâmica, traços, fraseado. Deste ponto de vista, o uníssono é a forma mais complexa de conjunto. A prova de unidade absoluta ao atuar em uníssono é a sensação de que, ao tocar junto com outros alunos, seu papel não é ouvido como independente. Infelizmente, pouca atenção tem sido dada a esta forma de tocar em conjunto. prática educativa. Enquanto isso, em uníssono, fortes habilidades de conjunto são formadas, e o uníssono também é interessante visualmente e em termos de palco.
Quando um aluno recebe pela primeira vez a satisfação do trabalho realizado em conjunto, sente a alegria de um impulso comum, do apoio mútuo, podemos supor que as atividades em sala de aula produziram um resultado de fundamental importância. Mesmo que esse desempenho ainda esteja longe de ser perfeito, isso não deve confundir o professor, tudo pode ser corrigido com mais trabalho. Outra coisa é valiosa: a linha que separa o solista e o instrumentista foi superada, o aluno sentiu a originalidade e o interesse da atuação conjunta.
Lista de literatura usada
1. N. Risol. Ensaios sobre como trabalhar em conjunto. – 1986. – Moscou.
2. A. Gottlieb. Primeiras aulas de conjunto.
3. P. Agafonina. Jogo escolar ativado violão de seis cordas. - Moscou. – 1983.
Prishchepa Natalya Alexandrovna
Instituto Estadual de Cultura e Artes da Faculdade de Lugansk
O papel do conjunto tocando nas classes primária e secundária nas aulas de piano
A brincadeira em conjunto é uma forma de atividade que abre as oportunidades mais favoráveis para um conhecimento abrangente e amplo de literatura musical. O músico executa obras de diversas estilos artísticos, autores, vários arranjos de ópera e música sinfônica. O acúmulo de um estoque de ideias auditivas vívidas e numerosas estimula a imaginação artística.
Tocar em conjunto promove o desenvolvimento intensivo de todos os tipos de audição musical (altura, harmônica, polifônica, dinâmica de timbre, interna).
Tocando um pouco na história do conjunto de piano, deve-se notar que este gênero começou a se desenvolver rapidamente na segunda metade do século XVIII com o advento do piano de martelo e suas novas capacidades: uma gama ampliada, a capacidade de gradativamente aumentar e diminuir a sonoridade, um ressonador de pedal adicional. A plenitude e a força do seu som aumentaram significativamente e cores de registro desconhecidas foram reveladas no início do século XIX. EU No século X, o conjunto de piano estabeleceu-se como uma forma independente e completa de fazer música. Surgiu uma literatura rica e variada. Quase todos os compositores escreveram para piano a quatro mãos. EU Séculos X e XX.
Existem dois tipos de conjunto de piano - em um ou dois pianos. O dueto de piano em dois pianos de cauda é mais difundido na prática de concertos profissional. Os dois instrumentos conferem aos intérpretes maior liberdade, independência no uso de registros, pedais, etc. As possibilidades do piano, graças à presença de dois intérpretes e dois instrumentos, são ainda mais ampliadas.
Tocar quatro mãos em um piano é praticado principalmente no campo da música caseira, autoeducação musical e atividades educacionais. A proximidade dos pianistas no mesmo teclado promove a unidade interna e a empatia. É graças ao conjunto que o repertório educativo e de concerto é repleto de obras brilhantes e interessantes criadas por compositores de diferentes épocas.
Todo professor conhece o amor das crianças por jogar a quatro mãos. Os alunos demonstram grande interesse por este tipo de produção musical, que é uma componente importante do processo educativo e que lhes proporciona grande prazer.
Tocando em conjunto, o aluno encontra pela primeira vez conceitos como sincronicidade, curso idêntico, equilíbrio dinâmico. Conhece conceitos como auftakt e pulsação intralobar. O domínio dessas habilidades é necessário para que o músico do conjunto comece o jogo junto com precisão, para entrar entre as seções da obra e também para obter um desempenho sincronizado em em um ritmo lento e nas pausas.
A criança adquire habilidades de tocar em conjunto durante as primeiras aulas de piano. Aqui podemos relembrar as palavras de G. Neuhaus, que disse: “Desde a primeira aula, o aluno está envolvido na produção musical ativa. Junto com a professora, ele representa peças simples que já possuem significado artístico. As crianças sentem imediatamente a alegria de perceber até mesmo um grão de arte. Fazer com que os alunos toquem músicas que lhes sejam familiares irá encorajá-los a desempenhar suas primeiras funções musicais da melhor maneira possível. E este é o início de um trabalho de imagem artística, que deverá começar em simultâneo com a formação inicial de piano.”
Assim, no início do treinamento, quando a criança está aprendendo a emitir sons individuais ou pequenos cantos em um instrumento, várias passagens musicais são ouvidas na parte do professor: indicativos de chamadas para transmissões musicais no rádio, ou uma imitação de uma música caixa, o toque dos sinos, etc. Assim, a criança desenvolve imediatamente uma imaginação sonora: imita facilmente os sons de um relógio de torre, cantos de cuco, efeitos de eco e muito mais. Por exemplo, D. Shostakovich “A Pátria Ouve”, E. Zakharov “Eco nas Montanhas”, “Crepúsculo da Noite”, “Relógio na Torre”, A. Alexandrov “Estrela”, V. Ovchinnikov “Os Sinos Estão Tocando” na coleção de I. Ryabov “ Passo a passo".
O aluno também pode executar diversos sons desenhados ritmicamente, como se estivesse acompanhando, apoiando a melodia que soa na parte do professor. Por exemplo, acompanhamentos de canções folclóricas russas “Kalinka” e Uma bétula ficou no campo”, “Winged Swings” de E. Krylatov na coleção de L.A. Barenboim "O Caminho para a Música". Devido ao rico acompanhamento, rico em cores melódicas e harmônicas, a performance torna-se colorida e viva.
Há algum tempo, quando a criança aprende a tocar as melodias mais simples, a professora surge e toca com ela acompanhamentos simples. Além disso, o material do conjunto pode ser trechos de desenhos animados ou canções populares acumuladas pela consciência e audição das crianças. Afinal, uma melodia associada a um texto é percebida com mais clareza e melhor lembrada. Por exemplo, “Canção do Filhote de Leão e da Tartaruga” de G. Gladkov, “Os brinquedos cansados estão dormindo” de A. Ostrovsky ou “O Fazedor de Ruído do Ursinho Pooh”, R. Borisov, E. Krylatov “Canção de Ninar do Urso”.
A princípio, o aluno pode simplesmente cantar a melodia com acompanhamento do professor. O aspecto educativo também é importante aqui: as crianças participam do processo criativo junto com o professor.
Deve-se notar que tocar em conjunto nesta fase pode ajudar a consolidar a gramática notacional e as habilidades articulatórias adquiridas - legato, staccato, não legato. Por exemplo, D. Watt “Os Três Porquinhos” - o traço staccato é fixo, como. bem como o sinal de reprise e o sinal de transferência uma oitava acima. Graças ao texto poético, frases musicais e sons percussivos são claramente audíveis. Vansembles “Papai Noel” e “Kitty” de V. Vitlin – consertamos o traço do legato.
Se na fase inicial do treino uma criança, tocando em conjunto, ouve o som de um novo fundo harmónico da parte do professor, as cores expressivas e figurativas do acompanhamento, então na fase subsequente do treino, no nas classes médias, a atenção do aluno é direcionada para a escuta dos elementos de polifonia, ritmos agudos e colorísticos, sons modais e harmônicos que caracterizam vários esquetes de gênero. Por exemplo, M. Glinka “Kamarinskaya”, N. Smirnova “Bolero”, M. Mussorgsky “Gopak” da ópera “Feira Sorochinskaya”, K. Weber “March”.
À medida que os desafios artísticos se tornam mais complexos, o mesmo acontece com os desafios técnicos do jogo cooperativo. Os alunos, tocando em conjunto, devem dominar um ritmo mais complexo, aprender a isolar o principal do som geral, transferir a linha melódica de uma parte para outra, pedalar corretamente, etc.
Portanto, a técnica de conjunto impõe exigências especiais aos intérpretes. A principal dificuldade é a capacidade de ouvir não apenas o que você toca, mas ao mesmo tempo o som geral de ambas as partes, fundindo-se em um todo organicamente unificado. Ao executar uma peça em conjunto, bem como uma peça solo, é necessário um estudo cuidadoso e detalhado do texto do autor.
Que tarefas, habilidades e habilidades a execução em conjunto inclui nas aulas de piano? Que métodos e métodos existem quando se trabalha a coerência em um dueto de piano?
A definição de “bom conjunto” significa coerência de desempenho e unidade de aspirações criativas dos participantes do conjunto.
Primeiro de tudo, precisamos falar sobre sentar atrás do instrumento. Ao contrário da performance solo, o pianista tem apenas metade do teclado à sua disposição. Os parceiros devem ser capazes de “compartilhar” o teclado e segurar os cotovelos para não interferirem um no outro, principalmente ao se aproximarem ou cruzarem vozes.
A questão da pedalada não é menos importante na execução em conjunto. Muitas vezes os alunos não sabem disso. É necessário explicar o que o intérprete da segunda parte pedala, pois geralmente serve como base da melodia. Nesse caso, você precisa ouvir com muita atenção o que está acontecendo na melodia. O efeito do pedal deve ser desenhado com muita clareza, pois devido ao uso inepto do pedal, a textura da linha do baixo, muitas vezes bastante densa, pode ficar ainda mais pesada. Se um aluno estiver executando a segunda parte, é útil sugerir que ele não toque nada, mas apenas pedale enquanto o professor ou outro aluno toca a primeira parte. Ao mesmo tempo, fica imediatamente claro que isso não é fácil e requer atenção e habilidade especiais.
Outra qualidade importante da execução em conjunto é a sincronicidade da execução, ou seja, uma compreensão e sentimento comuns por parte dos parceiros de andamento e pulsação rítmica. Parecia que o mais simples era começar a tocar juntos. Mas tocar dois sons ao mesmo tempo com precisão não é tão fácil, requer muito treinamento e compreensão mútua. O professor deve explicar ao aluno que para a entrada simultânea dos integrantes do conjunto pode ser utilizado um gesto discreto de um dos músicos do conjunto, o chamado swing do maestro ou auftaque. Com este gesto, é útil aconselhar os performers a respirarem simultaneamente. Isso tornará o início da performance natural e orgânico. Um acorde não tomado em conjunto produz a mesma impressão desagradável que um acorde não tomado em conjunto.
É importante falar imediatamente sobre as pausas, que têm um enorme significado expressivo. E subestimá-lo é uma deficiência comum entre os estudantes. As pausas são a respiração da música, que pode ser curta ou mais longa, mas sempre dura um certo tempo. O mais simples e método eficaz Para superar a tensão que surge nas pausas e o medo de perder o momento da introdução, é tocar a música que está tocando do seu parceiro. Então a pausa deixará de ser uma espera tediosa e será preenchida com um sentimento musical vivo. Desde os primeiros compassos da apresentação em conjunto, é necessário que os participantes concordem plenamente sobre os métodos de produção do som.
Também é necessário observar uma habilidade de conjunto como a transferência pelos parceiros entre si “de mão em mão” de passagens, melodia, acompanhamento, etc. O conjunto deve aprender a “pegar” uma frase inacabada e passá-la ao parceiro sem rasgar o tecido musical. Para isso, o aluno deve ser capaz de distribuir sua atenção: concentrá-la, dividi-la ou trocá-la no momento certo.
Ao trabalhar em conjunto, as questões relacionadas ao ritmo ocupam um lugar importante. Formar um senso de ritmo é a tarefa mais importante de um professor. Tocar em conjunto permite que você trabalhe com sucesso no desenvolvimento do senso rítmico. O conjunto exige dos alunos um ritmo confiante, impecável, que tem uma qualidade especial: deve ser coletivo, mas ao mesmo tempo natural e orgânico. As deficiências mais comuns dos alunos são a falta de clareza do ritmo e de sua estabilidade. A distorção do padrão rítmico ocorre mais frequentemente em ritmo pontilhado, ao mudar a duração, ao mudar o andamento. A falta de estabilidade rítmica está frequentemente associada a uma tendência à aceleração. Isso geralmente acontece quando a sonoridade aumenta de força ou em passagens rápidas.
Ao brincar com um professor, o aluno está dentro de um determinado quadro métrico-rítmico. Tocar em conjunto não só dá ao professor a oportunidade de ditar o andamento correto, mas também de formar o senso correto de andamento no aluno. É necessário alcançar precisão e clareza do padrão rítmico.
Deve ser dito sobre a dinâmica de execução. A faixa dinâmica da performance a quatro mãos não deve ser mais estreita, mas mais ampla do que na execução solo, porque A presença de dois pianistas permite que você use o teclado de forma mais completa e crie um som mais completo e rico do instrumento.
O repertório para conjuntos de piano pode ser dividido em composições originais especialmente criadas e transcrições de música sinfônica. EM processo educacional ambos os tipos podem ser usados. Obras orquestrais são excelentes materiais para leitura à primeira vista e atividades de desenvolvimento de habilidades. orientação rápida no texto musical. As peças originais do dueto requerem um polimento cuidadoso e completo da performance.
Os manuais modernos para estudantes iniciantes de piano incluem uma variedade de materiais para tocar a quatro mãos. As seguintes coleções são amplamente utilizadas na prática pedagógica: V. Ignatiev, L. Ignatiev “Quero me tornar um músico”, M. Sokolov “O Pequeno Pianista”, L. Barenboim, N. Perunova “O Caminho para a Música”, etc. .
No ensino médio, quando os alunos já dominam as habilidades básicas de tocar um instrumento, peças de jazz podem ser adicionadas ao repertório. As crianças gostam muito deles, desenvolvem os alunos ritmicamente, enriquecem as suas impressões auditivas com uma nova linguagem musical e harmonias jazzísticas. Por exemplo, M. Schmitz “Orange Boogie”, S. Joplin “Variety Artist”, N. Smirnova “In the Rain” e “Ragtime”.
O estilo de tocar jazz distingue-se pela sua produção sonora particularmente ativa e requer um toque especial e específico do intérprete.
Assim, o papel do conjunto na aprendizagem do piano é muito importante. Ela ensina tudo: ritmo, aprendizado rápido notação musical, entendendo a estrutura forma musical, atitude consciente em relação aos negócios, responsabilidade. Esta é a arte de dialogar com um parceiro, ou seja, entender uns aos outros, ser capaz de ceder na hora certa e ceder na hora certa. Se uma criança dominar essa arte durante o processo de aprendizagem, podemos esperar que ela domine com sucesso as especificidades de tocar piano.
Literatura
1.Alekseev A. D. Métodos de aprender a tocar piano / A.D. Alekseev -M.:Música,
1978. – 289 pág.
2. Neuhaus G.G. Sobre a arte de tocar piano / G.G. Neuhaus - M.: Música, 1982. - 299 p.
3. Sorokina E.G. Dueto de piano: História do gênero / E.G. Sorokina. – M.: Música,
1988. - 319s
4. Gottlieb A.D. Primeiras aulas do conjunto de piano / A.D. Gottlieb // Questões de pedagogia do piano [sob a direção geral de V. Nathanson.] – Edição 3. – M.: Música, 1971. -COM. 91-98.
