MOSCOU, 8 de janeiro. /Corr. RIA Novosti Elena Titarenko/. Muito brevemente, apenas até março de 2003, as pinturas de Wassily Kandinsky e Marc Chagall ocuparam o seu devido lugar na exposição da Galeria Estatal Tretyakov / Galeria Estatal Tretyakov /.
Várias pinturas, conhecidas em todo o mundo como obras-primas da vanguarda russa, fizeram uma breve parada em casa entre as viagens ao exterior. Hoje, as obras desses mestres são verdadeiras “estrelas”, quase constantemente em turnê por diversas partes do mundo. Assim, as telas de Kandinsky retornaram recentemente do Japão, onde foi realizada a maior exposição de últimos anos sua exposição pessoal.
Como disse Svetlana Maslova, pesquisadora sênior da Galeria Estatal Tretyakov, em entrevista à RIA Novosti, na Terra do Sol Nascente, a partir do legado do primeiro abstracionista, “tudo o que existe na Rússia foi mostrado”. Já na primavera, as pinturas irão para o Ocidente - para a Espanha. Durante todo o verão de 2003, a exposição Wassily Kandinsky estará aberta em Barcelona, em outubro mudará para Madrid, onde as telas da Rússia permanecerão até o final de janeiro de 2004.
Enquanto isso, os espectadores da capital podem ver novamente os clássicos de Krymsky Val - a famosa “Composição VII” /1913/, “Improvisação de Formas Frias” /1914/, “O Vago” /1917/, “Oval Branco” /1919/ , bem como o trabalho de Kandinsky período tardio- "Movimento" /1935/.
Perto dali, na exposição permanente “Arte do Século XX”, encontram-se pinturas de Chagall do período Vitebsk - época de descobertas criativas marcantes: “Acima da Cidade” /1914-1918/, “Lírios do Vale” /1916 /, “Casamento” /1918/ estão imbuídos de uma percepção reverente e fantasiosa da realidade russa. Três primeiras obras ilustram claramente o desenvolvimento do Mestre, que durante a sua vida se tornou uma lenda da arte do século XX. Na verdade, são obras icónicas - imbuídas de um temperamento poderoso, são marcadas pelo estilo único de Chagall que finalmente se desenvolveu naquela época.
Em março, a exposição pessoal de Chagall será inaugurada em Paris, na Galeria Nacional do Grand Palais. Em julho, a mesma extensa exposição estará exposta no Museu de São Francisco (EUA). Mas algumas pinturas da coleção da Galeria Tretyakov já foram para Amsterdã para a exposição “Sete Painéis de Marc Chagall”, disse Maslova.
judaico museu histórico exibe dentro de suas paredes exposições “choque” da Galeria Tretyakov - sete painéis de grande formato pintados em 1920 para decorar o interior do Judaico teatro de câmara em Moscou. “Introdução ao Teatro Judaico”, “Amor no Palco” e o friso “Refeição de Casamento”, bem como as famosas alegorias da Música, Dança, Teatro e Literatura - todas estas telas foram criadas dois anos antes de o artista deixar a Rússia para sempre.
Logo após o fechamento do teatro, os painéis também se encontraram “no exílio”: depois de permanecerem armazenados por mais de meio século, voltaram a ver a luz do dia apenas em 1991. Uma equipe de restauradores da Galeria Estatal Tretyakov, sob a liderança de Alexey Kovalev, tendo feito um trabalho titânico, salvou os painéis, e cada vez que sua exibição se torna um feriado para a Galeria Tretyakov.
E os próprios artistas - Wassily Kandinsky /1866-1944/ e Marc Chagall /1887-1985/, que deixaram a Rússia no início da década de 1920, e o destino de suas obras não foi fácil. Dois pioneiros da arte, equiparados a titãs do século 20 como Kazimir Malevich, Pavel Filonov, Natalya Goncharova e Vladimir Tatlin, foram durante muito tempo mais uma lenda do que uma realidade em sua terra natal. Seu patrimônio, guardado em museus nacionais, foi na verdade excluído da vida artística do país na URSS.
Pelo contrário, já eram conhecidos no estrangeiro antes da Primeira Guerra Mundial e, na década de 1930, a verdadeira fama chegou até eles. Ambos também sofreram perseguição: Kandinsky, em 1933, foi forçado a deixar a Alemanha, onde lecionou na famosa escola Bauhaus, expôs ativamente e até obteve a cidadania. Ele viveu até o fim de seus dias em Paris, onde Chagall também se estabeleceu em 1923.
Em 1937, foram unidos à revelia na Alemanha pela exposição “Arte Degenerada”, organizada pelos nazistas em Munique. Logo Chagall teve que deixar completamente a Europa - durante o Holocausto ele fugiu para os EUA.
Tal como outros líderes da arte inovadora na Rússia no século XX, ambos os artistas foram sujeitos ao silêncio na sua terra natal, o que foi agravado pela sua partida para emigrar. Os ideólogos oficiais da URSS mantiveram as suas pinturas trancadas a sete chaves, longe dos olhos do público, até que todo o antigo sistema de valores entrou em colapso. Embora a Galeria Tretyakov, o Hermitage e o Museu Russo tenham há muito tempo magníficas coleções de obras de Kandinsky e Chagall, que estão entre as mais valorizadas Período inicial, durante décadas eles “mantiveram-se em segredo” - a criatividade dos emigrantes não foi autorizada a ser promovida.
Foi somente em 1973, quando a fama de Chagall era verdadeiramente mundial, que sua exposição na Galeria Tretyakov foi “inaugurada” - então o próprio autor veio à Rússia pela primeira vez desde 1922. Kandinsky foi amplamente exibido apenas em 1989, embora algumas de suas obras tenham aparecido na aclamada exposição Moscou-Paris /1981/.
Até 1985, o minúsculo salão da Galeria Estatal Tretyakov parecia um avanço no espaço desconhecido da vanguarda, onde as obras dos maiores mestres da época eram expostas não às dezenas, o que teria sido bastante realista dada a riqueza de fundos, mas em uma ou duas fotos de cada vez.
Ao mesmo tempo, já na década de 70, os museus da URSS começaram a disponibilizar obras de pintores “proibidos” para exposições estrangeiras, que ostentavam os seguintes nomes característicos: “Trinta pinturas de museus soviéticos” /Paris, 1979/.
A verdadeira escala desses artistas foi demonstrada por retrospectivas pessoais realizadas em Moscou e Leningrado durante a onda pós-perestroika de preenchimento de lacunas na história. Arte russa. Depois as exposições de vanguarda viraram eventos, atraindo filas enormes.
No entanto, há cerca de 10 anos não é possível conhecer seriamente Chagall ou Kandinsky na Rússia: mesmo após a abertura da exposição do século XX, a Galeria Tretyakov mostra com mais frequência do que na pátria a herança dos “grandes” no exterior, onde é amplamente conhecido e procurado. Causando cada vez mais reverência, ambos os mestres expuseram na Europa e nos EUA tanto na década de 10 do século XX como na década de 20, e desde o início da década de 30, artistas da Rússia foram voluntariamente aceitos pelos melhores museus e galerias do Velho e Novos Mundos / eles não foram exceção nem mesmo em anos de guerra/.
Ao mesmo tempo, grandes colecionadores começaram a comprar as obras de Kandinsky - Solomon R. Guggenheim e Arthur J. Eddy /EUA/, Mitchell T. Sadler /Grã-Bretanha/, Willem Beffi /Dinamarca/. E já em 1937, suas telas apareceram no acervo do Museu Solomon R. Guggenheim /Nova York/, e depois em outros museus importantes arte contemporânea- Centro Georges Pompidou /Paris/, Galeria Lenbachhaus /Munique/. Seu colega mais jovem, Chagall, não era inferior a Kandinsky: seu legado é preservado pelo Museu Ludwig (Colônia) e pelo Museu de Arte de Basileia, museus de Londres, Jerusalém, Paris, Nova York, Montreal, etc., e pelo Museu Chagall. foi inaugurado em Nice.
O número de colecionadores particulares que possuem obras destes dois autores é quase impossível de contar. Ambos os mestres foram elevados à categoria de tesouros nacionais em vários países ao mesmo tempo - da Alemanha e França a Israel.
Destacados representantes da cultura russa, Kandinsky e Chagall pertencem à arte mundial do século XX, e seu legado pertence ao “fundo de ouro” da Galeria Tretyakov, do Museu Russo e de vários tesouros do interior russo. Suas obras são regularmente exibidas nos principais museus países diferentes. Exemplos recentes são as exposições internacionais "Kandinsky e Rússia" na Suíça, "Marc Chagall: Tradições Judaicas" na Espanha.
Marc Chagall. Acima da cidade. 1918, Moscou
As pinturas de Marc Chagall (1887-1985) são surreais e únicas. Seus primeiros trabalhos “Above the City” não são exceção.
Os personagens principais, o próprio Marc Chagall e sua amada Bella, estão sobrevoando sua terra natal, Vitebsk (Bielorrússia).
Chagall retratou a sensação mais agradável do mundo. O sentimento de amor mútuo. Quando você não consegue sentir o chão sob seus pés. Quando você se torna um com seu ente querido. Quando você não percebe nada ao redor. Quando você simplesmente voa de felicidade.
Plano de fundo da imagem
Quando Chagall começou a pintar Acima da Cidade em 1914, ele e Bella se conheciam há 5 anos. Mas 4 dos quais eles passaram separados.
Ele é filho de um pobre trabalhador judeu. Ela é filha de um rico joalheiro. Na hora do encontro, uma candidata totalmente inadequada para uma noiva invejável.
Ele foi para Paris para estudar e fazer seu nome. Ele voltou e alcançou seu objetivo. Eles se casaram em 1915.
Esta é a felicidade que Chagall escreveu. A felicidade de estar com o amor da sua vida. Apesar da diferença de status social. Apesar dos protestos da família.
Os personagens principais da imagem
Com o vôo tudo fica mais ou menos claro. Mas você pode se perguntar por que os amantes não se olham.
Talvez porque Chagall representasse almas pessoas felizes, não seus corpos. E, de facto, os corpos não podem voar. Mas as almas podem muito bem.
Marc Chagall. Acima da cidade (fragmento). Galeria Tretyakov 1918, Moscou
E as almas não precisam olhar umas para as outras. O principal para eles é sentir unidade. Aqui nós o vemos. Cada alma tem uma mão, como se realmente estivessem quase fundidas em um único todo.
Ele, como portador de uma força mais forte masculinidade, escrito de forma mais aproximada. De forma cúbica. Bella é femininamente graciosa e tecida com linhas arredondadas e suaves.
E a heroína está vestida de roupa macia Cor azul. Mas não se confunde com o céu, porque é cinza.
O casal se destaca bem no fundo desse céu. E parece que é muito natural voar acima do solo.
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Imagem da cidade
Parece que vemos todos os sinais de uma cidade, ou melhor, de uma grande aldeia, como Vitebsk era há 100 anos. Há um templo e casas aqui. E um edifício ainda mais pomposo com colunas. E, claro, muitas cercas.
Marc Chagall. Acima da cidade (detalhe). Galeria Tretyakov 1918, Moscou
Mas ainda assim a cidade é um pouco diferente. As casas são deliberadamente distorcidas, como se o artista não conhecesse perspectiva e geometria. Uma espécie de abordagem infantil.
Isso torna a cidade mais fabulosa e parecida com um brinquedo. Fortalece nosso sentimento de estar apaixonado.
Na verdade, neste estado, o mundo ao redor está significativamente distorcido. Tudo fica mais alegre. E muitas coisas não são notadas. Os amantes nem percebem a cabra verde.
Por que uma cabra é verde?
Marc Chagall adorou a cor verde. O que não é surpreendente. Afinal, essa é a cor da vida, da juventude. E o artista era uma pessoa com uma visão de mundo positiva. Basta olhar para sua frase “A vida é um milagre óbvio”.
Ele era um judeu hassídico de origem. E esta é uma visão de mundo especial que é incutida desde o nascimento. Baseia-se no cultivo da alegria. Os hassidim deveriam até orar com alegria.
Portanto, não é de surpreender que ele tenha se retratado com uma camisa verde. E a cabra ao fundo é verde.
Marc Chagall. Fragmento com cabra verde na pintura “Acima da Cidade”.
Em outras pinturas ele tem até rostos verdes. Portanto, uma cabra verde não é o limite.
Marc Chagall. Violinista verde (fragmento). 1923-1924 Museu Guggenheim, Nova York
Mas isso não significa que se for uma cabra, deva ser verde. Chagall tem um autorretrato onde pinta a mesma paisagem da pintura “Acima da Cidade”.
E há uma cabra vermelha. A pintura foi criada em 1917, e o vermelho, cor da revolução que acabava de eclodir, penetra na paleta do artista.
Marc Chagall. Autorretrato com paleta. Coleção particular de 1917
Por que existem tantas cercas?
As cercas são surreais. Eles não enquadram os pátios como deveriam. E estendem-se numa linha interminável, como rios ou estradas.
Na verdade, havia muitas cercas em Vitebsk. Mas, claro, eles simplesmente cercaram as casas. Mas Chagall decidiu colocá-los em fila, destacando-os assim. Tornando-os quase um símbolo da cidade.
É impossível não falar desse cara sem vergonha debaixo da cerca.
É como se você olhasse a foto primeiro. E sentimentos de romance e leveza cobrem você. Mesmo uma cabra verde não estraga muito a impressão agradável.
E de repente o olhar tropeça em um homem em pose indecente. A sensação de idílio começa a desaparecer.
Marc Chagall. Detalhe da pintura “Acima da Cidade”.
Por que o artista adiciona deliberadamente uma mosca na pomada?
Porque Chagall não é um contador de histórias. Sim, o mundo dos amantes é distorcido e parece um conto de fadas. Mas esta ainda é a vida, com seus momentos comuns e mundanos.
E também há lugar para o humor nesta vida. É prejudicial levar tudo muito a sério.
Por que Chagall é tão único?
Para compreender Chagall, é importante entendê-lo como pessoa. E seu personagem era especial. Ele era pessoa fácil, descontraído, falante.
Ele amava a vida. Acreditei em amor verdadeiro. Ele sabia como ser feliz.
E ele realmente conseguiu ser feliz.
Sorte, muitos dirão. Não acho que seja uma questão de sorte. E com uma atitude especial. Ele estava aberto ao mundo e confiava neste mundo. Portanto, quer queira quer não, eu atraí as pessoas certas, os clientes certos.
Daí o casamento feliz com sua primeira esposa, Bella. Emigração bem sucedida e reconhecimento em Paris. Longo, muito longo vida longa(o artista viveu quase 100 anos).
Claro, podemos recordar a história muito desagradável de Malevich, que literalmente “tirou” a escola de Chagall em 1920. Tendo atraído todos os seus alunos com discursos muito brilhantes sobre o Suprematismo*.
Foi também por isso que o artista e a sua família partiram para a Europa.
E daí? Devo confessar - c "est cativante. [É encantador (francês).] Não há nada a ser feito. Esta é a arte que eu deveria abominar ao extremo. Isso é o que odeio em todas as outras áreas da vida (não tenho ainda não esqueci como odiar), com o qual, apesar de todo o meu cansaço mental, ainda não consigo conciliar - e no entanto cativa, diria mesmo, encanta, se nos atermos ao significado exacto desta palavra. contém algum tipo de feitiço secreto, algum tipo de magia que, como o haxixe, atua não apenas além da consciência, mas também apesar dela<...>
Chagall recebeu o Prêmio Carnegie. Isto já é uma espécie de consagração global. [Confissão (francês).] Mas mesmo antes disso, há décadas, ele é um daqueles artistas cujos nomes se tornaram mundialmente famosos, sobre os quais os críticos não escrevem senão usando fórmulas carimbadas e prontas, e esta é uma expressão da maior veneração. Chagall era um verdadeiro vedeta, como, digamos, Chaplin. E este reconhecimento pode ser considerado bem merecido. Ele realmente combina com a época, desperta nas pessoas sentimentos que por algum motivo elas são atraídas a vivenciar. Ainda é possível encontrar nesta arte elementos de obsessão demoníaca ou de ação de forças impuras, mas não é permitido falar sobre isso, e se for permitido, então apenas em tom irônico, ou como uma espécie de “alegoria”. Sem dúvida, há algo em comum entre a obra de Chagall e a obra de todos os tipos de artistas demoníacos da Idade Média, alguns dos quais praticavam “decorar” as catedrais mais sagradas com todo tipo de diabrura escultórica, outros cercavam as miniaturas de oração livros com as caretas mais imprudentes e maliciosas. Grandes mestres da pintura como Bosch ou o velho Bruegel, como Schongauer e como Grunewald foram levados pela mesma diabrura - e com todos eles Chagall tem pelo menos isto em comum: ele se submete completamente à arbitrariedade de sua imaginação; que ele escreve tudo o que lhe vem à cabeça; que ele geralmente está dominado por algo que desafia qualquer definição razoável. No entanto, o que distingue as criações de Chagall do simples absurdo e das brincadeiras e da criatividade delirante dos loucos é precisamente o seu encanto genuíno.
A presente exposição (inaugurada na galeria 12 de maio, rue Bonaparte) confirmou mais uma vez em mim a minha atitude para com a arte de Chagall (fui um dos primeiros a apreciar esta arte há um quarto de século), e ao mesmo tempo dissipou a dúvida que se instalou em mim; Chagall não é esnobe? Ele se tornou um charlatão, ele, movido pelo sucesso, se transformou em um trapaceiro banal que vende o que antes lhe dava verdadeira inspiração? Tais questões poderiam naturalmente penetrar na alma, já que o repertório de Chagall ainda é limitado e tudo o que ele faz é repetir os mesmos temas.
Assim, nesta exposição vimos novamente os mesmos judeus barbudos voadores, amantes reclinados no sofá, noivas brancas, acrobatas, gentis efebos com buquês, anjos esvoaçantes, violinistas patéticos curvados, e tudo isso intercalado com uma espécie de cabra brincalhona, com galinhas gigantes , bezerros e cavalos apocalípticos. E em termos de fundo, é novamente o mesmo céu negro com halos multicoloridos da luminária, as mesmas casas de um buraco sujo de um sertão terrível, a mesma neve derretida, ou caixilhos de janelas, arbustos verdes, relógios de parede, castiçais de sete braços, tori. Apenas a disposição desses vários elementos muda e o formato da imagem muda. Aparentemente, o artista simplesmente não pode prescindir de alguns desses detalhes essenciais, e eles se infiltrarão em sua composição, que lhe parece inacabada, até que tal cabra violinista ou mensageiro alado encontre um lugar para si.
Fui à exposição sem muita vontade, antecipando justamente essas repetições, que ao longo dos anos de convivência com a obra de Chagall se tornaram muito enfadonhas. Mas esta nova demonstração de um “exercício com um número limitado de adereços” não só não me incomodou, como me cativou e, o mais importante, esta sessão não deu a impressão de um truque ou mesmo de um truque mecânico completamente insensível. Cada pintura, cada desenho de Chagall ainda tem vida própria e, portanto, sua razão de ser De alguma forma, tudo isso, mesmo o mais familiar, não toca nem é um arrependimento como “aqui está um talento tão maravilhoso,”. e então ele se desperdiça, então ele se limita.” Chagall simplesmente permaneceu fiel a si mesmo, caso contrário ele não pode criar. Mas quando ele pega seus pincéis e tintas, algo passa por cima dele, e ele faz o que seu chefe lhe diz. então acontece que a culpa é da divindade se tudo acabar igual.
Mas esta divindade, claro, não é Apolo. O que há de mais sedutor e certamente sedutor em Chagall são as cores, e não apenas sua combinação, mas as próprias cores, cada cor isoladamente. Essa maneira de aplicar a tinta é encantadora, o que chamamos de textura. Mas estas delícias coloridas não são de forma alguma de origem apolínea. Não há neles nenhuma melodia harmoniosa, nenhuma harmonia bem estabelecida, não há tarefa ou implementação de qualquer ideia. Tudo surge ao acaso e é impossível encontrar intenções ou leis nesta improvisação contínua. Há inspiração mais do que suficiente, mas a inspiração é da ordem que os artistas que têm total controle de sua criatividade tratam com certa condescendência. Por que não deveria existir tal arte, por que não apreciá-la? Divertimo-nos com desenhos de crianças ou amadores e muitas vezes gostamos de produtos inúteis. Arte folclórica- tudo em que opera o instinto direto e em que não há consciência reguladora. Além disso, é até útil desfrutá-lo, é refrescante, dá novos impulsos. Mas o início apolíneo começa apenas a partir do momento em que o instinto dá lugar à vontade, ao conhecimento, a um sistema conhecido de ideias e, finalmente, à influência de toda uma cultura tradicional.
Até o início do século XX, tudo isso era considerado verdadeira arte; Os museus apresentam-nos a história desta arte e, por causa desta arte, estes museus adquiriram vida moderna a importância de repositórios inestimáveis, quase templos. Neles nos comunicamos com as mentes mais elevadas e profundas (mesmo que essas mentes às vezes sejam expressas de formas muito estranhas e estranhas, ou mesmo simplesmente condescendam com piadas, com bufonaria). Mas uma estranha impressão será causada nesses mesmos museus pelas pinturas de Chagall e de outros artistas, nascidas de nossa era confusa e sem saber, um quel saint se vouer [Qual santo adorar (francês).]. Eles expressarão, é claro, a sua época e até o farão melhor do que quaisquer pinturas de natureza mais razoável e sóbria, ou pinturas que traem maior formação. No entanto, duvido que as gerações futuras fiquem cheias de respeito pela nossa época depois de conhecê-la, e comecem a olhar para nós da mesma forma que olhamos para as várias fases passadas do passado humano - com ternura, com ternura e até inveja. Pessoas piedosas destas futuras (que misteriosas!) gerações, lendo a alma do nosso tempo nestas obras mais típicas para ele (das pinturas de Chagall, entre muitas outras coisas), prefeririam considerar uma sorte que tal pesadelo tenha se dissipado, e se voltará para o céu com uma oração que não repetiu.
Gostaria de destacar uma das pinturas da exposição real de Chagall. Se não é menos apavorante que os outros, se é muito característico de Chagall, se nele domina o princípio da improvisação, então parece-me que é mais grave do que qualquer outra coisa, é sem dúvida sofrido, e sente-se que, ao criá-la, a artista, em vez de recorrer à habitual excitação criativa, que tem em comum com uma sonolência agridoce, foi despertada por algo, seriamente assustada e indignada. Não há dúvida de que a razão para a criação desta visão foram acontecimentos reais<…>No entanto, o próprio significado do símbolo apresentado não está claro para mim. Por que exatamente o pálido cadáver de Cristo pregado na cruz corta a escuridão e se espalha pela imagem em um brilho branco?! Vários outros símbolos também são incompreensíveis (incompreensíveis precisamente como símbolos) que estão espalhados pela imagem. Porém, em geral, essa “visão” surpreende e subordina a atenção. A presença de Cristo deveria ser interpretada como um raio de esperança? Ou isso é um sacrifício expiatório diante de nós? Ou foi feita uma tentativa de expor o culpado de inúmeros problemas? Outros acreditavam que todos os problemas que se abateram sobre a humanidade ao longo dos longos séculos da era cristã são frutos diretos daquele ensinamento que, pregando a misericórdia e o amor, experiência real acarretou consequências mais cruéis e malignas do que tudo o que o precedeu.
Não sei como resolver o problema. A imagem em si não contém uma resposta, e não pretendo recorrer ao próprio criador para comentários orais (se ele desejasse fazê-los). Mas uma coisa, de qualquer forma, permanece indiscutível. A pintura “Cristo” apresenta algo extremamente trágico e que corresponde plenamente à abominação da época que vivemos. Este é um documento da alma do nosso tempo. E isso é algum tipo de choro, algum tipo de choro, isso é verdadeiro pathos! Talvez esta imagem também signifique uma viragem na própria obra de Chagall, o seu desejo de se afastar dos seus anteriores “prazeres sedutores”, e neste caso podemos esperar dele outras revelações semelhantes no futuro. Chagall é um artista genuíno, e o que ele diz com toda a sinceridade será sempre significativo e interessante.
Um salão inteiro da Galeria Tretyakov em Krymsky Val é agora dedicado a Marc Chagall, uma lenda da vanguarda russa, um dos artistas mais importantes da arte mundial do século XX. Pela primeira vez após a restauração, será possível ver todo o ciclo de painéis criados pelo mestre para o Teatro Judaico, e não só.
A coleção Tretyakov contém uma grande coleção de gráficos de Marc Chagall, incluindo ilustrações de “Dead Souls”, que o autor doou pessoalmente à galeria, mas não há muitas pinturas - apenas 12. Mas algumas são verdadeiros sucessos. Um deles - “Acima da Cidade” - vale a pena. A série de painéis criados por Chagall para o Teatro Judaico é muito procurada. Eles foram vistos em quarenta e cinco cidades ao redor do mundo, mas em suas paredes nativas, como parte de uma exposição permanente, serão exibidos juntos pela primeira vez. Esta série foi criada por Chagall na década de 20, quando ele deixou sua cidade natal, Vitebsk, e a escola que criou após desentendimentos com Kazimir Malevich, mudou-se para Moscou e imediatamente recebeu um grande pedido.
“Chagall disse imediatamente que iria pintar um grande painel e iria pintar essas coisas para fazer uma espécie de diapasão, uma introdução ao teatro, e que com a sua pintura queria combater as barbas postiças, o naturalismo que existia no teatro”, diz o curador do departamento de pintura final do século XIX- Galeria Tretyakov do início do século 20, Lyudmila Bobrovskaya.
O artista trabalhou na decoração durante dois meses, criou nove painéis, embora apenas sete tenham sobrevivido. O maior deles é “Introdução ao Teatro Judaico”. O destino dessas obras de Marc Chagall é difícil, assim como o destino do próprio Teatro Judaico, que mudou e foi totalmente fechado em 1949. Depois as obras foram parar na Galeria Tretyakov e esperaram muito tempo pela restauração.
“Em 1973, quando Chagall veio a Moscou, ele veio até nós e eles lançaram essas coisas para ele no Serov Hall. Ele ficou extremamente feliz - não esperava que eles estivessem vivos, e até assinou algumas coisas, eles não estavam lá. Ele não via seus trabalhos como trabalhos de cavalete”, explica Lyudmila Bobrovskaya.
Marc Chagall muitas vezes enfatizou sua nacionalidade - ele escreveu poesia em iídiche, criou vitrais para uma sinagoga, mas é difícil chamá-lo de artista judeu, ele ainda é um cosmopolita, seu linguagem artística compreensível em todos os continentes. Por exemplo, os japoneses o amam muito, e já o amam há muito tempo. Na Terra do Sol Nascente, as filas se alinham para ver suas exposições.
Chagall, em princípio, não se juntou a nenhum grupo; é difícil chamá-lo de adepto de qualquer direção particular, embora dissesse a si mesmo: “Sou realista, amo a terra”. Chagall pode ser chamado de artista de contos de fadas, as origens de seu trabalho estão na infância, quando parece que tudo é possível. E uma cabra pode ser verde e as pessoas podem voar alto nas nuvens.
Ele viveu quase um século, foi comissário soviético, mas ganhou fama mundial no exílio. A maior exposição de pinturas de Marc Chagall foi inaugurada em Moscou. Chama-se "Olá Pátria": artista famoso- nosso compatriota.
Ele nasceu no final do século retrasado em Vitebsk. As telas foram trazidas literalmente de todo o mundo: de museus russos e estrangeiros, bem como de coleções particulares. Os visitantes da exposição verão as obras de Chagall reunidas pela primeira vez - desde as primeiras obras de Vitebsk até obras-primas do período francês.
Nosso correspondente Alexander Kazakevich foi um dos primeiros a ver a exposição. Ele caminhou pelos corredores da Galeria Tretyakov com as netas do grande mestre.
O anúncio é tão oficial que hoje é inaugurada a maior exposição de Marc Chagall. Na verdade, a exposição foi inaugurada um pouco antes, quando duas de suas netas vieram de Paris. Eles caminharam fascinados entre a gigantesca exposição ainda desmontada. Eles se demoraram especialmente nos retratos de Bella Chagall, sua avó russa.
Meret Mayer, neta de Chagall: “Esta é minha avó, mas a figurinha é minha mãe, ela provavelmente tem apenas um ano aqui”.
Esses voos mágicos e os abraços de Bella se tornaram o tema favorito de Mark Zakharovich. Maret sabe que é muito parecida com a avó.
Meret Mayer, neta de Chagall: “Conheci minha avó apenas pelas pinturas. Esta é a minha preferida, ela estava sempre na casa dos meus pais e sempre senti quanta ternura e amor vinha dela.”
Bella Mayer, neta de Chagall: “Recebi o nome da minha avó, então ela era o meu ideal, que sempre imitei”.
Mas foram as netas que tiveram que dizer se era possível ou não arrecadar o máximo pinturas famosas mestres de todo o mundo - da Galeria Tretyakov, do Museu Russo em São Petersburgo, museus de Nova York, Paris, Nice, coleções particulares. Chagall nunca foi coletado tão completamente antes.
EM Galeria Tretyakov há uma atitude especial em relação a Chagall; aqui o chamam de “ganha-pão”, porque mesmo nos momentos mais difíceis suas pinturas eram sempre convidadas a participar de exposições ocidentais - isso era pago e reabastecia o pequeno orçamento da Galeria Tretyakov.
Há muitos detalhes íntimos aqui para os funcionários da galeria. Estas são as obras de Chagall para o teatro judaico. Quando voou para a URSS em 1973, chorou ao ver que estavam preservados e deu autógrafos nas obras, confundindo as letras latinas e o alfabeto cirílico de empolgação.
Ekaterina Selezneva, curadora da exposição: “Todos nós devemos a Chagall, e é por isso que hoje lemos o título como “Olá, Chagall”.
Um homem misterioso e sua arte mágica. Ele comparou Paris a Vitebsk, de onde teve que emigrar, e suas obras com as de Charlie Chaplin. Ele também lembrou o século XX de homem pequeno em suas alegrias e em seu amor. Chagall escreveu: “Talvez a Europa me ame, e com ela a minha Rússia”. Para ver essas pinturas juntos em Moscou, verdadeiros conhecedores de Chagall voaram da Europa e da América. Por exemplo, de acordo com o seu testamento, a "Trindade" de Chagall está proibida de ser retirada do Museu de Nice. Mas aqui está ela em Moscou. Como uma exceção. E todos os visitantes entendem que mais uma vez semelhante fenômeno global senhores à sua terra natal não podem ser repetidos.
