Bazen koro şefi koro şeflerini önceden dürüstçe uyarır: Bu ve bu cümle arasında bir nefes alamazsınız. Zincirle şarkı söyle. Bazen böyle bir uyarı, kenetlenmiş parmaklar gibi bir tür keironomik sembolle çoğaltılır (sık sık gözlemledim). gerçekten). yardımcı olmuyor İlahi söyleyenlerin yarısı hala belirtilen yerde nefes alıyor ve liderlerinin haklı gazabına neden oluyor.
Yukarıdaki yöntemler işe yaramaz. Naipin "astları" ile iletişimi yalnızca entelektüel işbirliği içinde ifade edilmemelidir - "dedim ama anladınız." Vekilin jestinin şarkıcının vücudu üzerindeki etkisi, eller nefes almayı, bağları, rezonatörleri ve vücudun diğer kısımlarını herhangi bir sözlü ikame olmaksızın kontrol ettiğinde, bilinçaltı bir seviyede gerçekleşir.
Zincir solunumu ile ilgili olarak, bu şu anlama gelir.
Herhangi bir koro uygulayıcısı, zincirleme nefes almanın fizyolojik bir çaba olduğunu bilir. Bu, şarkı söylemenin ihlaline yol açmayacağı doğal hava alma arzusunun üstesinden gelmektir - kelimeler arasındaki boşluklarda, hatta kısa olanlarda. Ve bu teknik bir çaba olduğu için, naip, gösterisinde bu çabayı kendi elleriyle iletmek zorundadır.
Akademik yöntem oldukça yeterli ve basittir. Ancak, basılı baskı kendi ellerimle göstermeme izin vermediğinden, mecazi olarak yapmaya çalışacağım:
Az önce söylediğin cümlenin son sesini elinde tutuyorsun.
Bu sesin yukarıdan yakaladığınız tuğlalar olduğunu hayal edin (ve ilahilerinize gösterin).
Müzik ifadelerinin birleştiği yerde, uygun çabayla, bu tuğlaları önünüzde duran bariyerin (5 ila 10 cm yüksekliğinde) üzerinden yavaşça aktarın.
Onları bir sonraki cümlenin ilk vuruşuna bırakın.
Bu kadar. Şarkıcıları yaklaşan zincir nefes hakkında bilgilendirmeye gerek yok, onu ellerde "yaşamak" gerekiyor. Bunu çözmedeki asıl şey, aktarma çabasını taklit etmek değil, onu gerçekten, kaslı bir şekilde yaşamaktır. Vücudunu ellerinize emanet eden şarkıcı, taklide inanamayacak.
ses saldırısı
Bir saldırı, bir sesin başlangıcıdır, bağların kapanmasının doğasını, şarkı söyleme nefesinin kalitesini ve ses oluşumunu etkiler.
Yanlış saldırı - yanlış tonlama.
Saldırı üç türe ayrılır:
* yumuşak - bağların kapanması sıkı değildir, ekshalasyon ile birlikte ses oluşumu sırasında meydana gelir
* sert - bağlar sıkıca kapalıdır, ses oluşumu, subglottik havanın kapalı bağlardan “atılımıdır”
* aspirasyon - ekshalasyonun başlamasından sonra ses tellerinin kapanması, sonuç olarak ünsüz "x" şeklinde kısa bir inhalasyon oluşur
Aşağıdaki koşullara uyulmalıdır:
* Gelen bir grup koro sesi aynı türde ses saldırısı kullanmalıdır
* Bir sese saldırmadan önce, sesin yüksekliğini, gücünü, sesin doğasını, sesli harfin şeklini zihinsel olarak hayal etmeniz ve ardından sesi kolayca ve özgürce almanız gerekir.
* Sese saldırırken giriş ve gürültü tınıları olmamalıdır.
Yavaş, gevşemiş bir ses oluşursa, sert bir saldırı kullanılır.
Sıkıştırılmış sesi serbest bırakmak için aspire edilmiş solunum egzersizleri kullanılır.
İpucu - Koroyu önceden söyleyin!
yüksek notlar
Yüksek veya garip notadan önceki not, bir sonraki zor notla aynı şekilde alınan bir sıçrama tahtası olmalıdır. Hem sondaj yerini hem de ağzın pozisyonunu hazırlamak gerekir. İyi hazırlanmış - not kendi kendine görünecektir (başka bir durumda aynı zor not farklı, daha kolay alınabilir).
Özellikle sesliyse veya iyi yankılanmasına yardımcı oluyorsa, önündeki ünsüzü açıkça telaffuz ederek rahatsız edici bir not almanıza büyük ölçüde yardımcı olur.
Yüksek notalarda şarkı söylemeye kendinizi kaptırmayın, onları hızlı pasajlara alın ve en önemlisi - bağırmayın - zarar verin.
Bir duraklamadan sonra yüksek bir not geliyorsa ve onu özel bir atakla almanız gerekiyorsa, bir önceki notadaki gırtlak pozisyonunu korumaya çalışmalı ve nefes almaya devam ederken bunu unutmamalı, kaybetmemelisiniz.
Lvov mecazi olarak, her şarkıcıya yalnızca kesinlikle sınırlı sayıda aşırı üst ses tahsis edildiğini ve bu nedenle son derece ekonomik olarak “harcanması” gerektiğini söyledi.
Sesin perdesi voltaj ile doğru orantılıdır ancak dinleyicinin bunu hissetmemesi gerekir.
Genç şarkıcının hatası dikkatsizce, dikkatsizce önceki sesleri söyledi ve en iyi sesi "alma" arzusu. Bir cümlenin dikkatsizce söylenen bir sonu, kaçınılmaz olarak, bir sonrakinin üst başlangıcı için ses aygıtının sarsıcı bir yeniden yapılanmasına yol açar. Bu, şarkı söylemeyi pürüzsüzlükten ve ses düzgünlüğünden yoksun bırakır.
Sağlam pozisyonun bütünlüğünün korunmasını yorulmadan izleme alışkanlığına sahip olmak gerekir. Bu, üst seslere bir ipucu geliştirmeyi kolaylaştıracaktır.
“... kıskacı yüksek sesle çıkarmak için, gırtlak ve yutağı esneme sırasında yaptığınız gibi tam olarak yerleştirmeniz gerekir.”
Aşırı yüksek sesler yapmak gerekiyorsa, sesin yüksek bir pozisyonunda geri çekilmiş bir mide ve aşırı açık bir farenks ile çok konsantre nefes almak gerekir.
Ses "delici" bir izlenim yaratmalıdır
Üst seslerin eğitimi sadece alt notalardan başlamayı gerektirmez, tam tersine çok tehlikelidir. Aynı zamanda, ses üst notalara geçtiğinde, ses çıkarımına kas elemanlarını dahil etme riskiyle karşı karşıyayız, bu da fonksiyonel inhibisyonun bir resmini oluşturabilir ve yüksek tonların daha da gelişmesini geciktirebilir, çünkü kaslar notaya dahil edilmiştir. tüm kütleleri ile çalışırlar ve ses yükseldiğinde üst seslerin oluşumuna tam olarak katılmaya çalışırlar. Bu, çalışmak için bir engeldir ve bu nedenle kas elemanlarının katılımı yüksek notaların oluşumu bireysel olarak sınırlandırılmalıdır.
Kapalı ses. Beyaz ses. Belcanto
Kapalı bir sesle şarkı söyleme tarzının özü, örneğin "I", "E", "A" gibi bazı ünlülerin "Y", "E", "O"ya yaklaşarak söylenmesi gerçeğinde ifade edilir. , yani yuvarlaktırlar. Büyük ölçüde, bu vurgulanmamış sesli harfler için geçerlidir.
Ağız çok geniş açılmamalıdır - bu "beyaz" bir sese neden olabilir.
Tüm şarkıcıların artikülatör aparatları, verilen sesli harfe (ağız, dudaklar, dil, dişler, yumuşak ve sert damak) karşılık gelen formu almalıdır.
Üst, baş kaydının sesleri özellikle dikkatli yuvarlama gerektirir. Ağız boşluğu yuvarlamada önemli bir rol oynar.
Yuvarlama, ağzın rezonatör boşluğunun genişlediği ve kubbeli bir şekil aldığı için üst damağın maksimum yükselmesi ile elde edilir.
Uygulamada "örtük" derecesi akademik şarkı söyleme son derece farklı olabilir.
Bazı şarkıcılara göre medyumdaki tınıyı değiştirmekten kaçınmak için önceki notaları yumuşatmak ve sonraki notları güçlendirmek gerekir, bu da iradenin çabalarına oldukça uygundur.
Neşeli şeyler, nahoş, kaba ve boğazı yoran “beyaza” dönüşmeden daha hafif bir sesle söylenmelidir.
Beyaz ses, açık - üst harmoniklerin gelişmiş sesi ve yetersiz olması nedeniyle - sese derinlik, yuvarlaklık veren alt formant.
Gereksinim: "Ağzı yatay olarak germeyin", serbestçe aşağı doğru açın, kelimeleri önemli ölçüde telaffuz edin, "A", "E", "I" sesli harflerini yuvarlayın, doğru, örtülü sese hakim olmaya yardımcı olur.
Bel canto - güzel şarkı söyleme - melodiklik, dolgunluk, sesin asaleti (destek üzerinde şarkı söyleme), virtüöz pasajları gerçekleştirme hareketliliği ile karakterizedir.
İtalyanca bel canto, Rusça ilahiye daha yakındır.
___________________________________________
___________________________________
"KOOR VE YÖNETİM ONLAR" - P. G. CHESNOKOV
1. Teknik ilhama yardımcı olur ve bu nedenle koro ile kompozisyonu her şeyden önce teknik olarak mükemmel bir şekilde öğrenir.
2. Bilinciniz ve duygunuzla tam olarak algılamadığınız bir makale üzerinde çalışmayın.
3. Bir beste üzerinde çalışırken koronun kapasitesinin altında olduğu için koronun kabul etmediğini fark ederseniz, bu besteyi işten çıkarın. Koro için kompozisyon zorsa, daha kolay kompozisyonlar üzerinde çalışarak koroyu geliştirin ve iyileştirin ve ardından geçici olarak terk edilen zor kompozisyona geri dönün.
4. İşinizde lider olduğunuzu unutmayın; sorumluluk bilinci birçok zorluğun üstesinden gelmenize yardımcı olacaktır.
5. Koroya daha önce çalışmadığınız, kapsamlı incelemediğiniz bir beste ile gelmeyin.
6. Koro kötü şarkı söylüyorsa, onu değil, kendinizi suçlayın.
7. Koroyu yönetirken her zaman en azından kısmen yükselişte olun; kaldırma eksikliği performansı zayıflatır.
8. Bileşimleri aşırı sık performansla değersizleştirmeyin. Performans kalitesinde bir bozulma ve hataların ortaya çıktığını fark ederseniz, kompozisyonu iki ay boyunca repertuardan çıkarın ve ardından üzerinde çalışın.
9. İdeolojik ve sanatsal açıdan önemsiz ve zayıf eserleri koronun repertuarına sokmayın.
10. Koro çalışmasında kaba olmayın; koronun gözünde seni küçük düşürür ve sadece davaya zarar verir. Canlı, yaratıcı, esprili olun; ilginç etkinlikler ve öğrenilen kompozisyonların sanatsal performansı ile koro ile prestij kazanın.
11. Herhangi bir yazara kapılmayın; bu tekdüzelik yaratacaktır. Her yazardan en iyi ve değerli olanı alın.
12. Sınıfta koroyu fazla yormayın: Yorgunsanız verimli çalışma olmaz.
13. Sizin için yeni bir koroya ilk geldiğinizde, onun sizden önceki hayatını, alışkanlıklarını ve geleneklerini yaşadığını unutmayın. Onları aceleyle yok etmekten sakının: daha yakından bakın, iyiyi bırakın ve yavaş yavaş kötüyü en iyisiyle değiştirin.
14. Koro ile uzun soluklu olmayın: sadece gerekli olanı ve pratik faydalar sağlayacak olanı söyleyin. Ayrıntıların koroyu yorduğunu unutmayın: hem jestlerde hem de kelimelerde ölçülü olun.
15. Sınıfta koroyu aynı şeyi amaçsızca tekrar etmeye zorlamayın; her tekrarda önce bunu neden yaptığını açıkla yoksa koronun sana olan güveni yavaş yavaş düşer.
16. Bir orkestra şefi ve bir kişi olarak kendinizle ilgili gereksinimlerinizde daima katı kalın; bu koro ile normal bir ilişki sağlayacaktır.
17. Koroda yaratıcı topluluk ve oybirliği atmosferini koruyun.
18. Bir koro şarkıcısı için kıdemli bir yoldaş olun. en iyi anlam bu kelime; aynı zamanda işinizde talepkar olun.
19. Kompozisyonu koro ile birlikte çalışarak, şarkıcılara kompozisyonun tasarım ve müzikte en iyi olan kısımlarını ve ayrıntılarını gösterin; bu şekilde onlarda estetik bir duygu uyandıracaksınız.
20. Eğer icra edilen bestenin sanatsal değerlerine karşı şarkıcılarda bir hayranlık duygusu uyandırmazsanız, koro ile çalışmanız istenen amaca ulaşmayacaktır.
21. Kendiniz tatmin hissetmiyorsanız ve çalışmalarınızdan neşe duymuyorsanız, şarkıcılara hiçbir şey vermeyeceksiniz. Bu tür faaliyetleri başarısız olarak kabul edin.
22. Teknik olarak her şey kuru meslek ilham ve ilgi getirmeye çalışın.
23. Her şarkıcıyı bir kişi olarak inceleyin, psikolojik özelliklerini inceleyin ve ona göre yaklaşın.
24. Koroda takdir ve saygı görmek istiyorsanız, koro şarkıcısını takdir edin ve saygı gösterin; karşılıklı saygı ve iyi niyet, sanatsal çalışma için gerekli koşullardır.
25. Koro sanatının insan kültürünün tezahürlerinden biri olduğunu unutmayın.
not Bu ipuçları, laik müzisyenlere - koro şeflerine yönelik bir kitaptan alınmış olsa da, bize göre, birkaç istisna dışında, neredeyse hepsi sadece uygulanabilir değil, aynı zamanda herhangi bir koro yöneticisi için de son derece yararlıdır.
TAPINAKTA ŞARKI SÖYLEMEK KEYFİ OLMALIDIR.
Kilise şarkı söylemek - eğer iyi ve güzelse - nadiren kimseyi kayıtsız bırakır. Bazen insanlar tapınağa sadece dinlemek ve kalmak için gelirler. Böylece onların kiliseye giden yolu başlar.
Kilise şarkı söyleme hakkında - Pimenov okumalarının konuğu ve katılımcısı, sanat tarihi doktoru, Devlet Sanat Tarihi Enstitüsü'nün önde gelen araştırmacısı, Devlet Merkez Müzesi bilimsel sekreteri Marina Pavlovna Rakhmanova ile sohbetimiz müzik kültürü M.I.'nin adını taşıyan Glinka.
Eğer gerekliyse Ortodoks kişi, bir şarkıcı ve koro şefi değilse, kutsal müziği anlamak, stilleri, yazarları bilmek - yoksa sadece tapınakta durup dinlemek yeterli mi?
Bir kişi tapınağa uzun süre giderse, onu severse, hizmeti severse, o zaman resimlerin yazarının kim olduğu, hizmette şarkı söyledikleri ikonların ne zaman olduğu ile ilgilenmeye başlar. Moskova'da (ve muhtemelen Saratov'da da), eski neslin kiliseye geri dönen cemaatçileri Sovyet zamanı, bestecilerin ve vekillerin tüm isimlerini biliyordu; Şu veya bu ilahinin ne zaman söylendiğini biliyorlardı. Bugün durum böyle değil. Bence aynı zamanda eskiden daha birleşik bir şarkı söyleme tarzı olduğu için. Şimdi Moskova kiliselerinde, örneğin, her yerde farklı şarkı söylüyorlar, tek bir stil yok. Ve her şeyi bilmek imkansız.
Litürjik şarkı söyleme anlayışını ne sağlar?
Ana şey şarkı söylemek değil, kelime. Eğer bir Konuşuyoruz Znamenny, Yunanca ve diğer ilahiler gibi tek sesli stiller hakkında, o zaman orada açıktır: ses, kelimenin kabuğudur. Müzik çok sesliyse, yazarın, o zaman her şey çok daha karmaşıktır. Bestecinin ne söylemek istediğini, litürjik kelimeyi nasıl seslendirdiğini anlamak için bu üslubun dilini anlamak, alışmak gerekir. Bugün, Kutsal Üçlü Katedrali korosu Vespers'de Veleumov'un Büyük Doxology'sini gerçekleştirdi. Bu, yazarı erken XIX Yüzyılda onun hakkında hiçbir bilgi yoktur. Bir din adamı veya bir rahip ailesinden olduğu soyadından açıkça anlaşılmaktadır. Moskova'da onu seviyorlar ve Saratov'da şarkı söylüyorlar. Ancak Veleumov'u kilise tarzında düzgün bir şekilde söylemek için naibinin o dönemin dilini anlaması gerekiyor ve katedral naibi Svetlana Khakhalina burada nadir görülen bir hassasiyet gösterdi. Veleumov, Vespers'tan sonra kulağa harika geliyordu!
Sanırım herkes kilisede şarkı söylemenin profesyonel olması gerektiği konusunda hemfikir olacaktır. Ancak konservatuar eğitimi almış ve çok güzel şarkı söyleyen kliroslardaki koroları izlediğinizde, örneğin ayin sırasında sakız çiğnediklerini, klirosun yanına pantolonla gelip üzerlerine atkı bağladıklarını, sohbet sırasında konuştuklarını görebilirsiniz. hizmet ... Hangisi daha iyi: sadece para kazanmak için şarkı söyleyen profesyoneller mi yoksa samimi büyükannelerden oluşan bir koro mu?
- Bu tür davranışlar kabul edilemez. Kayıtsız şarkıcılardan - büyükannelerin korosu daha iyidir!
İyi, sanatsal şarkı söylemeyi seven ve takdir eden Büyükşehir Filaret'in (Drozdov) bu konuda harika bir açıklaması var.
Yakın arkadaşı ve itirafçısı olan Trinity-Sergius Lavra'nın başrahibi Archimandrite Anthony'ye (Medvedev) yazdığı bir mektupta, bir zamanlar Lavra sketindeki şarkının "pek iyi olmadığından" ve daha fazla keşişin kiliseye kabul edilmesi gerektiğinden şikayet etti. şarkı söylemeyi güçlendirmek için skete, aziz Filaret cevap verir: “Hayır. İnsanları seslerine göre değil, ruhsal yapılarına göre kürtaj yapmak gerekir. Ve bir keresinde kendisinin tek başına şarkı söyleyen ve "kendisiyle uyuşmayan" bir diyakozla nasıl ayin yaptığını ama hizmetin iyi olduğunu anlatmaya devam ediyor.
Tapınağın sıradan bir cemaatçisi için kilise şarkılarını değerlendirmede en önemli kriterin "beğenme - hoşlanmama" kriteri olduğu ortaya çıktı. Dua eden bir ruh hali yaratır mı yoksa onu engeller mi?
Dua duygusu farklı şeylerden gelir: hem köy cemaatçilerinin “kendiliğinden” şarkı söylemesinden, hem de bugün duyduğumuz incelikli şarkı söylemesinden. Burada birçok derece var. Küçük tapınaklarda, köylerde - bir koro nereden gelebilir? - Bütün ayini kendisi söyleyen bir rahip var ya da annesi ona yardım ediyor. Ve kesinlikle harika olabilir.
Bugün manevi müzik sadece tapınak duvarlarında duyulmuyor. Birçok kilise grubu aktif olarak konser etkinliği, diskleri yakmak. Bu konu hakkında ne düşünüyorsun?
Harika bir tavrım var, ancak çok iyi takımlarsa. Ortalama bir şarkı söyleyerek konser hayatına girmenin bir anlamı yok - profesyonel alanda yüksek bir sınıf göstermeniz gerekiyor. Ve konser korolarını profesyonel bir bakış açısıyla değerlendirmek gerekiyor.
20. yüzyılın başlarında, ruhban sınıfından olanlar da dahil olmak üzere akıllı eleştirmenler iki şey söyledi: birincisi, bu iyi konser manevi şarkı söyleme ("bakire" olarak adlandırdılar) tapınağa giden yoldur ve ikincisi, manevi konserler, koronun klirosta söyledikleriyle bir şekilde örtüşen veya örtüşmeyen özel programlar hazırlamak gerekebilir. Birinci Dünya Savaşı arifesinde, Kutsal Sinod, Eucharistic Canon'un ilahilerinin konserlerde söylenmesini bile yasaklamaya çalıştı. Ancak yasak pratikte hiçbir şeye yol açmadı, çünkü her koro tam olarak “Cherubim”, “Yemeye değer”, “Dünyanın Lütfu” - çeşitli şarkılarda var olan ayinlerin merkezi tezahüratlarını söylemek istedi. seçenekler. Görünüşe göre, sağduyu tarafından yönlendirilen sanatçılar, programlarını kimseyi rahatsız etmeyecek şekilde düzenleyebilirler.
"Cherubim" den sonra alkış kulağı kesmez mi?
Moskova'da, halka manevi konserlerde (sadece programın sonunda) alkışlamamayı öğretmiş görünüyorlar. Ama bu her zaman işe yaramaz. Konser, birçok zeki insanın bir araya geldiği Konservatuar'ın Büyük Salonu'nda gerçekleşirse, büyük olasılıkla orada alkışlamazlar. Bir zamanlar, Ortodoks şarkılarının ilk festivallerinde, salon bazı ilahilerin performansı sırasında dostane bir şekilde ayağa kalktı - örneğin, "İnanıyorum", "Babamız" performansı sırasında. Şimdi, ne yazık ki, artık ayağa kalkmıyorlar ...
Sadece manevi eserler mi icra etmek gerekiyor, yoksa seküler müzik repertuarınızda yer alabilir mi?
Örneğin, Rus halk şarkılarını seslendirme pratiği var. Kilise korosunu dinlemek için konsere gelen bazı kişiler çileden çıkıyor...
- İnsanların aldatılması iyi değil. Hangi programa gideceklerini bilmeleri gerekiyor. Ama prensipte kilise korosu şarkı söyleyebilir. Halk Müziği geleneksel kültürün derin ve çok değerli bir katmanıdır. Farklı bölümlerde veya manevi ilahilerle birlikte - her koro buna kendi yolunda karar verir. Böyle bir gelenek, örneğin Synodal Korosunda vardı. Çok nadiren, ancak konserlerde yapıldılar halk şarkıları ilahi "Tanrı Çarı Korusun". Ayrıca Sergei Zharov'un yönetiminde harika bir Don Kazakları Korosu vardı. Şimdi kilise ilahilerinin yanı sıra, inanılmaz virtüöz koro aranjmanlarındaki türkülerin önemli bir paya sahip olduğu bu koronun kayıtlarının bulunduğu diskler yayınlandı ve birçok erkek koro bu üsluba odaklanmaya başladı. Koro sondajının mükemmelliği ile ilgili olarak, Zharov'dan çok şey öğrenilebilir. Ancak korosu öncelikle bir konser grubuydu ve bir kilisede şarkı söylediğinde (ve turneye çıktığı ve bir Ortodoks kilisesinin olduğu herhangi bir şehirde şarkı söyledi), sanırım biraz farklı şarkı söyledi. Ve genel olarak, Zharov'u taklit etmek işe yaramaz - yine de işe yaramaz. Geçenlerde Moskova'da, St. Petersburg Şapeli'nde V.A. Chernushenko ve “Zharov'a göre” değil, kendi yolunda şarkı söyledi: klasik olarak, son derece güzel bir sesle ölçülü. Ve seyirci konserin bitiminden sonra neredeyse bir saat ayrılmak istemedi.
Litürjik şarkı söylemeye geri dönersek: Erken Hıristiyan Kilisesi'nde koro yoktu; kilisede dua eden insanlar ilahi hizmet sırasında ilahiler söylediler. Bu yüzden bugün tapınakta duran birçok insan koroyla birlikte şarkı söyledi. Servis sırasında bu kadar popüler şarkı söylemek mümkün mü?
Eğer öyleyse, bugün söyledikleri gibi - belki. İnsanlar coşkuyla şarkı söylüyor, doğru söylüyor, olması gereken yere girdi. Kendi kendime şarkı söyledim. Başka bir şey, ilke olarak ülke çapında şarkı söylemektir: Tapınak küçükse ve cemaat birbirine çok bağlıysa, o zaman bu işe yarayabilir. Ancak hiyerarşik ayinlerin düzenlendiği büyük bir kilisede bu pek mümkün değildir. Bu aynı zamanda çok eski bir tartışmadır. Archimandrite Antonin (Kapustin) - büyük bir adam, Rus Kilisesi'nde dikkate değer bir figür - yaşadığı Doğu ülkelerinin deneyimlerine dayanarak, hala ortada yazdı 19. yüzyıl kilisede şarkı söylemenin evrensel olması gerektiğini, tüm insanların hizmete katılması gerektiğini ve şarkıcılara para ödemenin ahlaka aykırı göründüğünü. Metropolit Philaret'in bu mantığa göre rahipler, diyakozlar ve kilisede ve kilise için bir şeyler yapan herkese ödeme yapılmaması gerektiğini söylediği. Meselenin özü, kötü, ahenksiz şarkı söylemenin hizmetin seyrini ve anlamını ihlal etmesidir ve bu olmamalıdır. 
KİLİSE ŞARKI VE OKUMA EĞİTİM KILAVUZU
(YÖNETİCİ AMACININ UYGULANMASI)
Teknik geliştirme
Sanat Eserleri
."■■■■ > \.
Kompozisyonla ilk tanışma çok önemli nokta Katılımcıların yaklaşan çalışmaya olan ilgisinin ve sonraki provaların başarısının bağlı olduğu . Şef, işi koroyu büyüleyecek şekilde yapmalıdır, böylece şarkıcılar öğrenmelerini mümkün olan en kısa sürede köreltmek isterler. Kompozisyonu piyanoda yeterince mükemmel gösteremiyorsa, o zaman en azından melodik çizgisini, ana temalarını anlamlı bir şekilde söylemeniz, şefin plastiği ve yüz ifadeleri yardımıyla sanatsal ve duygusal etkiyi artırmanız gerekir.
Kompozisyonun koro üyeleri tarafından algılanmasını uygun bir şekilde yönlendirmek için lider, karakteri, ruh hali ve ana imajları hakkında birkaç kelime söyleyebilir; besteci ve metnin yazarı hakkında; yaşadıkları dönem hakkında; işin yaratılmasıyla bir dereceye kadar bağlantılı belirli olaylar ve gerçekler hakkında; Bilinen yorumlar hakkında. Böyle bir konuşmayı yürüten şef, asıl amacını gözden kaçırmamalıdır - buna göre, ondan coşku, duygusallık ve sanat gerektiren kompozisyona ilgi uyandırmak.
Koronun eserle genel bir tanışmasından sonra, müzik metninin analizine geçebilirsiniz. okuryazar,
düşünceli, müzikal olarak anlamlı analiz, beste üzerinde daha fazla üretken çalışma için temel oluşturur. Analiz için ayrılan süre değişebilir. Koronun kalitesine, üyelerinin genel kültürüne ve müzik okuryazarlığına bağlıdır. Ancak her durumda, işin ilk aşamasında, dikkatsizlik, karşılaşılan hatalara karşı dikkatsiz bir tutum olmamalıdır.
Koro çalışması çoğunlukla çok seslidir. Genel sesi, her bir sesin performansının kalitesine bağlıdır. Bu nedenle bir eser öğrenilirken her bir parça ile ayrı ayrı çalışılması tavsiye edilir. Ancak koro üyelerinin genel seviyesi yeterince yüksekse, temellerini biliyorlarsa müzik okuryazarlığı ve solfej becerisine sahipseniz, müzik metnini tüm koro ile aynı anda okuyarak, ek dikkat gerektiren zor yerlerde parçalarda şarkı söylemeye başlayabilirsiniz. Parçanın tamamını seslendirdikten sonra yavaş yürüyüş(ilk okumada erişilebilen bir doğrulukla), müzik metni üzerinde dikkatli çalışma başlar.
İşi küçük parçalar halinde, nispeten eksiksiz yapılarda sökmek, ancak daha zor olanlarda daha uzun süre durmak gerekir. Öğrenmenin ilk aşamasında, performansın tonlama ve metro-ritmik doğruluğuna özel dikkat gösterilmelidir. Aynı zamanda diğer noktalar da en başından gözden kaçırılmamalıdır. Özellikle koro üyelerinin müzikal konuşmanın yönünü, cümlelerini, melodik hareketin yöneldiği referans noktalarını hissetmeleri ve fark etmeleri gerekir. Aksi takdirde, şarkı söylemek mekanik bir eylem, müzik notalarının resmi bir okuması olacaktır.
Bireysel parçalar üzerinde çalışırken, iletken tüm öğrenme süreci boyunca bütün duygusunu kaybetmemelidir; aksi takdirde uçtan uca etki kaybolacak, detaylar yayılacak, aşırı “bağımsız” hale gelecekler. Bazı ayrıntılar, bazı karmaşık parçalar üzerinde çalıştıktan sonra, bunları genel bağlama dahil etmelisiniz. İYİ OYUN. İncelenen eserin bireysel anlarını haklı olarak sadece teknik bölümler olarak değil, aynı zamanda ana unsurları (armonik yapı, polifoni, melodik çizgi, vb.) geçici bir parçalanma, canlı müzik -
128
maddeyi "moleküllere ve atomlara" dönüştürürler, bu parçacıklar uygun işlemden sonra tekrar müzikal organizmanın canlı üyeleri haline gelmelidir. 1 .
Bir koro eserini eğitici “parçalara” bölme ilkesi, her şeyden önce, müzik mantığı, ayrı bir melodik dönüşe veya ritmik figüre kadar parçalara, bölümlere, periyotlara, cümlelere vb. üstesinden gelmek için dikkat ve zaman gerektiren belirli zorlukların analizi ve izolasyonu. Ne yazık ki, koro pratiğinde, bir eserin baştan sona mekanik olarak tekrar tekrar söylendiği ve “şarkı söyleyene kadar” tabiri caizse, böyle bir çalışma yöntemi vardır. Bu "şarkı söylemenin" sonucu çoğu zaman tam tersi bir etki olur: zor bölümler asla ortaya çıkmaz (çünkü şefin ve şarkıcıların dikkati onlara odaklanmamıştır) ve kolay bölümler o kadar "silinen" ki, hepsini kaybederler. sanatsal anlamda. Sonunda, eser koroyu daha öğrenmeden sıkar. Bu nedenle, müzikle tanıştıktan ve en zor pasajları belirledikten sonra, mümkün olan en mükemmel performans için çabalayarak özellikle bunlar üzerinde durmak gerekir. Bununla birlikte, bir kısım o kadar zor ki, birkaç tekrarından ve şefin yorumlarından sonra bile, performansın kalitesi arzulanan çok şey bırakıyor. Bu durumda, diğer parçaları öğrenmeye geçmeli ve biraz sonra bu bölüme dönmelisiniz. Gerçek şu ki, kötü alınan bir pasaj üzerinde çok uzun süre çalışırsanız (gerekli olsa bile), korodaki katılımcıların algı keskinliği zayıflar, onların algıları zayıflar. yaratıcı aktivite, dikkat donuklaşır, yorgunluk başlar. Sonuç olarak, şarkıcılar yeteneklerine inanmama, hayal kırıklığı yaşayabilir ve işe olan ilgilerini kaybedebilir. Böyle bir durumda, dikkatlerini geçici olarak diğer yaratıcı sorunları çözmeye çevirmek yalnızca yararlıdır ve daha fazla öğrenme verimliliğine katkıda bulunur. Bu tavsiye, liderin belirli bir parçanın teknik ve sanatsal performansının kalitesine ilişkin talepleri azaltması gerektiği anlamına gelmez. Ancak, yazarın niyetini gerçekleştirmenin doğruluğunu elde etmek için, onu kaçırmamalıdır.
1 Neuhaus G.G. Piyano çalma sanatı üzerine. - M., 1958, -S. 63.
İşin teknik gelişimi
zihin ve psikolojik anlar ve ekiple çalışırken çok önemli bir rol oynayan duygusal faktör.
Teknik olarak zor bölümleri öğrenmek için hangi teknikler ve yöntemler önerilebilir? Belirli yöntemlerin seçimi, görevin özünü, zorluk derecesini, belirli bir koronun okuryazarlık seviyesini, üyelerinin işitsel ve müzikal gelişimini, onların yeteneklerini belirlediğinden, bu soruyu açık bir şekilde cevaplamak imkansızdır. müzikal hafıza ve diğerleri Bununla birlikte, uzun süreli müzik pratiği gelişmiştir. prova çalışmalarında en sık kullanılan ve kural olarak iyi bir sonuç veren bir takım teknikler. Ağır çekimde zor pasajlar söylüyor; bir veya daha fazla melodik dönüşün bireysel seslerinde veya bireysel akorlarda keyfi duraklamalar; sürelerin ritmik olarak daha küçük parçalara bölünmesi; sürelerde yarı, üç, dört kat geçici artış; vokal vuruşta değişiklik; metnin abartılı, ilahi telaffuzu; yardımcı teknik malzeme kullanımı. Gelin bu yöntemlere daha yakından bakalım.
Ağır çekimde şarkı söylemek. Bu tekniğin pedagojik yararının ön koşulu, yavaş bir temponun şarkıcılara şu veya bu sesi dinlemeleri, kontrol etmeleri ve hatta bir dereceye kadar analiz etmeleri için daha fazla zaman vermesidir. Sesini kontrol etmek son derece zordur. Özünde, tüm ses çıkarma süreci, tonlama, şarkıcının kendisi tarafından sesin niteliksel değerlendirmesi ve dinleme becerisinin yardımıyla şarkı söylerken gerçekleştirilir ve düzenlenir. Bu bağlamda, ağır çekimde şarkı söylemenin görevleri yerine getirme bilincine ve gerekli becerilerde özgürce ustalaşmaya daha iyi katkıda bulunduğu açıktır. Yukarıdakilerin tümü, esas olarak canlı veya hızlı bir hareket ile karakterize edilen kompozisyonlar için geçerlidir. Yavaş işleri veya yavaş kısımlarını yavaş bir hızda öğrenmek pek tavsiye edilmez.
Seslerde veya akorlarda durur. Ağır çekimde şarkı söylemek istenen etkiyi vermezse, karmaşık bir tonlama veya harmonik dönüş oluşturan sesler veya akorlar üzerinde tam bir hareket durmasına, yani bir fermata girişine başvurabilirsiniz. Bu tekniğin temeli şarkı söylerkenkiyle aynıdır.
130 Bölüm 6 prova çalışması koro ile
ağır çekimde. Ancak tek bir tonlamaya, akora odaklanmayı mümkün kılması nedeniyle etkinliği çok daha yüksektir.
ritmik kırma. Herhangi bir tam teşekküllü performans için gerekli bir koşul, ritmidir. Bu kalite, müzik metninin tüm katılımcıları tarafından yeniden üretilmesinde net bir eşzamanlılığın gerekli olduğu toplu performansta özellikle önemlidir. En karakteristik ritim bozuklukları, kısa notalar göründüğünde ve tam tersi olduğunda uzun sürelerin altını çizme, kısa notaların yerini uzun notalar aldığında aşırı gecikmeleri, bir notanın noktalı az pozlanması, küçük sürelerin hızlanması ve büyüklerin yavaşlamasıdır. Bu eksikliklerden kaçınmak için, korodaki katılımcıların bölme birimini (çeyrekler, sekizlikler, on altıncılar) abartmasını gerektiren, büyük süreleri daha küçük olanlara koşullu ritmik bölme yöntemini kullanmak yararlıdır, bu da sabit bir duyguya yol açar. ritmik nabız. Bu tekniğin yardımıyla performansın ritmi daha doğru hale geldikten sonra, dahili olarak hissini koruyarak nabzı kademeli olarak seviyelendirebilirsiniz. Bu tür zorlukların üstesinden gelmek için etkili bir teknik, telaffuz etmektir. edebi metin tek seste. Bu durumda, şarkıcıların dikkati, bir veya daha fazla karmaşık dönüşün daha hızlı ustalaşmasına katkıda bulunan performansın ritmik tarafına odaklanır. Koro metni söylerken, piyanoda notayı çalabilirsiniz. Bu tür eğitim çalışmaları ile biraz abartı oldukça kabul edilebilir ve hatta arzu edilir. Noktalı ritimli çalışmalarda, tek süreler (noktalı notalar) daha küçük birimlere (sekizler, on altıncılar) bölünebilir, bu da atım içi titreşime dokunarak bölmeyi vurgular.
Bir müzik cümlesinde meydana gelen çeşitli ritmik kalıplar arasında doğru oranın elde edilmesine özel dikkat gösterilmelidir, örneğin, üçlüler ile ikililer veya üçlülerle noktalı ritimler gibi. yeni çizim, bir öncekinin yerine, yanlış bir şekilde gerçekleştirilir, bu da öncelikle algının ataletinden kaynaklanır. Daha da büyük bir zorluk, farklı bölümlerde aynı anda ses çıkaran ikili ve üçlü figürlerin performansıdır.
İşin teknik gelişimi 131
Bir iş üzerinde çalışma sürecindeki en büyük hata, duraklamalara karşı dikkatsiz bir tutumdur. Çoğu zaman, iletkenler yalnızca anlamlı anlamlarını değil, aynı zamanda onları doğru bir şekilde koruma ihtiyacını da görmezden gelirler. Bu tür iletkenlerin G.G.'nin akıllıca tavsiyesine kulak vermeleri yararlıdır. Neugau-za: “... Sessizlik, molalar, duraklamalar, duraklamalar (!) duyulmalı, bu da müzik!... "Müzik dinlemek" bir saniye durmamalı! O zaman her şey inandırıcı ve doğru olacak. Bu molaları zihinsel olarak da yürütmekte fayda var” 1 .
Destekleyici malzeme kullanımı. Teknik olarak karmaşık yerler üzerinde çalışırken, hem çalışılan işin malzemesi üzerine kurulu hem de onunla ilgili olmayan alıştırmalara başvurmak yararlıdır. Bu nedenle, saf olmayan tonlama durumlarında, şarkıcıların modal-harmonik ayarına katkıda bulunan, içlerinde modun kararlı ve kararsız adımları duygusunu geliştirmek için egzersizler kullanılır. Bu amaçla, belirli bir melodik dönüş veya ayrı bir tonlama dahil olmak üzere herhangi bir ilahi şarkı söylemeye dahil edilebilir. Büyük saniye yukarı ve küçük saniye aşağı şarkılarının saflığına özellikle dikkat edilmelidir.
Ritmik zorluklar ortaya çıkarsa, tipik yapılar olan kapalı ritmik motiflerin uygulanmasına dönülebilir.
Bazen diksiyon üzerinde çalışmak için ek egzersizler kullanılır. Çoğu zaman, bunlar, amacı artikülatör aparatın aktivasyonunu teşvik etmek olan çeşitli heceler üzerinde yapılan alıştırmalardır. Örneğin, dy, peki, ps, ta, ry, le- dili etkinleştirmek için alıştırmalar; ba, pa, wo, anne- dudakları harekete geçirmek için. Çalışmanın metnini basitçe okumak da yararlıdır, ancak bu yeterli değilse, alıştırma olarak tekerlemeler kullanılabilir.
İlk başta, kompozisyonun bireysel parçaları yavaş bir hızda öğrenilir, daha sonra gerekli (veya gerekli olana yakın) hızda birkaç kez söylenmeli ve gerekirse daha sonraki çalışmalar için metodolojide değişiklikler yapılmalıdır. Böyle bir kontrolle, sanatçılardan her zaman mutlak saflık ve netlik bekleyemezsiniz, ancak onlara en azından hayal etme fırsatı verin. genel anlamda, bestenin gelecekteki doğası çok önemlidir. Çok uzun şarkı söylemek.
x Negauz G.G. kararname op;- 50.
132 Bölüm 6. Koro ile prova çalışması
"eğitimsel" versiyonda, yavaş bir tempoya alışma tehlikesi taşır ve daha hızlı bir tempoda bir performansa geçerken, orkestra şefinin koronun ataletini yenmek için çok çaba harcaması gerekecektir. Bu nedenle, zaman zaman bir işi (veya bölümü) gerçek tempoda gerçekleştirmeye hazır olup olmadığını kontrol etmek, metodolojik olarak haklıdır, çünkü şarkıcılar arasında yerleşik stereotiplerin oluşmasını engeller, onların düşünce ve algılarını harekete geçirir ve daha fazla esneklik, hareketliliğe katkıda bulunur, ve sanatsal duyarlılık.
Önemli bir noktayı not edelim. Koro pratiğinde, bazı teknik zorlukların üstesinden gelmeye çalışırken, şefin bu bölümün sanatsal anlamını gözden kaçırdığı durumlar vardır. Sonuç olarak, çalışma biçimsel, mekanik bir karakter kazanır ve teknik bir sonuca ulaşılması kendi içinde bir amaç haline gelir. Bu arada, sanatçıların şu ya da bu parçanın sanatsal önemini anlamaları, şüphesiz uygun tekniği bulmalarına yardımcı olacaktır, çünkü müzikal performansta amaç, onu başarmak için araçlara yol açar, bunun tersi değil. Tüm teknikler, bir veya daha fazla ses görüntüsü arayışından doğar. İcracının almak istediği ve içsel olarak duyduğu ses, bu özel durumda gerekli olan tekniği büyük ölçüde önerir.
İşte komplekse geliyoruz koro icrasında sanatsal ve teknik unsurlar arasındaki ilişki sorunu. Koro ile çalışma pratiğinde provaları iki aşamaya ayırmak yaygındır:
1) işin teknik gelişimi ve sanatsal anlayışı;
2) iç içeriğin, duygusal ve mecazi özün açıklanması.
Birçok koro şefi, eserdeki sanatsal dönemin teknik zorluklar aşıldıktan sonra başlaması gerektiğine inanır: önce notaları öğrenmeli, sonra sanatsal bitirmeleri üzerinde çalışmalıdır.
Böyle bir görüş çok yanlıştır. Etkileyiciliği düşünmeden bir ay boyunca koro ile çalışmak ve ancak o zaman performansın karakterinin ne olması gerektiğini, müzikal ifadenin nerede çaba göstermesi gerektiğini, bu çalışmanın tarzının ana özelliklerinin neler olduğunu açıklamak imkansızdır. Öte yandan, talep etmeyi öğrenmenin en başında yanlış olur.
İşin teknik gelişimi 133
tam bir sanatsal performans. Görünüşe göre, en doğru ve etkili çalışma yöntemi, şefin, örneğin viyolalı kısmı öğrenerek, onu yavaş yavaş bestecinin niyetine yakın bir karaktere yaklaştırdığı bir çalışma yöntemi olacaktır. Ancak bir eseri öğrenmenin herhangi bir aşamasında, şef önündeki ana hedefi görmelidir - eserin ideolojik ve sanatsal özünün ustaca ifşa edilmesi ve bu amaçla en yakın teknik görevleri ilişkilendirmek.
Müzik performansındaki ustalığı anlatan D.D. Shostakovich şunları yazdı: “Bir piyanistin veya kemancının hemen kendinizden bahsetmenizi sağlayan parlak virtüöz tekniği henüz ustalık değil, ... mesleki becerinizin teknolojisinde akıcılık. Performansta ustalık, sadece müzik dinlediğimizde, oyunun ilhamına hayran kaldığımızda ve müzisyenin hangi teknik araçların yardımıyla şu ya da bu etkileyici etkiyi nasıl elde ettiğini unuttuğumuzda başlar” 1 . Performans tekniği, gördüğümüz gibi, D.D. Bir düzenleme aracı olarak Shostakovich sanatsal amaç yani müzikal içerik.
Müzikal ve özellikle koro performansındaki sanatsal ve teknik unsurlar arasındaki ilişki hakkında söylenenleri özetleyerek şu sonuca varabiliriz: teknik, sanatsal olanla ayrılmaz bir şekilde bağlantılı ve ona tabi bir araçtır. Bundan, sanatsal anın, en başından itibaren koro ile yapılan prova çalışmasında mevcut olması gerektiği sonucu çıkar.
Ayrıca hem amatör hem de profesyonel bir koro şefi, “koçluk” yöntemiyle bir eser öğrenmenin, şarkıcıların estetik düşüncesini hiçbir şekilde geliştirmediğini unutmamalıdır. Bu yöntemle, eserin içeriğinin ve biçiminin birçok inceliği, şarkıcılar için anlaşılmaz kalır ve sonuç olarak, onlar üzerinde ve buna bağlı olarak dinleyiciler üzerinde bestecinin güvendiği etkiyi yaratmaz. Bu bağlamda, seçkin Rus koro figürü P.G. Chesnokova: “Koro ile çalışmayı inceleyerek, şarkıcılara tasarım ve müzikte en iyi olan parçaları ve detayları gösterin; bu sen-
134 Bölüm 6. Koro ile prova çalışması
onlarda estetik bir duygu geliştirmek istiyorsunuz. Şarkıcılarda icra edilen kompozisyonun sanatsal değerlerine karşı bir hayranlık duygusu uyandırmazsanız, koro ile çalışmanız istenen amaca ulaşmayacaktır. 1 . Önde gelen Rus koro şefleri, çalışmalarında bu ilkelere bağlı kalmaktadır. Bir giriş konuşmasında, bir eserin koroya ilk icrasında veya provalar sırasında kısa ama iyi niyetli açıklamalarda, çalışılan eserin içeriğinin temellerini, formunun özelliklerini ortaya koyar, şarkıcıları zorlar. icra edilen müziği daha iyi anlayın ve hissedin. “Kondüktör ve koro üzerinde çalışırken bir esere âşık olma atmosferi, en iyi performansı elde etmek için en kesin koşul, en önemli teşviktir” diye yazdı K.B. Kuş. - Bir hedef arzusu, bir işi canlı seste duyma arzusu, performans düzenlemesi hakkında net bir fikir yaratmaya yardımcı olur, yüksek performans sonuçlarının elde edilmesine katkıda bulunur ... Sanatçının bir işe olan sevgisi, arzusu bir an önce canlı olarak duyun, iş hayatında gergin bir temponun oluşmasına katkıda bulunun. Şefin anlamlı ve amaçlı çalışmasındaki sıcak tempo, ekibin ilgisini büyük ölçüde artırır ve sanatçıları büyüler. Bu, koronun şefin sanatsal gereksinimlerinin hızlı ve en iyi şekilde yerine getirilmesi, provalar sırasında dikkatin keskinliğini korumasının koşullarından biridir” 2 .
Koro üyeleri için zor bölümleri herhangi bir özel talimat olmadan tekrar tekrar söylemekten daha kasvetli bir şey yoktur. Her tekrardan önce, hangi amaçla yapıldığına dair bir açıklama gelmelidir. Aksi takdirde koronun şefe olan güveni giderek azalacaktır.
İletken, açıklamalarının doğruluğuna, özgünlüğüne ve kısalığına dikkat etmelidir. Hassas bir topluluk için, bazen bir eserin çalınması sırasında söylenen bir ipucu yeterlidir, örneğin “soğuk”, “puslu”, “uzak” ve ses üretiminin doğası, tını, nüans hemen olacaktır. değişiklik: koro şefin niyetini kolayca yakalar.
Bu tür figüratif özelliklerin, karşılaştırmaların, çağrışımsal temsillerin işin teknik gelişimine yardımcı olduğunu unutmayın. Aynı zamanda sanat aşamasında
1 Chesnokov P.G. Koro ve yönetim. - M., 1961. - S. 238.
2 Kuş K.B. Koro şefinin hazırlık çalışması // Çalışmak
Koro. - M., 1977. - S. 10.
Eserin sanatsal dekorasyonu 135
Bir performansı bitirirken, prova çalışmasına kaçınılmaz olarak tamamen teknik teknikler dahil edilir. V.G.'nin adil sözlerine göre, bir koro çalışması üzerinde çalışma süreci imkansız. Sokolov, “aşamaları, her aşama için açıkça tanımlanmış bir dizi teknik veya sanatsal görevle kesin olarak sınırlayın. Böyle bir bölünme ancak, liderin deneyimi, becerileri ve yetenekleri ölçüsünde bir koro çalışmasını öğrenmenin belirli yöntemlerini uygulayacağı bir şema olarak kabul edilebilir.
Bununla birlikte, bir eser üzerinde çalışmanın farklı zamanlarında, sanatsal ve teknik ilkelerin unsurlarının rolü belirsizdir: öğrenme aşamasında, doğal olarak, teknik yönler hakimdir, sanatsal bitirme aşamasında, ifade araçlarına daha fazla dikkat edilir. performans. Bireysel zorluklarda ustalaştıkça, orkestra şefinin ve koronun asıl dikkati, genel performans planının iyileştirilmesiyle, performansın bütünlüğü ile ilgili konulara yavaş yavaş kayar (bu aşamada, ayrıntılar üzerinde çalışmaya geri dönme olasılığına rağmen). bunların daha da iyileştirilmesine yönelik bir görüş göz ardı edilmemiştir). Söz konusu çalışma döneminde, ses kalitesi, müziğin genel gelişim çizgisinin belirlenmesi, tempo-ritim, dinamik ve tını nüansları, artikülasyon, ifade, yani doğrudan yorumlama ile ilgili bileşenler gibi performansın yönleri , öne gel.
Dramatik aktörlerle ilgili bu sözler, koro performansında, kolektif özgüllüğü nedeniyle, her bir sesin sesinin güzelliği ve yüksekliğinin genel topluluğa esnek bir şekilde uyum sağlaması gerektiğinden, koro da dahil olmak üzere şarkıcılar için oldukça geçerlidir. Koro performansının kolektif doğası, burada tek bir ses oluşumunun, tek bir tını renklendirmesinin gelişiminin özel önemini belirler.
Tek tip bir ses oluşumu, sesli harflerin aynı derecede yuvarlaklığı ile doğru ses oluşumu anlamına gelir; bu, solo şarkı söylerken bile, korodan bahsetmemek için bile çok zor bir görevdir, çünkü sesli harflerin çeşitliliği kendi içinde belirli bir duruma yatkındır. ses çeşitliliği Yani, bir sesli harf söylerken a ağız açık; sesli şarkılar söylerken oh, e, sen, sen ağız daralmış; sesli harflerle e, ben, s enine yönde genişler, dudaklar biraz gerilir. Ağız boşluğu, a sesiyle en büyük hacme, seslerle en küçük hacme sahiptir. o, y, e; en küçük - seste ve. Ve sert damakta ses dalgalarının vurgu noktasındaki değişiklik ağız şeklindeki değişikliğe bağlı olduğundan - en önemli faktör tını oluşumunu etkileyen, her şarkıcı ve bir bütün olarak koro için tını renklendirmesinde tekdüzelik sağlamak için bir koro şefinin ne kadar çaba ve beceri uygulaması gerektiğini hayal edebilirsiniz.
Ses dalgaları sert damağa doğru yönlendirilirse sesin daha açık hale geldiği, daha açık bir renk aldığı; ses dalgaları sert gökyüzüne geri yönlendirilirse ses kapanır, sağır olur. Ses dalgalarının ara duraklarında çeşitli ara tınılar oluşur. Ağız dikey yönde daha fazla açılırsa sesin kapanacağı, yatay yönde ise sesin açılacağı da bilinmektedir. İlişkin sesi eşitleme görevi, sesli harflerin oluşum şekline göre maksimum yakınsamasına indirgenir. Bunu başarmanın bir yolu - açık ünlü oluşumu a/i, e/e ve/s yuvarlak ses standardının zihinsel temsillerine yardımcı olacak örtülü olanlar modelinde. Örneğin a sesini icra ederken; seste ve tanıtmak Yu; seste e tanıtmak sen vb. Açık sesli harflerin seslendirme biçimindeki performansında böyle sürekli bir zihinsel düzeltme
niya örtülü, seslendirilen sesli harflerin tek renk etkisi verir.
Çeşitli sesli harfler üzerinde bir konumu korumak için, onları en güzel sesten başlayarak, yavaş yavaş diğerlerini ona eşitleyerek sırayla söylemek yararlıdır. Aynı zamanda, sonraki sesli harfleri söylerken a sesi için oluşturulan ana tınının kaybolmaması için çaba sarf etmek gerekir. Çeşitli ünlülerin birleşik oluşumu, her birine aynı ünsüzün eklenmesiyle yardımcı olur. (li-le-la-le-lu, mi-mo-ma vb.). Tınıyı "parlatmak" mı yoksa daha örtülü ve boğuk yapmak mı istediğinize bağlı olarak, koşullu bir standart olarak "daha açık" veya "daha koyu" bir sesli harf seçmeniz gerekir. Sesi yuvarlamanız gerekiyorsa, diziyi söylemekte fayda var. lu-le-la-le-li; eğer hafiflersen li-le-la-le-lu. Bununla birlikte, ünlüleri birbirine yaklaştırırken, her birinin bireysel özelliklerinin bozulmaması için ölçüyü gözlemlemek önemlidir.
Ünlülerin sesinde yatay olarak tekdüzelik sağlamaktan daha az önemli olmayan, dikey olarak hizalanmalarıdır. Sesin bir kayıt yapısına sahip olduğu, yani aralığın farklı yerlerinde farklı ses çıkardığı bilinmektedir. Eğitimsiz bir şarkıcıya, menzilindeki tüm gamı yukarıdan aşağıya şarkı söylemesi için teklif edersek, belirli bir yükseklikteki seslere yaklaşırken, biraz rahatsızlık, belirsizlik hissedecek, ardından ses tekrar kolayca yükselecek, ancak farklı bir kayıtta ses çıkardığı için farklı renk ve karakter. Bir kayıttan diğerine geçiş, sözde geçiş seslerinin tını değiştirmeden icra edilmesi son derece zor bir iştir ve koro şefinin sürekli çalışmasını gerektirir. En etkili akort tekniklerinden biri, geçiş sesleri oluşturmaya yardımcı olmak için üst sesleri yuvarlamaktır.
Belirli bir tınının gelişimi için ünsüzler büyük önem taşır. Zaten isimleri - tıslama, sert ve yumuşak, sesli ve sağır - ses özelliklerinden bahsediyor. Ünsüzler kükreme, ıslık, tıslama, yumuşaklık ve sertlik, güç ve zayıflık, güç ve uyuşukluk iletebilir. Bir sonraki sesli harfin rengi, tüm kelimenin rengi, ünsüz sesin telaffuzuna bağlıdır. F.I. Örneğin Chaliapin, "Şeytan orada topu yönetiyor!" ifadesindeki sesin olduğuna inanıyordu. meli
174
"Şeytan gibi ıslık çalmak." Bu söze uğursuz, şeytani bir çağrışım kazandıran, büyük şarkıcının performansındaki bu detaydı.
Koro ile ünsüzlerin telaffuzu üzerinde çalışırken, kompozisyonun doğasından ve kendine özgü görüntülerinden yola çıkmak da gereklidir. işlerde kahraman karakterünsüzler, daha yumuşak telaffuz edildikleri lirik eserlerden daha güçlü ve daha vurgulu ses çıkarmalıdır. Mizah, kahramanlık gibi, açık, hatta bazen gülünç bir şekilde altı çizili ünsüzler gerektirir.
Koro bölümünün yanı sıra bireysel bir şarkıcının tınısının kalitesi üzerinde büyük bir etkisi, varlığıdır. vibrato- küçük periyodik değişiklikler, sesin yüksekliğindeki dalgalanmalar, güç ve "spektral" kompozisyon. Vibrato titreşimleri sesi canlı ve ruhani kılarken, tam yokluğu doğrudan, donuk ve ifadesiz bir ses izlenimi verir. Pratik yapma açısından, sesin tını özelliği olarak algılanan vibratonun, sese içsel deneyim derecesini ifade eden belirli bir duygusal renk vermesi özellikle önemlidir.
Doğası gereği, şarkıcıların vibratosu oldukça çeşitlidir. Vibrato hızı çok yüksekse, seste titreme görülür, salınım frekansı çok düşükse ve ritimleri zayıfsa, kararsız tonlama izlenimi, sesin “sallanması” görülür. Normal vibrato standardının, yalnızca yaratıcı bireysellikleriyle değil, aynı zamanda bölgenin koro sanatının gelenekleriyle de bağlantılı olan farklı iletkenler için farklı olduğuna dikkat edilmelidir. Örneğin, Moskova şeflerinin normal olarak kabul ettiği vibrato, Letonyalı şefler tarafından aşırı olarak kabul edilir ve Letonyalı şeflerin normal vibrato ile şarkı söylemek olarak tanımladığı şeyi, Moskova şefleri vibratosuz şarkı söylemeyi düşünürler. Herhangi bir vibrato türünü tercih etmeden, tam olarak ifşa etmek için koro şarkıcılarının sanatsal görüntü Bir stilin parçaları için uygun olan vibrato türü başkaları için uygun olmayabileceğinden, parçalar titremeye veya "sallanmaya" dönüşmeyen çeşitli vibrato tekniklerinde ustalaşmalıdır.
Koro şarkılarında icra sürecinin kolektif ilkesi, şarkıcılardan özel taleplerde bulunur. Burada
İfade etme araçları 175
herkes kendi tını şekillendirme tarzından vazgeçmeli ve “karartma” veya “aydınlatma”, sesin yuvarlanması veya açıklığı yardımıyla partinin maksimum birliğini ve birliğini sağlayacak dereceleri bulmalıdır.
Daha önce de belirtildiği gibi, tını oluşumunda bir ortaklığa ulaşmak için esas olan, şarkıcıların psikolojik oybirliğidir. Genellikle topluluktaki kusurların nedeni, uygulanması için gereken görüntü ve ses renginin ortak bir anlayışının olmamasıdır.
Benzer fikirlilik, bir topluluk performansındaki şarkıcıların benzer hissi, tınıyı en doğrudan etkileyen bir veya daha fazla deneyime karşılık gelen yüz ifadelerinin gelişimine katkıda bulunur.
Yüz ifadelerinin çeşitli tını tonlarının oluşumu üzerindeki etkisi, vokal okulunun seçkin Rus öğretmeni I.P. Pryanishnikov. Örneğin genç şarkıcının ağzının şekli gibi bir ayrıntıya dikkatini çekti: “Vermeye değer” diye yazdı, “ağız aldığı şekli, örneğin gülerken ses çıkacak. hemen neşeli, parlak bir karaktere bürünün; ağzın köşelerini indirmeye değer, ona mızmız bir ifade vererek, ses aynı ifadeyi alacaktır; Örülmüş kaşlar, şişmiş burun delikleri ve çıplak dişlerle öfkeli bir yüz ifade ederken, ses keskinleşir, öfkelenir. Bu, performans sırasında kendini kaptırabilen, ne yaptığını hisseden bir şarkıcıda, metnin anlamının gerektirdiği gölgeleri sesin kendisinin almasını açıklar - böyle bir şarkıcıda, genellikle yüz hatlarının kendisi alır. Yaşanılan duygunun ifadesinde, yüzün ifadesi ile birlikte özellikle ağız ifadesi ile birlikte istenilen tını 1 elde edilir.
Görsel ve ifade olanaklarının yanı sıra tını, şekillendirme üzerinde belirli bir etkiye sahip olabilir. Örneğin, bir pasajın sesi boyunca aynı tınıyı korumak, bütünlüğüne ve diğer malzemelerden farklılığına katkıda bulunan bir faktör olarak hizmet eder. Bu nedenle, koro şefi, eserin herhangi bir bölümünü daha parlak, daha zıt bir şekilde çıkarmak isteyen, bunun için yeni bir tını rengi bulmalıdır. Diyelim ki şarkının dizesi minör anahtarda, koro da majör anahtarda. Bu durumda, takip-
1 Pryanishnikov I.L.Şarkı söyleme öğrencisi için ipuçları. - M., 1958. - S. 62.
176 Bölüm 6. Koro ile prova çalışması
Hayır, koronun daha hafif doğasına bağlı olarak, içindeki tınıyı aydınlatın.
Tını ve in- arasında da belirli bir ilişki vardır. tonlama. Orkestra şefi, tonlama üzerindeki çalışmayı tını ile ilişkilendirmeden sadece seslerin perdesini düşünürse saf koro akordu yapmayacaktır. Sanatsal bir görüntüyü somutlaştırmanın bir yolu olarak tonlamaya her zaman sesin belirli bir tınısı eşlik eder. Sesin tını niteliklerinin oluşumu çok önemlidir, çünkü işitsel algının özellikleriyle de bağlantılıdır. Şarkıcının sesi, yeterli tını parlaklığı olmadan çok derin geliyorsa, saf olmayan bir tonlama izlenimi yaratılır. Tersine, hafif bir tını tonu neredeyse her zaman saf, yüksek tonlama ile ilişkilendirilir. Bu nedenle, bir orkestra şefi koronun sesinde gerekli müzikal tonlamayı ararken, aynı anda uygun tınıyı da düşünmelidir.
Koronun tınısı ile dinamikler arasında akustik ve sanatsal ikili bir bağlantı gözlemlenir. Sesin tını kompozisyonunun, sesin gücü ve dolayısıyla tını nitelikleri ile değiştiği tespit edilmiştir. Ses yükseltildiğinde, subjektif harmoniklerin ve kombinasyon tonlarının sayısı artar. Bu akustik fenomen, bir dereceye kadar hem koronun ana tınısının oluşumunu hem de ona daha uygun dinamik bir nüansın seçimini belirler.
Uygulama, ses gücünün koronun tınısı üzerindeki etkisinin büyük ölçüde şarkıcıların deneyimine bağlı olduğunu göstermektedir. Vokal-koro tekniğinde yeterince yetkinlerse, dinamiklerin ana tını oluşumu üzerinde önemli bir etkisi yoktur, her durumda nüanslardaki değişiklikler tını oluşumunda herhangi bir özel zorluğa neden olmaz. Genellikle oldukça gelişmiş, deneyimli bir koroda, forte parlak, sulu ama yumuşak, piyano ise sıcak, yumuşak, ancak temiz ve hafif geliyor. Yeni başlayan bir koroda, forte genellikle keskinlik, gürlük, sesi zorlama ile karakterize edilirken, piyano boğuktur ve hem tonlama hem de tını saflığından yoksundur.
Koro liderleri, tecrübesiz koro sanatçılarının işitsel algıyı yeterince geliştirmediğini unutmamalıdır. Büyük bir ses gücü ile ortaya çıkan öznel tonlar, onlara sesin tınısı hakkında yanlış bir fikir verir. Piyano çalarken işitsel algı önemli ölçüde iyileşir,
İfade etme araçları 177
ve genel olarak, orta düzeyde bir ses yoğunluğu, koronun ana tınısının daha başarılı oluşumuna katkıda bulunur. İlk aşamada, orta derecede ses yoğunluğuna bağlı kalmalısınız. (mezzo-piyano, mezzo-forte). Bu durumda, şarkıcılar, forte veya fortissimo şarkı söylerken ortaya çıkan aşırı fiziksel gerginlik olmadan şarkı söyler ve aynı zamanda piyano ve pianissimo performansına eşlik eden ses desteğini kaybetmezler. Bununla birlikte, bundan koronun ana tınısını oluştururken, kişinin kendini yalnızca mezzo-piyano ve mezzo-forte nüanslarıyla sınırlayabileceği sonucu çıkmaz. Şarkıcıların vokal ve teknik becerilerinin gelişmesiyle eş zamanlı olarak, dinamik skala da genişletilmeli, tam, geniş ve serbest forte ve yumuşak, sıcak, temiz piyanoya ulaşmalıdır.
Koronun ana tınısının oluşumu da tempoya bağlıdır. Uygulama, hareketli bir hızda yapılan egzersizlerin istenen sonuçları vermediğini göstermektedir, çünkü bu, şarkıcıların öz kontrolünü ve şefin işitsel kontrolünü önemli ölçüde kötüleştirir. Orta ve yavaş bir tempoda, koro üyelerinin tını kulağı daha başarılı gelişir ve şefin bazı yanlışlıkları kontrol etmesi ve düzeltmesi daha kolaydır. Tını yeniden yapılandırma, icracıdan makul miktarda vokal tekniği gerektirir, bu nedenle şarkıcının yeni bir ses karakterine uyum sağlamak için zamanı olması için çok kısa bir süre içinde tınılarda sık sık değişikliklere başvurmamalısınız. Ayrıca, yeni tını lezzetinin dinleyiciler tarafından ancak yeterince uzun bir sesle ve nispeten yavaş bir tempoyla gerçekten algılanacağını da hesaba katmak gerekir.
Koro tınısının oluşumunda, şefin hem ses hem de jest yardımıyla gerçekleştirdiği gösterinin rolü son derece büyüktür. kadarıyla özellik koro üyeleri (özellikle amatör gruplarda) şarkı söyleyen liderin tarzını taklit etme arzusudur (genellikle bilinçsizdir), şefin sesi genellikle şarkıcıların tınılarını "ayarladığı" bir tür standart haline gelir. Bu bağlamda, bir şefin iyi gelişmiş bir şarkı sesinin (şartlı olarak koro şefi diyelim) koronun ana tınısı üzerindeki etkisi anlaşılabilir, bu genellikle güçlü değil, net ve hoş bir ses anlamına gelir. belirgin tını, başkalarıyla kolayca birleştirilebilir, geniş aralık, oldukça düzgün ses
Koro ile çalışırken koroda şarkı söyleyenlerin duruşunun doğal olmasına dikkat edilmelidir.Oturarak şarkı söylerken sırtın düz durmasına ve bel alt kısmının kemerli olmasına dikkat edilmelidir. Bu durumda, sandalyenin arkasına yaslanmak bu pozisyonun değişmesine ve diyaframın daralmasına neden olduğu için sandalyenin arkasına dokunmamalısınız.
Koro şarkı söyleme, kural olarak, bir nota alıştırmasıyla başlar.
Böyle bir egzersiz, tonlamayı eşitlemeyi, bir sistem oluşturmayı ve sesin uyumunu mümkün kılar. Farklı ünlüler aynı ünsüzle hece olarak icra edilir. Ünlülerin seçimi, koro sesinin genel arka planına bağlıdır. Koronun sesi sağır ise sesli ünlüler alınır (di, de, yes; mi, me, ma). Koro rengarenk geliyorsa, alıştırma sesin yuvarlanmasına ve düzgünlüğüne katkıda bulunan sesli harflerle başlar (lu, le, la). Herhangi bir ünlüyü yuvarlamak gerekirse, “o”, “y”, “a” ünlüleri arasına yuvarlanarak (ma-mi-ma, mo-me-ma) yerleştirilir. Hecelerin oluşumu için genellikle aşağıdakiler kullanılır: “l” (sesi toplar, yumuşak bir saldırı oluşumuna katkıda bulunur), “m” (yüksek bir kafa sesine ayarlar), “d” (atağı harekete geçirir, getirir. ses daha yakın).
Bir derste ilahi söylerken, birçok ilahiyi veya sıradan alıştırmaları kullanmanıza gerek yoktur.
İki veya üç melodi yeterli, ancak üzerinde çok dikkatli çalışmanız gerekiyor. Ana, gerekli vokal olanların oluşumunu sağlayacak, çeşitli yönleri etkileyecek bir kombinasyonda, vokal ve teknik görevler açısından çeşitli olmalıdırlar: nefes alma, vokal kıvrımların çalışması ve
Birinci sınıfta şarkı söylemek için ilahi seçimine bir örnek:
1. bir notta - "doo, du, du, boruya üfleyin." Koro sesini düzenler (bir sistem ve ahenk oluşturur), zincirleme nefes alma becerisini ortaya çıkarır;
2. nefesin gelişimi, sesin düzgünlüğü, ses saldırısının organizasyonu ve destek için melodik ilahiler.
3. artikülatör aparatı harekete geçirmek ve net bir diksiyon geliştirmek için tekerleme.
Şarkı söyleme, çocuğun sesinin ana tonlarıyla başlamalıdır.
Şarkı söylerken genellikle vokal ve enstrümantal eserlerden alıntılar egzersiz şeklinde kullanılır. Ses eserlerinden alınan alıntılar basitçe ilahiye dönüştürülür, enstrümantal eserlerden alıntılar nota adı veya çeşitli hecelerle yapılır. Bu uygulama meşrudur, ancak yalnızca bu pasajlar şarkı söylerken vokal ve teknik sorunların çözülmesine engel olmazsa.
Öğrenciler için tonlama ve ritmik olarak zor olan parçaları almamalısınız. Yapıldığında çocukların dikkati melodiyi yeniden üretmenin zorluklarına odaklanacak, vokal taraf arka plana çekilecek ve bu nedenle ses becerilerinin oluşturulduğu dersin bir parçası olarak ilahi önemini kaybedecektir. .
Tüm egzersizler, genel olarak ses fonksiyonunun doğru organizasyonu ve iyileştirilmesine yöneliktir. Ancak sınıflar sürecinde, vokal aparatın gelişim aşamasına ve öğrencilerin bireysel özelliklerine bağlı olarak, ayrı özel vokal ve teknik görevler ayırt edilir. Eğitimin başlangıcında, bu, soluma, saldırı, sesin bireysel nitelikleri, yumuşak ekshalasyon ve desteğin organizasyonudur. O zaman bu, sesin eşitlenmesi, kayıtlar, şarkı söyleme aralığının genişletilmesi vb.
Her özel vokal ve teknik görev için en yararlı olanları seçebilmek için öğretmenin bireysel egzersizlerin metodolojik değerini bilmesi gerekir.
Aynı alıştırma, bu görevlerden birinin değil, birkaçının uygulanmasına katkıda bulunabilir.
Bu nedenle, sürekli bir nota şarkı söylemek, yalnızca tek tip bir ekshalasyon ve desteğin oluşumuna, ünlülerin hizalanmasına değil, aynı zamanda ses dinamiklerinin gelişimine de katkıda bulunur.
Belirlenen metodolojik hedefe bağlı olarak, öğretmen herhangi bir egzersizi uygularken, eğitimin bu aşamasında vokal ve teknik görevle örtüşen olumlu etkisine odaklanır. Bazen öğretmen alıştırmayı değiştirerek görevin tamamlanmasına daha fazla katkıda bulunur.
Sürekli nota alıştırması örneğini ele alalım. Bu alıştırma tek tip bir ekonomik ekshalasyon geliştirmek için kullanılıyorsa, eğitimin başında bunu bir veya iki uzun hecede yapmak yeterlidir. Ancak ünlü hizalama hedefi öne çıkarılırsa, o zaman tüm ana ünlüler, ünsüzler olmadan (mi-e-a-o-u) şarkı söylemenin mantıklı olduğu ve tekrar eden heceler (mi) şeklinde değil, bu alıştırmaya yavaş yavaş dahil edilmelidir. , me, ma , mo, mu), çünkü o zaman ünlülerin hizalanmasına bir dereceye kadar müdahale eden ünsüzler aracılığıyla bağlanacaklar.
Başka bir örnek, aşağı doğru gama egzersizidir. Bir sesli harf üzerinde yavaş bir hızda gerçekleştirilen bu alıştırma, nefes alma desteğini geliştirme ve yüksek bir konumu koruma ve notaları adlandırırken aynı zamanda ünlüleri hizalama amacına hizmet eder. Aynı gam, bir sesli harfle söylenen, hızlı bir şekilde aşağı doğru hareket eder. hareketlilik ve akıcılık geliştirme araçları.
Alıştırmalar, öğrencilerin ses oluşumunun bireysel özelliklerine göre çeşitlendirilmelidir.
Bu, ve seçiminde kendini gösterebilir. Şarkı söyleme sesinin gerekli niteliklerinin belirlenmesine katkıda bulunmak ve ses oluşumunun olumsuz bireysel özelliklerini ortadan kaldırmak için her bir durumda özel olarak seçilirler.
Egzersizlerin uygulanması ses eğitimi ilkelerine uygun olmalıdır. Alıştırmalar kolaydan zora doğru seçilmelidir. İlk alıştırmalar genellikle birkaç hatta bir tondan oluşur, eşit ses gücüyle söylenir ve becerilerde ustalaştıkça yavaş yavaş zorlaşır. Menzilleri genişler, melodinin aralıklarla inşası daha çeşitli hale gelir, sesin dinamikleri gelişir, tempo hızlanır, zamanla uzarlar.
Egzersizler kesinlikle sırayla uygulanmalıdır. Gerekli değildir, örneğin, öğrenciye, daha dar aralıkların (üçte, kuart, beşinci) bağlantısında henüz ustalaşmamışsa bir aralığı ve bir oktavı birleştirmesini sağlayın veya öğelerinde önde gelen ses henüz ustalaşmamışsa (bir dörtlü veya beşli) bir dizi şarkı söyleyin. ilerici sesler).
Alıştırmalar öyle bir düzende düzenlenmelidir ki, sonraki her biri zaten kazanılmış becerileri geliştirecek ve yavaş yavaş yenilerini geliştirecektir.
Her ne kadar egzersizler gerekli kondisyon vokal ve teknik becerilerin geliştirilmesi, ancak şarkı söylemeden, zorluk açısından giderek zorlaşan eserler, yüksek bir teknik seviyeye ulaşılamaz. Nasıl ki bazı eserlerde ses eğitimi ile bunu başarmak mümkün değilse. Vokal ve teknik beceriler birlikte bir araçtır sanatsal ifade. Alıştırmalarda geliştirilirler ve sanat eserleri üzerinde çalışırken sabitlenir, zenginleştirilir ve geliştirilirler.
Zorluktaki kademeli artış sırasına göre doğru seçilmiş egzersizler sanat eseri, olduğu gibi, aynı zamanda ses becerilerini geliştirmeye yönelik egzersizlerdir.
A. Kondüktör tarafından puanın incelenmesi
1) Koro eserinin müziğinin yazıldığı edebi metnin içeriğinin analizi. Müzik ve metin yazarları hakkında tarihi bilgiler.
2) Müzik analizi ve eserin müzikal-teorik analizi.
Müzikal form, müzikal temalar, ton planı, ölçü, ritim, tempos (agojikler), dinamikler, aralıklar, armoni, ses yönlendirmesi, edebi bir metnin tümcesiyle bağlantılı müzikal ifade, vb.
3) Vokal-koro analizi. Koronun türü ve türü homojen, karışık, kaç ses için. Topluluk.
Sistem (tonlama), her parçanın aralığı, her parçanın ve tessitura'nın kullanım derecesi, nefes alma özellikleri, sesin doğası, metnin vokalliği ve diksiyon özellikleri vb.
4) Sanatsal performans planı. Müzikli anlatım ve metnin müzikle bağlantısı. Yürütme teknikleri.
5) Koro provaları için bir plan ve bunları yürütmek için bir yöntem hazırlamak.
B. Öğrenme müzikten bir parça koro ile
1) açılış konuşması besteci hakkında, hayatı, eseri ve bu müzik parçası hakkında.
Kısa mesaj edebi metnin yazarı hakkında.
2) İşin teknik analizi:
a) Partilerin oylarına göre ayrı ayrı (eğer sınıflar aynı anda farklı odalarda veya her parti ile özel olarak ayrılmış bir saatte çalışılarak düzenlenebilirse);
b) gruplar: bir grupta tenorlu erkek ve kadın veya soprano, diğerinde baslı altolar (böyle bir ayrım işin dokusuna bağlıdır); c) ayrı dumanlı müzik yapılarına göre genel koroda (genel koroda bölümlerin geçme sırası müzik eserinin dokusuna da bağlıdır).
3) Sistem ve topluluk üzerinde çalışın.
4) Diksiyon üzerinde çalışın. Metni yönetirken müziğin ritminde iyi bir artikülasyonla okumak. Net bir diksiyon geliştirmek için bireysel yapıların, hecelerin ve kelimelerin incelenmesi. Çalışılanların şarkı söyleme ile bağlantısı.
Tüm dersler sırasında, şarkı söyleyen sesin kalitesini izlemek ve yüksek sesle şarkı söylemekten kaçınmak gerekir. Bir koro ile çalışırken, özellikle bir eserin teknik analizi sırasında, vokal araçları kurtarmak için kural her zaman akılda tutulmalıdır.
B. Koro ile sanatsal çalışma
1) Eserin sanatsal işlenmesi. Performanstaki sanatsal görevleri anlamak için edebi bir metnin içeriğinin koro ile analizi.
2) Edebi ve müzikal metinlerin içeriğinin sentezine dayalı bir sanatsal performans planının oluşturulması: dinamik gölgeler, tempo (tempos), sesin doğası, bireysel parçaların nüansı, ses dengesi, bir bütün olarak müzikal ifadeler .
3) Genel provalar (en az iki) ve öğrenilen parçanın performansı
sahne.
Görev 1. Koro ile birlikte öğrenmeyi planladığınız iki koro eserinin puanlarını analiz edin ve bir şef olarak kişisel ön hazırlık sürecinizi tanımlayın. Açıklama şunları içermelidir: a) edebi metnin analizi; b) notaların müzikal ve teorik analizi; c) puanların vokal ve koro analizi; d) işin sanatsal performansı için bir plan.
Görev 2. Performans için planladığınız koro çalışmalarını öğrenmek için prova oturumlarının bir planını yapın (bkz. görev 1) her bir provanın içeriğinin ayrıntılı bir göstergesiyle.
Görev 3. Görev 1 için planlanan çalışmaları öğrenmek için bir koro dersleri günlüğü tutun, planlanan planı yerine getirme sürecinin tamamına girin. Çalışmalar sahnede yapılmaya hazır olduğunda, ön plan ve günlük verilerini karşılaştırın. Aralarındaki tutarsızlıkları belirleyin ve nedenlerini açıklayın.
