Ders süresi: 2 akademik saat.
Ders soruları:
Bir müzik parçası üzerinde çalışmanın en üst aşaması olarak İlk Konser performansı;
Konser heyecanının ikinci psikolojik temelleri. Bunları aşmak için yöntem ve teknikler;
Üçüncü Pandryhtovka ve öğrenci yarışmaya katılacak. Bazı metodik tavsiyeler.
Dersin amacı: Bir konser performansı için bir sanatçı hazırlama aşamasının özünü, özelliklerini ortaya çıkarmak, sahne heyecanının üstesinden gelmek için ana yöntem ve teknikleri karakterize etmek.
İlk İşin en yüksek aşaması olarak konser performansı
n bir müzik parçasından
Bir müzik parçası üzerinde çalışmanın en yüksek aşaması, onun konser ve sahne performansıdır. Uzun ve sıkı çalışmanın sonuçlarının halka sunumu başlı başına sorumludur, ancak aynı zamanda dinleyiciye tanıdıklarının ilk çubuklarından beğendikleri bir eseri gösterme, duygusal heyecanlarını sanatsal yoluyla iletme fırsatıdır. Bu esere ilişkin kavrayış ve imge yelpazesi, onların bu müziğe ilişkin duyguları ve anlayışları. . Kamuya açık bir performansın sorumluluğu, raporlama döneminin başarılarının değerlendirildiği ve bir not verildiği bir raporlama konseri ise, eğitim sürecinin koşullarında artar.
Bir konser performansına hazırlanma yöntemi, müzisyen-öğretmenlerin yakından ilgilendiği bir konudur. Müzikal ve pedagojik uygulamada etkili bir şekilde kullanılan çeşitli teknikler geliştirdiler. Bir konser performansının, bir kerelik performans sırasında hızlı, maksimum zihinsel enerji konsantrasyonu, bir müzik parçasının halka açık performansında duygusal ve fiziksel dayanıklılık, zihinsel, fiziksel ve entelektüel kaynakların özel bir seferberliği ve katı bir iç mekan gerektirdiği bilinmektedir. disiplin.
Bir konser performansına hazırlık program seçimiyle başlar dersek abartmış olmayız. Kesinlikle, yapma eğitim repertuarıöğrenciler Ben, öğretmen programın gereksinimlerini, öğrencisinin mesleki niteliklerini geliştirmek için en yakın, en acil görevleri, isteklerini dikkate alır. Ancak öğrencinin repertuarında, zaten çalışmaların ikinci aşamasında, raporlama dönemi için başarılarını en iyi temsil edecek olanları not etmek gerekir. Öğrencinin bu eserleri sevmesi, onda ustalaşma arzusu uyandırması, böylece en iyi kişisel niteliklerinin üzerlerinde canlı bir şekilde sergilenebilmesi arzu edilir. Bu eserlerin teknik ve sanatsal karmaşıklık derecesi, gelişiminin bu aşamasında öğrencinin performans yeteneklerini aşmamalıdır, ancak aynı zamanda, bu eserlerin performansının kademeli profesyonel gelişimini gösterebilmesi yararlı olacaktır.
Sanatçının eğitiminin herhangi bir aşamasında programın sanatsal ve teknik hazırlığının ana göstergesi olan doğaçlama özgürlüğünü duymasını sağlayan bu eserlerdir. Bu tür bir doğaçlama özgürlüğü, icracıların mesleki eğitimi için gerekli bir koşul olan sahne performansının tadını çıkarmayı mümkün kılmaktadır.Öğrencinin aşırı çabasını gerektiren eserlerin, çok faydalı olmasına rağmen, raporlama konserlerine alınmasının tavsiye edilmediğini de ekleyelim. onları repertuara dahil etmek, özellikle bu öğrencinin kişisel arzusuna karşılık geliyorsa. Bu şekilde öğretmen, yenilmez karmaşıklık nedeniyle ortaya çıkan sahne heyecanının bir kısmını önceden dışlar.
Tabii ki, konser performansı sadece öğrencinin kişisel yeteneğini, üstünlüğünü değil, her şeyden önce profesyonel bağımsızlığının derecesini de gösterir. Bu nedenle, konser performansına hazırlık boyunca ve performansın kendisinde, öğrencinin kendini organize edebilmesi, kendini kontrol edebilmesi ve konserden sonra performansının bağımsız bir değerlendirmesini yapabilmesi çok önemlidir.
Bir konser performansının en sorumlu bölümleri: son prova, gösteri gününde davranış, sahneye giriş ve çıkış, performansın başlangıcı. Onlarla ilgili bazı metodolojik önerilere dikkat edelim.
son prova odanın kendisini ve akustiğini tanımak için performansın gerçekleşeceği odada yapılır. Oyuncunun sorumluluğunu arttırmak için seyirciyi (diğer öğretmenler, sınıflarındaki öğrenciler, wuyan'ın arkadaşları) bu provaya davet etmek çok faydalıdır. Son prova, eserlerin konserde seslendirileceği sırayla tüm programın bir kerelik, en sorumlu performansını sağlar. Son provadan önce, hem evde hem de başka herhangi bir odada gerçekleştirilebilecek uygun sayıda ön prova (tüm programın bütünsel olarak çoğaltılması) yapılması gerekir. Ve bir konser performansının her zaman provadan daha kötü olduğuna dair önyargılar var. Ama aslında başarılı bir prova, icracının hazırlık derecesini değerlendirmenize izin verir ve icracı harekete geçerse ve defnelerine dayanmazsa daha da başarılı bir performansın potansiyelini gösterir.
Konser günündeÇoğu icracı, hatta kırtasiye müzisyenleri bile “konser öncesi heyecanı” yaşarlar. heyecan, kişi rahatlayabilir ve kötü oynayabilir.
Performans gününde davranışla ilgili metodolojik öneriler oldukça aynıdır. Sinir ve psişik enerjiden tasarruf etmek, çok okumamak, konuşmamak, televizyon izlememek gerekir. Biraz oynamanız tavsiye edilir ve işler konser programı duygusal olarak kısıtlanmış, yavaş bir hızda oynayın. Bir konser gününde, elde notalar ile eserler üzerinde düşünmek kadar çalmanın da faydalı olduğu bilinmektedir. Son olarak, eğitici materyallerin yanı sıra iyi çalışılmış ve bir konserde bir kez başarıyla çalınmış parçaları çalmak yararlıdır. Oyunun daha önce elde edilen kaardynavanasci unsurlarının böyle bir restorasyonu, yeni programın uygulanması üzerinde verimli bir etkiye sahiptir.
Sanatsal odada anlamsız konuşmalar yapılması önerilmez. Ayrıca, odanın içinde sessizce dolaşmayın. Rahat bir pozisyonda, rahat kaslarla sessizce oturmak daha iyidir (öğretmenin bunu önceden öğretmesi gerekir). Gerekirse, "el oynamak", gamları, etütleri veya bireysel konser bölümlerini yavaş bir hızda çalmak mümkündür. Ancak, programın farklı bölümlerini bellekte sıralamak için bir araç olmadan en kullanışlıdır. (Aynı zamanda, böyle bir inceleme "zayıf halkaları aramaya" dönüşmemelidir!).
Sahnede çıkıştan önce çok önemli bir an belirir. görüntüye giriş. Konser gününde, sanatçı konser programının görüntülerinde yaşıyor olsa da, performansın başlamasından önce, özellikle yaratıcı, duygusal olarak yükselen bir ruh hali uyandırmak gerekir. Bu, eserlerin en duygusal olarak yoğun ve canlı bölümlerini, müziğin karakteristik detaylarını hatırlayarak elde edilir. Müzikal temaların ve bölümlerin sözel özelliklerini hatırlamak çok faydalıdır (bu yüzden onları günlük işlerde kullanmak çok önemlidir!).
Öğrenciyle birkaç kez prova yapmanız gerekir. sahneye giriş çıkış. Burada en kabul edilebilir olanı enerji ve dayanıklılık, haysiyet ve alçakgönüllülük duygusudur. Uzun süre rahat bir uyum aramaya, ellerinizi ovmaya, boş yere hareket etmeye, koridora bakmaya, mikrofon aramaya vb. gerek yok. - tüm bunlar aşırı heyecan göstermeden hızlı bir şekilde yapılmalıdır.
Öğrenciye, sahneye girme ile oyunun başlangıcı arasında geçen birkaç saniyeyi, icra aparatının durumunu kontrol etmek, gerekli duygusal ve kas akortunu oluşturmak ve ilk parçanın başlangıç temposunu ayarlamak için kullanmayı öğretmek faydalıdır. .
Programın bitiminden sonra, ayrılmanıza gerek yoktur. Duraklatmak, müziğin "durmasına" izin vermek, ardından onurlu bir şekilde ayağa kalkmak, seyirciye boyun eğmek ve yavaş tempo sahneyi terk et.
Ekliyoruz hayır, en yakın hazırlık çalışması icracıyı yoğun aktiviteden kurtarmaz. sırasında konuşmalar. Aynı zamanda, yaratıcı aktivite, performansınızı kontrol etmenize ve en verimli sanatsal sonuçlara ulaşmanıza izin vererek, öz kontrol ve öz kontrol ile birleştirilmelidir.
Öğrencilere gelince, birçoğu her ikisinde de eşit derecede eksik: Hem ödevde hem de sahnede yeterince kapılmamış ve yeterince bilinçli değiller. Bu bizi, öğrencilerle tüm çalışma süresi boyunca bu gerekli niteliklerin oluşumuna öğretmenlerin özel dikkatini vermeye zorlar.
İkinci Konser heyecanının psikolojik temelleri. Bunları aşmak için yöntem ve teknikler
Sinik uygulama, zararlı sahne heyecanının üstesinden gelme problemini ortaya çıkarır. Her müzik yeteneğinin maksimum başarı ile geliştirilmesi anlamına gelen verimli konser etkinliği için uygun koşulların yaratılması, müzik metodolojisinin önemli görevlerinden biridir. Bu nedenle, en iyi performans gösteren müzisyenlerin ve ünlü öğretmenlerin, pop heyecanını aşma sorununa birçok sayfa ayırması şaşırtıcı değildir.
Bir konser performansı sırasındaki heyecan, müzisyenin yüksek sorumluluğundan bahseder. Onlarca yıldır sahne alan ünlü sahne ustaları bile bu duyguyu biliyor. Tamamen heyecan yokluğu, yalnızca küçük çocuklar (9 - 10 yaşına kadar) ve müzikalitesi çok gelişmemiş sanatçılar için tipiktir.
Heyecan doğal olanın sınırlarını aşmazsa, ilahi ilhamla performansa katkıda bulunur. G. Neuhaus, böyle bir heyecanın ana nedeninin: ... "insanların önünde yürümeye" çağrılmış bir kişinin hayal edilmesinin imkansız olduğu yüksek ruhsal gerilim, sahip olduğu insanları bilgilendirmesi gerektiği bilincine dikkat çekiyor. Onu dinlemek için toplandılar, günlük günlük deneyimlerden, düşüncelerden ve duygulardan derinden farklı olan önemli ve önemli bir şey. Böyle bir heyecan, - G. Neuhaus'un vurguladığı gibi, iyi, gerekli bir heyecan ve bunu yapamayan, bir görevli hizmete geldiğinde sahneye çıkıyor, bugün kendisine verilen görevleri yerine getireceğinden emin - gerçek bir sanatçı olması pek mümkün değil " .
Ancak bazen kabul edilebilir tüm sınırları aşan ve bir hastalığı andıran heyecan vakaları vardır. Özellikle sık sık böyle bir heyecan, gençler ve yeterli sahne pratiği olmayan müzisyenler için tipiktir. Konserden hemen önce üşüyorsunuz ya da tam tersine elleriniz terliyor, bazılarında hafif, bazılarında ağırlaşıyor, bazıları uykuya dalıyor, güvensizlik hissi, korku, nefes alıp verme, hafıza sorunları ortaya çıkıyor, vb. Böyle bir heyecan, icracının yeteneğini göstermesini engeller, bu nedenle müzik psikolojisi ve pedagojisinin görevi, bu heyecanın nedenlerini belirlemek ve bunun üstesinden gelmenin yollarını göstermektir.
Pop heyecanının nedenleri arasında aşağıdakiler belirtilecektir:
çalışmanın öğrencinin müzikal ve teknik yeteneklerine uymaması;
öğrencinin çalışma üzerinde otomatik olarak, bilinçsizce çalışmamasından kaynaklanan belirsizlik;
metin "bellek tarafından" iyi çalışılmamış;
- artan öz eleştiri, kişinin kişiliğine aşırı dikkat;
zayıf sinir sistemi, ağrı.
Yukarıda sıralanan nedenler, pop heyecanı ile başa çıkmak için yöntem ve teknikler geliştirmeyi mümkün kılmaktadır. Bunlar şunları içerir:
İlk C, bir müzik parçasının iyi bilinen ve kendinden emin bir ustalığı, müzikal düşüncenin doğal bir gelişimi olarak parçanın bir bütün olarak net bir fikridir.
Teknik olarak karmaşık bölümlerde İkinci Bilinçli ustalık.
Üçüncü Bilinçli, işin ezbere aktif gelişimi. Aynı zamanda, metnin karmaşıklık derecesine bağlı olarak bilinç ve otomatiklik arasında uygun bir ilişki kurmak gerekir.
Dördüncüsü, seyirci önünde cesaret, öz kontrol, net düşünce, konsantrasyon sağlayan Bilinçli performans eğitimi.
Beşinci Bilinçli vücut desteği - artan miktarda vitamin, dengeli beslenme, egzersiz, kendi kendine hipnoz becerilerinde ustalaşma, yeterli uyku, açık hava rekreasyonu.
Asıl öğrenilmesi gereken şey, görüntüdeki "heyecanın" faydalı ve doğal olduğu, "görüntünün dışındaki heyecanın" zararlı olduğudur. Ve zararlı heyecandan kurtulmanın ana yolu, öğrencinin düşünce tarafından yönlendirilmemesi için çalışması için mesleki sorumluluğunu oluşturmaktır. "BEN Chopin oynuyorum" ve gururla "Oynuyorum" dedi. Chopin".
İkinci Öğrencileri rekabete hazırlamak.
Bazı metodolojik tavsiyeler
Müzik yarışmalarının tarihi, farklı dönemlerden sanatçıların kaderinde önemli, bazen belirleyici rollerine tanıklık eder. Ve herhangi bir öğretmenin en yetenekli öğrencisi için başarılı bir profesyonel kariyer hayal ettiğini söylemek abartı olur. Bugün bu hedefe ulaşmanın en geleneksel ve etkili yolu, prestijli bir müzik yarışmasına katılmak ve zafer kazanmaktır. Belki de bu yüzden dünyadaki müzik etkinliklerinin sayısı her yıl artıyor. Ve bu şaşırtıcı değil, çünkü müzik yarışması, kişinin mesleki itibarını ve olgunluğunu kanıtlamak için en ikna edici fırsatlardan biridir.
Kanser aktivitesi, örülmüş ve her şeyden önce bir karşılaştırma unsurunun bulunmadığı rekabetçi aktiviteden önemli ölçüde farklıdır. Konsere katılan her müzisyen, performansın kalitesinden bağımsız olarak, niteliklerinden birinin neden olduğu seyircinin sempatisine güvenebilir: cesaret, duygusallık, virtüözlük, kendiliğindenlik, vb. Bu da seyircinin tepkisi (konser inceleme raporu ise komisyon üyeleri dahil). Konser sırasında başarının ana kriteri dinleyicilerin tepkisi olduğu için, yarışmalı seçmelerin zorunlu nitelikleri olan konser performansının bu kadar yüksek sorumluluk ve maksimum gerilime sahip olmadığını söylemek mümkündür. Gerçek şu ki, yarışmacının asıl amacı, yüksek jüri tarafından verilen avantajı elde etmek için rakibine karşı kişisel avantajını kanıtlamaktır. Ve jürinin kararı en iyi müzisyenlerülke ve dünya. - Taviz vermeyen (yarışmacının geçmiş başarıları, fiziksel ve zihinsel durumu, müzikal, duygusallık vb. teknik hataların telafisi dikkate alınarak) derecelendirme sistemine uygun olarak verilir. Aktiviteyi gerçekleştirmenin belirli kendiliğindenliği dikkate alındığında, rekabet performansına eşlik ettiği için en yüksek derecede sinir gerginliğini hayal etmek mümkündür. Zihinsel ve fiziksel rahatsızlık, diğer faktörler nedeniyle önemli ölçüde derinleşir: yaşam koşullarındaki bir değişiklik, taşınmanın karmaşıklığı, birçok organizasyon sorununu acilen çözme ihtiyacı, aile üyelerinden ve arkadaşlardan destek eksikliği vb.
Yarışmaya hazırlanma sürecinin verimli olması ve katılımın kendisinin başarılı olması için öğretmen ve öğrencinin belirli kişisel ve mesleki niteliklere sahip olması gerekir. Etkileşimleri, orta düzeyde demokratik güven ilişkileri sağlayan işbirliği pedagojisine dayanmalıdır. Ayrıca yarışmacının yakınlarından da destek alınması gerekmektedir.
Bir müzik yarışmasına hazırlanma yönteminin özellikleri, her şeyden önce, organize faaliyetlerde (belgeleme, yer değiştirme organizasyonu vb.), Müzisyenin fiziksel ve zihinsel refahının düzenlenmesinde, optimal bir oyun durumu yaratmanın yollarında ustalaşmada yatmaktadır. yarışmacı için. Programın seçimine ve hazırlanmasına gelince, rekabetçi faaliyetlerle bağlantılı artan sorumluluk, öğretmenin, öğrencinin müzik eserleri üzerindeki çalışmalarının her aşamasına özel olarak dikkat etmesini gerektirir.
Müzisyenin psikolojik ruh hali, kişisel özelliklerine olduğu kadar sahne heyecanının belirli aşamasına da bağlıdır. Yarışmaya hazırlanırken, günümüzde spor işe alım pratiğinde yaygın olarak kullanılan çeşitli psiko-düzenleyici yöntemlerin (otojenik eğitim, konuşmalar, telkin, hipnoz) kullanılması mümkündür. Performanstan hemen önce, kendi kendine hipnoz yöntemi en etkili olacaktır, çünkü şu anda yandan herhangi bir bilgi neredeyse algılanmamaktadır. Bir konser performansından önce rekabetçi psikolojik hazırlık ve ayarlama arasındaki temel fark, sakinleşmemesi, tam tersine maksimum aktiviteye neden olması, “dövüş havası” yaratması, oynama arzusu ve kazanma arzusunu hesaba katarak olmasıdır. yarışmanın tüm turları için kuvvetlerin ve enerjinin dağılımı.
Modern müzik yarışmalarının yapısının ayrıntılı bir incelemesi, çok yönlülüğünün ve çeşitliliğinin, her seviyedeki müzisyenin seçim yapmasını mümkün kıldığını iddia etmek için temel sağlar. Belaruslu sanatçıların uluslararası müzik alanındaki başarıları, aktif yaratıcı faaliyetleri, yüksek düzeyde mesleki eğitim - tüm bunlar, müzik eğitiminin her seviyesindeki müzik yarışmalarına hazırlanmak için amaca yönelik özel bir metodoloji yaratmanın acil ihtiyacına tanıklık ediyor.
Sonuçlar:
Performans sürecinin en yüksek noktası, icracının silah arkadaşlarına bestecinin ortak yaratıcısı olarak göründüğü ve sadece kendisi ile halk arasında bir aracı olarak göründüğü konser performansıdır. Dinleyicinin müzik eseri fikri, icracının yazarın sanatsal fikrini nasıl anladığına ve onu nasıl gerçekleştirebildiğine bağlıdır.
Yüksek bir görevin sorumluluğu, icracının kendisine yardımcı olan, ilahi ilhamlı performansı teşvik eden doğal sahne heyecanından kaynaklanmaktadır.
Tüm zararlı, "yıkıcı" heyecan vakaları, sanatçının şişirilmiş benlik saygısının eserleri üzerinde yeterince bilinçli çalışmasıyla bağlantılıdır.
Temel nitelikte olan ve amaç ve hedefler düzeyinde olduğu kadar örgütsel, duygusal ve psikolojik düzeylerde de kendini gösteren konser ve rekabetçi performanslar arasında birçok fark vardır. Bu nedenle öğrencileri tek seferlik bir konser performansına ve rekabetçi bir yarışmaya katılmaya hazırlama yöntemleri farklı olacaktır.
Anahtar kavramlar: konser performansı, pop heyecanı, sahne refahı, rekabet, müzik yarışması.
Kendi kendine muayene için sorular:
Önce Bir konser performansının en sorumlu kısımlarını listeleyin.
İkincisi Pop heyecanının temel nedenleri nelerdir? Nasıl önlenebilirler?
Üçüncüsü Konser ve rekabetçi performanslar arasındaki temel fark nedir?
Edebiyat:
İlk Barenboim L. Müzikal pedagoji ve performans, L.: Muzyka, 1974. - S. 32 - 60.
İkinci Vicinsky A.Çeşit performansı // Vicinsky A. Bir piyanistin sanatçının çalışma süreci müzik eserleri. - M.: Klasikler, 2004. - S. 73 - Seksen dördüncü
Üçüncü Hoffman ben.. Herkese açık oyun // Hoffman ben.. Piyano oyunu. Piyano çalma ile ilgili soruların cevapları. - E.: Gösmuzizdat, 1961. - S.179 - 182.
dördüncü Kogan G. Ustalığın kapılarında. - M.: Klasikler, 2004. - S.61 - 75.
Beşinci Maykapar S.İlk okuma / / Maykapar S. Kraliyet için nasıl çalışılır. - L.: Muzgiz, 1963. - S.11 - 14.
Altıncı Neuhaus G. Konser etkinliği hakkında // Neuhaus G. Piyano çalma sanatı üzerine. - M.: Müzik, 1967. - S. 226 - 23 sekizinci
Yedinci Savshinsky S. konser öncesi dönem. Konser performansı // Savshinsky S. Bir müzik parçası üzerinde bir piyanistin çalışması. - M.: Klasikler, 2004. - S.133 - yüz elli yedinci
Sekizinci Shchapovo A. Konser performansı // Shchapovo A. Piyano tekniği ile ilgili bazı sorular. - M.: Müzik, 1968. - S.231 - 245.
Tsyt. üzerinde: Savshinsky S. Bir müzik parçası üzerinde bir piyanistin çalışması. - M.: Klasikler, 2004. - S. doksan sekizinci
Hoffman ben.. Piyano oyunu. Piyano çalma ile ilgili soruların cevapları. - M.: Gösmuzizdat, 1961. - S.176.
Aynı eser, s. yüz yetmiş altı
Hoffman ben.. Piyano oyunu. Piyano çalma ile ilgili soruların cevapları. - E.: Gösmuzizdat, 1961. - S.17 7
Alıntı yapan: Savshinsky S. Bir müzik parçası üzerinde bir piyanistin çalışması. - M.: Klasikler, 2004. - S. kırk saniye
Kurulum - hazır olma, bir kişinin belirli eylemlere yatkınlığı ve belirli uyaranlara tepkileri
Neuhaus G. Piyano çalma sanatı üzerine. - M.: Müzik, 1967. - S. iki yüz otuz üçüncü
Konser performansına psikolojik hazırlık ve konser heyecanı sorunu
GİRİİŞ
Topluluk önünde konuşma belirleyici bir andır yaratıcı yaşam sanatçı, bu bir müzisyenin (hem olgun hem de yeni başlayan) bir parça üzerinde uzun bir çalışmasının sonucudur. Ve elbette, bu, her şeyin birbirine bağlı olduğu bir müzisyen olma ve eğitim sisteminde gerekli bir aşamadır: eğitim müzikal düşünme, yaratıcı hayal gücü, işitme, teknik beceriler, hafıza, çalışma tarzında konsantrasyon ve genel kültür.
Zaten kreşte eğitim döneminde müzik OkuluÖğrenci, icranın ciddi bir mesele olduğuna, dinleyiciye, eser sahibine, kendisine ve hocasına karşı sorumlu olduğu, aynı zamanda bayram olduğu gerçeğine alışmalıdır, hayatının en güzel anları, büyük bir sanatsal doyum elde edebildiği zamanlar. Sonuçlar topluluk önünde konuşmaöğrencinin ruhu üzerinde büyük bir etkisi vardır ve büyük ölçüde daha fazla ilerlemesini ve çalışmasını etkiler.
Öğretmenin en güçlü kontrolü altında gerçekleşen tüm eğitim sürecine rağmen, konser performansı büyük ölçüde müzisyenin bireysel yeteneklerine bağlıdır. Sahnede davranış, oyun sırasında esenlik, seyircinin tutumuna tepki - tüm bunlar her oyuncuda kendi yolunda ortaya çıkar.
Genellikle bu aşamada, çok yetenekli sanatçılar için bile ciddi zihinsel travmaya neden olan ve bazen sahne performanslarını reddetmelerine neden olan arızalar meydana gelir.
Sahnede sanatçı ile meydana gelen arızaların nedenlerini göz önünde bulundurarak, pop heyecanı sorunu - "halk içinde" içsel kurtuluş sorunu, kendini sinir gerginliğinin prangalarından kurtarma yeteneği üzerinde daha ayrıntılı durmak istiyorum. K. Stanislavsky, ince bir psikolojik gözlemle, bir oyuncunun sahnede yaşadığı acı verici ve doğal olmayan durumu şöyle anlatıyor: “Bir kişi - bir sanatçı, bininci kalabalığın önünde sahneye çıktığında, öfkesini korku, utangaçlık, sorumluluk, zorluklardan kaybeder. Bu anlarda konuşamaz, bakamaz, dinleyemez, düşünemez, isteyemez, insan gibi hissedemez.
Bir müzisyen-oyuncunun heyecanı, bir aktörün tarif edilen esenliğinden farklı değildir; sorumluluk bilinci, olağandışı ortam, başarısızlık korkusu - tüm bunlar dağınık Yaratıcı beceriler.
Pek çok piyanist ve (özellikle) öğrenci için konser performansı kolay bir iş olmaktan uzaktır. Sahneden korkan ve genellikle gerçek seviyesinin çok altında bir seyirci önünde oynayan mükemmel virtüözlerin olduğu bilinmektedir.
G. Neuhaus, “Piyano Çalma Sanatı Üzerine” adlı kitabında, A. Rubinstein, L. Godovsky ve diğerleri gibi ünlü sanatçıların konserlerden önce nasıl endişelendiğini hatırlıyor. A. Goldenweiser, performanstan önceki heyecanın çoğu büyük sanatçının özelliği olduğunu yazıyor. Bu kuralın nadir bir istisnası olarak, konserden önce hiç endişelenmeyen I. Hoffmann'dan bahsediyor.
KONSER MÜKEMMELLİK
Konser heyecanı sorunu, müzik pedagojisi ve psikolojisi alanında birden fazla araştırmacı ve enstrüman çalmayı öğretmek için özel yöntemler tarafından atlanmamaktadır. Gerçekten de bu sorun, pop heyecanı sorunu ve benzeri sorular - bir konser performansı sırasında aşırı heyecandan nasıl kurtulur, bir performansa hazırlanırken pop heyecanı üzerinde nasıl çalışılır - müzik pedagojisi ve psikolojisinde anahtardır. Sanatsal yeteneklerin yetiştirilmesi ve özellikle performans sırasında kendini kontrol etme yeteneği, formasyondaki bir öğretmenin görevlerinden biridir. müzisyen.
Konser heyecanı, bireyin kişisel özelliklerine bağlı bir tür duygu durumu olarak değerlendirilmelidir. Pop heyecanının iki çeşidi vardır: “heyecan-yükselen” ve “heyecan-panik”. Her icracının zihinsel organizasyonunun bireysel özelliklerinden dolayı heyecan durumu icra edilen eserlerin kalitesini farklı şekillerde etkiler.
Birincisi, heyecan yaratıcı göreviyle zekice başa çıkmaya yardımcı olur, performansın daha parlak olmasına, icracı ile dinleyici arasında daha iyi temasa katkıda bulunur, sonra bir diğeri heyecanın üstesinden gelmek için çok fazla enerji harcamak zorundadır ve aynı zamanda icracı her zaman istenen sonucu elde edemez, çoğu için heyecan acı verici bir duruma ulaşır. Çoğu zaman, bu, hız düzenlemesinin ihlali ile kendini gösterir, tempo hissi kaybolur, genellikle sanatçıya çok sessiz çalıyor, duyulamaz gibi görünür ve başlar.
bir nüans daha yüksek oynayın. Tam tersi olur: mizaç söner, oyun renksiz, sessiz olur. En kötüsü, hafızanın aniden başarısız olmasıdır. Bazen bu sadece motor hafızayı değil, aynı zamanda müzik hafızasını da etkiler. İlk durumda, müzik yardımcı olabilir ve ikinci motorda. Bu olmazsa, durmak kaçınılmazdır. Çoğu zaman, kaygı-panik, sanatçı için zihinsel travmaya yol açan arızalara yol açar. Bu duruma "pop hastalığı" denir. Başarısız performans, kişinin güçlü yönlerinde ve yeteneklerinde kendinden şüphe duymasına neden olur,<боязнь» плохо сыграть, забыть текст, остановиться.
KONSERİN HEYECAN VERİCİ NEDENLERİ VE
ONLARLA MÜCADELE YOLLARI
Birçoğunun acı çektiği konser heyecanı hakkında Rimsky-Korsakov çok doğru bir şekilde şunları söyledi: hazırlık derecesi ile ters orantılı. Öğrencileri konserlere en iyi şekilde hazırlamak ve onları "ham" eserlerle yayınlamamak önemlidir, çünkü performanslar sırasında yaşanan aksaklıklar sahne korkusuna neden olur.
Çeşit dayanıklılığı, çeşit antrenmanı ile güçlendirilir. Öğrencinin bir performansta daha az sayıda eser çalmasına izin verin, ancak sahneye daha sık çıkmasına izin verin.Aynı müzik eserlerinin bir seyirci önünde tekrar tekrar tekrarlanması da büyük fayda sağlayacaktır.
Pek çok öğrencinin performans sergilemeden önce psikolojik harekete geçirmeye ihtiyacı vardır, ” onlar sadece ikinci kez bir müzik parçası almaya başlarlar. Enstrümandaki sesleri çıkarmadan önce öğrenciye konsantre olmayı öğretmeniz gerekir.
Bir öğretmen, bir öğrenciyi çeşitli sağlık konusunda eğitmek için ne yapmalıdır? Sahneyle tanışması nasıl ve ne zaman gerçekleşmelidir? Deneyimli öğretmenler ve psikologlar, bir çocuğu eğitimin ilk adımlarından itibaren mümkün olduğunca erken sahneye alıştırmanın gerekli olduğuna inanmaktadır. Çocuklukta bir müzisyen-icracının gelecekteki kişiliğinin niteliklerinin oluştuğu bilinmektedir. Ve çocuğun ruhunun esas olarak olumlu duyguları ifade etmeyi amaçladığı bu zamanı kaçırmamak çok önemlidir; bu, kişinin kendi oyunundan bir memnuniyet duygusunun oluşması için ciddi bir ön koşuldur, dinleyicilerle iletişimden zevk alır.
İlk performanslarının başarılı olması öğrencinin daha da gelişmesi için çok önemlidir. Öğrenci için büyük önem taşıyan program ve teknik yetenek seçimidir. Ancak daha az başarılı bir performans bile öğretmenin öğrenciye olumsuz tepki vermesine neden olmamalıdır. Ve zamanla, kişinin kendi gücüne olan inancı ve halkla iletişim kurma arzusu oluşturulmalıdır. Performans gösteren bir müzisyenin daha sonraki başarısı ve oluşumunda önemli olan budur.
Konser heyecanının nedenlerine dönersek, alışılmadık bir ortam düşünmeliyiz.
Değişen çevre, rahatsızlık ve güvensizlik hissine neden olur. Bu nedenle her salonun kendine has akustik özellikleri olduğundan konser öncesinde sahnede ön provalara dikkat etmek gerekir.
Yankelevich'in salondaki performansın özellikleri hakkındaki gözlemi ilginç: “bir oda için küçük bir resim iyidir, ancak meydanda bir postere ihtiyaç vardır. Büyülemek için, izleyiciyi fikrinizle ilgilendirmek için, nasıl bir izlenim bırakmak istediğinizi açıkça hayal etmeniz gerekir. Salondaki hızlı teknik oyun etkilemez, birleşir, sığlaşır. Salonda geniş, dışbükey bir oyuna, keskinleştirilmiş ... güçlü sese, teknik geçişlerin netliğine ihtiyacınız var. bunun için daha büyük, daha belirgin piyano çalmanız gerekir, ancak her şey kontrol altındayken biraz daha yavaş bir tempoda. Ardından sahnede bir dinginlik hissi yaratılır. Oysa hızlı oyun istikrarsızlık yaratır."
Unutulmaması gereken bir diğer özellik. Çalışırken, evde veya sınıfta, egzersiz yapıyormuş, ders veriyormuş gibi "tam zihinsel güçle değil" oynamamıza izin veriyoruz. Parça öğrenme aşamasını göz ardı etmiyorum ama bir müzik parçasının bir alıştırma ya da etüde dönüşmemesi için ders sonunda onu bir konserdeymiş gibi belli bir tempoda çalması gerekiyor. , yani hayali dinleyicilerin huzurunda.
G. Neuhaus: “Kompozisyon dikkatleri üzerine çekmeden önce, evde, tek başıma, sanki onu seyircinin önünde oynuyormuşum gibi defalarca icra edeceğim. (Doğru, bu hedefi belirlemiyorum, ancak beste yapmaktan hoşlandığım için, kendim ve başkaları için olmasa da “gerçekleştiriyorum”.) "
A. Barenboim, önde gelen Sovyet piyanistlerinden birinin, yakında gerçekleştireceği yeni bir programın provasını nasıl yaptığını anlatıyor:
“Yaptığı şey dışarıdan çocukça bir eğlence gibi görünebilir... Piyanoya başka bir odayı (“sanatsal oda”) bırakır, bir konser salonunda olduğunu hayal eder, seyirciye eğilir ve programı çalmaya başlar. ”
Birçok müzisyen, bir eserin birkaç kez halka açık olarak icra edilmedikçe tamamlanmış sayılamayacağına inanır. Erken bir aşamada, müzik okullarında, bir öğrenciye diğer öğrencilerin yanında çalması öğretilebilir. Programı akraba ve arkadaşlara da uygulamakta fayda var. Bu tür oynatma-performansları, öğrenciye hemen işin görüntüsüne dahil olmasını, kendi içinde gerekli duygusal uyumu uyandırmasını, oyun sürecinde tam konsantrasyona ulaşmasını vb. öğretir.
Performansınızın deneme ses kayıtları son derece arzu edilir - en amatör kusurlu olanlar bile. Böyle bir kontrol sürecinde, daha sonra ayrı bir çalışma gerektiren eksikliklerinizi tanımlayabilirsiniz.
Parçayı herhangi bir noktadan çalmak çok faydalıdır. Başka bir örnek: Zihninizde notasız bir parça çalmak, sokakta yürümekle bile birleştirilebilir.
Ancak buna benzer pek çok örnek var... Bütün bunlar sinirsel süreçlerin eğitimidir, bunun sonucunda yabancı dış uyaranlara karşı direnç gelişir, konser performansı alışkanlık haline gelir.
Teknik eğitimdeki boşluklar performans kalitesini olumsuz etkiler. Örneğin, performanstan önce kaslarda hala aşırı gerginlik varsa, performans sırasındaki heyecandan birçok kez artar, tüm vücudun kaslarında sertlik görülür, eller titremeye başlar ve sanatçı itaat etmez. kuyu. Nerede bir gerilim durumu ortaya çıkarsa çıksın ve etkisi nereden gelirse gelsin, oyuncunun ellerinin özgürlüğü üzerinde her zaman engelleyici bir etkisi vardır.
K. Stanislavsky'nin ifadeleri, kas fiksasyonları konusuna daha geniş bir bakış açısı getirmeye yardımcı olur: “bedensel“ kelepçeler ”, piyanistin tekniğini açıkça etkilemeseler bile, duygusal deneyimlerini ve yaratıcı hayal gücünü engeller. Fiziksel gerilim olduğu sürece, - Stanislavsky aktör hakkında yazıyor, - rolün doğru hissi ve normal zihinsel yaşamı söz konusu olamaz. Öğrencinin kas gerginliğinden kurtulmasına yardımcı olmak için bu yolu seçebilirsiniz: "anlamlı" performansı geçici olarak terk edin. Yavaş bir tempoya düşürün ve K. Stanislavsky'nin önerdiği gibi bir “kas kontrolörü” olan kendi içinizde geliştirin. Sürekli dikkat ederek, hiçbir yerde aşırı gerginlik, kas sıkışması veya kramp olmadığından emin olun. Bu kendi kendini inceleme ve kas gerginliğinin serbest bırakılması süreci "mekanik bilinçsiz alışma"ya getirilmelidir.
Tabii ki, “overpriced” bir program seçerken teknik kusur kompleksleri ortaya çıkıyor. Bu nedenle, program, öğrencinin bireysel zihinsel yetenekleri ve teknik yetenekleri tarafından yönlendirilerek seçilmelidir.
A. Alekseev'in verdiği bir diğer tavsiye ise “Öğrenmeye başlamak için en zor yerler, önceden hazırlansınlar”.
Psikolojik bir an da vardır, öğrencinin içinde bir kompleks oluşturmamak için teknik problemlerine odaklanmamaya çalışmak, çünkü zamanla, işi öğrenme sürecinde bunlar ortadan kalkacaktır.
Ayrıca, konser heyecanının ortaya çıkmasının nedenlerinden biri, otomatik olarak ayarlanan süreçler üzerindeki bilinçli kontrolün şiddetlenmesidir.
Bir işin performansı, psikolojide beceri olarak adlandırılan ve bilinçli aktivite sürecinde geliştirilen otomatik hareketler zinciridir. L. Barenboim: “Sorumluluk duygusu, piyanistin... kendi iradesi dışında, performanstan önce ve sahnenin kendisinde, performans sürecinin, onlara özel bir odaklanma olmaksızın bile mükemmel bir şekilde ilerleyen yönlerini test etmesine neden olur. Otomatik olarak kurulan süreçler bununla düzensizleşir ve oynamaya devam etmesi gerektiğini unutur. Nasıl önlenir? Stanislavsky şuna inanıyor: “... mümkün olan tek şey sadece - en ufak bir dikkat dağıtmadan - sanat eserinin kendisine odaklanarak tamamlanmış olabilir; sanatsal görüntünün gelişimine sürekli ve yorulmak bilmeyen bir dikkat konsantrasyonu. Bu türden aşırı konsantrasyon, coşkuyu, yaratıcı refahı "cezbedecek" ve sahnede öz kontrolün korunmasına yardımcı olacaktır.
Bu tür bir soğukkanlılık ve konsantrasyon, büyük ölçüde öğrenci ile sanatsal ve pedagojik çalışma yöntemine ve kendi günlük sistematik dikkat eğitimine bağlıdır. Ancak, tüm bunlara rağmen, panik heyecanı bazen, konsantre olma isteği de dahil olmak üzere yolundaki her şeyi süpürür.
K. Stanislavsky, pop otokontrolünü oyuncunun ahlaki karakterine bağlı olarak koyar.
"Bütün bu huzursuzlukların... gururdan, kibirden ve gururdan, diğerlerinden daha kötü olma korkusundan kaynaklandığı açıklanmalıdır." Müzisyenler de aynı fikri dile getiriyor. Sahnede gerginlikle nasıl başa çıkılacağı sorusuna I. Hoffman, diğer şeylerin yanı sıra şunları söylüyor: “Değerli “Ben”inizi ve ayrıca dinleyicilerinizin “Ben”ini ve diğerlerinin “Ben”ini unutmayı öğrenmelisiniz. sana karşı tutum ...”.
Müzisyen enerjik olarak en iyisini verdiğinden, çeşitli performanslar büyük bir performans iradesi ve dayanıklılık gerektirir. Tüm enerjinizi harekete geçirebilmeli ve aynı zamanda ustaca harcayabilmelisiniz. "Eğitimleri" için, dikkati, odaklanmayı ve enerji maliyetlerini kontrol etmeye çalışırken tüm programı arka arkaya birkaç kez oynamak faydalıdır.
Çoğu zaman, sahnedeki sanatçı hafızasını kaybeder. Hafızanın çalışması, bireysel özelliklere güçlü bir şekilde bağlıdır: işitme gelişimi, ritim duygusu, teknolojinin gelişimi ve duygusal deneyimler yeteneği.
Ezberleme süreci doğru kurgulansaydı ve hafızanın işitsel, görsel, motor ve mantıksal bileşenleri ezberlemeye dahil olsaydı, unutma anı bir felaket olmazdı.
Daha sağlam ve anlamlı bir ezberleme elde etmek için kullanılabilecek parçaları ezberlemenin birkaç yolu vardır. Öğretim mümkün olduğu kadar erken, bireysel parçaların ezberlenmesi, ön hazırlık, analiz, teknik ve harmonik olarak daha uygun olmayan bölümlerin belirlenmesi ile başlatılmalıdır. Genellikle bir parça notalı ve notasız bir enstrümanda ezbere öğrenilir. Enstrüman kullanmadan notalardan öğrenmek de yararlıdır. Bazı öğretmenler ve sanatçılar, örneğin yürürken, bir kompozisyon üzerinde düşünürken, notasız ve enstrümansız öğrenmeyi tavsiye eder.
Parçanın melodik ve armonik yapısını demonte etmek, sadece sesi değil, metnin kendisini, yazarın talimatlarını ve melodik-armonik yapısını ve ayrıca kas duyumlarını ezberlemek yararlıdır. Bir oyunu ezberlerken hatırlamak çok önemlidir - sanatsal yönü unutmayın. Hatırlamaya yönelik her türlü çaba, oyunun kalitesini artırma çabasıyla birleştirilmelidir.
Belleğin çalışması bir dereceye kadar algılanan materyalin duygusal önemine bağlıdır. İlgilenilen materyalin, ezberlemeye isteksiz olandan daha kolay ve daha güçlü hatırlandığı bir sır değil. Buradaki nokta, heyecanlandığımızda tüm duyularımız keskinleşir, daha keskin görür ve işitiriz, daha keskin görüp işittiğimizde ise daha iyi hatırlarız.
“Soğuk bir duşta” diyor G. Kogan, “soğuk dökme demirden bir şeyin nasıl döküleceği konusunda derin bir iz bırakmak da zordur.” Ezber yaparken, ezberlemenin gücüne odaklanmak önemlidir. Bir kişi materyali “uzun süre”, “sonsuza kadar” hatırlama göreviyle karşı karşıya kalırsa, genellikle bu materyali talimatlardan daha uzun süre hatırlar.
- kısa bir süre için hatırlayın.
Yavaş bir tempoda çalmak ve sadece iş hala öğrenilirken değil, aynı zamanda zaten öğrenilmiş ve hatta sahnede icra edilmişken de çok faydalıdır. Sağlam bir “zihinsel temel” oluşturmak, öğrenilen yeri araştırmak, tonlamayı dinlemek, G. Kogan'ın dediği gibi tüm bunları “incelemek” ve “koymak” için yavaş bir tempoda çalmak gerekir. beyinde”,<надрессировать» нервную систему на определенную последовательность звукодвижений, развить и украсить психический процесс торможения.
Bir konser performansına hazırlanırken, performansın arifesinde sarsıcı bir yeniden öğrenme olmaması için zamanı doğru bir şekilde tahsis etmek çok önemlidir. İş, bundan çok önce yürekten sağlam bir şekilde öğrenilmelidir. Ama sahnede bir aksama olduysa bir şeyi tekrarlamaya gerek yok, baştan başlayın. Dinleyici tarafından eserin bütünsel olarak algılanmasının önemini hatırlayarak, sakince çalmaya devam etmeye odaklanmak en iyisidir. Bir konser performansına hazırlanırken, olumsuz duygulara dikkat edilmemelidir. "Heyecan - panik" ile mücadelenin ana yolu, kişinin işine duyduğu tutkudur. K.Stanislavsky'nin dediği gibi: "sır oldukça basittir: oditoryumdan dikkati dağıtmak için, sahnede olana kendini kaptırmak gerekir."
Sağlıksız dürtü bazen öğretmenin kendisinden gelir. Öğretmenlerin soruları ve yorumları: “Endişelenmiyor musunuz? Korkmuyor musun? ”, Veya“ Endişelenme, burada yanlış bir şey yok ”- genellikle teşvik yerine, bazı öğrencilerin acı verici bir şekilde uyarılmasına yol açarlar. Öğretmen endişeliyse, öğrenciye bulaştırmamak için heyecanını ustaca gizlemesi gerekir. Tabii ki, konserden hemen önce öğrenci üzerindeki psikolojik etki yöntemleri, şu anda karakterine ve sağlık durumuna bağlıdır. Bazı durumlarda, öğrenciyi neşelendirmeniz, ona oyununun güçlü yönlerine güven duymanız, eksiklikleri atlamanız, diğerlerinde - aşırı gerginliği bir şaka ile etkisiz hale getirmeniz gerekir, ancak öğrenci onu kendine getirmek için sinirlerini gevşetirse , bir haykırış bile mümkündür. Öğretmenin öğrenci üzerindeki psikolojik etkisindeki ana görevi, "heyecan-panik" i "heyecan-yükseliş" olarak değiştirmek, yeniden yönlendirmektir.
İyi bir performansın vazgeçilmez bir yoldaşı olarak heyecandan bahsetmekte fayda var. Birçok sanatçı, sanatçı konserden önce endişelenmediyse, daha sonra konserin başarılı olmadığı ortaya çıktı. Bu tür konuşmalar sayesinde heyecan farklı bir karakter kazanır: kör korku gider, onun yerine belirli bir durumda normal, doğal ve hatta bir şekilde yararlı bir duygu olarak heyecanın gerçekleşmesi gelir.
Konserden sonra performansın olumlu yönlerini not etmek, öğrenciye destek olmak gerekiyor. Özellikle gençler söz konusu olduğunda - duygusal durumları kararsızdır ve tüm tepkiler şiddetlenir. Konser performansının ayrıntılı bir tartışmasını konserden hemen sonra değil, sonraki günlerde iyi şanslar için övmek, eksiklikleri düzeltmenin yollarını belirlemek daha iyidir. Oyundaki olumlu anları not ederek öğrencinin sahnede daha özgür davranmasına, sanatının gelişmesine katkı sağlıyoruz. Gelecekteki müzisyene geçici aksiliklerin üstesinden gelmeyi öğretmek gerekir.
M. Long'un sözlerini hatırlayalım: "Kalbini kaybetme - bu benim hayattaki desteğimdi."
Konser heyecanının nedenlerini göz önünde bulundurarak, bir müzisyenin doğru psikolojik tutumunun başarılı bir performansta büyük rol oynadığını ve bunun hem işin verimliliğini hem de performansın istikrarını etkilediğini söyleyebiliriz.
G. Kogan'a göre, psikolojik tutum “... çok önemlidir, genellikle düşündüklerinden çok daha fazla, çoğu zaman genellikle düşündüklerinden daha fazla, çoğu zaman belirleyici ... başarıyı veya başarısızlığı belirler ... Bu, doğru olanın doğru olduğu anlamına gelmez. ayarlar, çalışmalarda başarıya ulaşmak için yeterlidir: bu, en büyük tam başarıya ulaşmak için gerekli bir koşul, ihlali bazen başarısız olmak için yeterli olan bir koşul olduğu anlamına gelir.
Başarılı bir çalışma için en önemli faktör, eylemin amacıdır. G. Kogan, bağımsız çalışmanın en yüksek üretkenliğine katkıda bulunan üç ana yönü ortaya koymaktadır: dikkati hedefe yönlendirmek, konsantrasyon, hedefin tutkulu arayışı - arzu. Buna çalışma biçimini de ekler - bir tür yaratıcı insan etkinliği olarak, kişinin gücünü ve zamanını dağıtma yeteneğini gerektirir.
Yani, "dikkati amaca yönlendirmek işte başarının ilk şartıdır"...“Açıkça tanımlanmış bir hedef, açıkça belirlenmiş, açıkça bilinçli bir hedef, her türlü işte başarının ilk şartıdır.” Performansta bu şu anlama gelir: "Çalacağınız müziği zihinsel olarak dinleyin, yapmak istediğiniz sesi hayal edin." Ancak önünüzde yalnızca nihai hedefi göremezsiniz - işin bir bütün olarak performansı. Böyle bir ihtiyaç, yalnızca işle "tanıdık" ilk döneminde ve son dönemde - "cilalama" döneminde ortaya çıkar. Ancak orta dönem, müzik dokusunun daha küçük “parçalara” ayrılmasını gerektirir.
Belirsiz, istikrarsız bir hedef "...oyuna çok fazla gereksiz hareket yükler... gelişmiş hareketler zincirinin gerekli otomasyonunun konsolidasyonuna müdahale eder... Beyinde şaşırtıcı (egzersizler sırasında) bir referans noktası ile , işgal edilen bir "parmaklar için yol" yerine, diyelim ki, bir pasajda, bu tür yirmi yol oluşturulur ... Yirmi yoldan birinin doğru şekilde hedeflenmesi iyidir: diğerleri hiç sağa gitmez yer. Sonuç olarak, icracı tarafından gerekli bir yol yerine yirmi yol döşemek için harcanan muazzam emek, yalnızca onda dokuzu fazlalık değil, aynı zamanda zararlı olduğu ortaya çıkıyor, çünkü uygun anda parmaklar hangi yolu "bilmiyor". A doğru koş.
Üretken çalışmaya katkıda bulunan ikinci yön:
konsantrasyon. Araçta doğrudan çalışma sırasında amaçlanan hedefin gerçekleştirilmesi gerekir ve burada çalışmanın başarısı için ikinci koşul ortaya çıkar - konsantrasyon. İcracının çevresinde hiçbir şey görmediği veya duymadığı durumlarda tam konsantrasyonla yapılan çalışmalar ile faaliyetler arasındaki farkın “yarı konsantrasyonda” yapılan işten farklı olduğu bilinmektedir. Aşırı düşünceler dikkatin dağılmasına ve gereksiz hareketlere yol açarak daha kötü sonuçlara yol açar.
Bununla birlikte, tam konsantrasyonla çalışma süresinin her müzisyen için kendi sınırı vardır ve bireysel niteliklerine (yaş, beceri düzeyi, fiziksel ve zihinsel sağlık, çevre, rastgele koşullar) bağlıdır. Bu sınır, olduğu gibi, iş değişikliği, dinlenme ihtiyacı için bir sinyaldir. “Uzun bir süre bir konuya odaklanırsanız zihin, göz gibi yorulur ..., herkes aşırı dikkatin algı keskinliğini kaybettiğinin farkında değildir ve bu durum, sırayla, bozulmaya yol açabilir. yakalanan görüntü.”
I. Hoffman diyor ki: Konsantrasyon başarı alfabesindeki ilk harftir. Sadece kendi beyninde işleri düzene koyabilen kişi, hayal gücüne tıkanmış görüntü kalabalığını bir süreliğine sakinleştirmek, enkarnasyon için sabırsız başvuranların “sırasında” kalmak için bir usta olur. Önemli olan "... sadece görebilmek değil, aynı zamanda görememek, geçici olarak bir çok şeye gözlerinizi kapatabilmek... a"odak", en yakın "küçük" hedefe odaklanmak için.
Ancak, nihai hedefe ulaşma arzusu yoksa, hem en doğru hedef belirleme hem de en yüksek konsantrasyon gereksiz olacaktır. Bu nedenle arzu, işte başarının üçüncü koşuludur. Arzu, kendini anlık bir dürtü olarak göstermemelidir. Ancak o zaman kazanma arzusu, dayanıklılığı varsa tam teşekküllü hale gelir. Böyle bir arzu, zorluklardan ve engellerden korkmaz ve gerçekten aşılmaz olduğu ortaya çıkan bir dizi nesnel nedene rağmen, sanattaki (ve sadece sanattaki değil) başarısızlıkların büyük çoğunluğu, dış engellerin fazla tahmin edilmesinden ve iç değerlerin küçümsenmesi. K. Stanislavsky, “Hayatın yükselen engelinin önünde korku ve şüphe içinde durursanız, neredeyse her zaman mağlup olursunuz” diyor. “Arzu, bedenin tüm güçlerini harekete geçiren, savaşa sokan, devasa bir gücün gizli rezervlerini harekete geçiren bir bilinç düzenidir.
Her insanın içinde farkında olmadan gizlenen ve zafere giden öngörülemeyen yolları açan güçler. Başarı arzusu, iyi bir oyuncu için kriter değildir. I. Hoffman, “Tutkulu tutku, tutkulu aşk, yalnızca hedef için değil, aynı zamanda bu hedefe giden çalışma için de yeteneğin parlak özelliklerinden biridir” dedi. “Yalnızca böyle bir tutku, yoğun çalışmaya dönüşen, en sistemli alıştırmalara dönüşen, öfkeli sakinliği ölümsüz “istiyorum”un yüksek kanalıyla beslenen bir tutku, - sanatta ancak böyle bir tutkunun bir bedeli vardır. , sadece beceriye yol açar.”
Bir performansa hazırlanma sürecindeki en önemli şey, bir güven ve sakinlik duygusu geliştirme yeteneğidir. “Doğru sistematik eğitim rejimi, müziğe doğru tutum ile kendinizi sahneye alıştırmanız gerekiyor” - B. Strune.
Konser öncesi genel moddan bahsetmişken, icracının ritmik yaşamından ve çalışmasından keskin bir şekilde farklı olmaması gerektiğini söyleyebiliriz. Boş konuşmalar zararlı olduğundan, yalnız kalmak ve program üzerinde sakince düşünmek en iyisidir. Bazı sanatçılar nefes egzersizlerinin kullanımına başvururlar, B. Strune aynı tavsiyeyi verir, heyecana momentumda bir artış ve nefes almanın hızlanması eşlik ettiğini belirtir.
Diyeti unutmayınız, ana şey konserde tam olarak oynamamaktır, çünkü genel aktivite azalır ve kas aktivitesi sindirime müdahale eder. Konser günü pratiğe gelince, sadece parmaklarınızı biraz çalmalısınız. Performans gününde bitmeyen tıkanıklık, başarısız bir performansla sonuçlanır.
Evet, heyecanla baş etmenin bazı yollarını tartışıyoruz, ama asıl mesele şu ki, sahneye çıkarken, oyuncu kendine, performansına inanıyor. Bir konser performansına karşı neşeli bir tutum geliştirmek, "korkunç bir deneme" değil, bir tatil olması için gereklidir. Duygusal performanslardan korkmaya gerek yok çünkü onlardan korkmak hayattan korkmak demektir. Duygu, yaşamın bir ifadesidir ve onlara sahip olmamak, yaşamamak demektir.
ÇÖZÜM
Sonuç olarak şunu söylemek isterim ki sahnede özgüven kazanmak elbette bir müzisyen için uzun soluklu bir iş. Ancak genellikle sahnedeki arızalar artan bir sorumluluk duygusundan kaynaklanır. Harika bir viyolacı ve öğretmen V.V. Borisovsky, performanstan önce öğrencilerine "Oyabileceğinden daha iyi oynama" diye nasihat etti, böylece maksimum performans için aşırı ayarı ortadan kaldırarak gerginliğe yol açtı.
Müzikal görüntünün somutlaşmasına tam bağlılık, keşif süreci, eserdeki güzelliği gösterme, her ayrıntıya özen gösterme ve onu gerçek sesle ortaya çıkarma arzusu - bu, sahne korkusunun üstesinden gelmenin yoludur.
KAYNAKÇA
1. Alekseev A. Piyano çalmayı öğretme yöntemleri. M. 1961.
2. Barenboim L. Piyano pedagojisi ve performans sorunları. L.
1969.
Z. Blinova M. Müzikal yaratıcılık ve yüksek sinirlilik kalıpları
sistemler. L. 1974.
4. Hoffman I. Piyano oyunu. M. 1961.
5. Kogan G. Ustalığın kapılarında. M. 1977.
6. Neuhaus G. Piyano çalma sanatı üzerine. M. 1987.
7. Stanislavsky K. Bir aktörün kendi üzerinde çalışması. 1938.
8.Struve B. Genç kemancıların ve çellistlerin ilk gelişim yolları.
E. 1959
Öğrencileri rekabetçi etkinliklere hazırlamak
giriiş
Performans, öğrencinin, öğretmenin ve eşlikçinin yoğun yaratıcı çalışmasının sonucudur ve onlar için sorumlu bir eylemdir ve daha fazla yaratıcı büyümeyi teşvik eder.
Neredeyse hiç kimse şu soruyu soramaz: Hayatta müzik gerekli mi? Müzik bugün her eve girdi, yetişkinler ve çocuklar onu dinliyor - halk, klasik, modern, eğlenceli ve ciddi. Özellikle çocuklar için bu sondaj akışını anlamak bazen zordur. Çocuğu müzik kültürü de dahil olmak üzere yüksek sanatla tanıştırma süreci, doğumdan başlayarak sürekli olmalıdır.
Ve hepsi çünkü çocuklukta aile müzik eğitimine gereken önemi vermiyor. Ve müzik eğitimi ile ciddi bir şekilde ilgilenen bir ailede, çocuk sürekli bir müzik ortamındadır ve yaşamın ilk günlerinden itibaren müzik yeteneklerinin geliştiği müzik kültürünü oluşturan çeşitli ve değerli izlenimler alır. Bu nedenle, sınıfımdaki öğrencilerin ebeveynleri Morozov ve Kutueva, çocuklarının dünya görüşü, ahlakı, estetik zevklerinin temellerini atmama yardım eden müzisyenler ve ben bir öğretmen olarak onları daha fazla eğitime yönlendirerek, yaşamları için en uygun koşulları yaratıyorum. yaratıcı Gelişim.
Müzik yarışmaları. Öğrencilerin kişilik gelişimindeki önemi.
Ben de her öğretmen gibi mesleğime tutkulu ve aşık, öğrencilerimin olabildiğince sık sahnede performans sergilemelerini hayal ediyorum.
Kural olarak, her öğretmenin çeşitli derecelerde eğitim ve yeteneklere sahip birçok öğrencisi vardır, bende 15 tane var.Bu nedenle sınıfta yaratırım
sağlıklı rekabet ortamı ve bireye saygı
Öğrenci. Daha az yetenekli öğrenciler özellikle savunmasızdır, bu nedenle onlarla çalışırken özel bir incelik gözlemliyorum ve hiçbir durumda alay konusuna ve
ya mütevazı verileriyle ya da geçmişteki yetersiz eğitimle ilgili sitemler. Bu, öğrencide bir aşağılık kompleksi geliştirebilir ve o zaman onunla herhangi bir çalışma söz konusu olamaz. Kapanacak, her zaman dahili olarak “kenetlenecek”, bu da büyüme olasılığını vermeyecek ve böyle bir öğrencinin çalışmayı bırakmasına neden olabilir.
Genç müzisyenler için yaratıcı bir yarışma olarak yarışma, hem öğrencilerin hem de öğretmenlerin gelişimi için her zaman büyük bir teşvik olmuştur. Bu tür yarışmalarda, geleceğin müzisyenini oluşturan irade, sahne dayanıklılığı, beceri ve daha birçok nitelik ortaya çıkar.
Ama bunun arkasında çok iş var: Bir enstrüman çalma becerisini öğrenmek yeterli değil. Bağımsız düşünebilen, çok çalışmayı ve hatalar üzerinde çalışmayı bilen, büyük fiziksel ve ahlaki strese dayanabilen, iyimserlik duygusunu kaybetmeyen ve ayrıca bilgilerini gösterebilen bir “savaşçı” yetiştirmek gerekir, pratikte beceri ve yetenekler. Öğrencilerim özel bir "filtreden" geçiyorlar - müzik yarışmaları.
Herhangi bir yarışma, bütün bir ekibin zor işidir: bir öğrenci, bir öğretmen ve bir refakatçi. Bir öğretmen olarak görevim, işi doğru bir şekilde oluşturmak, doğru repertuarı seçmek, bu ekibin üyeleri arasında karşılıklı anlayış bulmak, aynı duygusal “dalga” üzerinde olmak - bunlar başarımızın bileşenleri, kazanma yarışmalar.
Her birimiz için yarışmalara katılımın anlamı farklı bir anlama sahiptir: bir öğrenci için performans becerilerinin büyümesi ise, bir öğretmen ve refakatçi için bu, profesyonel becerilerin seviyesindeki bir artıştır, yeni akışın yönlendirilmesine yardımcı olur. metodolojik eğilimler, deneyim alışverişi, ustalık sınıfları vb.
Bildiğiniz gibi müzik yarışmalarının durumu farklıdır:
Serin;
Okul;
Kentsel;
bölgesel;
Bölgesel;
Yarışma - festival;
Tüm Rus;
Uluslararası.
Sahnede gösterilmek için öğrencinin gelişiminin bu aşamasındaki karakter ve ruh haline yakın eserler seçerim. Bu durumda, dikkatli bir hazırlıkla birleştiğinde, performansın başarılı olacağına inanmak için en büyük neden vardır.
Mümkün olduğunca sahnede oynayan öğrencilerimle ilgileniyorum. Bu pedagojik hırs ve sınıfının yüksek düzeyde çalışmasını gösterme arzusudur ve en önemli amaç çocuğa sahneden korkmamayı, kendine güvenmeyi öğretmektir. Başarısız bir pop performansının öğrencinin ruhunda silinmez bir iz bırakabileceğini her zaman hatırlamalıyız.
Öğrencinin gelişiminde en iyi yolu aramak, müzik repertuarı alanındaki pedagojik bir deneyle ilişkilidir. Zor eserler istisna olarak repertuarda yer alır. Artan zorluk materyalinde, öğrenci önemli ilerleme kaydedebilir. Zor bir çalışma, öğrenciye ruhen mümkün olduğunca yakın ve uygulamada rahat olmalıdır. Böyle bir çalışmanın performansındaki bazı eksiklikler affedilebilir. Ana şey, oyuncunun doğru karakteri aktarması ve oyunuyla büyülemesidir.
Öğrencinin topluluk önünde konuşması eğitim sürecinin ayrılmaz bir parçası haline gelmelidir. Bu sayede öğrencinin etkinliği kendini gösterir, enerjisi ortaya çıkar. Bir öğrencinin hayatında bir olay oluşturan, acemi bir oyuncu oluşturan bir faktör haline gelen “etkinlik” olan performanstır.
Her öğrenci için bir repertuar seçerken, parçaları birkaç pozisyonda oluştururken programı bir bütün olarak düşünürüm:
Sınav için;
Konser;
tanıdıklar;
Bağımsız iş;
Bir sayfadan okuma;
teknik iyileştirme;
Topluluk oyunu;
Rekabet programı.
Öğrenci ve refakatçi ile birlikte bir program seçmeye çalışırım,
zevkine göre bir repertuar, potansiyelini daha eksiksiz ve daha parlak ortaya çıkarmasına ve hatta daha önce aşılmaz görünen “tavanlarını” yükseltmesine yardımcı olacak bir repertuar seçmek, kendisine daha fazla inanma fırsatı veriyor. Ve kişinin kendi gücüne olan inancı, kelimenin tam anlamıyla mucizeler yaratabilir ve başarılı ilerleme için en iyi topraktır. F. Chopin'in genç müzisyenlere "İyi çaldığınıza inanın, daha da iyi çalacağınıza inanın" diye talimat vermesine şaşmamalı.
Yukarıdakileri özetleyerek, çekirdek yarışma çalışmalarının öğrencinin iç dünyası ile rezonansa girmesi gerektiğini söyleyebiliriz, o zaman bireyselliğinin tezahürü üzerinde, performans gösteren bir kişilik oluşumu üzerinde mümkün olduğunca çalışabileceklerdir. Bu bir tez olarak formüle edilebilir:
"Program için öğrenci değil, öğrenci için program"
Rekabetçi performans için hazırlık
Böylece yarışma programı seçilmiştir. Öğrenci, öğretmen, konser şefi tarafından sanatsal ve performans yönlerini anlamak için uzun bir yaratıcı süreç başlar: stil, vuruşlar, teknikler, dinamik gölgeler, form, ifadeler, nefes alma ve tek bir sanatsal görüntünün yaratılması. Herhangi bir yaratıcı süreç, işi sınıfta ve evde bağımsız olarak organize etme yeteneğini içerir:
Büyük çalışma kapasitesine ve dayanıklılığa sahip;
Sorunu görme yeteneği
Özel gözlemler, deneyler ve bunların sonuç şeklinde genelleştirilmesi;
Bir sanat eserinin oluşturulması vb.
Sorumlu bir performans veya yarışma için ilk hazırlık döneminin başlangıç noktası, öğrencinin programı bütünüyle öğrendiği ve sürekli olarak hafızasından uyguladığı an olabilir. Ayrıca, müzikal materyalin refleks duyularında ve kişinin kendi işitsel algısında “yerleşmesi, kök salması” gerektiğinden, programı performansın planlanan tarihinden en geç bir ay önce öğrenmenin gerekli olduğunu söylemek istiyorum. Süre 4 haftadan azsa, performansta istikrar ve güven, hem hafızada hem de psikomotorda bir yer edinmeye zaman olmayabilir.
Bir performansa hazırlanırken iş akışının bileşenleri şunlardır: bir icracı ile çalışmanın aşamalarını belirlemek, duygusal olarak ifade edilen görevleri çözmek, çeşitli teknikleri araştırmak, hem eşlikçiden hem de solistten çalışma jestleri seçmek.
İyi bilinen performans tekniklerini (tempo, dinamikler, ifadeler, vb.) kullanıyorum ve ayrıca tamamen “Vokal” yöntemler tanımlıyorum (bir parçada inatçı nefes alma).
Prova çalışmamda söz önemli bir iletişim aracıdır. İletişim, çalışmanın sanatsal fikrini ortaya çıkarmama, niyetlerimi açıklamama ve öğrencilerde çalışmanın sanatsal imajını daha iyi anlamaya yardımcı olan uygun çağrışımları uyandırmama izin veriyor.
Kompozisyonu öğrenmenin nihai sonucu, bestecinin yaratıcı fikrinin somutlaşması ve bir konser performansı olacaktır.
Motivasyon
Her çocuğun ruhunun derinliklerinde renklerin, gölgelerin, seslerin, hareketlerin koca bir dünyasının uyuduğuna inanıyorum ve bu nedenle sahneye çıkmadan önce her zaman bir yansıma yapıyorum. e xia, çocuğu başarılı bir performans için motive eden kelimeleri buluyorum. “Sen en iyisisin, başarılısın, programı iyi biliyorsun. İstediğin gibi oyna"
Duygular ve müzikal görüntünün parlak bir sunumu üzerinde çok çalışmalıyım ve çalışmaların çoğunu analitik akıl yürütme ve mantıksal kanıt oluşturmaya yönlendiriyorum. Her zaman neden bu şekilde oynamanın gerekli olduğunu ve diğerlerinde değil, işin vuruş özelliklerini, nefes almayı vb.
Size basit bir soru sorayım: Sahneye çıktığımızda en çok neyden korkarız? Sanırım herkes bu cevaba katılacaktır: Kural olarak, hata yapmaktan, durmaktan, unutmaktan korkarız.
Dikkat! Bir hata yap, dur ve unut farklı şeylerdir ve her zaman ilişkili değildirler, çünkü:
Hata yapabilirsin ama durma ve unutma;
Durabilirsin ama bir hata ya da unutulan bir şey yüzünden değil;
Unutabilirsiniz, ancak hata yapamazsınız ve duramazsınız (bu arada, bu, deneyimli eşlikçilerle pratikte oldukça sık olur, metni unuttuklarında, “hareket halindeyken” kulaktan alın)
Hata yapmak, durmak ve unutmak arasındaki farka rağmen (bu farklılığa daha fazla girmeyeceğim), ne birinin, ne diğerinin, ne de üçüncünün olmasına izin vermeyen ortak bir nokta var. Bu genele, hem hatalardan kaçınmayı hem de metni durdurmayı ve unutmayı mümkün kılan bir tür “temel durum” diyeceğim.
Peki, bir icracının konser performansı için ihtiyaç duyduğu ve performans sırasında bugün hissettiğiniz, bildiğiniz, bildiğiniz ve anladığınız her şeyi yapmasına izin veren bu “temel durum” nedir? Bir konuşmaya hazırlanma sürecinde çok dikkat ettiğim “yoğun dikkat” olarak tanımlamak oldukça doğru olur.
Bir parça üzerinde çalışırken, sadece konser performansı sürecindeki kayıpları önlemeye değil, aynı zamanda “edinmeye” - bugün için mümkün olan en iyi versiyonumu gerçekleştirmeye yardımcı olacak dikkat kalitesi üzerinde çalışıyorum.
Kural olarak, başarılı performanslara yüksek ruhlar, iyi oynama arzusu, özel bir dövüş coşkusu, yorgunluk eksikliği, başkalarıyla iyi ilişkiler ve normal fiziksel refah eşlik eder.
“Rekabetçi bir öğrenci” yetiştirmek için, bir öğrenciyle iletişimde büyük bir sonuç elde edildiği için her zaman bu süreçleri kendisine açıklamaya çalıştı. İki tarafı vurguluyorum:
sunulan materyalin bilgisi, sunumunun metodolojisi ve tekniği ve öğrencinin ve öğretmenin ruhsal gücünün yaratıcı yükselişiyle ilgili her şey. Bunu parlak gözlerde ve sınıfta oluşan atmosferde görmek ve hissetmek kolaydır.
Tecrübelerime dayanarak, çocukların - "Yarışmacıların" sürekli analiz etme yeteneğine sahip olduğunu belirtmek isterim.
Konser (rekabetçi) performansı, bir öğretmenin, eşlikçinin, öğrencinin çalışmasının sonucudur.
Çocuklar somut-duyusal bir dünya algısına sahip olma eğilimindedir. Hayatları bir dizi olaydan oluşur. Müzikte seyirci önünde performans sergilemek, sahneye çıkmak bir olaydır. Sahne öğrencilere ilham veriyor. Bir çocuk bilgi ve becerileri ancak müziğin içinde yaşayarak, öğrenmeyi müzikal olaylardan oluşan yaşayan bir süreç olarak algılayarak kazanmalıdır.
Konser bayramdır, neşedir. Seyircinin önünde çocuklar sınıfta olduğundan daha iyi oynarlar: daha sanatsal ve mizaçlı. Kendini kanıtlama, kendini kanıtlama, başarı gösterme ve övgü, alkış duyma fırsatı çocukluğun bir ihtiyacıdır.
Olgun bir müzisyen için halka açık performans amaçtır ve çocuk pedagojisinde bu bir gelişme aracıdır. Sahnedeki bir performansın önemini belirlerken, bir eserin ancak toplum içinde icra edildiğinde yaşadığını, sanatçıya dönüştüğünde, dinleyicisi olduğunda öğrencinin ruhunda iz bıraktığını unutmamak gerekir.
Sahnede “Sürprizler” kaçınılmazdır. Sonuçta, performanslar farklı koşullarda, her seferinde farklı bir ortamda gerçekleşir ve öğrencinin kendisi bir makine değildir: salonun akustiği, seyircinin bileşimi, davranışı ve tepkisi, fiziksel ve zihinsel durum, her türlü kazaların - sonuçta, tüm bunlar bir şekilde performansı etkiler ve sürekli ayarlamalar, koşullara anında adaptasyon gerektirir. Bu tür değişikliklere her zaman hazır olan, iyi gelişmiş tepki, beceriklilik ve fantezi hızına sahip olan - herhangi bir kazadan korkmaz, aksine, hayal gücünü ateşleyebilir, yaratıcı buluntuların kaynağı olabilir.
Ve performans gerçekleştiğinde (başarılı veya başarısız olabilir), ancak her durumda, onu her zaman analiz eder ve sonraki performanslara hazırlanmak için faydalı dersler öğrenirim. Performanstaki başarısız anların analizine, başarısızlıkların ilk nedenlerinin açıklığa kavuşturulmasına özellikle dikkat edilmelidir. Yapılan hataları anlamak ve kabul etmek, bunların ortadan kaldırılmasına yönelik ilk adımdır.
Açık bir cevap gerektiren ilk soru, icracının psikolojik durumu ile ilgilidir. Burada heyecanın doğasını öğrenmeli ve şunu hatırlamalısınız:
Aşırı stresten ne zaman kurtulmayı başardınız?
Performans öncesi, performans sırasında ve parçalar arasındaki duraklamalarda duygu durumunuz nasıldı?
Ne sinirlendirdi ve dikkati dağıttı?
Seyirciyle psikolojik temas kurmayı başardınız mı?
Tamamen dış faktörlerin analizini göz ardı etmek imkansızdır: takım elbise ve ayakkabıların rahatlığı, sandalyenin yüksekliği, salonun akustiği vb.
Yetenekli pedagojik etkiyle, her performans öğrenciyi içsel “keşiflere” götürür. Bir sanatçı olarak kendini “keşfi”, güzel müziği “keşfi”, kendi içindeki yaratıcı olasılıkları “keşfi”. Bir konserde performans, yarışma - bir etkinlik - öğrencinin bireyselliğini ortaya çıkaran eğitimin gelişiminin temelidir. Konser etkinliğinin sanatçının çalışması üzerinde büyük etkisi vardır.
GİRİİŞ
Kamusal performans, bir icracının yaratıcı hayatında belirleyici bir andır, bir müzisyenin (hem olgun hem de acemi) bir parça üzerinde uzun süreli çalışmasının sonucudur. Ve elbette, bu, her şeyin birbirine bağlı olduğu bir müzisyenin eğitim ve gelişim sisteminde gerekli bir aşamadır: müzikal düşünme eğitimi, yaratıcı hayal gücü, işitme, teknik beceriler, hafıza, çalışma modunda konsantrasyon. iş ve genel kültür.
Zaten çocuk müzik okulunda eğitim süresi boyunca, öğrenci, performansın dinleyiciye, eserin yazarına, kendisine ve öğretmenine karşı sorumlu olduğu ciddi bir mesele olduğu gerçeğine alışmalıdır, aynı zamanda bir tatil, hayatının en güzel anları, muazzam sanatsal doyum elde edebildiği anlar.
Öğretmenin en güçlü kontrolü altında gerçekleşen tüm eğitim sürecine rağmen, konser performansı büyük ölçüde müzisyenin bireysel yeteneklerine bağlıdır. Sahnede davranış, oyun sırasında esenlik, seyircinin tutumuna tepki - tüm bunlar her oyuncuda kendi yolunda ortaya çıkar.
Genellikle bu aşamada, çok yetenekli sanatçılar için bile ciddi zihinsel travmaya neden olan ve bazen sahne performanslarını reddetmelerine neden olan arızalar meydana gelir.
Sahnede sanatçı ile meydana gelen arızaların nedenlerini göz önünde bulundurarak, pop heyecanı sorunu - "halk içinde" içsel kurtuluş sorunu, kendini sinir gerginliğinin prangalarından kurtarma yeteneği üzerinde daha ayrıntılı durmak istiyorum. K. Stanislavsky, ince bir psikolojik gözlemle, bir aktörün sahnede yaşadığı acı verici ve doğal olmayan durumu şöyle anlatıyor: “Bir kişi - bir sanatçı, bininci kalabalığın önünde sahneye çıktığında, korku, utangaçlık, sorumluluktan kendi kontrolünü kaybeder, zorluklar. Bu anlarda konuşamaz, bakamaz, dinleyemez, düşünemez, isteyemez, insan gibi hissedemez.
Bir müzisyen-oyuncunun heyecanı, bir aktörün tarif edilen esenliğinden farklı değildir; sorumluluk bilinci, olağandışı ortam, başarısızlık korkusu - tüm bunlar yaratıcı yetenekleri dağıtır.
Pek çok piyanist ve (özellikle) öğrenci için konser performansı kolay bir iş olmaktan uzaktır. Sahneden korkan ve genellikle gerçek seviyesinin çok altında bir seyirci önünde oynayan mükemmel virtüözlerin olduğu bilinmektedir.
G. Neuhaus, “Piyano Çalma Sanatı Üzerine” adlı kitabında, A. Rubinstein, L. Godovsky ve diğerleri gibi ünlü sanatçıların konserlerden önce nasıl endişelendiğini hatırlıyor. A. Goldenweiser, performanstan önceki heyecanın çoğu büyük sanatçının özelliği olduğunu yazıyor. Bu kuralın nadir bir istisnası olarak, konserden önce hiç endişelenmeyen I. Hoffmann'dan bahsediyor.
konser heyecanı
Konser heyecanı sorunu, müzik pedagojisi ve psikolojisi alanında birden fazla araştırmacı ve enstrüman çalmayı öğretmek için özel yöntemler tarafından atlanmamaktadır. aslında bu sorun, pop heyecanı sorunu ve benzeri sorular - bir konser performansı sırasında aşırı heyecandan nasıl kurtulur, bir performansa hazırlanırken pop heyecanı üzerinde nasıl çalışılır - müzik pedagojisi ve psikolojisinde anahtardır. Sanatsal yeteneklerin yetiştirilmesi ve özellikle performans sırasında kendini kontrol etme yeteneği, performans gösteren bir müzisyenin oluşumunda bir öğretmenin görevlerinden biridir.
Konser heyecanı, bireyin kişisel özelliklerine bağlı bir tür duygu durumu olarak değerlendirilmelidir. Pop heyecanının iki çeşidi vardır: "heyecan - yükselme" ve "heyecan-panik". Her icracının zihinsel organizasyonunun bireysel özelliklerinden dolayı heyecan durumu icra edilen eserlerin kalitesini farklı şekillerde etkiler.
Birincisi, heyecan yaratıcı göreviyle zekice başa çıkmaya yardımcı olur, performansın daha parlak olmasına, icracı ile dinleyici arasında daha iyi temasa katkıda bulunur, sonra bir diğeri heyecanın üstesinden gelmek için çok fazla enerji harcamak zorundadır ve aynı zamanda icracı her zaman istenen sonucu elde edemez, çoğu için heyecan acı verici bir duruma ulaşır. Çoğu zaman, bu hız kontrolünün ihlali ile kendini gösterir, tempo hissi kaybolur, genellikle sanatçıya çok sessiz çaldığı, duyulamadığı ve daha yüksek bir nüans çalmaya başladığı görülür. Tam tersi olur: mizaç söner, oyun renksiz, sessiz olur. En kötüsü, hafızanın aniden başarısız olmasıdır. Bazen bu sadece motor hafızayı değil, aynı zamanda müzik hafızasını da etkiler. İlk durumda, müzik yardımcı olabilir ve ikinci motorda. Bu olmazsa, durmak kaçınılmazdır. Çoğu zaman, kaygı-panik, sanatçı için zihinsel travmaya yol açan arızalara yol açar. Bu duruma "pop hastalığı" denir. Başarısız performans, kişinin güçlü yönlerinde ve yeteneklerinde kendinden şüphe duymasına neden olur,<боязнь» плохо сыграть, забыть текст, остановиться.
Konser heyecanının nedenleri ve bunlarla başa çıkma yolları
Her sanatçı, pop heyecanının nedenlerinin farkında olmalı ve bunlarla başa çıkabilmelidir.
Konser performanslarından korkmanın birkaç nedeni vardır: olağandışı ortam, yetersiz teknik ekipman, kötü seçilmiş repertuar, kendinden şüphe, öğrenci üzerinde öğretmen ve diğerleri tarafından uygunsuz zihinsel etki.
Bence ikincisi üzerinde duralım - öğrencinin duygularını ve sorumluluğunu eğitmek<концертного выступления» – одна из задач педагога в момент прихода его в музыкальную школу.
Bir öğretmen, bir öğrenciyi çeşitli sağlık konusunda eğitmek için ne yapmalıdır? Sahneyle tanışması nasıl ve ne zaman gerçekleşmelidir? Deneyimli öğretmenler ve psikologlar, bir çocuğu eğitimin ilk adımlarından itibaren mümkün olduğunca erken sahneye alıştırmanın gerekli olduğuna inanmaktadır. Çocuklukta bir müzisyen-icracının gelecekteki kişiliğinin niteliklerinin oluştuğu bilinmektedir. Ve çocuğun ruhunun esas olarak olumlu duyguları ifade etmeyi amaçladığı bu zamanı kaçırmamak çok önemlidir; bu, kişinin kendi oyunundan bir memnuniyet duygusunun oluşması için ciddi bir ön koşuldur, dinleyicilerle iletişimden zevk alır.
İlk performanslarının başarılı olması öğrencinin daha da gelişmesi için çok önemlidir. Öğrenci için büyük önem taşıyan program ve teknik yetenek seçimidir. Ancak daha az başarılı bir performans bile öğretmenin öğrenciye olumsuz tepki vermesine neden olmamalıdır. Ve zamanla, kişinin kendi gücüne olan inancı ve halkla iletişim kurma arzusu oluşturulmalıdır. Performans gösteren bir müzisyenin daha sonraki başarısı ve oluşumunda önemli olan budur.
Konser heyecanının nedenlerine dönersek, alışılmadık bir ortam düşünmeliyiz.
Değişen çevre, rahatsızlık ve güvensizlik hissine neden olur. Bu nedenle her salonun kendine has akustik özellikleri olduğundan konser öncesinde sahnede ön provalara dikkat etmek gerekir.
Yankelevich'in salondaki performansın özellikleri hakkındaki gözlemi ilginç: “bir oda için küçük bir resim iyidir, ancak meydanda bir postere ihtiyaç vardır. Büyülemek için, izleyiciyi fikrinizle ilgilendirmek için, nasıl bir izlenim bırakmak istediğinizi açıkça hayal etmeniz gerekir. Salondaki hızlı teknik oyun etkilemez, birleşir, sığlaşır. Salonda geniş, dışbükey bir oyuna, keskinleştirilmiş ... güçlü sese, teknik geçişlerin netliğine ihtiyacınız var. bunun için daha büyük, daha belirgin piyano çalmanız gerekir, ancak her şey kontrol altındayken biraz daha yavaş bir tempoda. Ardından sahnede bir dinginlik hissi yaratılır. Oysa hızlı oyun istikrarsızlık yaratır."
Unutulmaması gereken bir diğer özellik. Çalışırken, evde veya sınıfta, egzersiz yapıyormuş, ders veriyormuş gibi "tam zihinsel güçle değil" oynamamıza izin veriyoruz. Parça öğrenme aşamasını göz ardı etmiyorum ama bir müzik parçasının bir alıştırma ya da etüde dönüşmemesi için ders sonunda onu bir konserdeymiş gibi belli bir tempoda çalması gerekiyor. , yani hayali dinleyicilerin huzurunda.
G. Neuhaus: “Kompozisyon dikkatleri üzerine çekmeden önce, evde, tek başıma, sanki onu seyircinin önünde oynuyormuşum gibi defalarca icra edeceğim. (Doğru, bu hedefi belirlemiyorum, ancak beste yapmaktan hoşlandığım için, kendim ve başkaları için olmasa da “gerçekleştiriyorum”.) ”
A. Barenboim, önde gelen Sovyet piyanistlerinden birinin, yakında gerçekleştireceği yeni bir programın provasını nasıl yaptığını anlatıyor:
“Yaptığı dışarıdan çocuk oyuncağı gibi görünebilir… başka bir odadan çıkıyor (<артистической») к роялю, представляет себе, что находится в концертном зале, раскланивается перед аудиторией и начинает играть программу».
Birçok müzisyen, bir eserin birkaç kez halka açık olarak icra edilmedikçe tamamlanmış sayılamayacağına inanır. Erken bir aşamada, müzik okullarında, bir öğrenciye diğer öğrencilerin yanında çalması öğretilebilir. Programı akraba ve arkadaşlara da uygulamakta fayda var. Bu tür oynatma-performansları, öğrenciye hemen işin görüntüsüne dahil olmasını, kendi içinde gerekli duygusal uyumu uyandırmasını, oyun sürecinde tam konsantrasyona ulaşmasını vb. öğretir.
Performansınızın deneme ses kayıtları son derece arzu edilir - en amatör kusurlu olanlar bile. Böyle bir kontrol sürecinde, daha sonra ayrı bir çalışma gerektiren eksikliklerinizi tanımlayabilirsiniz.
Parçayı herhangi bir noktadan çalmak çok faydalıdır. Başka bir örnek: Zihninizde notasız bir parça çalmak, sokakta yürümekle bile birleştirilebilir.
Ancak buna benzer pek çok örnek var... Bütün bunlar sinirsel süreçlerin eğitimidir, bunun sonucunda yabancı dış uyaranlara karşı direnç gelişir, konser performansı alışkanlık haline gelir.
Teknik eğitimdeki boşluklar performans kalitesini olumsuz etkiler. Örneğin, performanstan önce kaslarda hala aşırı gerginlik varsa, performans sırasındaki heyecandan birçok kez artar, tüm vücudun kaslarında sertlik görülür, eller titremeye başlar ve sanatçı itaat etmez. kuyu. Nerede bir gerilim durumu ortaya çıkarsa çıksın ve etkisi nereden gelirse gelsin, oyuncunun ellerinin özgürlüğü üzerinde her zaman engelleyici bir etkisi vardır.
K. Stanislavsky'nin ifadeleri, kas fiksasyonları konusuna daha geniş bir bakış açısı getirmeye yardımcı olur: “bedensel“ kelepçeler ”, piyanistin tekniğini açıkça etkilemeseler bile, duygusal deneyimlerini ve yaratıcı hayal gücünü engeller. Fiziksel gerilim olduğu sürece, - Stanislavsky aktör hakkında yazıyor, - rolün doğru hissi ve normal zihinsel yaşamı söz konusu olamaz. Öğrencinin kas gerginliğinden kurtulmasına yardımcı olmak için bu yolu seçebilirsiniz: "anlamlı" performansı geçici olarak terk edin. Yavaş bir tempoya düşürün ve K. Stanislavsky'nin önerdiği gibi bir “kas kontrolörü” olan kendi içinizde geliştirin. Sürekli dikkat ederek, hiçbir yerde aşırı gerginlik, kas sıkışması veya kramp olmadığından emin olun. Bu kendi kendini inceleme ve kas gerginliğinin serbest bırakılması süreci "mekanik bilinçsiz alışma"ya getirilmelidir.
Tabii ki, “overpriced” bir program seçerken teknik kusur kompleksleri ortaya çıkıyor. Bu nedenle, program, öğrencinin bireysel zihinsel yetenekleri ve teknik yetenekleri tarafından yönlendirilerek seçilmelidir.
A. Alekseev'in verdiği bir diğer tavsiye ise “Öğrenmeye başlamak için en zor yerler, önceden hazırlansınlar”.
Psikolojik bir an da vardır, öğrencinin içinde bir kompleks oluşturmamak için teknik problemlerine odaklanmamaya çalışmak, çünkü zamanla, işi öğrenme sürecinde bunlar ortadan kalkacaktır.
Ayrıca, konser heyecanının ortaya çıkmasının nedenlerinden biri, otomatik olarak ayarlanan süreçler üzerindeki bilinçli kontrolün şiddetlenmesidir.
Bir işin performansı, psikolojide beceri olarak adlandırılan ve bilinçli aktivite sürecinde geliştirilen otomatik hareketler zinciridir. L. Barenboim: “Sorumluluk duygusu, piyanistin... kendi iradesi dışında, performanstan önce ve sahnenin kendisinde, performans sürecinin, onlara özel bir odaklanma olmaksızın bile mükemmel bir şekilde ilerleyen yönlerini test etmesine neden olur. Otomatik olarak kurulan süreçler bununla düzensizleşir ve oynamaya devam etmesi gerektiğini unutur. Nasıl önlenir? Stanislavsky şuna inanıyor: “... mümkün olan tek şey sadece - en ufak bir dikkat dağıtmadan - sanat eserinin kendisine odaklanarak tamamlanmış olabilir; sanatsal görüntünün gelişimine sürekli ve yorulmak bilmeyen bir dikkat konsantrasyonu. Bu türden aşırı konsantrasyon, coşkuyu, yaratıcı refahı "cezbedecek" ve sahnede öz kontrolün korunmasına yardımcı olacaktır.
Bu tür bir soğukkanlılık ve konsantrasyon, büyük ölçüde öğrenci ile sanatsal ve pedagojik çalışma yöntemine ve kendi günlük sistematik dikkat eğitimine bağlıdır. Ancak, tüm bunlara rağmen, panik heyecanı bazen, konsantre olma isteği de dahil olmak üzere yolundaki her şeyi süpürür.
K. Stanislavsky, pop otokontrolünü oyuncunun ahlaki karakterine bağlı olarak koyar.
"Bütün bu huzursuzlukların... gururdan, kibirden ve gururdan, diğerlerinden daha kötü olma korkusundan kaynaklandığı açıklanmalıdır." Müzisyenler de aynı fikri dile getiriyor. Sahnede gerginlikle nasıl başa çıkılacağı sorusuna I. Hoffman, diğer şeylerin yanı sıra şunları söylüyor: “Değerli “Ben”inizi ve ayrıca dinleyicilerinizin “Ben”ini ve diğerlerinin “Ben”ini unutmayı öğrenmelisiniz. sana karşı tutum ...”.
Müzisyen enerjik olarak en iyisini verdiğinden, çeşitli performanslar büyük bir performans iradesi ve dayanıklılık gerektirir. Tüm enerjinizi harekete geçirebilmeli ve aynı zamanda ustaca harcayabilmelisiniz. "Eğitimleri" için, dikkati, odaklanmayı ve enerji maliyetlerini kontrol etmeye çalışırken tüm programı arka arkaya birkaç kez oynamak faydalıdır.
Çoğu zaman, sahnedeki sanatçı hafızasını kaybeder. Hafızanın çalışması, bireysel özelliklere güçlü bir şekilde bağlıdır: işitme gelişimi, ritim duygusu, teknolojinin gelişimi ve duygusal deneyimler yeteneği.
Ezberleme süreci doğru kurgulansaydı ve hafızanın işitsel, görsel, motor ve mantıksal bileşenleri ezberlemeye dahil olsaydı, unutma anı bir felaket olmazdı.
Daha sağlam ve anlamlı bir ezberleme elde etmek için kullanılabilecek parçaları ezberlemenin birkaç yolu vardır. Öğretim mümkün olduğu kadar erken, bireysel parçaların ezberlenmesi, ön hazırlık, analiz, teknik ve harmonik olarak daha uygun olmayan bölümlerin belirlenmesi ile başlatılmalıdır. Genellikle bir parça notalı ve notasız bir enstrümanda ezbere öğrenilir. Enstrüman kullanmadan notalardan öğrenmek de yararlıdır. Bazı öğretmenler ve sanatçılar, örneğin yürürken, bir kompozisyon üzerinde düşünürken, notasız ve enstrümansız öğrenmeyi tavsiye eder.
Parçanın melodik ve armonik yapısını demonte etmek, sadece sesi değil, metnin kendisini, yazarın talimatlarını ve melodik-armonik yapısını ve ayrıca kas duyumlarını ezberlemek yararlıdır. Bir oyunu ezberlerken hatırlamak çok önemlidir - sanatsal yönü unutmayın. Hatırlamaya yönelik her türlü çaba, oyunun kalitesini artırma çabasıyla birleştirilmelidir.
Belleğin çalışması bir dereceye kadar algılanan materyalin duygusal önemine bağlıdır. İlgilenilen materyalin, ezberlemeye isteksiz olandan daha kolay ve daha güçlü hatırlandığı bir sır değil. Buradaki nokta, heyecanlandığımızda tüm duyularımız keskinleşir, daha keskin görür ve işitiriz, daha keskin görüp işittiğimizde ise daha iyi hatırlarız.
“Soğuk bir duşta” diyor G. Kogan, “soğuk dökme demirden bir şeyin nasıl döküleceği konusunda derin bir iz bırakmak da zordur.” Ezber yaparken, ezberlemenin gücüne odaklanmak önemlidir. Bir kişiye materyali “uzun süre”, “sonsuza kadar” hatırlama görevi verilirse, genellikle bu materyali talimatlardan daha uzun süre hatırlar - “kısa süreli” hatırlamak için.
Yavaş bir tempoda çalmak ve sadece iş hala öğrenilirken değil, aynı zamanda zaten öğrenilmiş ve hatta sahnede icra edilmişken de çok faydalıdır. Sağlam bir “zihinsel temel” oluşturmak, öğrenilen yeri araştırmak, tonlamayı dinlemek, G. Kogan'ın dediği gibi tüm bunları “incelemek” ve “koymak” için yavaş bir tempoda çalmak gerekir. beyinde”,<надрессировать» нервную систему на определенную последовательность звукодвижений, развить и украсить психический процесс торможения.
Bir konser performansına hazırlanırken, performansın arifesinde sarsıcı bir yeniden öğrenme olmaması için zamanı doğru bir şekilde tahsis etmek çok önemlidir. İş, bundan çok önce yürekten sağlam bir şekilde öğrenilmelidir. Ama sahnede bir aksama olduysa bir şeyi tekrarlamaya gerek yok, baştan başlayın. Dinleyici tarafından eserin bütünsel olarak algılanmasının önemini hatırlayarak, sakince çalmaya devam etmeye odaklanmak en iyisidir. Bir konser performansına hazırlanırken, olumsuz duygulara dikkat edilmemelidir. "Heyecan - panik" ile mücadelenin ana yolu, kişinin işine duyduğu tutkudur. K.Stanislavsky'nin dediği gibi: "sır oldukça basittir: oditoryumdan dikkati dağıtmak için, sahnede olana kendini kaptırmak gerekir."
Sağlıksız dürtü bazen öğretmenin kendisinden gelir. Öğretmenlerin soruları ve yorumları: “Endişelenmiyor musunuz? Korkmuyor musun?” veya “Endişelenme, burada yanlış bir şey yok” - genellikle cesaretlendirmek yerine, bazı öğrencilerde acı verici bir heyecana yol açarlar. Öğretmen endişeliyse, öğrenciye bulaştırmamak için heyecanını ustaca gizlemesi gerekir. Tabii ki, konserden hemen önce öğrenci üzerindeki psikolojik etki yöntemleri, şu anda karakterine ve sağlık durumuna bağlıdır. Bazı durumlarda, öğrenciyi neşelendirmeniz, ona oyununun güçlü yönlerine güven duymanız, eksiklikleri atlamanız, diğerlerinde - aşırı gerginliği bir şaka ile etkisiz hale getirmeniz gerekir, ancak öğrenci onu kendine getirmek için sinirlerini gevşetirse , bir haykırış bile mümkündür. Öğretmenin öğrenci üzerindeki psikolojik etkisindeki ana görevi, "heyecan-panik" i "heyecan-yükseliş" olarak değiştirmek, yeniden yönlendirmektir.
İyi bir performansın vazgeçilmez bir yoldaşı olarak heyecandan bahsetmekte fayda var. Birçok sanatçı, sanatçı konserden önce endişelenmediyse, daha sonra konserin başarılı olmadığı ortaya çıktı. Bu tür konuşmalar sayesinde heyecan farklı bir karakter kazanır: kör korku gider, onun yerine belirli bir durumda normal, doğal ve hatta bir şekilde yararlı bir duygu olarak heyecanın gerçekleşmesi gelir.
Konserden sonra performansın olumlu yönlerini not etmek, öğrenciye destek olmak gerekiyor. Özellikle gençler söz konusu olduğunda - duygusal durumları kararsızdır ve tüm tepkiler şiddetlenir. Konser performansının ayrıntılı bir tartışmasını konserden hemen sonra değil, sonraki günlerde iyi şanslar için övmek, eksiklikleri düzeltmenin yollarını belirlemek daha iyidir. Oyundaki olumlu anları not ederek öğrencinin sahnede daha özgür davranmasına, sanatının gelişmesine katkı sağlıyoruz. Gelecekteki müzisyene geçici aksiliklerin üstesinden gelmeyi öğretmek gerekir. M. Long'un sözlerini hatırlayalım: "Kalbini kaybetme - bu benim hayattaki desteğimdi."
Konser heyecanının nedenlerini göz önünde bulundurarak, bir müzisyenin doğru psikolojik tutumunun başarılı bir performansta büyük rol oynadığını ve bunun hem işin verimliliğini hem de performansın istikrarını etkilediğini söyleyebiliriz.
G. Kogan'a göre, psikolojik tutum “... çok önemlidir, genellikle düşünülenden çok daha fazladır, çoğu zaman genellikle düşünülenden daha fazladır, çoğu zaman belirleyicidir ... başarıyı veya başarısızlığı belirlemek ... Bu, doğru ayarın olduğu anlamına gelmez. çalışmalarda başarıya ulaşmak için yeterlidir: bu, en büyük tam başarıya ulaşmak için gerekli bir koşul, ihlali bazen başarısız olmak için yeterli olan bir koşul olduğu anlamına gelir.
Başarılı bir çalışma için en önemli faktör, eylemin amacıdır. G. Kogan, bağımsız çalışmanın en yüksek üretkenliğine katkıda bulunan üç ana yönü ortaya koymaktadır: dikkati hedefe yönlendirmek, konsantrasyon, hedefin tutkulu arayışı - arzu. Buna çalışma biçimini de ekler - bir tür yaratıcı insan etkinliği olarak, kişinin gücünü ve zamanını dağıtma yeteneğini gerektirir.
Yani, "dikkatin hedefe yönlendirilmesi, işte başarının ilk şartıdır" ... "açıkça tanımlanmış bir hedef, açıkça belirlenmiş, açıkça bilinçli bir hedef, her türlü işte başarının ilk şartıdır." Performansta bu şu anlama gelir: "Çalacağınız müziği zihinsel olarak dinleyin, yapmak istediğiniz sesi hayal edin." Ancak kişi önündeki nihai hedefi - bir bütün olarak işin performansını - göremez. Böyle bir ihtiyaç, yalnızca işle "tanıdık" ilk döneminde ve son dönemde - "cilalama" döneminde ortaya çıkar. Ancak orta dönem, müzik dokusunun daha küçük “parçalara” ayrılmasını gerektirir.
Belirsiz, istikrarsız bir hedef "...oyuna çok fazla gereksiz hareket yükler... gelişmiş hareketler zincirinin gerekli otomasyonunun konsolidasyonuna müdahale eder... Beyinde şaşırtıcı (egzersizler sırasında) bir referans noktası ile , işgal edilen bir "parmaklar için yol" yerine, diyelim ki, bir pasajda, bu tür yirmi yol oluşturulur ... Yirmi yoldan birinin doğru şekilde hedeflenmesi iyidir: diğerleri hiç sağa gitmez yer. Sonuç olarak, icracı tarafından gerekli bir yol yerine yirmi yol döşemek için harcanan muazzam emek, yalnızca onda dokuzu fazlalık değil, aynı zamanda zararlı olduğu ortaya çıkıyor, çünkü uygun anda parmaklar hangi yolu "bilmiyor". A doğru koş.
Üretken çalışmaya katkıda bulunan ikinci unsur: konsantrasyon. Cihazda doğrudan çalışma sırasında amaçlanan hedefin gerçekleştirilmesi gerekir ve burada çalışmanın başarısı için ikinci koşul ortaya çıkar - konsantrasyon. İcracının çevresinde hiçbir şey görmediği veya duymadığı durumlarda tam konsantrasyonla yapılan çalışmalar ile faaliyetler arasındaki farkın “yarı konsantrasyonda” yapılan işten farklı olduğu bilinmektedir. Aşırı düşünceler dikkatin dağılmasına ve gereksiz hareketlere yol açarak daha kötü sonuçlara yol açar.
Bununla birlikte, tam konsantrasyonla çalışma süresinin her müzisyen için kendi sınırı vardır ve bireysel niteliklerine (yaş, beceri düzeyi, fiziksel ve zihinsel sağlık, çevre, rastgele koşullar) bağlıdır. Bu sınır, işleri değiştirmek için bir sinyal gibidir. dinlenme ihtiyacı. “Uzun bir süre bir konuya odaklanırsanız zihin, göz gibi yorulur ..., herkes aşırı dikkatin algı keskinliğini kaybettiğinin farkında değildir ve bu durum, sırayla, bozulmaya yol açabilir. yakalanan görüntü.”
I. Hoffman diyor ki: Konsantrasyon başarı alfabesindeki ilk harftir. Sadece kendi beyninde işleri düzene koyabilen kişi, hayal gücüne tıkanmış görüntü kalabalığını bir süreliğine sakinleştirmek, enkarnasyon için sabırsız başvuranların “sırasında” kalmak için bir usta olur. Önemli olan "... sadece görebilmek değil, aynı zamanda görememek, geçici olarak bir çok şeye gözlerinizi kapatabilmek... a"odak", en yakın "küçük" hedefe odaklanmak için.
Ancak, nihai hedefe ulaşma arzusu yoksa, hem en doğru hedef belirleme hem de en yüksek konsantrasyon gereksiz olacaktır. Bu nedenle arzu, işte başarının üçüncü koşuludur. Arzu, kendini anlık bir dürtü olarak göstermemelidir. Zafer için çabalamak ancak o zaman tamamlanmış olur, azim varsa. Böyle bir arzu, zorluklardan ve engellerden korkmaz ve gerçekten aşılmaz olduğu ortaya çıkan bir dizi nesnel nedene rağmen, sanattaki (ve sadece sanattaki değil) başarısızlıkların büyük çoğunluğu, dış engellerin fazla tahmin edilmesinden ve iç değerlerin küçümsenmesi. K. Stanislavsky, “Hayatın yükselen engelinin önünde korku ve şüphe içinde durursanız, neredeyse her zaman mağlup olursunuz” diyor. “Arzu, bedenin tüm güçlerini harekete geçiren, savaşa sokan, her insanda bilinmeyen, bilinmeyen muazzam gücün gizli rezervlerini harekete geçiren ve zafere giden öngörülemeyen yolları açan bir bilinç düzenidir.” Başarı arzusu, iyi bir oyuncu için kriter değildir. I. Hoffman, “Tutkulu tutku, tutkulu aşk, yalnızca hedef için değil, aynı zamanda bu hedefe giden çalışma için de yeteneğin parlak özelliklerinden biridir” dedi. “(Yalnızca böyle bir tutku, yoğun çalışmaya dönüşen, en sistemli alıştırmalara dönüşen, öfkeli sakinliği ölümsüz “istiyorum”un yüksek kanalıyla beslenen bir tutku, - yalnızca böyle bir tutkunun bir bedeli vardır. sanat, sadece beceriye yol açar.”
Bir performansa hazırlanma sürecindeki ana şey, bir güven, sakinlik duygusu geliştirme yeteneğidir. “Doğru sistematik eğitim rejimi, müziğe doğru tutum ile kendinizi sahneye alıştırmanız gerekiyor” - B. Strune.
Konser öncesi genel moddan bahsetmişken, icracının ritmik yaşamından ve çalışmasından keskin bir şekilde farklı olmaması gerektiğini söyleyebiliriz. Boş konuşmalar zararlı olduğundan, yalnız kalmak ve program üzerinde sakince düşünmek en iyisidir. Bazı sanatçılar nefes egzersizlerinin kullanımına başvururlar, B. Strune aynı tavsiyeyi verir, heyecana momentumda bir artış ve nefes almanın hızlanması eşlik ettiğini belirtir.
Diyeti unutmayınız, ana şey konserde tam olarak oynamamaktır, çünkü genel aktivite azalır ve kas aktivitesi sindirime müdahale eder. Konser günü derslere gelince, bu tamamen bireyseldir. Birisi günde altı saat bir konsere çalışarak kendine güven kazanır, biri genellikle dinlenir.
Evet, heyecanla baş etmenin bazı yollarını tartışıyoruz, ama asıl mesele şu ki, sahneye çıkarken, oyuncu kendine, performansına inanıyor. Bir konser performansına karşı neşeli bir tutum geliştirmek, "korkunç bir deneme" değil, bir tatil olması için gereklidir. Duygusal performanslardan korkmaya gerek yok çünkü onlardan korkmak hayattan korkmak demektir. Duygu, yaşamın bir ifadesidir ve onlara sahip olmamak, yaşamamak demektir.
ÇÖZÜM
Sonuç olarak şunu söylemek isterim ki sahnede özgüven kazanmak elbette bir müzisyen için uzun soluklu bir iş. Ancak genellikle sahnedeki arızalar artan bir sorumluluk duygusundan kaynaklanır. Harika bir viyolacı ve öğretmen V.V. Borisovsky, performanstan önce öğrencilerine "Oyabileceğinden daha iyi oynama" diye nasihat etti, böylece maksimum performans için aşırı ayarı ortadan kaldırarak gerginliğe yol açtı.
Müzikal görüntünün somutlaşmasına tam bağlılık, keşif süreci, eserdeki güzelliği gösterme, her ayrıntıya özen gösterme ve onu gerçek sesle ortaya çıkarma arzusu - bu, sahne korkusunun üstesinden gelmenin yoludur.
bibliyografya
- Alekseev A.
Öğrenci hazırlığı
bir konser için
Plan
giriiş
Genç bir müzisyenin gelişiminde konser etkinliğinin değeri.
Ders - bir konser performansı için ana hazırlık şekli olarak
Pop heyecanının öğrencinin psikolojik özelliklerine bağımlılığı.
Sahne heyecanıyla çalışma yöntemleri.
Konser heyecanını azaltmak için çalışma yöntemleri.
Çözüm.
Hedef:
Topluluk önünde konuşmada kendini kontrol etme ve kısıtlama.
Genç bir müzisyenin sanatsal yeteneklerinin gerçekleştirilmesi.
Görevler:
- Sahne adaptasyonu.
Sahne Heyecanının Üstesinden Gelmek
Proje hedefleniyor
başarılı konser performansı
öğrencilerin sanatsal verilerinin geliştirilmesi,
genel olarak kitle kültürünün tanıtımı.
Proje alaka düzeyi
Öğrencileri bir konser performansına hazırlama sürecinde daha derin bir çalışma ve ek fırsat kaynakları arama ihtiyacından kaynaklanmaktadır.
Proje uygulama zaman çizelgesi:
7 yıl (1 ila 7. sınıflar)
Beklenen sonuçlar:
-P topluluk önünde konuşma korkusunu yenmek,
Toplum içinde psikolojik uyum (sahnede daha özgür, rahat, kendinden emin hissetmek için).
Proje uygulaması
konser etkinliği,
müfredat dışı etkinlikler,
Akademik, teknik testler,
Çeviri sınavları.
giriiş
Bir müzisyenin konser etkinliği için performans hazırlığı birkaç faktörden oluşur: teknik ve performans hazırlığının yanı sıra performans için psikolojik hazırlık.
Öğrenci tarafından sınıfta ve evde bir müzik parçası üzerinde gerçekleştirilen tüm çalışmalar, halka açık performans koşullarında "güç açısından test edilir"; sadece bir konser performansı, malzemeye hakim olma seviyesini, icracının yetenek derecesini, psikolojik istikrarını ve çok daha fazlasını belirler. Elbette, genç bir müzisyen-icracının şu ya da bu açık performansının başarısı ile icra nitelikleri arasında eşit bir işaret koyamazsınız. İyi hazırlanmış ve hatta üstün yetenekli bir öğrencinin bir nedenden dolayı sahne fiyaskosuna maruz kaldığı durumlar vardır; veya çok parlak yetenekli olmayan bir öğrencinin kendini iyi tarafta gösterebildiği durumlar ortaya çıkar. Ve aynı zamanda, performans sırasında kesinlikle her şey kontrol edilir: hem doğal müzikal ve performans verilerinin kompleksi hem de “teknik” potansiyel ve kazanılan bilgi, beceriler ve ruhun kararlılığı.
Konser etkinliğinin performans gösteren bir müzisyenin kişiliği üzerinde büyük bir etkisi vardır ve bize göre, bir performans sırasında yaratıcı bir yükselişin zihinsel durumunun oluşması için aşağıdaki ihtiyaçlar en değerlidir: gerçekleştirme süreci; topluluktaki ortaklarla ve halkla yaratıcı iletişim ihtiyacının yanı sıra kendini ifade etme ihtiyacı, müzikal bir sanatsal imaj fikrini diğer insanlara yakalama, koruma, iletme arzusu.
1. Genç bir müzisyenin gelişiminde konser etkinliğinin değeri
Bilindiği gibi, müzisyen yetiştirme sürecinde, en yoğun biçimde ustalığın oluşumu, öğrencilere müzikal ve performans etkinliklerinde sanatsal ve yaratıcı potansiyellerini göstermeleri için eşsiz bir fırsat sağlayan halka açık performans koşullarında gerçekleştirilir.
Bir veya daha fazla dinleyicinin bulunduğu her türlü icra, halka açık icra olarak sınıflandırılabileceğinden, her öğrenci hangi uzmanlık alanında çalışırsa çalışsın, akademik konserler, sınavlar, testler, seçmeler sırasında sürekli olarak bu tür olaylarla uğraşmak zorundadır. festivaller veya yarışmalar. . Öğrencilerde belirli performans niteliklerinin geliştirilmesine katkıda bulunan, eğitim sürecinin önemli bir unsuru olan topluluk önünde konuşmadır.
Sahnede başarılı performans için becerilerin kazanılması, birçok öğrenci için gelecekte müzik ve performans etkinliklerinin devamı için önemli bir koşuldur. Tabii ki, bir eğitim kurumundan mezun olduktan sonra tüm mezunların konser sanatçısı olduğu gerçeğinden bahsetmiyoruz - yüzlerce kişiden, belki de sadece birkaçı evrensel tanınma elde ediyor. Ancak müzik sanatının herhangi bir alanında - ister solo performans, eşlikçi becerileri, ekip çalışması veya öğretim yılı olsun - yıllar boyunca kazanılan sahne deneyimi, performanslara hazırlanırken gerekli teorik bilgi ve pratik becerilere sahip olmak büyük önem taşır. Bu nedenle, zaten eğitim sırasında, öğrencilere etkinlikleri gerçekleştirmede yaratıcı kendini gerçekleştirme fırsatı sağlamak, onları performanslara hazırlama sürecinde özel psikolojik ve pedagojik koşullar yaratmak ve belirli bir “bagaj” oluşumuna katkıda bulunmak gerekir. içlerindeki mesleki bilgidir.
Bir performans için yüksek kaliteli hazırlık, bir çocuk sanatçının konser etkinliğinin başarısının temeli ve onu daha fazla çalışmaya motive etmenin ana koşullarından biridir. Ancak, müzik performansındaki profesyonel görevlere ek olarak, eşit derecede önemli bir başka yön daha vardır - sanatçının halka açık bir performansa hazırlanmasıyla doğrudan ilgili olan ve müzisyenin kendi nesnel kontrolüne dayanan gönüllü öz düzenlemesini içeren psikolojik olan. eylemler, gerektiğinde esnek düzeltme. Başka bir deyişle, psikolojik hazırlık, bir izleyici önünde performans sergilemenin stresli durumunda, oyuncunun yaratıcı niyetlerini başarılı bir şekilde gerçekleştirme yeteneği anlamına gelir.
Ne yazık ki, eğitim sürecinde, çeşitli nedenlerle bu tür hazırlıklara, özellikle genç, deneyimsiz müzisyenler için önemli olmasına rağmen, gerçek performans, profesyonel ve teknik performans hazırlığından çok daha az önem verilmektedir.
Sahne sanatlarının temellerini yeni öğrenmeye başlayan genç müzisyenlerin ise profesyonel yardım ve desteğe ihtiyaçları var.
Bu bağlamda, yaratıcı mentorluğa ek olarak, kamusal performanslara karşı olumlu bir tutumu etkileyebilecek, sahne kültürünün temellerini atabilecek ve öğrenciye psikolojik hazırlık araçlarını seçmede yardımcı olabilecek öğretmenin önemi artmaktadır. konser. Yani, G.G.'ye göre. Neuhaus'a göre, "bir öğretmen-sanatçı-icracının etkisi genellikle "saf" bir öğretmenden çok daha öteye uzanır." Her durumda, sonuç, konser performansının inceliklerini bilen bir öğretmenle yakın yaratıcı temasta daha etkili olacaktır.
Müzik pedagojisi tarihinde, halka açık performanslara hazırlanırken öğretmenlerin öğrencilerle canlı ve yaratıcı etkileşimini gösteren birçok örnek vardır. T. Leshetitsky, G.G. gibi seçkin ustalar. Neuhaus, V.I. Safonov, P.S. Stolyarsky, A.Ya. Yampolsky, öğrencilerini konser performansına aktif olarak dahil ederek, bilinçli ve tutarlı bir şekilde öğrencilerinin sahne sevgisini şekillendirdi. Ünlü müzisyenlerin yaratıcı biyografileri bunun sayısız teyidini içeriyor.
Ele alınan sorunun bir diğer önemli yönüne dikkat edilmelidir. Elbette psikolojik açıdan müfredatın sonraki etkinliklerindeki performanslar açık konser etkinliklerine yaklaşıyor. Bununla birlikte, burada, kural olarak, yüksek düzeyde bir değerlendirme komisyonu korkusu ve programlarının performansı için düşük bir puan alma korkusuyla pekiştirilen katı akademik gereklilikler ön plana çıkmaktadır. Bu nedenle, bir sınav veya test durumunda olan birçok çocuk, bazen yaratıcı bireyselliklerini tam olarak ifade etme fırsatına sahip değildir. Bu nedenle, kontrol testleri genellikle belirsiz bir etkiye sahip bir uyarıcı olarak ortaya çıkar ve her zaman çocukların içsel olumlu motivasyonuna ve etkinlikleri gerçekleştirmeye olan ilgilerini sürdürmelerine katkıda bulunmaz.
Tam tersine, genç müzisyenleri sınav zorunluluğu olmadan konser koşullarında halka açık performanslara dahil etmek, yaratıcı gelişimlerine daha fazla katkıda bulunur ve onlarda performans gösterme arzusunu uyandırır. İlk durumda çalışma yalnızca müfredat tarafından sağlanan zorunlu çalışmaların performansı üzerine kuruluysa, ikinci durumda odak, yaratıcı motivasyonu harekete geçirmenin en iyi yolu olan ücretsiz bir programla konserlere aktif katılımdır. geleceğin müzisyenlerinden.
2. Ders - bir öğrenciyi bir konser performansına hazırlamanın ana formu olarak.
Ders, öğrenci ve öğretmen arasındaki uzun bir pedagojik iletişim sürecinin ana şeklidir. Öğrenmenin ana görevlerinin belirlendiği ve birçok açıdan çözüldüğü, iki kişinin yaratıcı etkileşiminin gerçekleştiği, başarıların ve eksikliklerin bir değerlendirmesinin yapıldığı, hedeflerin belirlendiği, ilerleme hızının belirlendiği, uzun vadeli planların yapıldığı yer burasıdır. yapılır vb.
Belirli bir ders yürütme biçimlerinin seçimi ile ilgili olarak, öğretmen oldukça özgürdür ve bunları amaçlanan hedeflere, öğrencinin durumuna (ve kendi durumuna) göre değiştirebilir. Sınıfta aşağıdaki en tipik çalışma biçimlerini ve yöntemlerini ayırt edebiliriz:
1) kompozisyonun yaratıcı konsepti, görüntüleri, sesin gerekli doğası, belirli bir teknolojik sorunun çözümü üzerinde derinlemesine çalışmada ifade edilen karşılıklı yaratıcı arama;
2) sonraki düzeltme ile dinleme;
3) bir performans görüntüsünün yaratılması, bu veya bu bölüm, bu veya bu ifade ideal bir niteliksel duruma getirildiğinde ve performans görevinin özünü anlamaya yardımcı olan belirli bir referans karakteri kazandığında;
4) öğretmene belirli bir kompozisyonun veya belirli bir tekniğin istenen oyun seviyesini göstermek;
5) eğitim ("eğitim") - derste tekrarlanan tekrarlama, "sıkışma";
6) özellikle ödevi açıklarken önemli olan hem bütünün hem de detayların özel bir analizi ile sözlü talimat;
7) bir sayfadan okuma veya yeni bir makalenin analizi de dahil olmak üzere, bir öğretmenin rehberliğinde öğrencinin bağımsız çalışması;
8) toplu dersler.
Derste önemli bir nokta, öğrencinin oyununa, öğretmenin görevlerini yerine getirmesine, yaratıcı gelişimine yönelik sorumluluk duygusunun gelişmesidir.
Böylece dersin ilk aşaması öğretmenin derse hazırlanmasıdır.
İkinci aşama, yine düzenlenmesi gereken derste öğretmenin öğrenci ile ilk temasıdır. Olumlu bir yaratıcı atmosfer önemli bir rol oynar: öğretmenin samimiyeti, gülümsemesi, öğrencinin hazırlığı, refahı hakkında söylediği birkaç kelime. Böyle bir psikolojik "ayarlama", birçok açıdan aşırı sertliğin, öğrencinin heyecanının, özgürleşmesinin giderilmesine katkıda bulunur.
Üçüncü aşama, öğrencinin evde yaptıklarını dinlemek ve değerlendirmek ve bunları öğretmenin duymayı bekledikleriyle karşılaştırmaktır. Ara sıra öğrenciden oyununu kendisinin değerlendirmesini istemek, onun bir analizini yapmak ve problemleri çözmek için gerekli yolları belirtmek yararlıdır.
Dersin dördüncü aşaması, yapılan yorumları dikkate alarak ve öğretmenle birlikte üzerinde çalışarak kompozisyonun bazı bölümlerinin tekrarıdır.
Dersin beşinci ve son aşaması, hem genel hem de özel temel gereksinimleri ve ev ödevlerini formüle eden belirli bir sonucu özetlemektir. Aşamalara böyle bir bölünme, elbette, mutlak değildir. "Canlı" bir derste, her zaman iç içedirler. Bununla birlikte, her aşamada, kesin eylemlerin, kelimelerin, öğretmenin talimatlarının, öğrenci ile iletişim yöntemlerinin seçimini gerektiren kendi amaç ve hedeflerinin belirlendiği unutulmamalıdır.
3. Pop heyecanının öğrencilerin psikolojik özelliklerine bağımlılığı.
Çeşitlilik heyecan, tezahürlerinde çok yönlüdür: ilham verir ve bu durumda öğrencinin ve sanatçının derinlerde saklı potansiyellerini ortaya çıkarmaya izin verir. Ama hepsinden önemlisi, iç karartıcı etkisi ve zayıf kontrol edilebilirliği ile oyuncuları ve öğretmenleri endişelendiriyor. Herkes ya da en azından sanatçıların, öğretim görevlilerinin, sporcuların, öğrencilerin ve öğrencilerin büyük çoğunluğu endişeli. Bu tür itiraflara birçok önemli sanatçının açıklamalarında rastlamak mümkündür.
Ama herkes kendi yolunda endişelenir. Hiçbir yerde, öğrencilerin bireysel farklılıkları, konser öncesi ve konser ortamlarında olduğu gibi, dışavurumcu olarak kendini göstermez. Bu, düşünceli bir öğretmenin, öğrencilerinin psikolojik özelliklerini daha iyi inceleme ve onları aşırı koşullarda test etme fırsatına sahip olduğu anlamına gelir.
Yaklaşan performans ve halkın önündeki performansın kendisi, stresli olana eşit bir psikolojik aşırı yük yaratır. Ancak pop heyecanının doğası, hem evde hem de bir eğitim kurumunun duvarları içinde yaşa, mizaç, eğitim ve yetiştirmeye önemli ölçüde bağlıdır.
Genel bir kural olarak, çoğu genç öğrenci sahne heyecanı hakkında hiçbir şey bilmez ve yaşamaz. Neden? Niye? Birincisi, birçoğu henüz kendi estetik kriterlerini formüle etmemiş ve başarılı ve başarısız performansların değerlendirme ölçeğine henüz hakim olmamıştır. Diğer icracıları, hatta akranlarını bile dinlemek, onlara belirli bir sonuca ulaşmak için bir müzik parçası üzerinde çalışmak için gereken çaba, dikkat ve zaman hakkında hiçbir şey söylemez.
İkinci olarak, öğretmen tarafından belirlenen gereksinimler ile bunları yerine getirmek için kendi yetenekleri arasında ortaya çıkan iddiaların düzeyi henüz oluşturulmamıştır. Çok yetenekli öğrenciler dışında, çocukların müzik eğitimi almalarının temel nedeni ebeveynlerinin isteğidir. Sadece öğrenme sürecinde, öğretmenlerin ve yetişkinlerin başarıları ve olumlu değerlendirmeleriyle desteklenen müzik sevgisi, müzik dersleri için istikrarlı bir motivasyon haline gelir. İlkokul öğrencileri için (6-9 yaş), bir konserde performans sergilemek, çocuklukta bir kulüpteki matineleri ziyaret etmekten, seyircilerin alkışladığı ve sunduğu harika, güzel giyimli sanatçılara sahip bir filarmoni topluluğundan yakalanan şenlikli bir beklenti ile ilişkilidir. Çiçekler. Bu şenlik ve sıra dışılık, genç okul çocuklarının konserle ilgili zihinlerine uzun süre hakimdir.
Çoğu zaman, genç öğrenciler zevkle performans gösterirler. Bir konser performansında, genç bir öğrenci şenlik atmosferinden ve onunla ilişkili niteliklerden etkilenir - sahne, programın ev sahipleri tarafından duyurulması, halka erişim, genel dikkatin olumlu deneyimleri, alkışlar, tebrikler, vb. .
Ergenlikte, ergenlikte sabitlenen pop heyecanının belirtileri esas olarak kendini gösterir. Psişenin istikrarı, oluşturulmuş iddia düzeyi ve birikmiş konser performansları deneyimi, yeniden yapılması zor olabilen stereotipik tepkilere ve deneyimlere katkıda bulunur. Hayattaki mevcut konum ve bir müzik mesleğinin seçimi, çeşitli deneyimler kompleksi oluşturur ve yaşlı gençleri ve genç erkekleri çeşitlilik niteliklerini geliştirmeye zorlar. Ancak bu yaşta, belirsiz heyecan nedenine ek olarak, tanınma elde etme mücadelesi eklenir, genellikle kişinin sanatsal yeteneklerini doğrulamak için bilinçsiz bir arzu. Oyuncunun, "kendi" veya "yabancı" - izleyiciye gösterdiği şeye kayıtsız olmaması ilginçtir. Ergenlik dönemine kadar öğrenciler, öğretmenleri, ebeveynleri, arkadaşları ve tanıdıkları için “kendi”, “okul” ortamında performans göstermeyi tercih ederler.
Burada garip bir izleyiciden daha az endişeleniyorlar. Aksine, genç erkekler ve yetişkinler, yabancı bir ortamda daha az endişelenir ve akranlarının, öğretmenlerinin ve tanıdık dinleyicilerin görüşlerine daha duyarlıdır.
Mizaç, akademik performans, çeşitlilik refahı ve davranışı üzerinde önemli bir etkiye sahiptir. Kalıtım ve yaşam durumu, aynı ve dahası farklı mizaç türlerinin çeşitli tezahürlerinin ana nedenidir.
Sahne heyecanıyla baş etme teknikleri
Peki, performans sergilemeden önce doğru ritmi nasıl ayarlıyorsunuz ve dinleyiciye elinizden gelenin en iyisini, sahnede başarıya ulaşmak için hangi mekanizmaları dahil etmeniz gerektiğini ve halkla iletişim kurma sevgisini nasıl geliştiriyorsunuz? Bu sorular, bugün, hala okuyan veya uzun süredir halkla konuşan bir konser sanatçısı olsun, birçok müzisyeni endişelendiriyor. Çözüm, elbette, hazırlık aşamasında yatmaktadır. Kuşkusuz, her sanatçı bir sanatçıyı bir konser performansına hazırlama konusunda değerli ipuçlarını öğrenmekle ilgilenecektir. Seçkin müzisyenlerin ve öğretmenlerin eserlerinde - L.A. Barenboim, G.G. Neuhaus, G.M. Kogan, S.I. Savshinsky ve diğerleri.Ancak, ne yazık ki, bu öneriler sistematikleştirilmemiş, bağımsız bir kitapta birleştirilmemiştir ve en önemlisi, bir kamu performansına hazırlanırken zaman periyodunun net bir analizini sağlamamaktadır.
Uygulamada, öğretmen ve öğrenci, müzisyenin halkla iletişim kurmak için performansını ve psikolojik hazırlığını artırma sorununu çözme ihtiyacı ile karşı karşıyadır.
Bir konser performansının ana zorluğu, icracının stres - sahne heyecanı yaşamasıdır. Heyecanın üstesinden gelmenin imkansız olduğuna dair bir görüş var, ancak dikkatiniz dağılabilir, yaratıcı performans anlarına geçebilirsiniz. Heyecan türlerini ve üzerinde çalışma yöntemlerini düşünün.
Optimal konser durumuna, pop ateşi ve ilgisizlik gibi performans için iki elverişsiz koşul karşı çıkıyor. Güçlü heyecan, gergin ve ateşli hareketlerde, kol ve bacakların titremelerinde, sözcükleri ve bireysel heceleri yutarak aceleyle konuşmada ve ayrıca vurgulu yüz ifadelerinde ve jestlerde kendini gösterebilir.
heyecan türleri
1. Anksiyete - ilgisizlik - çocuk seyirciye çıkmakta isteksizlik, oynamaya isteksizlik hissediyor.
2. Anksiyete - panik - Çocuğun oyunu yaratıcılıktan yoksundur, hafıza oyuncuyu başarısızlığa uğratır.
3. Heyecan - yükselmek – genç bir sanatçı sahne heyecanını yaratıcı ilhama dönüştürebilir.
Her türlü heyecan, yorgunlukla şiddetlenir. Özellikle konser hazırlığı sırasında hem fiziksel hem de duygusal bir yorgunluk durumuna izin vermek imkansızdır. Genellikle sahne kaygısı sendromunun nedeni, ortak bir sahne kültürünün olmaması, bir performansa hazırlanmak için açık ve kesin bir metodolojinin olmaması ve sonuç olarak genç bir sanatçının etkinliğin doğasına ilişkin yetersiz anlayışıdır ve sonuç olarak, bilinç bulanıklığı, konfüzyon. Bir müzisyenin, etkinlikleri gerçekleştirmek için tipik olan zihinsel rahatsızlıklara karşı direnç geliştirmesi önemlidir.
Konser heyecanını azaltmak için çalışma yöntemleri
1. Teknik çalışmalar ve repertuar üzerine sistematik ödev. Günlük aktivitelerin başındaki önemli bir unsur, dışarı çıkmaktır. Sadece oyuna dahil olan kasları ısıtmak için değil, aynı zamanda bir bütün olarak müzisyenin zihinsel aygıtı için de gereklidir.
2. "İşin zihinsel olarak çalınması" yöntemini kullanan düzenli sınıflar.
3. Sorumlu bir performans veya yarışma için ilk hazırlık dönemi, müzisyenin programı bütünüyle öğrendiği ve sürekli olarak hafızasından icra ettiği an olabilir. Müzik malzemesinin refleks duyumlarda ve kişinin kendi işitsel algısında “yerleşmesi, kök salması” gerektiğinden, programın planlanan konser tarihinden en geç bir ay önce öğrenilmesi gerektiğini söylemek mantıklı olacaktır.
4. Halka açık performanslarda deneyim kazanma: müzik repertuarının konserlerde, ders akşamlarında, müzikli çizim odalarında performansı. Programı farklı konser mekanlarında çalmak.
5. Yaratıcı görevi en iyi şekilde yerine getirmeyi amaçlayan genç sanatçının entelektüel ve duygusal alanının birliği olan “sahne refahını” (Stanislavsky) arttırmak: performanstan önce belirli bir günlük rutini gözlemlemek, zamanın yetkin dağılımı performanstan önce, bu gün ödev düzenlemek, dönüşümlü çalışma ve dinlenme vb. Performansının saatini bilen genç sanatçı, kendisinden birkaç gün önce,
Her gün aynı saatte konsere geliyor. Enstrümanın başına oturur, zihinsel olarak sahneyi, seyirciyi hayal eder ve konser programını çok net bir şekilde gerçekleştirir. Böylece, sanatçı kendi içinde, programın daha özgür bir şekilde yürütülmesine ve performans için duygusal bir ruh haline katkıda bulunan koşullu bir refleks geliştirir.
6. Sağlık, güç, dayanıklılık ve iyi bir ruh hali hissi veren, topluluk önünde konuşma sırasında iyi bir duygusal durumun önünü açan iyi bir fiziksel hazırlık, konsantrasyon, düşünme ve hafıza ile ilgili zihinsel süreçlerin seyri üzerinde olumlu bir etkiye sahiptir, konuşma sırasında çok gerekli olan. İyi bir fiziksel sağlıkla, vücutta bir sağlık hissi olduğunda, vücut güçlü, esnek ve itaatkar görünür. Bir müzisyenin beden eğitimi, koşu, yüzme, futbol gibi sporları içerebilir. Jimnastik veya halter gibi sporlarda fleksör kasların aşırı gerilmesi ellerde, omuzlarda ve kaslarda kas kıskaçları oluşturabileceğinden, kollarda ve omuzlarda kuvvetli gerginlik içeren egzersizler özellikle önerilmez.
7. Rol eğitimi. Bu tekniğin anlamı, genç sanatçının kendi kişisel niteliklerinden soyutlanarak, halka açık performanslarda başarılı deneyime sahip tanınmış bir müzisyenin veya bir öğretmenin imajına girmesi ve sanki görüntüdeymiş gibi çalmaya başlaması gerçeğinde yatmaktadır. başka bir kişinin. Hayal gücünün büyülü gücü, büyülü "eğer", bir kişinin duygusal durumuna yeni bir bakış atmasını sağlama yeteneğine sahiptir. Yetenekli bir kişinin imajı, yaratıcılık düzeyini artırmaya yardımcı olabilir.
8. Başarı için kurulum. Sahnedeki performansınıza olan güveni geliştirin.
9. Topluluktaki repertuarın performansı.
Konser heyecanını azaltmak için yukarıdaki yöntemlerin kullanılması, heyecanın yeni bir düzeye çıkmasına ve yaratıcı ilhama dönüşmesine, yani performans sırasında müzisyene kolaylık ve hareket özgürlüğü gelmesine katkıda bulunur. Çocuklara, her müzisyenin sahnede tüm düşüncelerinin çalınacak müziği anlamaya yönelik olması gerektiğini hatırlaması gerektiğini anlatmak önemlidir. Ana fikri müzikal performans olmalı, besteci ile dinleyici arasında aracılık yapmalıdır.
Bir müzikal kompozisyonun performans süreci, yaratıcı görevler, sanatsal görüntüleri için tutku, genç sanatçının heyecanını doğru yöne yönlendirmesine yardımcı olur. Ve Leningrad Konservatuarı'nın Küçük Salonunun sahne arkası odalarında bir zamanlar “Kendin için endişelenme, besteci için endişelen!” posteri asılmış değil.
KS Bolşoy Tiyatrosu aktörleriyle konuşan Stanislavsky, “Yaratıcı görevlere derinlemesine giren bir sanatçının bir kişi olarak kendine ve heyecanına bakacak zamanı yoktur!” Dedi. Ve zamanımızın seçkin müzisyeni, piyanist S.T. Richter bir keresinde bir konser performansı sırasında yaşadığı hisleri şöyle anlatmıştı: “Sizi boyun eğdiren müziğin unsuru boş düşüncelere yer bırakmıyor. Bu anlarda her şeyi unutuyorsunuz - sadece seyirciyi, salonu değil, kendinizi de.
6. Sonuç
Genç bir müzisyenin gelişiminde konser etkinliğinin önemi fazla tahmin edilemez. Buna hazırlanırken, performans gösteren bir müzisyenin, yaratıcı kamusal aktivite için performans ve duygusal hazırlık, önemli psikolojik niteliklerin oluşumu ve sahnede davranışsal tekniklerin geliştirilmesi sorunlarını çözmenin yollarını belirlemesi önemlidir.
Eğitim faaliyetleri sırasında öğretmen, çocuğun heyecanı yaratıcı bir ilham kaynağı olarak yaşamasına yardımcı olma sorununu, müzisyenin hazırlık aşamasında ve performansın kendi sürecinde refahını iyileştirmek için bir algoritma geliştirirken çözer.
Bir ek eğitim kurumunda öğrencilerin konser performansına hazırlık, çocuğun performans becerilerini geliştirmesine, öğrenmedeki etkinliğine, bağlamda kendi duygusal tepkilerine karşı olumlu bir tutum oluşturmasına yardımcı olmayı amaçlayan çeşitli teknikler ve yöntemler içerir. konser etkinliğinden.
kullanılmış literatür listesi
1. Barenboim L. Müzikal pedagoji ve performans. - M.: "Müzik", 1974.
2. Bochkarev L. Performans gösteren bir müzisyenin halka açık performansının psikolojik yönleri. // Psikolojinin sorunları. –– 1975. – ? 1. –– S. 68 – 79.
3. Bochkarev L. Müzikal aktivite psikolojisi. - M.: "Rusya Bilimler Akademisi Psikoloji Enstitüsü", 1997.
4. Petrushin V. Müzik psikolojisi. - M.: "Akademik proje", 2008.
5. Fedorov E. Pop heyecanı sorusuna. / Seçilmiş işler. - Sorun. 43. - M.: “GMPI im. Gnessin”, 1979. – S. 107–118
