В тази публикация бих искал да говоря директно за самите „Руски сезони на Дягилев“ и тяхното влияние върху световното изкуство, особено върху балетното изкуство на 20 век.
И така, какви бяха сезоните - това бяха гастроли на руски оперни и балетни артисти в чужбина. Всичко започва в Париж през 1908 г., след това през 1912 г. продължава във Великобритания (Лондон), а от 1915 г. и в други страни.
За да бъдем абсолютно точни, „Руските сезони“ започнаха още през г 1906 годината, когато Дягилев донесе изложба на руски художници в Париж. Беше невероятен успех, така че беше решено да разшири хоризонтите си и вече 1907 година в Гранд опера се проведе поредица от концерти на руска музика („Исторически руски концерти“). Всъщност „Руските сезони“ започнаха през 1908 в Париж, когато тук са представени операта „Борис Годунов“ на Модест Мусоргски, операта „Руслан и Людмила“ от Михаил Глинка, „Княз Игор“ от Александър Бородин и др. Париж за първи път чува пеенето на Шаляпин и музиката на Римски-Корсаков, Рахманинов и Глазунов. От този момент започва историята на известните „Руски сезони“ на Дягилев, които моментално превърнаха всичко руско в най-модерното и актуално в света.
Фьодор Шаляпин в операта "Княз Игор" 
IN 1909 Първите съвместни оперни и балетни представления се провеждат в Париж. През следващите години той започва да изнася предимно балет, който се радва на огромен успех. От този момент започва периодът на балетните сезони. Въпреки това операта все още съществува: в 1913 година е поставена операта „Хованщина“ (Шаляпин изпълнява ролята на Досифей), през 1914 Световната премиера на операта "Славеят" на Стравински се състоя в Гранд Опера.
Фантастичният успех на първите сезони, чиято програма включваше балетите „Жар птица“, „Петрушка“ и „Повестта на пролетта“, накара европейската публика да разбере, че напредналите руско изкуство- пълноценна и най-интересна част от световния художествен процес.
Васлав Нижински в балета "Петрушка"
Васлав Нижински в балета "Шехерезада", 1910 г
Премиерна програма на балета "Шехерезада"
Успех на "Руския сезон" в Париж 1909 годината беше наистина триумфална. За всичко руско има мода. Представленията на сцената на театър Шатле не само се превърнаха в събитие в интелектуалния живот на Париж, но и оказаха силно влияние върху Западна културав най-разнообразните му проявления. Французите оцениха новостта на театралната декорация и хореографията, но най-високата оценка беше дадена на изпълнителските умения на водещите танцьори на Мариинския и Болшой театър: Анна Павлова, Тамара Карсавина, Людмила Шоллар, Вера Фокина, Васил Нижински, Михаил Фокин , Адолф Болм, Михаил Мордкини и Григорий Розая.
Анна Павлова и Васлав Нижински в балета "Павилионът на Армида", 1909 г.
Анна Павлова
Френският писател Жан Кокто говори за представленията по следния начин:"Червената завеса се издига над празниците, които преобърнаха Франция и докараха тълпите в екстаз след колесницата на Дионис".
IN 1910 година Дягилев покани Игор Стравински да напише музика за балет, който да бъде поставен като част от Руските сезони, а следващите три години станаха може би най-„звездният“ период в живота както на първия, така и на втория. През това време Стравински написва три големи балета, всеки от които превръща „Руските сезони“ на Дягилев в световна културна сензация – „Жар птица“ (1910), „Петрушка“ (1911) и „Пролетта свещена“ (1911-1913).
Интересен факт за балета "Жар птица": „Жар птица” е първият балет на руска тема в антрепризата на Сергей Дягилев. Режисьор (хореограф) и изпълнител на главната мъжка роля е Михаил Фокин. Осъзнавайки, че Париж трябва да бъде „почерпен“ с нещо родно руско, той обявява това име обратно в плаката за първия сезон през 1909 г. Но те нямаха време да поставят балета. Умният импресарио започна да жонглира - въпреки че на плаката пишеше "Жар птицата", па дьо дьо на принцеса Флорин и Синята птица от балета "Спящата красавица", непознати за парижани, бяха изпълнени на сцената, освен това на нов ориенталски костюми на Леон Бакст. Само година по-късно в Париж се появява истинската „Жар птица“ - първата балетна музика на Игор Стравински, която прославя името на тогавашния амбициозен композитор извън Русия.
Скица за костюми за балета "Жар птица" от художникаЛеона Бакста,1910 
Михаил Фокин в костюма на Синята птица, балет "Спящата красавица"
През същата 1910 г. репертоарът включва вече поставените балети „Жизел“ и „Карнавал“ по музика на Шуман, а след това „Шехерезада“ на Римски-Корсаков. Анна Павлова трябваше да изпълни главните роли в балетите „Жизел“ и „Жар птица“, но по редица причини отношенията й с Дягилев се влошиха и тя напусна трупата. Павлова беше заменена от Тамара Карсавина.
Тамара Карсавина и Михаил Фокин в балет "Жар птица"
Тамара Карсавина
танцьори.Балет от Игор Стравински "Свещен извор"на Шанз Елизе. 29 май 1913 г
Плакат за пиесата "Руски сезони", етюд на Леон Бакст с Васлав Нежински
И отново забележителен успех сред парижката публика! Въпреки това, този успех също имаше задната страна: някои артисти, които станаха известни благодарение на сезоните на Дягилев, напуснаха трупата за чужди театри. И то след като Нижински беше уволнен със скандал от работа Мариински театър, Дягилев решава да наеме постоянна трупа. Много танцьори от Императорския балет се съгласиха да сключат постоянни договори с него, а тези, които решиха да останат в Мариинския театър - например Карсавина и Кшесинская - се съгласиха да продължат сътрудничеството си. Градът, в който е базирана компанията на Дягилев, където се провеждат репетиции и подготовка на бъдещи продукции, е Монте Карло.
Интересен факт:Монте Карло заема специално място в сърцето на Дягилев. Тук е в 1911 "Руски балет"е превърнат от него в постоянна театрална трупа, тук той за първи път показва редица от най-значимите си постановки и тук неизменно прекарва зимите си, започвайки от 1922 г. Благодарение на щедростта на управляващата къща Грималди и славата на Казиното, което направи такава щедрост възможна, Моте Карло стана творческа лабораторияДягилев 1920 г. Бивши балерини от Императорските театри, които вече са напуснали Русия завинаги, споделят тайните на занаята си с изгряващите емигрантски звезди, поканени от Дягилев. В Монте Карло той е в последен пътПоддадох се на изкушението на моята житейска мечта – да живея, отдавайки се изцяло на изкуството.
IN 1911 година са поставени 5 нови балета: „Подводното царство” (от операта „Садко”), „Нарцис”, „Пери”, „Фантомът на розата”, който е изящен па де дьоКарсавина и Нижински и основната новост на сезона - драматичният балет "Петрушка" от Стравински, където главната роля на панаирджийския шут, който умира във финала, принадлежи на Нижински.
Васлав Нижински като Петрушка
„Садко“, сценография на Борис Анисфелд, 1911 г
Но вече в 1912 гДягилев започва постепенно да се освобождава от руските си съратници, които му носят световна слава. Харизматичният лидер Дягилев не търпеше опозиция. Човек е важен за него като носител на творческа идея: изчерпвайки идеята, Дягилев престава да се интересува от него. След като изчерпва идеите на Фокин и Беноа, той започва да генерира идеи от европейски творци и да открива нови хореографи и танцьори. Разногласията в екипа на Дягилев се отразяват и на постановките: за съжаление сезонът от 1912 г. не предизвиква особен ентусиазъм сред парижката публика.
Всички балети от този сезон бяха поставени от Михаил Фокин, с изключение на един - „Следобедът на един фавн“, по предложение на Дягилев, беше поставен от любимия му Нижински - това представление стана дебют в кратката му кариера като хореограф.
балет "Следобед на един фавн"
След провала в Париж Дягилев показва своите постановки (плюс балети от по-ранния репертоар) в Лондон, Берлин, Виена и Будапеща, където публиката ги приема по-благосклонно. Последваха турнета в Южна Америка и отново огромен успех! По време на тези турнета възникна конфликт между Дягилев и Нижински, след което Сергей Павлович отказа услугите на танцьор, но известно време продължиха да работят заедно, но след това имаше окончателна почивка.
В годините Първата Световна ВойнаБалетната трупа на Дягилев отиде на турне в Съединените щати, тъй като по това време интересът към изкуството в Европа затихна. Останаха само благотворителни концерти, в които те все пак участваха.
Прислужниците на принцесата лебед в балета "Руски приказки", 1916 г.
Сценография на Наталия Гончарова за една от най-забележителните постановки на Дягилев – „Les Noces“, 1917 г.
Пълното връщане на сезоните на Дягилев на предишните им позиции започна през 1917 година. Връщайки се в Европа, Дягилев сформира нова трупа. Една млада кадифена танцьорка зае силно място в трупата като хореограф Болшой театърЛеонид Мясин. Спектаклите, които поставя, са изпълнени с новаторски дух и са добре приети в Париж и Рим.
През същата година Дягилев кани Пабло Пикасо да проектира балета „Парад“, няколко години по-късно същият Пикасо проектира декорите и костюмите за балета „Трирогът“. Започва нов последен периодРуски балетни сезони, когато отборът на Дягилев започва да надделява Френски художниции композитори.
Балетът „Парад“, поставен през 1917 г. от Леонид Масин на саркастичната музика на Ерик Сати и в кубистичния дизайн на Пикасо, бележи нова тенденция на трупата на Дягилев - желанието да се демитологизират всички компоненти на балета: сюжет, местоположение, действащи маски („Парадът” описва живота на пътуващ цирк) и на мястото на мита той поставя друго явление - модата. Парижка битова мода, общоевропейска стилова мода (по-специално кубизъм), световна мода за свободен (в по-голяма или по-малка степен) танц.
Олга Хохлова, Пикасо, Мария Шабелская и Жан Кокто в Париж по повод премиерата на балета "Парад", 18 май 1917 г.
Скица от Пабло Пикасо за балета "Парад", 1917 г
Сценография и костюми за балета "Трирогицата", Пабло Пикасо, 1919 г
Любов Чернишова като Клеопатра, 1918 г
Влошената политическа ситуация в Европа направи невъзможно идването във Франция, така че сезонът в Париж 1918 нямаше година, но имаше турнета в Португалия, Южна Америка и след това почти цяла година в Обединеното кралство. Годините 1918-1919 стават трудни за Дягилев: невъзможността да поставя балети в Париж, творческа криза, напускането на един от водещите танцьори, Феликс Фернандес, от трупата поради болест (той полудява). Но в края 1919 Сезоните в Париж бяха възобновени. Декорът за един от тазгодишните балети, „Славеят“ на Стравински, е създаден от художника Анри Матис, за да замени изгубени творби на Беноа.
Периодът 1920-1922 г. може да се нарече време на криза, стагнация. Хореографът Леонид Мясин се скарал със Сергей Павлович и напуснал трупата. По тази причина през този период излизат само 2 нови постановки - балетът „Шутът” по музика на Сергей Прокофиев и танцовата сюита „Квадро фламенко” с декорации от Пикасо.
През есента на 1921 г. Дягилев донесе „Спящата красавица“ в Лондон, като покани балерината Олга Спесивцева да изпълни главната роля. Тази продукция беше добре приета от публиката, но в същото време постави Дягилев в катастрофална ситуация: печалбата от таксите не компенсира разходите. Дягилев се оказа на ръба на разрухата, художниците започнаха да бягат и предприятието му почти престана да съществува. За щастие, стар приятел на Дягилев, Мися Серт, се притече на помощ. Тя беше много приятелска с Коко Шанел, която беше толкова вдъхновена от работата на Дягилев, че дари значителни средства за възстановяване на трупата му. По това време от Киев е емигрирала Бронислава Нижинска, по-малката сестра на Вацлав Нижински, която Дягилев решава да направи новия хореограф на своите сезони. Нижинска предложи обновяване на трупата с киевските си ученици. През същия период Дягилев се запознава с Борис Кохно, който става негов личен секретар и автор на либретото за нови балети.
През пролетта на 1923 г. Бронислава Нижинска прави хореография на една от най-забележителните постановки на Дягилев – „Светките“ на Стравински.
Сценография на Наталия Гончарова за балета „Le Noces”
IN 1923 година, трупата веднага се попълни с 5 нови танцьори, включително бъдещата любима на Дягилев - 18-годишна Серж Лифар. Както Дягилев каза за него: „Лифар чака своя подходящ час, за да стане нова легенда, най-красивата от балетните легенди“.
През следващите години, годините на възраждане на трупата на руския балет, Пикасо и Коко Шанел си сътрудничат с Дягилев, трупата обикаля много, представя не само балетни, но и оперни постановки, симфонични и камерни концерти. Джордж Баланчин става хореограф през този период. След дипломирането си емигрира от Русия театрална школав Мариинския театър и, като си сътрудничи с Дягилев, значително обогати хореографията на неговите сезони.
Джордж Баланчин (известен още като Георги Баланчивадзе) 
Въпреки привидния си просперитет, Дягилев отново среща финансови затруднения. В резултат на това Дягилев взе заем и след като преодоля депресията, започна нов сезон в Париж и Лондон. Така говорих за сезона 1926 Серж Лифар: " Няма да си спомня по-блестящ, по-триумфален лондонски сезон през всичките години на живота ми в Руския балет на Дягилев: буквално ни носеха на ръце, обсипваха ни с цветя и подаръци, всичките ни балети – и нови, и стари – бяха поздравявани с ентусиазъм и благодарност и предизвика безкрайна буря от аплодисменти“.
Скоро Дягилев започва да губи интерес към балета, посвещавайки все повече време и енергия на ново хоби - колекциониране на книги.
IN 1928 година най-успешната постановка на сезона е постановката на Баланчин „Аполон Мусагет“ по музика на Стравински, шедьовър според Дягилев, с декори от Бошан и костюми от Коко Шанел. Публиката бурно аплодира Лифар, солистът на този балет, а самият Дягилев също високо оцени неговия танц. В Лондон "Аполон Мусагет" е показан 11 пъти - от 36 постановки в репертоара.
Александра Данилова и Серж Лифар в балета "Аполон Мусагет", 1928 г
1929 годината стана миналата годинасъществуването на руския балет на Дягилев. През пролетта и началото на лятото трупата активно обиколи Европа. След това в края на юли и началото на август имаше кратки обиколки във Венеция. Там здравето на Дягилев внезапно се влошава: поради влошаване на диабета той получава инсулт, от който умира на 19 август 1929 г.
След смъртта на Дягилев трупата му се разпада. Баланчин заминава за САЩ, където става реформатор на американския балет. Масин, заедно с полковник дьо Базил, основава трупата на Руския балет на Монте Карло, която запазва репертоара на Руския балет на Дягилев и до голяма степен продължава традициите му. Лифар остава във Франция и оглавява балетната трупа на Гранд опера, като дава огромен принос за развитието на френския балет.
Притежавайки брилянтна художествена интуиция да предвижда всичко ново или да открива забравеното изкуство от минали епохи като ново, Дягилев успява да реализира всяка своя идея с фантастична постоянство. Залагайки името и богатството си на карта, пленявайки своите приятели, руски търговци и индустриалци с идеите си, той заема пари и ги инвестира в нови проекти. За Сергей Дягилев имаше само два идола, на които се прекланяше през целия си живот - Успехът и Славата.
Необикновена личност, собственик на уникален дар да открива таланти и да изненадва света с новост, Сергей Дягилев донесе нови имена на изключителни хореографи в света на изкуството - Фокин, Масин, Нижинска, Баланчин; танцьори и танцьори - Нижински, Уилцак, Войцеховски, Долин, Лифар, Павлова, Карсавина, Рубинщайн, Спесивцева, Немчинова, Данилова. Той създаде и обедини прекрасна трупа от талантливи рипсени художници.
Много съвременници, както и изследователи на живота и творчеството на Дягилев, са съгласни, че основната заслуга на Сергей Павлович е фактът, че с организирането на своите „Руски сезони“ той всъщност стартира процеса на възраждане на балетното изкуство не само в Русия, но и но в целия свят. Създадените в неговата антреприза балети и до днес са гордостта на най-големите балетни сцени в света и се играят с успех в Москва, Санкт Петербург, Лондон, Париж и много други градове.
През 1908 г. с постановката на операта "Борис Годунов" в Париж започва турнето на трупата на С. П. Дягилев - известните Руски сезони. Инициаторите на руските сезони бяха художниците от групата „Светът на изкуството“, ръководена от А. Н. Беноа, които се стремяха да представят руското изкуство на западната публика.
Началото е руската хореография и театрално-декоративното изкуство нова ераразвитието на европейския балет: „В историята на театъра има представления, чийто огромен, шумен успех, като израз на дълбоки процеси в живота на изкуството, веднага ги издига до нивото на епохални събития.
Такова представление беше премиерата на драмата на Юго „Ернани“, която през 1830 г. започна настъпателния поход на романтизма на френската сцена, такава беше постановката на „Чайката“ в Москва Художествен театър, което откри нова ера в сценичните изкуства.
Гастролите на руската опера и балет в Париж през 1908 и 1909 г. с право трябва да бъдат причислени към подобни събития.
Този успех се дължи на факта, че тези изпълнения съчетават съвършенството на вокално-драматична форма и хореография с музика, сценично действие и декори. В Руските сезони участват водещи дейци на руската култура - А. Беноа, Л. Бакст, М. Фокин, И. Стравински, по-късно Н. Гончарова, М. Ларионов и С. Прокофиев, представители на европейския авангард - Дж. Кокто, Г.Г. Пикасо, А. Матис, Ж. Бала, А. Дерен, Ж. Брак, Г. де Кирико и др.
Първо балетен сезон 1909 г се превърна в истинска сензация - пресата пише за откриването на "непознат свят", за "революцията" и началото нова ерав балет. Представленията на руските сезони, според Ж. Кокто, „доведоха публиката до екстаз“ и „шокираха Франция“.
Това се дължи не само на избора на брилянтни изпълнители и класическа музикаруски композитори, но и с безпрецедентна цялост и взаимосвързаност на всички компоненти на сценичното изпълнение. Сценографията и костюмите са създадени по скици на един художник, което е смело нововъведение за онова време.
Говореха не по-малко за декорите и костюмите на Л. Бакст, А. Головин, А. Беноа, Н. Рьорих, отколкото за хореографията. Огромното впечатление, което парижката публика получи от „екзотичните“ балети на трупата на Дягилев, доведе до появата на нови стилове в масовата мода: очарование от Изтока и екзотиката на славянската култура.
Публиката беше впечатлена от свободното използване от страна на руските художници на различни епохи и култури като творчески източници, непринудеността на цветовите схеми и безграничното въображение в измислянето на необикновени детайли.
През сезон 1909 г. публиката аплодира „Клеопатра и Юдит“, „Половецки танци“ и „Псковчанка“. През 1910г Балетите „Шехерезада“ и „Жар птица“ бяха успешни. В тези продукции „екзотиката на Изтока и руската национална приказка се появиха пред зрителя в още по-ярко въплъщение“.
Руската тема се чува в балета „Садко” (1911), оперите „Хованщина” (1913), „Борис Годунов” (1913), „Повестта на пролетта” (1913), „Княз Игор” (1914), опера-балет „Златното петле” (1914), балет „Среднощно слънце” (1915), танцова сюита „Руски приказки” (1917). Няма съмнение, че тези продукции са предшественик на „руския стил“, който ще влезе в модата през 20-те години на миналия век.
Ася Всички Хартия "Шехерезада", вода, въглища; хартия "Петрушка", вода, въглища; "Вацлав и Ромола Нижински. Сбогом на С. П. Дягилев на гарата" масло, платно, акварел, въглен
IN началото на XIXвек Париж е пленен от творенията на изключителни руски художници. Модници и модници поръчаха дрехи от шивачки с елементи от руски традиционни носии. Париж е завладян от модата на руския. И всичко това беше направено от изключителен организатор - Сергей Павлович Дягилев.
Дягилев: от изследване до реализиране на идеи
С.П. Дягилев е роден през 1872 г. в Новгородска губерния. Баща му беше военен и затова семейството се мести няколко пъти. Сергей Павлович завършва университета в Санкт Петербург, ставайки адвокат. Но противно на очакванията не е избрал да работи в сферата на правото. Докато едновременно учи музика при Н. А. Римски-Корсаков в консерваторията в Санкт Петербург, Дягилев се интересува от света на изкуството и става един от най-големите организатори на изложби и концерти.
Заедно с руския художник Александър Беноа Дягилев основава асоциацията „Светът на изкуството“. Събитието беше отбелязано с появата на едноименно списание.
Кустодиев Б.М. Групов портрет на художници от обществото Светът на изкуството, 1920 г
Скица. Платно, масло.
Държавен руски музей
На снимката (от ляво на дясно): И.Е.Рьорих, Е.Я.Билибин, Г.И.Нарбут, К.А.Сомов, К.С.Петров-Водкин, А.П. , Б. М. Кустодиев.
Корица на списание "Светът на изкуството", издавано през Руска империяот 1898 до 1904 г
И през 1897 г. Дягилев организира първата си изложба, представяща произведения на английски и немски акварелисти. Малко по-късно той организира изложби на картини на скандинавски художници и представя произведения на руски и финландски художници в музея Щиглиц.
Руски сезони, които завладяха Париж
През 1906 г. Дягилев носи произведения на руските художници Беноа, Грабар, Репин, Кузнецов, Явленски, Малявин, Серов и някои други на Есенния салон в Париж. Събитието имаше определен успех. И още през следващата година S.P. Дягилев доведе руски музиканти във френската столица. НА. Римски-Корсаков, V.S. Рахманинов, А.К. Глазунов, F.I. Шаляпин и други получиха бурни аплодисменти, завладявайки парижката публика със своите таланти и умения.
През 1908 г. Париж е шокиран от спектакъла на операта "Борис Годунов" на Модест Мусоргски, представена от Дягилев. Планът за превземане на Париж с този шедьовър беше изключително сложен и изискваше титанични усилия. Да, претърпя промяна музикална версияопера: сцената на шествието на болярите и духовенството е удължена, превръщайки се във фон на тъжния монолог на цар Борис. Но това, което порази най-много парижани, беше зрелищността на представлението. Луксозни костюми, от 300 актьори на сцената едновременно. И за първи път диригентът на хора беше поставен на сцената, играейки малки роли, но в същото време ясно ръководейки хора. По този начин се постигна невероятна хармония на гласовете.
Руски балет на Дягилев
Френският каноничен балет, донесен в Русия, трябваше да придобие руски черти, за да завладее Париж през 1909 г. И след фееричния „Борис Годунов” французите очакваха нещо не по-малко блестящо от „Руските сезони”. Първо, с подкрепата на императорския двор, а след това и на покровители на изкуството, Сергей Павлович създава шедьовър, съчетаващ художествена концепция и изпълнение в хармонично цяло. За първи път хореографи, художници и композитори едновременно участваха в обсъждането и развитието на балетите.
Публиката ентусиазирано приветства руския балет, който стана невероятно зрелищен благодарение на ярките костюми и декори. Изпълнителите на главните роли в балетите на Нижински, Павлова и Карсавина станаха идоли за мнозина. До 1929 г., тоест до смъртта на големия театрален, артистичен деец и предприемач, продължават „Руските сезони“, вече предимно балетни, в Париж.
През 1908 г. с постановката на операта "Борис Годунов" в Париж започва турнето на трупата на С. П. Дягилев - известните Руски сезони. Инициаторите на руските сезони бяха художниците от групата „Светът на изкуството“, ръководена от А. Н. Беноа, които се стремяха да представят руското изкуство на западната публика.
Руската хореография и театрално-декоративно изкуство бележат началото на нова ера в развитието на европейския балет: „В историята на театъра има представления, чийто огромен, шумен успех, бидейки израз на дълбоки процеси в живота на изкуството, веднага повдига ги до нивото на знакови събития.
Такова представление беше премиерата на драмата на Юго „Ернани“, която през 1830 г. започна офанзивния марш на романтизма на френската сцена, такава беше постановката на „Чайката“ в Московския художествен театър, която откри нова ера в изпълнението изкуства.
Гастролите на руската опера и балет в Париж през 1908 и 1909 г. с право трябва да бъдат причислени към подобни събития.
Този успех се дължи на факта, че тези изпълнения съчетават съвършенството на вокално-драматична форма и хореография с музика, сценично действие и декори. В Руските сезони участват водещи дейци на руската култура - А. Беноа, Л. Бакст, М. Фокин, И. Стравински, по-късно Н. Гончарова, М. Ларионов и С. Прокофиев, представители на европейския авангард - Дж. Кокто, Г.Г. Пикасо, А. Матис, Ж. Бала, А. Дерен, Ж. Брак, Г. де Кирико и др.
Първи балетен сезон 1909 г стана истинска сензация - пресата писа за откриването на „непознат свят“, „революция“ и началото на нова ера в балета. Представленията на руските сезони, според Ж. Кокто, „доведоха публиката до екстаз“ и „шокираха Франция“.
Това се дължи не само на избора на брилянтни изпълнители и класическа музика от руски композитори, но и на безпрецедентната цялост и взаимосвързаност на всички компоненти на сценичното представяне. Сценографията и костюмите са създадени по скици на един художник, което е смело нововъведение за онова време.
Говореха не по-малко за декорите и костюмите на Л. Бакст, А. Головин, А. Беноа, Н. Рьорих, отколкото за хореографията. Огромното впечатление, което парижката публика получи от „екзотичните“ балети на трупата на Дягилев, доведе до появата на нови стилове в масовата мода: очарование от Изтока и екзотиката на славянската култура.
Публиката беше впечатлена от свободното използване от страна на руските художници на различни епохи и култури като творчески източници, непринудеността на цветовите схеми и безграничното въображение в измислянето на необикновени детайли.
През сезон 1909 г. публиката аплодира „Клеопатра и Юдит“, „Половецки танци“ и „Псковчанка“. През 1910г Балетите „Шехерезада“ и „Жар птица“ бяха успешни. В тези продукции „екзотиката на Изтока и руската национална приказка се появиха пред зрителя в още по-ярко въплъщение“.
Руската тема се чува в балета „Садко” (1911), оперите „Хованщина” (1913), „Борис Годунов” (1913), „Повестта на пролетта” (1913), „Княз Игор” (1914), опера-балет „Златното петле” (1914), балет „Среднощно слънце” (1915), танцова сюита „Руски приказки” (1917). Няма съмнение, че тези продукции са предшественик на „руския стил“, който ще влезе в модата през 20-те години на миналия век.
МУЗИКА И ДРУГИ ИЗКУСТВА
Урок 20
Тема: „Руски сезони” в Париж.
Цели на урока: Изследвайте значението на изобразителното изкуство за въплъщение музикални изображения; намират асоциативни връзки между художествени образимузика и други форми на изкуство; възприемат музикални интонации с различни значения (при слушане на музикални произведения, в изпълнение); творчески интерпретират съдържанието на музикалните произведения в изобразителните дейности.
Запознайте се с историята на руския балет; развиват способността да идентифицират основните отличителни чертисценичен жанр – балет.
Материали за урока: портрети, снимки на композитори, хореографи, танцьори, музикален, илюстративен материал.
По време на часовете:
Организационно време:
Слуша: С. Прокофиев. Вариации на Зимната фея от балета „Пепеляшка“.
Прочетете епиграфа към урока. Как го разбирате?
Пиша на дъската:
„Ще видя ли душевния полет на руската Терпсихора“...
(А. С. Пушкин)
Съобщение за темата на урока:
И така, момчета, днешният урок отново посвещаваме на един прекрасен жанр - балет. Да си припомним какъв жанр е това? (Балетът е музикален спектакъл, съчетаващ музика и танц, драматично и визуално изкуство...)
Добре, добре, днес ще говорим за руския балет, историята на неговото създаване, традициите.
Работа по темата на урока.
1. Из историята на руския балет.
Учителите на руските танцьори са хореографи от Франция и Италия, поканени да работят в Санкт Петербург и Москва през 18 век.
Така в Благородния корпус (най-„престижната“ образователна институция в Санкт Петербург, първата половината на XVIIIвек) танците са преподавани от френския хореограф J.-B. Ланде. През 1738 г. открива Школа по танци, която с течение на времето се превърна в известната Академия за руски балет на името на А. Я. Ваганова. Балетна школа е открита през 1773 г. в Москва в сиропиталището. По-късно започва да обучава професионални танцьори за Болшой театър.
Още през 40-те години на 18 век руските танцьори, обучени в тайните на професионалното майсторство, започват да участват в балетни представления. Балетът се превърна в любимо съдебно представление. Сюжетите на балетите са били митологични, исторически или приказни. Постановките се отличаваха с лукс на костюми и декори.
На сцената се случиха „чудеса“: приказни героивнезапно „паднаха през земята“ или, обратно, „полетяха в небето“, предизвиквайки наслада сред обществеността. Понякога не само солисти, но и кордебалетни групи участваха в страхотни „полети“.
През втората половина на 18 век професионализмът на руските танцьори вече не е по-нисък от умението на западните.
„Златният век” на балета в Русия е 19 век. Руският балет се развива бързо и започва да надминава западния балет в много отношения. Славата му е създадена от талантливи хореографи и танцьори. Такива са Шарл Дидело, съвременник на Пушкин, и неговите ученици, сред които се откроява Авдотя Истомина, възпята в редовете на Пушкин:
...Блестящ, полуефирен,
Подчинявам се на магическия лък,
Заобиколен от тълпа нимфи,
Уърт Истомин; тя,
Единият крак докосва пода,
Другият бавно кръжи,
И изведнъж той скача, и изведнъж той лети,
Лети като пера от устните на Еол;
Или лагерът ще се формира, тогава ще се развива
И с бърз крак удря крака.
* Еол е богът на ветровете в древногръцката митология.
19 век донесе много нови неща в балетното изкуство. В балета, както в литературата, музиката, живописта, се засилва интересът към духовния живот на човека, към света на неговите чувства, настроения и преживявания. Хореографите и танцьорите започват да търсят нови форми на изразяване в танца и пантомимата.
Музиката за балети обаче е написана от незначителни занаятчии композитори, а понякога и от обикновени оркестранти. Музиката дори на едно представление често приличаше на цветна пачуърк юрган, „зашита“ от разноцветни „парцали“ от музика на няколко композитори. Това неравнопоставеност на музиката и хореографията в балета продължава до срещата на двама блестящи майстори - композитор и хореограф.
В историята на руския балет творчеството на М. Петипа (1818 - 1910) се превръща в цяла епоха. Той, известният френски танцьор, дойде в Русия, когато беше още млад и посвети 60 години от живота си на служба на втората си родина. През тези много години той постави и възроди 76 балета (без да се броят многото балетни епизоди в руски и западни опери).
Петипа създава Санкт Петербург класически стил"Големи балети" Те съчетават най-високо техническо умение, строга пресметливост и поетична духовност. За върхове в творчеството на Петипа се смятат Дон Кихот, Баядерка, Раймонда и балети по музика на Чайковски.
Когато композира либрета за балети и танци за представления, Петипа се придържа към традиционните схеми, разработени от френската школа.
Балетите на Чайковски, създадени съвместно с Петипа, изпълнени с дълбоко съдържание и чувство, стават модели академичен балет. От развлекателно изкуство балетът се превърна в дълбоко и сериозно изкуство.
Отсега нататък композиторите придават същото значение на балетната музика, както на операта и симфоничната музика. Пьотър Илич пише: „Балетът е същата симфония“.
2. „Руски сезони” в Париж.
Бавно, неохотно, XIX век, „златният век” на руското изкуство, открил пред света Толстой и Достоевски, Чайковски и Мусоргски, Репин и Суриков, си отива. Настъпва нов век, изпълнен с предчувствия за промени в социалния и художествен живот на Русия.
В началото на ХХ век Европа е пленена от оригиналността и художественото съвършенство на руското изкуство. Триумфът на „Руските сезони“ беше плод на усилията на талантливи художници, композитори, хореографи, танцьори, които бяха обединени в едно цяло от изключителен филантроп и предприемач, необикновен творческа личност.
„В историята на театъра има представления, чийто огромен, шумен успех, като израз на дълбоки процеси в живота на изкуството, веднага ги издига до нивото на епохални събития“, пише М. Пожарская. „Те се пазят в паметта, както хората помнят велики битки; очевидци разказват на своите деца и внуци за тях, превръщайки реалността в легенди. Тези думи са за „Руските сезони“ в Париж - турнета на руската опера и балет през 1908 и 1909 г., „Руските сезони“ се превърнаха в истински триумф на националния балет, показвайки на целия свят до какво ниво може да достигне изкуството, създадено в Общността бъде повдигнат изключителни композитори, художници и артисти.
Сред великите творци на „Сезони” са композитори И. Стравински, солисти, художници А. Беноа, Н. Рьорих, А. Головин, К. Коровин.
Погледнете тези изображения и ще усетите необятния свят на истинското изкуство, за което изключителната танцьорка Айседора Дънкан каза: „Това е цял храм на естетически радости и всеки детайл от този храм е пълен с красота и интерес.“
Музикалните ценители признават балета „Петрушка” на Игор Фьодорович Стравински за „истински и ненадминат” връх.
„Петрушка“ е вторият от поредицата невероятни балети, които Стравински пише за Балетната трупа на Дягилев, а премиерата му в Париж през 1911 г. е с участието на известния танцьор Васлав Нижински.
Балетът се развива по време на Масленица, празник, който винаги е бил широко празнуван в Русия. Всичко, свързано с този празник - народни празненства, панаири, будки и танци - всичко звучеше в музиката на балета, толкова истински и дълбоко руски.
На фона на масовия празник Масленица се разиграва драмата на Петрушка, който е влюбен в елегантна балерина. Красавицата обаче е безразлична към страданието на жалкия клоун, предпочитайки самодоволния мавър пред него. Тази куклена драма в интерпретацията на Стравински придобива характер на психологическа гротеска.
В „Руски танц“ куклите, подчинявайки се на кукловода, танцуват и излизат от кутиите си, привличайки вниманието на публиката.
“При магданоз” е изцяло посветен на характеристиката на магданоза – дребен, грозен мъж, който жестоко страда от несподелена любов. Поредица от кратки мотиви – привидно пронизително крещящи, отпуснати плъзгащи се, стремителни и застинали – изобразяват движенията на Петрушка, зашеметен и постепенно идващ на себе си. След това се появява лека, леко меланхолична тема (Петрушка се отдава на мечти) с нотка на ирония и гротескна причудливост.
С появата на Балерината (Алегро) музиката става бързо устремна и звучно блестяща на цвят. Острият звук на тръбите, който допълва картината, сякаш подчертава фаталната недостижимост на щастието за Петрушка.
Слуша: И. Стравински. Фрагменти „Руски” и „Петрушка” от балета „Петрушка”.
Какво можете да кажете за тези, които сте слушали? музикални произведения? (Първият фрагмент от балета „Петрушка” на И. Стравински звучеше празнично, светло, бързо, колоритно - той изобразява широк празник - Масленица. В музиката можете да чуете интонациите на народни песни, танци, будки, панаири, хора фестивали се нарича „руски“, вероятно защото тук звучат чисто руските весели, пламенни интонации.
Следващият фрагмент изобразява един от най-обичаните герои на руския театър - Петрушка. Музиката звучеше необичайно, в нея се чуваха игриви интонации, имаше чувството, че някой бяга от някого, крие се и се появява отново.)
За какво е балетът "Петрушка"? (По време на Масленица, прекрасен руски празник, се разиграва цяла драма. Петрушка, влюбен в балерина, открива, че тя предпочита самодоволния мавър пред него. Това е вид куклена драма, която изобразява хора.)
Колкото и да е странно, значението на балета се дава от думата. Оказва се, че и това най-безсловесно изкуство не може без думи. И не само защото в него понякога участва хор, певец или майстор на художественото изразяване, обяснявайки случващото се. Връзките между балета и литературата са много по-дълбоки. В крайна сметка създаването на всеки балет най-често започва не с музика, не с композиция на танци, а с либрето. Какво е? (Либретото е литературният сюжет на операта...)
И балет. Либретото определя идеята на пиесата, очертава сюжета, очертава героите, техните взаимоотношения и роля в основния конфликт.
Балетът е свят на най-изразителните танцови движения, жестове, изражения на лицето. Три компонента на балета са еднакво важни - класически танц, характерен танц и пантомима.
Класическият танц - този, който се развива в основните си черти през 17 век във Франция - е много красив и грациозен.
Соловите танци в балета се наричат вариации. Подобно е на оперна ария, защото сякаш рисува портрет на героя, помагайки да се разбере неговия характер. Вариациите на Китри от балета на Минкус „Дон Кихот“ са широко известни.
Същият солов номер в балета е адажиото. Ярък пример е известното Адажио от балета на Чайковски " Лебедово езеро" В ансамбловите танци могат да се включват както вариации, така и адажио.
Често главните герои на балета танцуват заедно. Този танц се нарича па де дьо. Това са танцови дуети на герои. Те редуват съвместен танц и солови танци (вариации) на танцьора и танцьора. Разбира се, гледали сте па дьо дьо на Одета и принц Зигфрид от балета „Лебедово езеро“ на Чайковски, Жизел и Алберт от „Жизел“ от Адан, Китри и Базил от „Дон Кихот“ от Минкус.
Pas de trois - танц на трима герои. Pa d'axion - ефективен танц - се основава на изразителни жестове, които предават най-много важни точкидействия.
Балетът също има свой собствен „хор“ - голяма група артисти, които участват в масови сцени. Тази група се нарича кордебалет.
Танците на кордебалета раздвижват действието и го разнообразяват. Много често те не са базирани на класически балет. Примери включват „испански“ и „неаполитански“ танци от балета „Лебедово езеро“, базирани на движения народни танци. Такива танци в балета се наричат характерни танци.
Друг компонент на балета е пантомимата. С негова помощ в балета се предава съдържанието на представлението и развитието на неговия сюжет. В крайна сметка думата "пантомима" в превод от гръцки означава "възпроизвеждане на всичко чрез имитация". Пантомимата е жестове, движения, изражения на лицето, с които актьорите сякаш говорят помежду си.
И така, ние изброихме основните компоненти на класическия балет. Модерният балет, който също е много популярен днес, наред с елементите на класическия танц, широко използва гимнастически и акробатични движения. Те са тези, които много често го правят модерен.
Обобщение на урока:
Нека обобщим нашия разговор за балета.
Балетната музика разкрива тясна връзка не само с литературата, но и изящни изкуства. Това е наистина синтетична форма на изкуство, чието пълноценно възприемане е възможно само в единството на всички елементи на сценичния жанр. Въпреки това, с цялата ярка образност на балетната музика, все пак не трябва да забравяме, че нейният източник, както източникът на повечето други сценични произведения, почти винаги е бил литературна творба. И ако свят на изкуствотоЛитературата ражда все нови и нови творби, вдъхновява поети, музиканти и художници, което означава, че този свят е наистина велик, наистина богат на неизчерпаеми творчески възможности.
Въпроси и задачи:
- Какво е балет?
- Какви качества според вас трябва да притежава едно литературно произведение, за да „звучи” в балета?
- Защо балетът, подобно на операта, се смята за синтетичен жанр?
- Избройте солови и ансамблови номера в балета.
- Какво е пантомима?
- Как се наричат танцьорите, които участват в масови сцени?
- Дневник на музикалните наблюдения, стр. 20.
Кратко резюме на балета "Петрушка" на И. Стравински
По време на веселбата на Масленица стар ориенталски магьосник показва оживени кукли: Петрушка, Балерина и Мавър, които играят неистов танц сред смаяната тълпа. Магията на магьосника предаде на куклите чувствата и страстите на истински хора. Петрушка е по-богат от другите в тях: той страда повече от балерината и арабина.
Той горчиво чувства жестокостта на Магьосника, неговия плен, неговата изолация от останалия свят, неговия грозен и смешен вид. Той търси утеха в любовта на Балерината и му се струва, че намира отговора в нейното сърце, но в действителност тя само се страхува от неговата странност и го избягва.
Животът на арабина, глупав, зъл, но умен, е пълна противоположност на живота на Петрушка. Балерината го харесва и по всякакъв начин се опитва да го очарова. Тя най-накрая успява, но Петрушка, бясна от ревност, нахлува и нарушава любовната декларация. Арабинът побеснява и изхвърля Петрушка.
Веселбата на Масленица достига крайни граници. Търговец, който се разхожда с цигани, хвърля купчини банкноти към тълпата, придворни кочияши танцуват с умни медицински сестри; тълпа от кукери увлича всички в диво хоро. В момента на най-голямото веселие се чуват писъци от театъра на Магьосника. Неразбирателството между Араб и Петрушка взе рязък обрат. Съживените кукли изтичват на улицата, Арабин удря Петрушка със сабя, а жалката Петрушка умира в снега, заобиколена от тълпа гуляйджии. Магьосникът, доведен от стражата, бърза да успокои всички. Под ръцете му Петрушка отново се връща в оригиналната си форма на кукла и тълпата, като се увери, че смачканата глава е направена от дърво и тялото е натъпкано с дървени стърготини, се разпръсква. Но краят не е толкова лесен за най-хитрия магьосник, останал сам с куклата; За негов ужас над театъра се появява призракът на Магданоз, който заплашва своя мъчител и се подиграва на всички, които вярват в манията.
Презентация
Включено:
1. Презентация – 28 слайда, ppsx;
Звуци на музика:
Прокофиев. Вариации на Зимната фея от балета „Пепеляшка”, mp3;
Стравински. “Руски” от балета “Петрушка”, mp3;
Стравински. „У Петрушка” от балета „Петрушка”, mp3;
3. Придружаваща статия - бележки към урока, docx.
