Sztuka średniowiecza jest dość dziwna i czasami bardzo niejednoznaczna. Zwyczajowo go podziwia się, ale jednocześnie nawet historycy sztuki czasami nieśmiało milczą na temat tego, co się wówczas działo. O realizmie obrazów nie było mowy, a wielu artystów to po prostu znudzeni mnisi, którzy dla zabicia czasu rysowali marginesy książek. Nie trzeba dodawać, że okres ten radykalnie różni się od wszystkiego, co wydarzyło się później w sztuce.

1. Zabójcze króliczki

Średniowieczni mnisi tworzyli „iluminowane rękopisy” – księgi, w których każda strona była wypełniona kolorowymi dziełami sztuki (miniatury i ozdoby). Czasami wypełniali stronę pięknymi zdjęciami kwiatów i bluszczu. Czasami mnisi rysowali ilustracje do samej księgi, a czasami z jakiegoś powodu rysowali króliki bijące ludzi po głowie. Króliki torturujące ludzi to zaskakująco częsty temat w sztuce średniowiecznej. Historycy sztuki współczesnej nie znaleźli jeszcze odpowiedzi na to pytanie.

Są zdjęcia królików pędzących do bitwy, okaleczających rycerzy, kradnących kobiety, bijących ludzi pałkami i siekających toporami - i takie obrazy nigdy nie mają nic wspólnego z tym, o czym są mówimy o w książkach. Główna teoria głosi, że takie rysunki robili na polach znudzeni mnisi, którzy chcieli się po prostu dobrze bawić. Myśleli, że pomysł zemsty królików na ludziach, którzy na nie polowali, był zabawny. Ale to tylko teoria.

2. Koty liżą sobie tyłki

Obrazy kotów stały się popularne znacznie wcześniej niż Internet. Średniowieczni artyści malowali je dość często. Jedynym wyjątkiem było to, że nie skupili się na tym, aby obraz wywołał pozytywne emocje i napady słodyczy.

Z jakiegoś powodu średniowieczni artyści wierzyli, że tylko jeden moment zasługuje na uwiecznienie w dziele sztuki: moment, w którym kot pochyla się i liże swój odbyt. Epoka średniowiecza pozostawiła po sobie dziwnie obszerną kolekcję mruczących liżących tyłki lub jądra. Czasami obrazy te są bardzo realistyczne, ale najczęściej przedstawiano kota zgiętego w pełnym okręgu, z językiem w obszarze piątego punktu.

3. Kobiety jadące na Arystotelesie

Grecki filozof Arystoteles dość często pojawiał się na obrazach. Ale przez krótki okres na początku renesansu z jakiegoś powodu zaczęto go przedstawiać w tej samej dziwnej i specyficznej pozie. Od kilku lat artyści przedstawiają jednego z najbardziej szanowanych filozofów na świecie na czworakach z kobietą siedzącą na nim okrakiem.

Czasami Arystoteles miał w ustach wędzidełko. Przy innych okazjach kobieta go biła. Czasem był to wyraźny obraz nagiej kobiety bijącej ojca myśli naukowej. Źródłem powstania takich obrazów jest popularna historia żony Aleksandra Wielkiego, która podstępem nakłoniła Arystotelesa, by przejechał ją na kucyku.

Morał z tej historii był taki, że kobiety to złe kusicielki i każdy powinien powstrzymywać się od cielesnych pragnień. Więc artyści średniowieczni pokazali światu, że są „ponad pożądliwością”.

4. Rycerze walczący ze ślimakami

Jedną z najdziwniejszych rzeczy, które mnisi lubili przedstawiać na marginesach książek, były epickie bitwy pomiędzy rycerzami a ślimakami. Między XIII a XIV wiekiem, z nieznanych powodów, stało się to tematem bardzo popularnym.

„Można je znaleźć wszędzie na marginesach rękopisów gotyckich” – powiedział pewien uczony. „Są dosłownie wszędzie i nikt nie wie dlaczego”. Niektórzy uważają, że jest to alegoria walki społecznej, dyskryminacji czy desperackiej walki człowieka z nieuniknioną śmiercią, inni natomiast przypisują to wszystko nudzie mnichów.

5. Mojżesz z rogami

Przez długi czas ludzie mieli dziwny zwyczaj rysowania wizerunków Mojżesza z rogami na głowie. Bardzo dziwne jest przedstawianie tak demonicznie wyglądającego szczegółu na temat człowieka, który wyprowadził Żydów z Egiptu. A jednak podobnych przykładów jest wiele (nawet Michał Anioł namalował coś podobnego).

Istnieje opinia, że ​​średniowiecznym artystom nawet nie przyszło do głowy naśmiewać się z Mojżesza. Właściwie myśleli, że ma rogi. Większość tłumaczeń Biblii podaje, że gdy Mojżesz zszedł z góry Synaj z Dziesięcioma Przykazaniami, jego twarz „rozjaśniły promienie światła” (Dziesięć Przykazań). Jednak oryginalne hebrajskie słowo „keren” może oznaczać zarówno „promień światła”, jak i „róg”.

Zatem Biblia mogła rzeczywiście stwierdzać, że Mojżesz miał rogi. W średniowieczu wydrukowano nawet egzemplarz Biblii, w którym napisano, że Mojżesz zszedł z góry z rogami na głowie. Brzmi to szalenie, ale niektórzy nadal uważają, że jest to prawidłowe tłumaczenie.

6. Maria Magdalena pokryta włosami

Kiedy artyści gotyccy malowali Marię Magdalenę, upodabniali ją do „eksponatu” z cyrku Barnuma. Namalowali kobietę całkowicie pokrytą gęstymi włosami od szyi w dół. Co więcej, nie był to jakiś dziwny średniowieczny fetysz, ale właśnie tak, zdaniem ówczesnych ludzi, powinien wyglądać święty. W tym czasie historia Marii Magdaleny zakończyła się pokryciem jej wełnianymi włosami, przez co wyglądała jak koza.

Według legendy Maria Magdalena po śmierci Jezusa całkowicie wyrzekła się wszelkich dóbr ziemskich. Przestała się kąpać i przebierać, aż w końcu jej ubrania były całkowicie zniszczone i podarte. Cudem, który uratował Marię przed wędrowaniem nago po świecie, były włosy, które urosły jej na całym ciele. Odtąd przez resztę życia Maria chodziła nago i z włosami.

7. Zabijanie beztroskich ludzi

Duża część sztuki średniowiecznej była brutalna. Ale bez względu na to, jak straszna była czyjaś śmierć, ofiara zawsze była znudzona. Są zdjęcia ludzi stratowanych przez jeźdźców, wbijających im nóż w czaszkę lub siekających na kawałki toporami. Jednak na każdym zdjęciu ofiara wygląda, jakby z trudem powstrzymała ziewnięcie. Teoria głosi, że wszystko to nawiązuje do średniowiecznej koncepcji Ars moriendi – sztuki dobrego umierania. Śmierć, według ówczesnych ludzi, była sprawdzianem moralnym.

Był to czas, kiedy człowiek musiał stanąć przed sądem Bożym, a sposób, w jaki na to zareagował, wiele mówił o jego charakterze. Jeśli ktoś w chwili śmierci płakał, krzyczał i przeklinał, oznaczało to, że prawdopodobnie pójdzie do piekła. A jeśli ostatni oddech spotkał się z uśmiechem, wówczas osoba poszła do nieba. Ci wszyscy znudzeni ludzie martwi ludzie mogli po prostu zademonstrować swoją stoicką gotowość pójścia do Nieba. Albo średniowieczni artyści po prostu słabo radzili sobie z rysowaniem mimiki twarzy.

8. Ludzie w „statkach kosmicznych”

Z jakiegoś powodu wiele przykładów sztuki średniowiecznej przedstawia ludzi latających w małych maszynach, które wyglądają dziwnie podobnie do Sputnika 1. Jest to powszechne we wszystkich obrazach Jezusa. Pokaz malarstwa średniowiecznego ważne punkty w życiu Chrystusa, jak moment, kiedy Jego matka Maria po raz pierwszy trzymała w ramionach Dzieciątko, czy też moment Jego śmierci na krzyżu.

W rogu obrazu na niebie jest niezmiennie przedstawiony Mały człowiek w „kabinie małej białej rakiety” lecącej w kosmos. Istnieje kilka teorii na temat tego, co przedstawiają te obrazy. Najbardziej akademicka teoria głosi, że obrazy mają symbolizować „obcą obecność Boga”. To tylko teoria i jedyne wyjaśnienie, którego źródłem jest sam średniowieczny artysta, brzmi zupełnie fantastycznie.

Rycina Hansa Glasera przedstawia niebo nad miastem wypełnionym rurami i kulami. Glaser podpisał rycinę, stwierdzając, że jest to obraz tego, co widział na niebie nad Norymbergą: bitwy pomiędzy nieznanymi obiektami latającymi. Zanotowano, że bitwa zakończyła się, gdy kule i kilka „prętów” poleciało w słońce, a kilka innych obiektów upadło na ziemię w chmurze dymu.

9. Demony z twarzami na kroczach

Średniowieczni artyści uwielbiali malować demony. Ich dzieła pełne były przerażających potworów, które chciały odebrać dusze niewinnych. I z jakiegoś powodu wiele demonów miało dwoje oczu, nos i duże usta tuż przy kroczu. Te zdjęcia były dziwnie seksowne.

Często krocza twarz demona wyrzucała pomiędzy jego nogi dziwny falliczny ogień. Czasami twarze te nie zakrywały tylko krocza, ale znajdowały się na czubkach genitaliów. Był to sposób na ukazanie zła, jakie stanowi nieuzasadniona pokusa seksualna. Demony miały symbolizować niebezpieczeństwa związane z pożądaniem, a twarze w kroczu miały pokazać, gdzie kryje się prawdziwe oblicze zła.

Niektórzy ludzie byli tak zaniepokojeni niebezpieczeństwami związanymi z pożądaniem, że demony były najpopularniejszym tematem sztuki w średniowieczu. Najwyraźniej inne osoby były mniej zaniepokojone, ponieważ drugim najpopularniejszym tematem były osoby angażujące się w przyjemności seksualne.

10. Rzeczy wystające z tyłka

Wydaje się, że kiedy średniowieczni artyści nie rysowali zabójczych zwierząt i demonów z twarzami w kroczu, wypełniali swoje książki ilustracjami, które w zestawieniu ze słowem Bożym wyglądały bardzo dziwnie: wizerunkami ludzi z czymś wystającym z odbytu.

Zwykle była to rura, ale istnieją inne przykłady. Niektóre strony zostały ozdobione piękne wzory z kwiatów i liści, które wyrastały z mężczyzny pochylonego plecami do czytelnika. Dość powszechne były także wizerunki ludzi strzelających do okrągłych, czerwonych celów, namalowanych sobie na pośladkach. Dlaczego namalowali coś takiego, pozostaje tajemnicą.

Na podstawie materiałów z listverse.com

Temat sztuki średniowiecza jest nadal interesujący dla wielu dzisiaj. Nie bez powodu w Internecie pojawił się projekt komiksowy. Wcześniej publikowaliśmy 15 obrazów z zawartymi w nich współczesnymi, sarkastycznymi podpisami.

Średniowieczna sztuka Europy jako ucieleśnienie religijnej mentalności chrześcijańskiej. Estetyka tożsamości: kanoniczność, antynowatyzm, anonimowość, powtarzalność tradycyjnych wątków i obrazów. Dominanty estetyczne wczesnego, dojrzałego i późnego średniowiecza. Style architektury średniowiecznej: styl romański, styl gotycki.

Malarstwo średniowieczne (miniatury książkowe, malarstwo monumentalne, witraż). Literatura średniowieczna: i jej cechy. Główne tradycje literackie: Literatura łacińska:, literatura epicka, dworska:, literatura miejska:. Tryb kościelny i średniowieczne gatunki muzyczne.

Obraz. Tematami obrazów i rzeźb były tematy wielkości i mocy Boga. Cechą stylistyczną tych obrazów było to, że postać Chrystusa była znacznie większa niż inne postacie. W ogóle dla artystów romańskich prawdziwe proporcje nie były ważne: na obrazach głowy są często powiększone, ciała schematyczne, czasem wydłużone. W Niemczech w XI wieku. coraz więcej miejsca na obrazie. Temat ukrzyżowania, śmierci i zmartwychwstania Chrystusa zaczyna zajmować miejsce. W przyszłości motyw ten stanie się dominujący w katolicyzmie, a nawet wyprze obraz Chrystusa jako Pantokratora. Monumentalne malarstwo wczesnośredniowieczne. W nim, wraz z wczesnochrześcijańskimi tradycjami, obserwuje się cechy porywczości i ekspresji. Zabytki z IX wieku, które dotarły do ​​naszych czasów. Malowidła kościelne we Francji pozwalają rozróżnić szkoły „jasnego” i „niebieskiego” tła. Pierwsza, powszechna na zachodzie i w środkowej Francji, charakteryzuje się jasnym tłem, ostrymi konturami i płaską interpretacją form (freski „Bitwa Archanioła Michała ze smokiem” w kościele Saint-Savain w Poitou ). W przypadku drugiego (południe i wschód kraju) charakterystyczne są niebieskie tła, bogata kolorystyka i wyraźny wpływ sztuki bizantyjskiej. Szczególnie dobrze reprezentowaną „Szkołę niebieskiego tła” jest zespół malowideł Berze-la-Ville powstałych na początku XII wieku. Tym samym w sztuce XIV w., choć nadal kontrolowanej przez kościół, nasiliły się cechy świeckie i realistyczne. Witraż. W okresie rozkwitu stylu romańskiego istniały dwie techniki malowania witraży: grisaille(czarno-szara farba na szkle bezbarwnym o zielonkawym, przydymionym odcieniu) i na składzie kolorowego szkła(szkło wygotowano w specjalnych piecach, następnie pocięto według przygotowanego projektu i wpisano na specjalne szablony, po czym pokryto je malowaniem na kolorowym tle). Jednak witraż osiągnął swój największy rozkwit w okresie gotyku. Głównym celem tych „obrazków okiennych” było pokazanie ludziom, którzy nie potrafią czytać Pisma Świętego, w co powinni wierzyć. Ze względu na różnorodność tematyki witraże mają charakter gotycki. katedry skutecznie konkurowały z rzeźbą. Oprócz kompozycji o tematyce biblijnej i ewangelicznej, poszczególnych postaci Chrystusa, Marii i apostołów, znalazły się w nich także epizody z legend o życiu świętych, wizerunki wydarzenia historyczne. Nigdy wcześniej kolor i światło nie odgrywały tak symbolicznej roli. Wierzono, że naturalnym kolorem gotyku był fiolet – kolor modlitwy i mistycznych dążeń duszy, przypominający połączenie czerwonego koloru krwi i błękitnego nieba. Niebieski kolor był również uważany za symbol wierności. Dlatego też w witrażach dominowała barwa czerwień, błękit i fiolet. Oprócz nich szczególnie upodobały sobie kolory pomarańczowy, biały, żółty i zielony. Najlepszy gotyk. witraże znajdują się w katedrach w Chartres („Dziewica z Dzieciątkiem”) i Paryżu (Saint-Chapelle).

Literatura. Całą literaturę średniowiecza można podzielić na bohaterska epopeja, rycerska poezja dworska, rycerska powieść dworska oraz poezja i proza ​​mieszczańska. Heroiczna epopeja przedstawiały opowieści opiewające wyczyny bohaterów, najważniejsze rzeczywiste wydarzenia, opowieści oparte na legendach ludowych. Wczesne prace Tego rodzaju były „pieśni o wyczynach”. Wykonawcami tych pieśni-wierszy byli żonglerzy, podróżujący śpiewacy i muzycy. We Francji największym pomnikiem tamtej epoki jest „Pieśń o Rolandzie” (idealnym rycerzu, patriotze i miłośniku prawdy, obrońcy chrześcijan przed niewiernymi). Legendy bretońskie (Bretania – region we Francji) i celtyckie opowiadają o brytyjskim królu Arturze i Rycerzach Okrągłego Stołu, a także o poszukiwaniu Świętego Graala, kielicha, w którym według legendy znajduje się krew Zbawiciela odebrano podczas składania ciała do trumny. Najsłynniejszy wiersz tego cyklu gloryfikuje wyczyny rycerza Parzivala. W Niemczech - epos „Pieśń Nibelungów” o śmierci królestwa burgundzkiego i śmierci króla Hunów Attyli. Bohater Zygfryd pojawia się w krainie Nibelungów i zakochuje się w siostrze króla Gunthera. Król prosi Z. o pomoc w dokonaniu bohaterskich wyczynów i poślubia królową Islandii. Później oszustwo zostaje ujawnione. Rycerska poezja dworska (dworska). Poezja dworska rozpoczęła się od kultu „pani serca”. Rycerze-poeci śpiewali piękno i szlachetność Pięknej Damy, która z reguły była żoną pana mrocznego. Miłość dworska jest tajemnicą, poeta unikał nazywania swojej damy imieniem subtelnym, wyrafinowanym. Powinna wyglądać jak pełna czci adoracja. Śpiewali ją trubadurowie (południowa Francja), trouvères (północna Francja), minnesingers (Niemcy) i minstrele (angielski). W Prowansji (i to właśnie tam pojawiły się pierwsze rycerskie poematy miłosne) istniało wiele form poezji dworskiej. Kancona(„piosenka” przedstawiała wątek miłosny w formie narracyjnej. Alba(„poranny świt”) poświęcony był ziemskiej, współdzielonej miłości. Zakochani rozstają się o świcie, którego nadejście ostrzega służący lub przyjaciel stojący na straży. Ballada- piosenka taneczna. Pastorela- pieśń o spotkaniu rycerza i pasterki. Płakać- piosenka, w której poeta tęskni lub opłakuje swój los, opłakuje śmierć bliskiej osoby. Tenson- wiersz. spór, kat. Biorą w nim udział albo dwaj poeci, albo poeta i P.D., poezja i Ljubow. Sirventes- piosenka, kot. Sieci społecznościowe już się rozwijają. pytania: kto jest godny miłości – grzeczny plebejusz czy niechlubny baron? rycerski romans dworski. Autorami są naukowcy. Pierwsze powieści ukazały się we Francji. i były połączeniem eposów celtyckich. legendy z późnoantycznymi dziełami Homera, Owidiusza, Wergiliusza, fascynujące historie krzyżowców o nieznanych krajach. Jeden z twórców Chretiena de Trouya „Yvain, czyli rycerz z lwem”. Działania bohaterów Chrétiena de Troyesa mają na celu dokonanie wyczynu i to nie miłość popycha rycerza do przygód, ale pasja do tych wyczynów. Bardziej złożone techniki ujawniania ludzi. har-ra zostały użyte przez Chrétiena de Troyesa w Opowieści o Graalu, gdzie wyczyn o „zwiększonym stopniu trudności” skazuje bohatera na ascezę.

Druga środa ma zupełnie inną tonację. powieść - „Tristan i Izolda” na podstawie kota. Irlandzkie opowieści o nieszczęśliwej miłości dwojga młodych serc. W fabule brakuje rycerskiej przygody, a na pierwszy plan wysuwa się nierozwiązywalny konflikt pomiędzy indywidualnymi motywami bohaterów a ogólnie przyjętymi normami. Niszczycielska pasja młodego mężczyzny Tristana i królowej Izoldy popycha ich do deptania obowiązków wasalnych i małżeńskich, do łańcucha pozorów i oszustw. Bohaterowie nie giną pod ciosami silnych przeciwników, stają się ofiarami losu, losu. Poezja i proza ​​gór. posiadłości. Popularne gatunki to fabliau (we Francji), schwank (w Niemczech). Bohaterami są mieszczanie i chłopi ze swoją pomysłowością i zdrowym rozsądkiem, kot. zmagać się z codziennymi przeciwnościami losu, zachowując przy tym optymizm. Wszystkie sytuacje mają charakter komiczny lub przygodowy, ale nie wykraczają poza granice realistycznego przedstawienia codziennego. Najsłynniejszy epos. cykl to ks. „Powieść o lisie”, w której życie srveka jest przedstawione w formie alegorycznej. Europa. Motywem przewodnim jest udana walka lisa Renarda, głównego bohatera. zaradność, zręczność i przebiegłość, z głupim, krwiożerczym wilkiem. Szczególnym zjawiskiem jest poezja wędrownych uczniów – włóczęgów. Dokonali ostrych ataków na książąt kościoła, co uczyniło włóczęgów wojującymi heretykami. Ulubionymi tematami ich piosenek są biesiady, lekkie flirty, ironiczne narzekanie na ich ciężki los („Po francuskiej stronie...”). Komedia ludowa przekształciła się w satyrę i zrodziła nowy gatunek- farsa (prymitywna komedia z nieodłączną kpiną).

Muzyka. Muzyka Kultura wczesnego średniowiecza reprezentowana jest głównie przez pieśni i tańce dworskie, ludowe, grające muzykę. instrumenty i muzyka religijna. Wszystkie warstwy społeczne pasjonowały się muzyką, pieśnią i tańcem. Hymn kościelny. Już pod koniec VI wieku. podstawa muzyki. Kult katolicki stał się jednogłosowym śpiewem kościelnym, wykonywanym przez chór męski unisono lub przez solistów po łacinie. Jest to tzw Chorał gregoriański (nazwany na cześć papieża Grzegorza I, który według legendy stworzył ten gatunek śpiewu). We wszystkich krajach Europy Zachodniej stopniowo wprowadzano jednolity śpiew chrześcijański. KIX-X wieki – pierwsze nagrania dzieł polifonicznych. Dwugłosowe spektakle organum tworzyli mistrzowie z Francji. Klasztor Saint-Marcel, który pożyczyli od improwizujących śpiewaków. Dystrybucja muzyka Motet stał się gatunkiem począwszy od XIII wieku. Aby napisać motet, por. wziął dobrze znaną melodię i dodał do niej jeden, dwa lub trzy głosy. Na tej samej zasadzie komponowano także muzykę kościelną. rytuał. Ten ma polifon. Na podstawie pieśni trubadurów i truwerów twórczość komp. późno Średniowiecze. Różne piosenki gatunki i formy: ronda, ballady, madrygały. Ten okres w historii muzyki nazywa się Nowa Ars(łac. nowa sztuka), ponieważ wyrafinowana poezja świecka została teraz nastawiona na muzykę nowego typu, przepojoną szczególną żywotnością i bogactwem dźwiękowych barw. Wybitny mistrz informatyki. Ars nova to Francesco Landino. Wczesna ślepota nie przeszkodziła mu zostać wirtuozem organisty i autorem wielu pieśni lirycznych. ks. Ars nova stał na czele komputera. i poeta Guillaume de Machaut, sygn. współcześni nazywali go „ziemskim bogiem harmonii”. Ballada w jego twórczości stała się przykładem wyrafinowanego liryzmu. Wykonał go jeden śpiewak z polifonicznym towarzyszeniem instrumentów. Kreatywność obu otworzyła szlak. scena - muzyka renesans

Kierunki i tendencje w malarstwie średniowiecza.

Ogólne trendy

Sztukę tego okresu, choć zróżnicowaną stylistycznie, charakteryzuje kilka ogólnych nurtów. W tym momencie większość grafika miała cel religijny, dlatego dominującym kierunkiem była sztuka chrześcijańska. Wiele obrazów, dyptyków, tryptyków i rzeźb średniowiecznych projektowanych było na ołtarze kościelne i uwzględniało specyfikę wnętrz świątynnych.

Ważnym elementem kreacja obrazy religijne znajdowała się dodatkowa dekoracja dzieł sztuki. Elementy obrazów mogły być wykonane ze złota lub innych szlachetnych materiałów.

Nowi Patroni

Zmiany artystyczne w okresie średniowiecza spowodowane były szybko zmieniającymi się warunkami społecznymi. Rozwój handlu sprawił, że zamożni mieszczanie i kupcy mogli nabywać dla siebie dzieła sztuki. Na początku XV w. wielu mieszczan posiadało zbiory malarstwa.

Władze miasta wspierały sztuki wizualne poprzez powierzanie znani mistrzowie tworzenie ołtarzy do ołtarzy i kościołów.

Ruch w stronę realizmu

Dokładnego czasu przejścia do realizmu w sztuce średniowiecza nie da się określić. Innowacje powstające w sztuce szeregu krajów europejskich od dawna mogły nie być w żaden sposób identyfikowane w innych kulturach narodowych. Można jednak postawić tezę, że prace wykonane już na przełomie XIX i XX w. przyczyniły się do powstania wczesnego renesansu.

Jednym z pierwszych, którzy malowali obrazy z elementami realizmu, był włoski artysta Cimabue (1240–1302), który oddał głębię obrazu za pomocą bogatych kolorów i kontrastów świetlnych.

Międzynarodowy gotyk

Elegancki i wyrafinowany styl malarski, który rozwinął się głównie dzięki osiągnięciom włoskich mistrzów. Ich technikę charakteryzowało użycie gładkich linii, złożonych konturów ciała i miękkiego wyrazu twarzy przedstawionych osób.

Początek XV wieku to okres wyraźnego postępu w kierunku realizmu w sztukach wizualnych, charakterystycznego także dla literatury i rzeźby. Artystów cechuje dbałość o detal, co nadaje kompozycji integralność i kompletność. Już czas Sztuka europejska charakteryzowany jako okres renesansu.

Malarstwo średniowieczne aktualizacja: 14 września 2017 r. przez: Gleb

Malarstwo średniowiecza

Kultura średniowieczna

ogólna charakterystyka kultura

W IV wieku rozpoczęła się Wielka Migracja - inwazja plemion z Północna Europa i Azji na terytorium Cesarstwa Rzymskiego. Upadło Zachodnie Cesarstwo Rzymskie; jego druga część – Bizancjum – miała istnieć przez jakiś czas. Nadeszło średniowiecze – epoka historyczna następująca po świecie starożytnym i poprzedzająca renesans.

Początki kultury średniowiecznej w dużej mierze sięgają epoki starożytności. Oprócz chrześcijaństwa, średniowiecze przyjęło niektóre formy sztuki a także umiejętności rzemieślnicze.

Edukacja i nauka

W VII – VIII w. Przy klasztorach istniały szkoły, których nauczycielami byli mnisi, a uczniami, których było bardzo niewielu, były dzieci rycerzy. Uczyli się tu teologii i „siedmiu sztuk wyzwolonych”, a także pisania i arytmetyki. Później poszerzono edukację (ale nie dla wszystkich, tylko dla szlachty) – studiowano łacinę, prawo, medycynę i język arabski.

Z tych szkół powstały uniwersytety (od słowa wszechświat"wspólnota"):

1) w Bolonii (Włochy, 1088);

2) Kordoba (Hiszpania, IX);

3) Oksford (1209);

4) Sorbona w Paryżu (1215);

5) Wiedeń (1348) itd.

Uniwersytety posiadały samorząd wewnętrzny (wybierany rektor itp.). Studiowała tu duża część populacji. Formy kształcenia – wykład (przeczytanie tekstu specjalistycznego i komentarza do niego) lub debata (otwarta debata wśród uczestników seminarium, po ukończeniu studiów wydawany jest dyplom). Nie zabrakło także podręczników.

Naukę średniowiecza odkryli teolodzy IV – V wieku. – tzw. „ojcowie Kościoła”:

2) Ambroży;

3) filozof Boecjusz;

4) historycy Jordan i Bede the Hon.

Centrum „renesansu karolińskiego” stanowiła tzw. akademia – koło naukowe na dworze Karola Wielkiego, utworzone w 794 r. na wzór szkoły starożytnej. Liderem akademii był teolog i poeta Alcuin.

W XII–XIII w. Nauka nadal aktywnie się rozwija. Jej podstawą staje się scholastyka – doktryna, w której rzeczywistość ujmowano za pomocą logiki rozumu. Jednocześnie scholastycy często dawali się ponieść formie werbalnej, za którą słabo odgadywano treść, to znaczy pisali i mówili ciężkim, niezrozumiałym językiem.

Wybitnym uczonym średniowiecza był Tomasz z Akwinu(1225–1247), nauczyciel, autor 18 dzieł z zakresu teologii i filozofii.

Inny znany naukowiec był Rogera Bacona(1214–1294) – przyrodnik, nauczyciel matematyki i filozofii.

Światopogląd. Literatura. Teatr

Barbarzyńcy czcili siły natury; odegrał w ich życiu ogromną rolę magiczne rytuały. Wraz z pojawieniem się i rozwojem państw w Europie religia chrześcijańska stała się rdzeniem życia ludzkiego i światopoglądu. Całe życie jest postrzegane jako krótki okres, pełen niebezpieczeństw ludzka dusza. Ideałem staje się życie bez ekscesów i złośliwych radości, szczera wiara w Boga, przestrzeganie rytuałów, a także takie przymioty natury, jak pokora, cierpliwość, cnota, wiara, nadzieja itp. Nieograniczona władza, zarówno duchowa, materialna, jak i polityczna, – nabytych przez Kościół i duchowieństwo.

Jeśli traktaty wczesnego średniowiecza nie były adresowane do określonych grup ludności, wówczas literatura średniowiecza miała charakter klasowy. Naukowcy podkreślają:

1) chłop;

2) miejskie;

3) literatura rycerska.

Główne gatunki:

1) powieści;

4) epicki (szlachetny);

5) historie;

6) biografia;

7) historie;

9) eseje edukacyjne itp.

Wybitne prace:

1) epicka „Pieśń o Rolandzie”;

2) „Pieśń Nibelungów”;

3) „Pieśń Sida”;

4) powieść „Tristan i Izolda”;

5) seria powieści o królu Arturze i rycerzu Lancelocie;

6) seria powieści o Foxie Renardzie;

8) opowiadania.

Gwałtownie wzrosła liczba wydarzeń rozrywkowych i edukacyjnych. Przed katedrami przemawiali kaznodzieje, profesorowie i studenci prowadzili dyskusje. Organizowano także teatralne przedstawienia religijne. Katedry budowali rzemieślnicy miejscy (a nie, jak poprzednio, rzemieślnicy klasztorni). Często sami mieszczanie zamawiali lub tworzyli dzieła sztuki do dekoracji katedr.

Malarstwo średniowiecza

Ponieważ plemiona barbarzyńskie były stale koczownicze, ich wczesną sztukę reprezentują głównie:

1) broń;

2) biżuteria;

3) różne przybory.

Preferowani mistrzowie barbarzyńcy żywe kolory i drogich materiałów, przy czym bardziej ceniono nie urodę produktu, ale materiał, z którego został wykonany.

Malarstwo rzymskie służyło za wzór dla miniaturystów. Autor miniatur średniowiecznych to nie tylko ilustrator; jest utalentowanym gawędziarzem, któremu w jednej scenie udało się przekazać zarówno legendę, jak i jej legendę znaczenie symboliczne.

„Renesans karoliński” (francuski) renesans„Renesans”) – tak badacze nazywali sztukę tej epoki. W wielu klasztorach frankońskich istniały skryptoria (warsztaty pisania książek), w których mnisi kopiowali starożytne rękopisy i kompilowali nowe, zarówno kościelne, jak i świeckie. Rękopisy umieszczano w ramach z kości słoniowej lub metali szlachetnych z wstawkami z kamieni szlachetnych. W projektowaniu książek, oprócz skomplikowanych ozdób, często wykorzystywano motywy sztuki chrześcijańskiej - wieńce, krzyże, figurki aniołów i ptaków.

Około końca III wieku. zwój papirusowy został zastąpiony pergaminem; Zamiast stylu (patyki do pisania) zaczęto używać ptasich piór.

W epoce Karolingów sztuka miniatury – ilustracji książkowej – osiągnęła niezwykły rozkwit. Nie było szkół malarstwa miniaturowego, ale przy klasztorach istniały ośrodki produkcji ilustrowanych rękopisów (np. warsztaty pisania książek w Akwizgranie).

Świątynie karolińskie z zewnątrz były dekorowane bardzo skromnie, wewnątrz natomiast błyszczały malowidłami ściennymi – freskami. Wielu badaczy zauważyło jego ogromne znaczenie Dzieła wizualne w barbarzyńskim świecie, w którym większość ludzi nie umiała czytać. Na przykład w kościele św. Jana Chrzciciela (VIII w.) w mieście Müster (współczesna Szwajcaria) to najstarsze znane freski. Sztuka Imperium Ottonowskich odegrała ogromną rolę w rozwoju stylu romańskiego.

Malowidła z okresu romańskiego praktycznie nie zachowały się. Miały charakter budujący; ruchy, gesty i twarze bohaterów były wyraziste; obrazy są płaskie. Z reguły na sklepieniach i ścianach świątyni przedstawiano sceny biblijne. Na ścianie zachodniej umieszczono sceny Sądu Ostatecznego.

W XIII–XIV w. Oprócz ksiąg kościelnych, bogato ilustrowanych wizerunkami świętych i scenami z Historii Świętej, upowszechniły się:

1) księgi godzinowe (zbiory modlitw);

2) powieści;

3) kroniki historyczne.

Architektura

Po jego pojawieniu się w V – VIII w. państwa plemion germańskich, nawrócili się na chrześcijaństwo. Zaczęto budować kamienne kościoły chrześcijańskie. Świątynie wzniesiono z masywnych kamieni, a na stropy wykorzystano drewno. Kościoły budowano na wzór bazylik rzymskich. W większości przypadków kolumny zostały zapożyczone ze starożytnych świątyń: ruiny służyły jako pierwotne kamieniołomy do wydobywania nowych materiałów budowlanych.

Centra kulturalne począwszy od X wieku pozostały klasztory i kościoły. Świątynia, która w swoim planie miała kształt krzyża, symbolizowała drogę krzyżową Chrystusa – drogę cierpienia. W X wieku Szerzyła się wiara w cudowną moc relikwii – przedmiotów związanych z życiem Chrystusa, Matki Bożej i świętych. Coraz więcej pielgrzymów starało się odwiedzać miejsca święte.

Król Ostrogotów Teodoryk był politykiem ostrożnym i inteligentnym, patronował rzymskiej szlachcie i kościołowi, nauce i sztuce. Chciał być znany jako wielki, dlatego w jego stolicy, Rawennie, położono drogi, mosty, wodociągi, wzniesiono fortyfikacje wojskowe, pałace i świątynie oraz odbudowano zniszczone budynki. Ponadto do dziś przetrwał niezwykły grób Teodoryka.

Ale Karol Wielki uczynił swoją stolicą małe miasteczko Akwizgran (współczesne Niemcy). Pałac Królewski i budynki administracyjne. Do dziś zachowała się kaplica (kaplica) w Akwizgranie i brama klasztoru w Lorsch (współczesne Niemcy, ok. 800 r.).

Od X wieku architekci stopniowo zmieniali projekt świątyni – musiała ona odpowiadać wymogom coraz bardziej złożonego kultu. W architekturze ówczesnych Niemiec wyłonił się szczególny typ kościoła – majestatyczny i masywny. To katedra w Spirze (1030–1092/1106), jedna z największych w Europie Zachodniej.

Architektura klasztorna zajęła wiodącą pozycję w sztuce romańskiej. Zwiększono wielkość kościołów, co pociągnęło za sobą powstanie nowych projektów sklepień i podpór. W okresie romańskim zmieniła się architektura świecka.

Typowe przykłady francuskiej architektury romańskiej:

1) kościół św. Petra;

2) kościół św. Pawła w klasztorze w Cluny (1088–1131).

Zachowały się jedynie niewielkie fragmenty tej budowli, jej opisy i rysunki. W XI–XII w. Budowę dużych katedr rozpoczęto w miastach nad Renem - Worms, Speyer, Mainz. W Niemczech zachowały się także zabytki architektury świeckiej tamtych czasów - zamki i twierdze feudalne.

Sztuka Włoch ukształtowała się pod wpływem wielowiekowych tradycji kulturowych.

W Hiszpanii doszło do rekonkwisty – wojny o wyzwolenie terytorium kraju zajętego przez Arabów. Następnie w Hiszpanii rozpoczęła się budowa zamków-twierdz. Królestwo Kastylii stało się krainą zamków. Jednym z najwcześniejszych przykładów architektury okresu romańskiego jest pałac królewski Alcazar (IX wiek). Przetrwało do dziś.

Średniowiecze często opisuje się jako ciemne i ponure. Sprzyjały temu wojny religijne, działania Inkwizycji i słabo rozwinięta medycyna. Pozostawili jednak po sobie wiele zabytków godnych podziwu dla potomności. Architektura i rzeźba nie stały w miejscu: chłonąc cechy czasu, dały początek nowym stylom i trendom. Wraz z nimi malarstwo średniowiecza trwało nieubłaganie. O tym właśnie dzisiaj porozmawiamy.

W ścisłej współpracy

Od XI do XII wieku styl romański dominował w całej sztuce europejskiej. Otrzymał swój główny wyraz w architekturze. Świątynie tamtych czasów charakteryzowały się trójnawową, rzadziej pięcionawową budową bazyliki, wąskimi oknami, które nie zapewniały dużego oświetlenia. Architekturę tego okresu często nazywa się ponurą. Styl romański w malarstwie średniowiecza również wyróżniał się pewną surowością. Prawie kompletnie kultura artystyczna poświęcony był tematyce religijnej. Co więcej, czyny boskie zostały ukazane w sposób dość groźny, zgodnie z duchem czasu. Mistrzowie nie postawili sobie za zadanie przekazania szczegółów niektórych wydarzeń. Ich skupienie było święte znaczenie Dlatego też malarstwo średniowieczne, krótko rozmyślając o szczegółach, przede wszystkim przekazywało znaczenie symboliczne, zaburzając w tym celu proporcje i relacje.

Akcenty

Artyści tamtych czasów nie znali perspektywy. Na ich płótnach bohaterowie znajdują się na tej samej linii. Jednak nawet na pierwszy rzut oka łatwo zrozumieć, która postać jest główna na obrazie. Aby ustalić jasną hierarchię postaci, mistrzowie stworzyli niektóre znacznie wyższe od innych. Zatem postać Chrystusa zawsze górowała nad aniołami, a oni z kolei dominowali nad zwykłymi ludźmi.

Ta technika miała tylna strona: Nie pozostawiał dużej swobody w przedstawianiu scenerii i szczegółów tła. W rezultacie malarstwo średniowiecza tego okresu skupiało się wyłącznie na punktach głównych, nie zadając sobie trudu uchwycenia elementów drugorzędnych. Obrazy były swego rodzaju diagramem, który oddawał istotę, a nie niuanse.

Przedmioty

Malarstwo europejskiego średniowiecza w styl romański wypełnione obrazami fantastycznych wydarzeń i postaci. Często preferowano ponure historie opowiadające o nadchodzącej karze niebiańskiej lub potwornych czynach wroga rodzaju ludzkiego. Sceny z Apokalipsy stały się powszechne.

Etap przejściowy

Sztuka piękna okresu romańskiego przerosła malarstwo wczesnego średniowiecza, kiedy pod naporem wydarzeń historycznych wiele jej typów praktycznie zanikło, a dominowała symbolika. Freski i miniatury z XI-XII wieku, wyrażające prymat duchowości nad materiałem, utorowały drogę do dalszego rozwoju kierunki artystyczne. Malarstwo tego okresu stało się ważnym etapem przejściowym od ponurej sztuki symbolicznej tamtych czasów i ciągłych najazdów barbarzyńców na nowy poziom jakościowy, którego korzenie sięgają epoki gotyku.

Korzystne zmiany

Ideolog zakonu Franciszek z Asyżu przyniósł zmiany nie tylko w życiu religijnym, ale także w światopoglądzie średniowieczny człowiek. Kierując się przykładem miłości do życia we wszystkich jego przejawach, artyści zaczęli zwracać większą uwagę na rzeczywistość. Na płótnach artystycznych, wciąż o tematyce religijnej, zaczęły pojawiać się szczegóły sytuacji, namalowane równie starannie, jak główni bohaterowie.

Gotyk włoski

Malarstwo na terenie spadkobierczyni Cesarstwa Rzymskiego dość wcześnie nabrało wielu postępowych cech. Mieszkali i pracowali tu Cimabue i Duccio, dwaj twórcy realizmu widzialnego, który do XX wieku pozostawał głównym kierunkiem w sztukach pięknych Europy. Wykonane przez nich ołtarze często przedstawiały Madonnę z Dzieciątkiem.

Giotto di Bondone, który żył nieco później, zasłynął dzięki obrazom przedstawiającym zupełnie ziemskich ludzi. Postacie na jego płótnach wydają się żywe. Giotto pod wieloma względami wyprzedził swoją epokę i dopiero po pewnym czasie został uznany za wielkiego artystę dramatycznego.

Freski

Już w okresie romańskim malarstwo średniowieczne wzbogaciło się o nową technikę. Rzemieślnicy zaczęli nakładać farby na jeszcze wilgotny tynk. Technika ta wiązała się z pewnymi trudnościami: artysta musiał pracować szybko, malując fragment za fragmentem w miejscach, gdzie powłoka była jeszcze mokra. Ale ta technika zaowocowała: farba wchłonięta w tynk nie kruszyła się, stała się jaśniejsza i mogła pozostać nienaruszona przez bardzo długi czas.

Perspektywiczny

Malarstwo średniowiecza w Europie powoli nabrało głębi. Istotną rolę w tym procesie odegrała chęć przekazania rzeczywistości na obrazie we wszystkich jego tomach. Powoli, przez lata doskonaląc swoje umiejętności, artyści nauczyli się przedstawiać perspektywę, nadawać ciałom i przedmiotom podobieństwo do oryginału.

Próby te są wyraźnie widoczne w dziełach zaliczanych do gotyku międzynarodowego czy międzynarodowego, które powstały pod koniec XIV wieku. Malarstwo średniowieczne tego okresu miało szczególne cechy: dbałość o Małe szczegóły, pewne wyrafinowanie i wyrafinowanie w renderowaniu obrazu, próby budowania perspektywy.

Miniatury książkowe

Charakterystyczne cechy malarstwa tego okresu najlepiej widać na niewielkich ilustracjach zdobiących księgi. Spośród wszystkich mistrzów miniatury na szczególną uwagę zasługują bracia Limburgowie żyjący na początku XV wieku. Działali pod patronatem księcia Jana de Berry, który był młodszym bratem króla Francji Karola V. Jednym z najsłynniejszych dzieł artystów była „Wspaniała księga godzin księcia Berry”. Przyniósł chwałę zarówno braciom, jak i ich patronowi. Jednak do 1416 roku, kiedy ślad Limburgów zaginął, pozostał on niedokończony, ale dwanaście miniatur, które mistrzom udało się namalować, charakteryzuje zarówno ich talent, jak i wszystkie cechy gatunku.

Transformacja jakościowa

Nieco później, w latach 30. XV wieku, malarstwo wzbogaciło się o nowy styl, który później wywarł ogromny wpływ na wszystkie sztuki piękne. Wynaleziony we Flandrii farby olejne. Olej roślinny zmieszany z barwnikami nadał kompozycji nowe właściwości. Kolory stały się znacznie bardziej nasycone i żywe. Poza tym zniknęła potrzeba pośpiechu, która towarzyszyła malowaniu temperą: żółtko, które stanowiło jej podstawę, bardzo szybko wysychało. Teraz malarz mógł pracować miarowo, zwracając należytą uwagę na wszystkie szczegóły. Nałożone na siebie warstwy pociągnięć pędzla otworzyły nieznane dotąd możliwości gry kolorem. Farby olejne otworzyły w ten sposób przed mistrzami zupełnie nowy, nieznany świat.

Sławny artysta

Robert Campin uważany jest za twórcę nowego nurtu w malarstwie we Flandrii. Jego osiągnięcia przyćmił jednak jeden z jego naśladowców, znany dziś niemal każdemu zainteresowanemu sztukami pięknymi. To był Jan van Eyck. Czasami przypisuje się mu wynalezienie farb olejnych. Najprawdopodobniej Jan van Eyck jedynie ulepszył już opracowaną technologię i zaczął ją z powodzeniem stosować. Dzięki jego płótnom popularne stały się farby olejne, które w XV wieku rozprzestrzeniły się poza Flandrię – do Niemiec, Francji, a następnie do Włoch.

Jan van Eyck był świetnym portrecistą. Kolory na jego płótnach tworzą grę światła i cienia, której wielu jego poprzednikom brakowało, aby oddać rzeczywistość. Do znanych dzieł artysty należą „Madonna kanclerza Rolina” i „Portret pary Arnolfinich”. Jeśli przyjrzysz się bliżej temu drugiemu, stanie się jasne, jak znaczące były umiejętności Jana van Eycka. Ile warte są starannie spisane fałdy odzieży?

Jednak głównym dziełem mistrza jest „Ołtarz gandawski”, który składa się z 24 obrazów i przedstawia ponad dwieście postaci.

Jan van Eyck słusznie nazywany jest raczej przedstawicielem wczesnego renesansu późne średniowiecze. Szkoła flamandzka jako całość stała się rodzajem etapu pośredniego, którego logiczną kontynuacją była sztuka renesansu.

Malarstwo średniowieczne, omówione pokrótce w artykule, jest ogromnym fenomenem kulturowym zarówno pod względem czasu, jak i znaczenia. Przechodząc od ponętnych, ale niedostępnych wspomnień wielkości starożytności do nowych odkryć renesansu, dała światu wiele dzieł, które w dużej mierze opowiadają nie o powstaniu malarstwa, ale o poszukiwaniu ludzkiego umysłu, jego zrozumieniu jego miejsca w Wszechświat i związek z naturą. Zrozumienie głębi charakterystycznego dla renesansu zespolenia ducha i ciała, znaczenia zasad humanistycznych i pewnego powrotu do podstawowych kanonów greckiej i rzymskiej sztuki pięknej będzie niepełne bez zbadania epoki, która je poprzedzała. To właśnie w średniowieczu narodziło się poczucie wielkości roli człowieka we Wszechświecie, tak odmienne od zwykłego obrazu robaka, którego los jest całkowicie w mocy potężnego boga.