Ludwiga van Beethovena

Ludwiga van Beethovena- Największy kompozytor początku XIX wieku. Requiem i Sonata księżycowa natychmiast rozpoznawalny dla każdego. Nieśmiertelne dzieła kompozytora zawsze cieszyły się i będą popularne ze względu na niepowtarzalny styl Beethovena.

- Niemiecki kompozytor XVIII wieku. Bez wątpienia założyciel nowoczesna muzyka. Jego twórczość opierała się na wszechstronności harmonii różnych instrumentów. Stworzył rytm muzyki, dlatego jego utwory łatwo poddają się nowoczesnej obróbce instrumentalnej.

- Najpopularniejszy i zrozumiały kompozytor austriacki końca XVIII wieku. Wszystkie jego prace są proste i pomysłowe. Są bardzo melodyjne i przyjemne. Mała serenada, burza i wiele innych kompozycji w rockowych aranżacjach będzie miało szczególne miejsce w Twojej kolekcji.

- austriacki kompozytor końca XVIII i początku XIX wieku. Prawdziwie klasyczny kompozytor. Skrzypce miały dla Haydna szczególne miejsce. Jest solistką niemal we wszystkich dziełach kompozytora. Bardzo piękna i hipnotyzująca muzyka.

– włoski kompozytor pierwszej połowy XVIII w. nr 1. Narodowy temperament i nowe podejście do aranżacji dosłownie wysadziły Europę w połowie XVIII wieku. Symfonie „Pory roku” są wizytówka kompozytor.

- polski kompozytor XIX wieku. Według niektórych informacji twórca połączonego gatunku koncertu i muzyka ludowa. Jego polonezy i mazurki doskonale komponują się z muzyką orkiestrową. Za jedyną wadę twórczości kompozytora uznawano zbyt miękki styl (brak mocnych i ognistych motywów).

- niemiecki kompozytor końca XIX wieku. Nazywano go wielkim romantykiem swoich czasów, a jego „Niemieckie Requiem” swoją popularnością przyćmiło inne dzieła jemu współczesnych. Styl muzyki Brahmsa jakościowo różni się od stylów innych klasyków.

- Austriacki kompozytor początku XIX wieku. Jeden z najwybitniejszych kompozytorów nierozpoznanych za życia. Bardzo wczesna śmierć w wieku 31 lat uniemożliwiła Schubertowi pełne rozwinięcie swojego potencjału. Piosenki, które napisał, były głównym źródłem dochodu, gdy największe symfonie zbierały kurz na półkach. Dopiero po śmierci kompozytora dzieła zyskały uznanie krytyki.

- Austriacki kompozytor końca XIX wieku. Twórca walców i marszów. Mówimy Strauss – mamy na myśli walc, mówimy walc – mamy na myśli Straussa. Johann Jr. dorastał w rodzinie swojego ojca, kompozytora. Strauss starszy traktował dzieła syna z pogardą. Uważał, że jego syn robi bzdury i dlatego poniżał go w każdy możliwy sposób na świecie. Ale Jan Młodszy uparcie nadal robił to, co kochał, a rewolucja i marsz napisany na jej cześć przez Straussa udowodniły geniusz jego syna w oczach europejskich wyższych sfer.

- Jeden z najwybitniejszych kompozytorów XIX wieku. Mistrz Opery. Aida i Otello Verdiego cieszą się dziś ogromną popularnością dzięki prawdziwemu talentowi włoskiego kompozytora. Tragiczna strata rodziny w wieku 27 lat sparaliżowała kompozytora, nie poddał się jednak i zagłębił się w twórczość, pisząc od razu kilka oper w krótkim czasie. Wysokie sfery wysoko ceniły talent Verdiego, a jego opery wystawiane były w najbardziej prestiżowych teatrach Europy.

- Już w wieku 18 lat ten utalentowany włoski kompozytor napisał kilka oper, które stały się bardzo popularne. Ukoronowaniem jego twórczości była poprawiona sztuka „Cyrulik sewilski”. Po zaprezentowaniu jej publiczności Gioachino dosłownie niosła na rękach. Sukces był odurzający. Następnie Rossini stał się mile widzianym gościem w wyższych sferach i zyskał solidną reputację.

- niemiecki kompozytor początku XVIII wieku. Jeden z założycieli opery i muzyka instrumentalna. Oprócz pisania oper Handel pisał także muzykę dla „ludu”, która cieszyła się wówczas dużą popularnością. W tych odległych czasach na ulicach i placach grzmiały setki pieśni i melodii tanecznych kompozytora.

- Polski książę i kompozytor jest samoukiem. Bez żadnego wykształcenia muzycznego zostałem znany kompozytor. Jego słynny polonez jest znany na całym świecie. Za czasów kompozytora w Polsce trwała rewolucja, a napisane przez niego marsze stały się hymnami powstańców.

- żydowski kompozytor urodzony w Niemczech. Jego marsz weselny i „Sen nocy letniej” cieszą się popularnością od setek lat. Napisane przez niego symfonie i kompozycje cieszą się powodzeniem na całym świecie.

- Niemiecki kompozytor XIX wieku. Jego mistycznie antysemicka idea wyższości rasy aryjskiej nad innymi rasami została przejęta przez faszystów. Muzyka Wagnera bardzo różni się od muzyki jego poprzedników. Ma na celu przede wszystkim połączenie człowieka i natury z domieszką mistycyzmu. Jego najsłynniejsze opery „Pierścień Nibelungów” oraz „Tristan i Izolda” potwierdzają rewolucyjnego ducha kompozytora.

- francuski kompozytor połowy XIX wieku. Twórca „Carmen”. Od urodzenia był dzieckiem genialnym i już w wieku 10 lat wstąpił do konserwatorium. W swoim krótkim życiu (zmarł przed 37. rokiem życia) napisał kilkadziesiąt oper i operetek, różne dzieła orkiestrowe i symfonie odowe.

- Norweski kompozytor i autor tekstów. Jego utwory są po prostu pełne melodii. Przez całe życie pisał duża liczba pieśni, romanse, suity i etiudy. Jego kompozycja „Jaskinia Króla Gór” jest bardzo często wykorzystywana w kinie i współczesnej muzyce pop.

- amerykański kompozytor początku XX wieku - autor szczególnie popularnej do dziś „Błękitnej rapsodii”. Mając 26 lat był już pierwszym kompozytorem na Broadwayu. Popularność Gershwina szybko rozprzestrzeniła się w całej Ameryce dzięki licznym piosenkom i popularnym programom.

- Rosyjski kompozytor. Jego opera „Borys Godunow” jest znakiem rozpoznawczym wielu teatrów na całym świecie. Na nich opierał się kompozytor w swoich utworach folklor uznając muzykę ludową za muzykę duszy. „Noc na Łysej Górze” Modesta Pietrowicza to jeden z dziesięciu najpopularniejszych szkiców symfonicznych na świecie.

Najpopularniejszym i największym kompozytorem Rosji jest oczywiście. " jezioro łabędzie” oraz „Śpiąca królewna”, „Marsz słowiański” i „Dziadek do orzechów”, „Eugeniusz Oniegin” i „Dama pik”. Te i wiele innych arcydzieł sztuki muzycznej stworzył nasz rosyjski kompozytor. Czajkowski jest dumą Rosji „Bałałajka” jest znana na całym świecie”, „Matryoshka”, „Czajkowski”…

- Kompozytor radziecki. Ulubiony Stalin. Michaił Zadornow gorąco polecił wysłuchanie opery „Opowieść o prawdziwym mężczyźnie”. Ale przede wszystkim twórczość Siergieja Siergieja jest poważna i głęboka. „Wojna i pokój”, „Kopciuszek”, „Romeo i Julia”, mnóstwo znakomitych symfonii i utworów na orkiestrę.

- Rosyjski kompozytor, który stworzył swój własny, niepowtarzalny styl muzyczny. Był człowiekiem głęboko religijnym i szczególne miejsce w jego twórczości zajmowało pisanie muzyki religijnej. Rachmaninow też dużo pisał muzyka koncertowa i kilka symfonii. Jego ostatnie dzieło „Tańce symfoniczne” uznawane jest za największe dzieło kompozytora.

Rosyjska szkoła kompozytorska, której spadkobierczynią tradycji były szkoły sowieckie i dzisiejsze szkoły rosyjskie, rozpoczęła się w XIX w. sztuka muzyczna z rosyjskimi melodiami ludowymi, łącząc europejską formę i rosyjskiego ducha.

O każdym z nich sławni ludzie można powiedzieć wiele, nie każdy jest prosty, a czasami tragiczne losy, ale w tej recenzji staraliśmy się podać tylko krótki opisżycie i twórczość kompozytorów.

1. Michaił Iwanowicz Glinka

(1804-1857)

Michaił Iwanowicz Glinka podczas komponowania opery „Rusłan i Ludmiła”. 1887, artysta Ilja Efimowicz Repin

„Aby stworzyć piękno, sam musisz być czysty w duszy.”

Założycielem języka rosyjskiego jest Michaił Iwanowicz Glinka muzyka klasyczna i pierwszym rosyjskim kompozytorem klasycznym, który zdobył światową sławę. Jego dzieła, oparte na wielowiekowych tradycjach rosyjskiej muzyki ludowej, stały się nowym słowem w sztuce muzycznej naszego kraju.

Urodzony w województwie smoleńskim, kształcił się w Petersburgu. Kształtowanie się światopoglądu i głównej idei twórczości Michaiła Glinki ułatwiła bezpośrednia komunikacja z takimi osobistościami jak A.S. Puszkin, V.A. Żukowski, A.S. Gribojedow, A.A. Delvig. Twórczy impuls Jego twórczość wzbogaciła wieloletnia podróż do Europy na początku lat 30. XIX w. i spotkania z czołowymi kompozytorami tamtych czasów - V. Bellinim, G. Donizettim, F. Mendelssohnem, a później z G. Berliozem, J. Meyerbeerem.

Sukces przyszedł do M.I. Glinki w 1836 roku, po wystawieniu opery „Iwan Susanin” („Życie dla cara”), która została entuzjastycznie przyjęta przez wszystkich; po raz pierwszy w muzyce światowej, rosyjskiej sztuce chóralnej oraz europejskiej symfonii i operze praktyki zostały organicznie połączone i pojawił się także bohater taki jak Susanin, którego wizerunek podsumowuje najlepsze cechy charakteru narodowego.

V.F. Odoevsky określił operę jako „nowy element w sztuce i rozpoczyna się nowy okres w jej historii – okres muzyki rosyjskiej”.

Druga opera to epicki „Rusłan i Ludmiła” (1842), utwór, który powstał na tle śmierci Puszkina i w trudnych warunkach życiowych kompozytora, ze względu na głęboko nowatorski charakter dzieła, został odebrany niejednoznacznie przez publiczność i władze, przyniosła trudne chwile dla doświadczeń M.I. Glinki. Potem dużo podróżował, mieszkając na przemian w Rosji i za granicą, nie przestając komponować. Jego dziedzictwo obejmuje romanse, dzieła symfoniczne i kameralne. W latach 90. oficjalnym hymnem Federacji Rosyjskiej była „Pieśń patriotyczna” Michaiła Glinki.

Cytat o M.I. Glince:„Cała rosyjska szkoła symfoniczna, jak cały dąb w żołędziu, zawarta jest w symfonicznej fantazji „Kamarinskaja”. P.I. Czajkowski

Interesujący fakt: Michaił Iwanowicz Glinka nie cieszył się dobrym zdrowiem, mimo to był bardzo wyluzowany i bardzo dobrze znał geografię, być może, gdyby nie został kompozytorem, zostałby podróżnikiem. Znał sześć języki obce, w tym perski.

2. Aleksander Porfiriewicz Borodin

(1833-1887)

Aleksander Porfiriewicz Borodin, jeden z czołowych rosyjskich kompozytorów drugiej połowy XIX wieku, oprócz talentu kompozytorskiego, był chemikiem, lekarzem, nauczycielem, krytykiem i miał talent literacki.

Urodzony w Petersburgu, od dzieciństwa wszyscy wokół niego zauważali jego niezwykłą aktywność, pasję i zdolności na różnych polach, przede wszystkim w muzyce i chemii.

A.P. Borodin jest rosyjskim samorodkiem kompozytora, nie miał profesjonalnych nauczycieli muzyków, wszystkie jego osiągnięcia muzyczne są dzięki niezależna praca na temat doskonalenia technik kompozytorskich.

Na powstanie A.P. Borodina wpłynęła praca M.I. Glinki (jak zresztą wszyscy rosyjscy kompozytorzy XIX w.), a impuls do intensywnych studiów kompozytorskich na początku lat 60. XIX w. dały dwa wydarzenia – po pierwsze jego znajomość i małżeństwo z utalentowaną pianistką E.S. Protopopową, a po drugie – spotkanie z M.A. Bałakiriew i dołączenie do twórczej społeczności rosyjskich kompozytorów, znanej jako „Potężna Garść”.

Pod koniec lat 70. i 80. XIX wieku A.P. Borodin dużo podróżował i koncertował w Europie i Ameryce, spotykał się z czołowymi kompozytorami swoich czasów, jego sława rosła, stał się jednym z najbardziej znanych i popularnych rosyjskich kompozytorów w Europie pod koniec XIX wieku wiek.XX wiek.

Centralne miejsce w twórczości A.P. Borodina zajmuje opera „Książę Igor” (1869–1890), będąca przykładem narodowej bohaterska epopeja w muzyce, na którego ukończenie sam nie miał czasu (ukończyli go jego przyjaciele A.A. Głazunow i N.A. Rimski-Korsakow). W „Księciu Igorze” na tle majestatycznych obrazów wydarzenia historyczne, odzwierciedlone główny pomysł w całej twórczości kompozytora - odwaga, spokojna wielkość, duchowa szlachetność najlepszego narodu rosyjskiego i potężna siła całego narodu rosyjskiego, przejawiająca się w obronie ojczyzny.

Pomimo tego, że A.P. Borodin pozostawił po sobie stosunkowo niewielką liczbę dzieł, jego twórczość jest bardzo różnorodna i uważany jest za jednego z ojców rosyjskiej muzyki symfonicznej, który wywarł wpływ na wiele pokoleń kompozytorów rosyjskich i zagranicznych.

Cytat o A.P. Borodinie:„Talent Borodina jest równie potężny i niesamowity w symfonii, operze i romansie. Jego głównymi cechami są gigantyczna siła i szerokość, kolosalny zasięg, szybkość i porywczość, połączone z niesamowitą pasją, delikatnością i pięknem. V.V. Stasov

Interesujący fakt: Reakcja chemiczna soli srebra kwasów karboksylowych z halogenami, w wyniku której powstają chlorowcowane węglowodory, którą jako pierwszy zbadał w 1861 r., nosi imię Borodina.

3. Modest Pietrowicz Musorgski

(1839-1881)

„Dźwięki ludzkiej mowy, jako zewnętrzne przejawy myśli i uczuć, muszą bez przesady i przemocy stać się muzyką prawdziwą, dokładną, ale artystyczną, wysoce artystyczną”.

Modest Pietrowicz Musorgski to jeden z najwybitniejszych rosyjskich kompozytorów XIX wieku, członek „Potężnej Garści”. Innowacyjne dzieło Musorgskiego znacznie wyprzedzało swoje czasy.

Urodzony w obwodzie pskowskim. Jak wielu utalentowanych ludzi, od dzieciństwa wykazywał zdolności muzyczne, studiował w Petersburgu, był, rodzinna tradycja, wojskowy. Decydującym wydarzeniem, które zdecydowało, że Musorgski urodził się nie dla służby wojskowej, ale dla muzyki, było spotkanie z M.A. Bałakirewem i przyłączenie się do „Potężnej Garści”.

Musorgski jest wielki, ponieważ w swoich wspaniałych dziełach – operach „Borys Godunow” i „Khovanshchina” – uchwycił dramatyczne kamienie milowe w muzyce Historia Rosji z radykalną nowością, jakiej nie znała wcześniej muzyka rosyjska, ukazując w nich połączenie masowych scen ludowych i różnorodnego bogactwa typów, niepowtarzalny charakter narodu rosyjskiego. Opery te, w licznych wydaniach autora i innych kompozytorów, należą do najpopularniejszych oper rosyjskich na świecie.

Kolejnym wybitnym dziełem Musorgskiego jest cykl utworów fortepianowych „Obrazy z wystawy”, barwnych i pomysłowych miniatur przesiąkniętych rosyjskim refrenem tematycznym i wiarą prawosławną.

W życiu Musorgskiego było wszystko - zarówno wielkość, jak i tragedia, ale zawsze wyróżniała go prawdziwa duchowa czystość i bezinteresowność.

Jego ostatnie lata były trudne – niespokojne życie, brak uznania dla twórczości, samotność, uzależnienie od alkoholu, to wszystko zadecydowało o jego przedwczesnej śmierci w wieku 42 lat, pozostawił po sobie stosunkowo niewiele dzieł, z których część została ukończona przez innych kompozytorów.

Specyficzna melodia i nowatorska harmonia Musorgskiego przewidywały pewne cechy rozwój muzyczny XX wieku i odegrał ważną rolę w kształtowaniu stylu wielu światowych kompozytorów.

Cytat o MP Musorgskim:„Oryginalne rosyjskie brzmienie we wszystkim, co stworzył Musorgski” – N.K. Roerich

Interesujący fakt: Pod koniec życia Musorgski pod naciskiem swoich „przyjaciół” Stasowa i Rimskiego-Korsakowa zrzekł się praw autorskich do swoich dzieł i przekazał je Tercjuszowi Filippowowi.

4. Piotr Iljicz Czajkowski

(1840-1893)

„Jestem artystą, który może i powinien przynosić honor mojej Ojczyźnie. Czuję w sobie wielką siłę artystyczną, nie zrobiłem jeszcze nawet jednej dziesiątej tego, co potrafię. I chcę to zrobić całą siłą duszy.”

Piotr Iljicz Czajkowski, być może największy rosyjski kompozytor XIX wieku, wyniósł rosyjską sztukę muzyczną na niespotykany wcześniej poziom. Jest jednym z najważniejszych kompozytorów światowej muzyki klasycznej.

Pochodzący z prowincji Wiatka, choć jego ojcowskie korzenie znajdują się na Ukrainie, Czajkowski pokazywał od dzieciństwa zdolności muzyczne jednak moja pierwsza edukacja i praca dotyczyła prawoznawstwa.

Czajkowski był jednym z pierwszych rosyjskich kompozytorów „profesjonalnych”, studiował teorię muzyki i kompozycję w nowym Konserwatorium w Petersburgu.

Czajkowski był w przeciwieństwie do kompozytora „zachodniego”. postacie ludzi„Potężna Garść”, z którą miał dobre twórcze i przyjacielskie stosunki, ale w jego twórczości nie mniej przesiąknięty jest rosyjski duch; udało mu się w unikalny sposób połączyć zachodnie dziedzictwo symfoniczne Mozarta, Beethovena i Schumanna z rosyjskimi tradycjami odziedziczonymi po Michaiłu Glince .

Kompozytor prowadził aktywny tryb życia – był nauczycielem, dyrygentem, krytykiem, osoba publiczna, pracował w dwóch stolicach, koncertował w Europie i Ameryce.

Czajkowski był osobą dość niestabilną emocjonalnie; entuzjazm, przygnębienie, apatia, gorący temperament, gwałtowny gniew - wszystkie te nastroje zmieniały się w nim dość często; będąc osobą bardzo towarzyską, zawsze dążył do samotności.

Wybrać z twórczości Czajkowskiego coś najlepszego jest zadaniem trudnym, w niemal każdym z nich ma on kilka dzieł o jednakowej wielkości. gatunki muzyczne- opera, balet, symfonia, muzyka kameralna. A treść muzyki Czajkowskiego jest uniwersalna: z niepowtarzalną melodyką obejmuje obrazy życia i śmierci, miłości, natury, dzieciństwa, w nowy sposób odsłania dzieła literatury rosyjskiej i światowej, odzwierciedla głębokie procesy życia duchowego.

Cytat kompozytora:„Życie ma piękno tylko wtedy, gdy składa się z naprzemiennych radości i smutków, walki dobra ze złem, światła i cienia, jednym słowem – różnorodności w jedności”.

„Wielki talent wymaga wielkiej, ciężkiej pracy”.

Cytat o kompozytorze: „Jestem gotowy dzień i noc stać jako warta honorowa na werandzie domu, w którym mieszka Piotr Iljicz – i dlatego bardzo go szanuję.” A.P. Czechow

Interesujący fakt: Uniwersytet w Cambridge nadał Czajkowskiemu tytuł doktora muzyki zaocznie i bez obrony rozprawy doktorskiej, a paryska Akademia Sztuk Pięknych wybrała go na członka korespondenta.

5. Nikołaj Andriejewicz Rimski-Korsakow

(1844-1908)

Nikołaj Andriejewicz Rimski-Korsakow to utalentowany rosyjski kompozytor, jedna z najważniejszych postaci w tworzeniu bezcennego rosyjskiego dziedzictwa muzycznego. Jego niepowtarzalny świat i uwielbienie odwiecznego, wszechogarniającego piękna wszechświata, podziw dla cudu istnienia, jedność z naturą nie mają odpowiednika w historii muzyki.

Urodzony w obwodzie nowogrodzkim, zgodnie z tradycją rodzinną został oficerem marynarki wojennej i podróżował na okręcie wojennym po wielu krajach Europy i obu Ameryk. Edukacja muzyczna pobierał najpierw od matki, następnie pobierał prywatne lekcje u pianisty F. Canille’a. I znowu, dzięki M.A. Bałakiriewowi, organizatorowi „Potężnej Garści”, który wprowadził Rimskiego-Korsakowa do społeczności muzycznej i wpłynął na jego twórczość, świat nie stracił utalentowanego kompozytora.

Centralne miejsce w spuściźnie Rimskiego-Korsakowa zajmują opery - 15 dzieł ukazujących różnorodność rozwiązań gatunkowych, stylistycznych, dramatycznych, kompozycyjnych kompozytora, posiadających jednak szczególny styl - z całym bogactwem elementu orkiestrowego, z których główne to melodyjne linie wokalne.

Twórczość kompozytora wyróżniają dwa główne kierunki: pierwszy to historia Rosji, drugi to świat baśni i eposów, za co otrzymał przydomek „gawędziarz”.

Oprócz bezpośredniego niezależnego działalność twórcza N.A. Rimski-Korsakow znany jest jako publicysta, kompilator zbiorów pieśni ludowych, którymi wykazywał duże zainteresowanie, a także jako kompletator dzieł swoich przyjaciół - Dargomyżskiego, Musorgskiego i Borodina. Rimski-Korsakow był twórcą szkoły kompozytorskiej, jako nauczyciel i dyrektor Konserwatorium w Petersburgu wykształcił około dwustu kompozytorów, dyrygentów i muzykologów, m.in. Prokofiewa i Strawińskiego.

Cytat o kompozytorze:„Rimski-Korsakow był bardzo rosyjskim człowiekiem i bardzo rosyjskim kompozytorem. Uważam, że tę pierwotnie rosyjską istotę, jej głęboką folklorystyczno-rosyjską podstawę należy dziś szczególnie docenić.” Mścisław Rostropowicz

Fakt o kompozytorze: Nikołaj Andriejewicz rozpoczął swoją pierwszą lekcję kontrapunktu w ten sposób:

- Teraz będę dużo mówić, a ty będziesz słuchać bardzo uważnie. Wtedy ja będę mniej mówił, a wy będziecie słuchać i myśleć, a w końcu ja nie będę już mówił wcale, a wy pomyślicie głową i będziecie pracować samodzielnie, bo moim zadaniem jako nauczyciela jest stać się wam niepotrzebnym...

Znalazłeś błąd? Wybierz i naciśnij w lewo Ctrl+Enter.

Suita klawesynowa nr 5 d-moll

Podstawowe informacje

Muzyk występujący dzieła muzyczne zarówno na klawesynie, jak i na jego odmianach klawesynista.

Pochodzenie

Najstarsza wzmianka o instrumencie typu klawesynu pojawia się w źródle z 1397 roku w Padwie (Włochy), najwcześniejszy znany wizerunek znajduje się na ołtarzu w Minden (1425). Jako instrument solowy klawesyn pozostał w użyciu aż do koniec XVIII wiek. Przez jakiś czas służył do wykonywania cyfrowego basu, do akompaniamentu recytatywów w operach. Około 1810 roku praktycznie wyszedł z użytku. Odrodzenie kultury gry na klawesynie rozpoczęło się na przełomie XIX i XX wieku.

Klawesyn z XV wieku nie zachował się. Sądząc po zdjęciach, były to krótkie instrumenty o ciężkim korpusie. Większość zachowanych klawesynów z XVI wieku powstała we Włoszech, gdzie Wenecja była głównym ośrodkiem produkcji.

Posiadały rejestr 8` (rzadziej dwa rejestry 8` i 4`) i wyróżniały się wdziękiem. Ich ciało było najczęściej wykonane z cyprysu. Atak tych klawesynów był wyraźniejszy, a dźwięk bardziej gwałtowny niż w późniejszych instrumentach flamandzkich.

Najważniejszym ośrodkiem produkcji klawesynów w Północna Europa była Antwerpia, gdzie od 1579 roku pracowali przedstawiciele rodziny Ruckers. Ich klawesyny mają dłuższe struny i cięższe korpusy niż instrumenty włoskie. Od lat 90. XVI wieku w Antwerpii produkowano klawesyny z dwoma manuałami. Klawesyn francuski, angielski i niemiecki z XVII wieku łączy w sobie cechy modeli flamandzkich i holenderskich.

Zachowało się kilka francuskich klawesynów dwumanualnych z korpusami z drewna orzechowego. Od lat 90. XVII w. we Francji produkowano klawesyny tego samego typu, co instrumenty Ruckersa. Wśród francuskich mistrzów klawesynu wyróżniała się dynastia Blanchet. W 1766 roku warsztat Blancheta odziedziczył Taskin.

Najważniejszymi producentami klawesynów angielskich w XVIII wieku byli Shudy i Kirkmanowie. Ich instrumenty miały dębowy korpus wyłożony sklejką i wyróżniały się mocnym dźwiękiem o bogatej barwie. W XVIII-wiecznych Niemczech głównym ośrodkiem produkcji klawesynów był Hamburg; wśród produkowanych w tym mieście instrumentów znajdują się instrumenty z rejestrami 2 i 16 cali oraz z 3 manuałami. Niezwykle długi model klawesynu został zaprojektowany przez J.D. Dulkena, czołowego mistrza holenderskiego XVIII wieku.

W 2. połowie XVIII w. klawesyn zaczęto zastępować fortepianem. Około 1809 roku firma Kirkman wyprodukowała swój ostatni klawesyn. Inicjatorem odrodzenia instrumentu był A. Dolmech. Swój pierwszy klawesyn zbudował w 1896 roku w Londynie i wkrótce otworzył warsztaty w Bostonie, Paryżu i Haslemere.

Produkcję klawesynów rozpoczęły także paryskie firmy Pleyel i Erard. Pleyel zaczął produkować model klawesynu z metalową ramą, na której znajdowały się grube, napięte struny; Wanda Landowska wykształciła całe pokolenie klawesynistów na tego typu instrumentach. Bostońscy mistrzowie Frank Hubbard i William Dowd jako pierwsi kopiowali antyczne klawesyny.

Urządzenie

Ma kształt podłużnego trójkąta. Jego struny ułożone są poziomo, równolegle do klawiszy.

Na końcu każdego klawisza znajduje się przycisk (lub zworka). Na górnym końcu popychacza znajduje się languetka, w której zamocowana jest plektron (język) wykonany z piór (w wielu współczesnych instrumentach - z tworzywa sztucznego), tuż nad plektronem znajduje się tłumik wykonany z filcu lub miękkiej skóry. Po naciśnięciu klawisza popychacz podnosi się, a plektron szarpie strunę. Jeśli klawisz zostanie zwolniony, mechanizm zwalniający umożliwi powrót plektronu na miejsce pod struną bez ponownego szarpania struny. Wibracje struny tłumione są przez tłumik.

Do rejestracji, tj. zmienia siłę i barwę dźwięku za pomocą przełączników ręcznych i nożnych. Płynne zwiększanie i zmniejszanie głośności na klawesynie jest niemożliwe. W XV w. zakres klawesynu wynosił 3 oktawy (w dolnej oktawie brakowało niektórych nut chromatycznych); w XVI w. rozszerzył się do 4 oktaw (C - c«`), w XVIII w. do 5 oktaw (F` - f«`).

Typowy klawesyn niemiecki lub holenderski z XVIII wieku ma 2 manuały (instrumenty klawiszowe), 2 zestawy strun 8' i jeden zestaw strun 4' (brzmiących o oktawę wyżej), których można używać pojedynczo lub razem, a także kopulację ręczną mechanizm. Przełączniki rejestrujące nożne i kolanowe pojawiły się pod koniec lat pięćdziesiątych XVIII wieku. Większość instrumentów posiada tzw rejestr lutniowy o charakterystycznej nosowej barwie (w tym celu struny są lekko tłumione guzkami ze skóry lub filcu za pomocą specjalnego mechanizmu).

Pojęcie „kompozytora” pojawiło się po raz pierwszy w XVI wieku we Włoszech i od tego czasu jest używane w odniesieniu do osoby komponującej muzykę.

kompozytorzy XIX w

W XIX-wiecznym Wiedniu Szkoła Muzyczna sobie to wyobraziłem wybitny kompozytor jak Franz Peter Schubert. Kontynuował tradycje romantyzmu i wywarł wpływ na całe pokolenie kompozytorów. Schubert stworzył ponad 600 niemieckich romansów, przenosząc gatunek na nowy poziom.

Franza Piotra Schuberta

Inny Austriak, Johann Strauss, zasłynął ze swoich operetek i światła formy muzyczne charakter taneczny. To on uczynił walca najpopularniejszym tańcem w Wiedniu, gdzie do dziś odbywają się bale. Ponadto jego dziedzictwo obejmuje polki, kadryle, balety i operetki.

Johanna Straussa

Wybitnym przedstawicielem modernizmu w muzyce końca XIX wieku był Niemiec Ryszard Wagner. Jego opery do dziś nie straciły na aktualności i popularności.

Giuseppe Verdiego

Wagnera można porównać z majestatyczną postacią włoskiego kompozytora Giuseppe Verdiego, który pozostał wierny tradycjom operowym i nadał włoskiej operze nowy oddech.

Piotr Iljicz Czajkowski

Wśród rosyjskich kompozytorów XIX wieku wyróżnia się imię Piotra Iljicza Czajkowskiego. Cechuje go niepowtarzalny styl, łączący europejskie tradycje symfoniczne z rosyjskim dziedzictwem Glinki.

Kompozytorzy XX wieku

Siergiej Wasiljewicz Rahmaninow

Siergiej Wasiljewicz Rachmaninow słusznie uważany jest za jednego z najwybitniejszych kompozytorów końca XIX i początku XX wieku. Jego styl muzyczny opierała się na tradycjach romantyzmu i istniała równolegle z ruchami awangardowymi. To właśnie za indywidualność i brak analogii jego twórczość została wysoko oceniona przez krytyków na całym świecie.

Igor Fedorowicz Strawiński

Drugi znany kompozytor XX wiek - Igor Fedorowicz Strawiński. Z pochodzenia Rosjanin, wyemigrował do Francji, a następnie do USA, gdzie z całą mocą pokazał swój talent. Strawiński to innowator, który nie boi się eksperymentować z rytmami i stylami. W jego twórczości widać wpływ tradycji rosyjskich, elementy różnych ruchów awangardowych i niepowtarzalny, indywidualny styl, za co nazywany jest „Picasso w muzyce”.

Ewolucja muzyki

W pierwszej połowie XVIII wieku ewolucja muzyki osiąga epokę świetlaną. Formy powstałe na początku XVII wieku osiągają najwyższy stopień doskonałości. Czterech wielkich mistrzów, działających w czterech różnych krajach, swoją twórczością definiuje całą sztukę muzyczną tego okresu: Alexandro Scarlatti we Włoszech, Jean Philippe Rameau we Francji, Johann Georg Handel w Anglii i Johann Sebastian Bach w Niemczech.

W zależności od gustów i trendów, ich prace można oceniać różnie. Nie ulega jednak wątpliwości, że wszyscy czterej, każdy w swojej dziedzinie, wypełnili swoją misję z równą doskonałością. Dwóch z nich to Niemcy. Siła ich twórczości skupiała wokół siebie wszystko, co znaczące, co do tej pory udało się osiągnąć muzyce europejskiej.

W pierwszej połowie XVIII w. nadal dominował muzyka włoska i być może nigdy nie był bardziej genialny. W Niemczech już w XVII w. rozpowszechnili zwyczaj mianowania Włochów na stanowiska w kaplicach dworskich i posługi w teatrach, a nawet założyli całą włoską operę. Splendor i przepych przedstawień przewyższały wszystko, co dotychczas widziano. Włosi pojawiają się wszędzie i zajmują pierwsze miejsca w Anglii, Polsce, Rosji i nie tylko w Niemczech. Sama Francja stanowczo opiera się atakowi włoskiej opery i odrzuca w równym stopniu jej złe, jak i dobre strony.

Po oddzieleniu się od Wenecji Neapol objął przywództwo na początku XVIII wieku. ruch muzyczny w dziedzinie opery. Dzięki Francesco Provenzeale i Alexandro Scarlattiemu Neapol, który do tej pory nie odegrał znaczącej roli w rozwoju muzyki, nadaje nazwę szkole o określonym kierunku i jest przez to gloryfikowany.

Francesco Provenzeale jest kompozytorem wielu oper: komicznych („Niewolnik jego żony”), poważnych na tematy starożytne (Cyrus, Crerks, Erytrea itp.). Francesco Provenzeale pozostawał pod wpływem Wenecjan, dzięki czemu wykształcił styl, który wkrótce stał się charakterystyczny dla całej neapolitańskiej szkoły operowej, a później całej opery włoskiej XVIII wieku.

Alexandro Scarlatti urodził się w 1659 r. na Sycylii, zmarł w Neapolu w XVII w., był uczniem Carissimiego, po wystawieniu swojej pierwszej opery „Niewinny błąd” w Rzymie w 1679 r. został dyrygentem w 1680 r. na dworze szwedzkiej królowej Krystyny , który mieszkał w Rzymie. W 1694 Scarlatti został dyrygentem wicekróla w Neapolu. Od XVII 03 do XVII 08 prowadzi metrizę (szkołę muzyczną) przy jednym z rzymskich kościołów, po czym ponownie wraca do Neapolu. Liczba dzieł Scarlattiego jest kolosalna: tylko 1 XVIII opera, 700 kantat itp.

Styl szkoły neapolitańskiej ma wyraźne cechy. Przede wszystkim jest to styl melodyczny, oparty w całości na naszym systemie modalnym i tonalnym dur-moll. Melodia - główny element Muzyka neapolitańska, bogato rozbudowana melodia, namiętna i zmysłowa, wyrażająca potężne, natychmiastowe uczucie. To uczucie jest wspólne każdemu – od razu, od pierwszych dźwięków, zrozumiałe. Zatem melodia w szkole neapolitańskiej jest najsilniejszym uogólniającym i jednoczącym czynnikiem społecznym. Istotną cechą tej liryczno-dramatycznej muzyki jest melodyjność (wokalność). Stąd biorą się jej formy, stąd ekspresyjne melodyczne recytatywy oper neapolitańskich z bogatym akompaniamentem instrumentalnym, stąd cała niepowtarzalna struktura tych oper: ciąg arii połączonych recytatywami.

Jean Philippe Rameau (1683-XVII 64) – jeden z najwybitniejszych przedstawicieli opery sztuka XVIII wieku we Francji. Rameau pierwszy pokazał swoje działalność muzyczna jako organista-teoretyk oraz kompozytor muzyki klawesynowej i religijnej. Dopiero w XVII 33 roku udało mu się zwrócić na siebie uwagę jako kompozytora teatralnego operą „Hipolit”.

Jest to oryginalne i typowe od początku do końca. Praca francuska: wszystko jest z umiarem, wszystko jest jasne, wszystko jest zrównoważone, uczucie jest łagodzone przez rozsądek, gust i nawykową dyscyplinę człowieka, ograniczonego ramami publicznej grzeczności, waleczności i ironii. Muzyka Rameau stanowi całkowity kontrast ze zmysłową nagością włoskich tekstów i niemieckim „zanurzeniem się w sobie”, w osobistym życiu psychicznym. To prawda, że ​​\u200b\u200bw pracy Rameau – rzadki przypadek – połączyły się wielki kompozytor i wielki teoretyk. Temperament kompozytora chłodzi racjonalność badacza i odwrotnie, wnioski spekulatywne są poparte przenikliwością i przeczuciem kompozytora, gdyż praca teoretyczna Rameau jest nadal raczej dziełem praktykującego muzyka, wywodzącego się z doświadczenia, niż prawdziwego myśliciela.

Muzyka Rameau jest figuratywna, plastyczna i teatralna. Do końca XIX wieku teatr był jednym z najważniejszych organów francuskiego życia intelektualnego. Większość, jeśli nie cała, francuska muzyka XVII i XVIII wieku i później, w tym Berlioza, ma charakter figuratywny i plastyczny i jest muzyką teatru i baletu. Wszelka muzyka koncertowa i kameralna we Francji, od suit Couperina po dzieła orkiestrowe Debussy'ego, a także w centrum symfonii i oratoriów Berlioza, kojarzona jest z teatralnością. Oto jeszcze kilka oper Rameau: Dzielni Indianie (XVII 35), Kastor i Pollux (XVII 37), Triumfy Hebe (XVII 39) Dardanus (XVII 39).

Reforma Glucka była bardzo ważna dla historii dramatu muzycznego. Jej punktem wyjścia była opera neapolitańska, lecz sama reforma miała miejsce na terytorium Francji. Gluck w swojej muzyce wyraził nowe ideały swojej epoki i stworzył dzieło, które wciąż opiera się upływowi czasu. Starożytny mit ożył w szczerej i uduchowionej, krystalicznie czystej muzyce i prostej akcji: bez intryg, bez przerywników, bez drobne postacie(jeden żałosny amorek pojawia się jako ustępstwo na rzecz starych gustów operowych). Chór i balet tworzą organiczne ogniwa akcji, a nie przypadkowe wstawki. Słynne „nie” – surowa odpowiedź cieni piekielnych na modlitwy Orfeusza – to jeden z najsilniejszych efektów dramatycznych, taniec i śpiew na Polach Elizejskich to jeden z najbardziej wzruszających momentów w całej teatralnej muzyce zachodnioeuropejskiej.

„Orfeusz” został skomponowany na podstawie tekstu włoskiego i główną rolę przeznaczony również na altówkę. Ale Włosi, przyzwyczajeni do pełnokrwistej, zmysłowej melodii i bogactwa kulturowej barwy, nie zrozumieli prostoty dramatycznie wyrazistej muzyki „Orfeusza”. Gluck kontynuował swoje dzieło i zaproponował weneckiej publiczności Alceste, a następnie kolejną operę, Paryż i Helena.

W pierwszej połowie XVIII wieku, wraz z twórczością Handla (1685-XVII 59) i Bacha, muzyka niemiecka osiągnęła dwa gigantyczne, nieosiągalne szczyty. Na początku swojej kariery Handel pozostawał pod wpływem wpływów neapolitańskich. Ponieważ dominował, tak potężny talent jak Handel nie mógł przejść obok niego bez pokonania go i wzbogacenia w ten sposób jego techniki. Jego wczesne prace w stylu włoskim nie są pozbawione wyrazistego piękna, ale nie oddają jeszcze całego Haendla. To, co w nim było najlepsze i oryginalne, nie mogło w pełni objawić się w obcych mu formach. Podobnie jak Gluck (a później Mozart) musiał tworzyć własną sztukę. Dała mu Anglia ze swoją wielowiekową, ściśle zorganizowaną kultową muzyką chóralną właściwy środek uderzenie. Osobiście trudno mu było znieść porażkę swoich oper i całej walki o biznes operowy, ale w przypadku muzyki niepowodzenie Handla na tym polu należy uznać za wynik absolutnie dobry: niepowodzenia otworzyły Haendlowi oczy i sprowadziły go na właściwą drogę ścieżki, być może wbrew jego woli. Handel pisał oratoria – zasadniczo dramaty muzyczne. Oto wszystkie najważniejsze dzieła Handla tego rodzaju: Mesjasz (XVII 42) Acisse i Galatea, Estera - XVII 32, Deborah - XVII 33, Święto Aleksandra, czyli Triumf Muzyki - XVII 36, Saul - XVII 38, Izrael w Egipcie – XVII 39, Samson – XVII 43, Belszaccar – XVII 44, Juda Machabeusz – XVII 46, Józef – XVII 48, Zuzanna, Salomon, Teodora, Jefta – XVII 48-XVII 51

Johann Sebastian Bach (1685 - XVII 50) jest punktem końcowym długiego łańcucha ewolucji. Dziełami Bacha są potężne sklepienia budowli i kopuła wieńcząca ogromny pomnik. Wpływ Bacha zaczął być silniej odczuwalny nie za jego życia, ale od początków XIX wieku. I jeśli nie można zgodzić się z opinią współczesnych wielbicieli jego sztuki, że Bach jest twórcą całej muzyki europejskiej, to można go w pełni uznać za ojca muzyki współczesnej. Bach nigdy nie miał okazji odwiedzić Włoch. Dlatego jego pisma zachowały czysto niemiecką cierpkość. Dlatego większość koneserów muzyki jego czasów, przyzwyczajonych już do miękkich rytmów, akcentów i katilenów szkoły neapolitańskiej, nie rozumiała jego genialnego dzieła i nie zwracała na niego należytej uwagi: jego kompozycje wydawały się pompatyczne. Poza niewielkim kręgiem studentów i kilkoma niemieckimi organistami wpływ Bacha na jego epokę był niezwykle ograniczony. Jego dzieła rytowano bardzo rzadko. Większość z nich pozostała w rękopisach i została przepisana przez samego kompozytora.

Wolfgang Amadeusz Mozart (XVII 56-XVII 91) był uczniem swojego ojca Leopolda Mozarta, wybitnego skrzypka i pedagoga, który rozpoznał geniusz syna i poświęcił swoje życie jego kształtowaniu. W Monachium podczas karnawału XVII 75 skomponował operę „Ogrodnik dworski”, a w tym samym roku – „Król pasterz”. W XVII 81 roku w Monachium wystawiono jego poważną klasyczną włoską operę Idomeneo. W XVII 82 ma miejsce „Uprowadzenie z Seraju”! W XVII 86 wystawiono w Venen „Wesele Figara”. w XVII 87 Don Juan został pokazany w Pradze. XVII 88 skomponowano trzy wielkie symfonie w g-moll, es-dur i c-dur. W XVII 90 roku napisał operę „Wszyscy tak robią”. W XVII 91 roku powstały ostatnie opery „Tytus”, „Czarodziejski flet” i „Requiem”.