Reshetnikova Alina
Przygotowałem i przeprowadziłem lekcję
nauczyciel pianina
MBOUDOD „DMSH nr 49”
P. Trudarmejski,
Rejon miejski Prokopjewski
Wołkowa Galina Fiodorowna
Temat: "Pracować nad artystycznie utwór muzyczny”
Cel : „Rozwijanie różnych umiejętności figuratywnego wykonywania utworów muzycznych”
Zadania: Obuherbata : uczą umiejętności odtwarzania różnych utworów muzycznych muzycznie, emocjonalnie, z kontrolą słuchową.Pokazywać praktyczne użycie metody pracy nad utworami muzycznymi i ich fragmentami.
Rozwojowy: wprowadzić interesujące fakty z biografii kompozytorów, których utwory student wykonuje.
Edukacja: zaszczepić zainteresowanie muzyka klasyczna i studiował muzykę. Pracuje.
Typ lekcji : Zintegrowany
Metody: Werbalne (wyjaśnienie, uzasadnienie).
Metody kontroli.
Praktyczny.
Metoda wyświetlania.
Kroki lekcji:
1. Organizacyjne
2.Praktyczne
3.Koniec
Charakterystyka ucznia: Alina jest uczennicą o dobrych zdolnościach muzycznych: dobrym słuchu, rytmie, pamięci. Jest sprawna w domu i na zajęciach, aparat wykonawczy jest nieco ograniczony, ręce zaciśnięte. Dźwięk jest częściej odtwarzany na fortepianie. Mamy trudności z osiągnięciem aktywności i soczystościdźwięk. Należy pracować nad emancypacją aparatu wykonawczego i głębią dźwięku. Reaguje na wszelkie uwagi nauczyciela zarówno na zajęciach, jak i w domu.
PPlan lekcji:
I. Gama C-dur w rozbieżnym ruchu arpeggio, akordy w 4 oktawach
2. Praca nad Etiudą nr 17 Czernego.
3. Diabelli. Sonatina.
Albinoni Adagio
Praca domowa.
Na początku lekcji gramy skalę C-dur. Po raz kolejny gramy gamę oddzielnymi rękami, oddzielnymi rękami, doskonaląc palcowanie. Następnie przychodzi praca nad akordami i pasażami własnymi rękami. Pamiętamy, że arpeggia gramy „jakbyśmy kreślili pętle” każdą ręką. Pracując nad akordami staramy się płynnie wyjąć rękę i przenieść ją od góry do kolejnego akordu (pamiętajcie o ćwiczeniu „Tęcza”).
2. Po pracy nad skalą zaczynamy grać na pamięć Etiudę nr 17 Czernego (red. Germer).
Przed nauczeniem się tej etiudy odbyła się rozmowa o tym, jak „w znajomości praw śpiewu Czerny widział niezbędny warunek osiągnięcia na fortepianie sensownego frazowania plastycznego, wyrazistej wymowy myśli muzycznej, brzmienia cantabile i miękkiego, melodyjnego legato. ”
Grając zwracamy uwagę na mocne i słabe bity, wówczas pojawi się precyzyjne, elastyczne frazowanie i precyzyjne odcienie dynamiczne, a do tego wygodne, swobodne wykonanie. Należy zauważyć, że ważne jest prawidłowe kontrolowanie ruchu rąk we wszystkich pauzach, tj. ręka może zagrać tylko raz podczas pauzy, a przy opuszczeniu powinna już zagrać.
Pokazywanie i praca z uczniem na fragmencie. Jeśli podejdziemy do tego szkicu z punktu widzenia dzieła sztuki, to myślę, że porównanie z falą morską (przejściem wznoszącym się i opadającym) jest tutaj całkiem dopuszczalne. Słuch harmoniczny rozwija się dobrze podczas pracy nad akordami. Tutaj musisz przeanalizować plan tonalny akordu, wysłuchać podstawy harmonicznej, a następnie zagrać melodię z akompaniamentem harmonicznym.
3. Analiza Sonatiny 1 godzina.G- czas trwaniaDiabellego
Uczeń przedstawia domową analizę pracy. Następnie jeszcze raz przypominamy fakty biograficzne z życia Antonio Diabelli (1781 - 1858), który urodził się w Austrii. Jako dziecko śpiewał w chórze kaplicy katedralnej w Salzburgu. Uczył gry na gitarze i fortepianie. Jego sonaty są niezwykle piękne i inspirujące dźwiękiem.
Sonatina(sonata bez rozwinięcia) -różnorodnośćforma sonatowa, Vw którym nie ma rozwoju i który jest używany w typowoDlaWarunki formy sonatowej (na przykład w pierwszych częściachcykl) Wobec braku najważniejszego dla formy sonatowej odcinka – przetworzenia, sonatina zachowuje jednak swoją przynależność do tej formy. Ma tradycyjny temat sonatowy (aktywny głównyprzesyłkai melodyjna) oraz przynajmniej aktywną pracę motywacyjnąNApoziom ekspozycji.
W nauce warto solfować melodię głosem, a następnie zagrać melodię, określając ruch melodii w stronę górnego dźwięku przy crescendo i jej opadający ruch przy diminuendo, czyli tzw. początek i koniec frazy
Trudnością techniczną dla ucznia jest delikatne wykonanie „basów albertańskich” lewą ręką. Przyjrzyjmy się, czym są basy Alberti:
Basy albertiańskie(ITal.Basso Albertino ) - prezentacja pariasa lewej ręki w
fortodcm.intę zabawę, nazwany poWłoski kompozytor DominikAlbertai kto stworzył tę technikę. Basy albertyjskie są formą ritmicznierównomiernie rozmieszczoneakordy. Alberti stosował tę technikę w swoich pracach, ale stosowano ją już przed nim, kiedy nie nosiła jego imienia. W pracach Io często można spotkać basy albertyjskieHanna PachelBświerk. Józefa Haydna, Amadeusza Mozarta, Ludwiga van Beethovena
3. Albinoni „Adagio”G- moll.
W pierwszej kolejności w trakcie poznawania utworu wykonywano następujące prace mające na celu zapoznanie się z biografią kompozytora i historią powstania dzieła.ALBINONI Tomaso(1 671-1750) - włoski kompozytor, skrzypek, przedstawiciel szkoły weneckiej. W swoich symfoniach i koncertach dla5 przewiduje się niektóre instrumentystylistycznycechy symfonii klasycznej. Autor z góry50 oper.
Tomaso jako dziecko uczył się gry na skrzypcach i śpiewu i stało się to dobrym pomysłempodstawaza swoją działalność muzyczną.Miał niesamowity dar melodyczny, któryużywanynie tylko przy komponowaniu oper, ale także do dzieł instrumentalnych, których stworzył bardzo wiele. Liryczne ciepło instrumentalnych melodii. Uroczo piękne, powolne części jego koncertów są wynikiem ogromnego doświadczenia Albinoniego w gatunku operowym. Albinoni był jednym z pierwszych kompozytorzy włoscy, Którywydrukowanew wydawnictwach muzycznych w Londynie, Paryżu, Amsterdamie.Obecnie wiele pisze się o leczniczym, uspokajającym działaniu muzyki mistrzów epoki baroku. Najbardziej odpowiednimi tego przykładami są Albinoni i Bach. Historia powstania dzieła jest bardzo interesująca. Historia podaje, że partyturę odnaleziono podczas II wojny światowej w ruinach Saskiej Biblioteki Państwowej w Dreźnie.
W 1958 roku ukazało się słynne Adagio, dzięki staraniom pierwszego biografa Tomaza Albinoniego, Remo Giazotto, który twierdził, że zrekonstruował niewielki fragment znaleziony w 1945 roku. Od tego momentu rozpoczął się triumfalny marsz Spektaklu w światowej kulturze muzycznej. Utworzony
wiele transkrypcji i aranżacji, które są wykonywane zarówno solowo na koncertach. jak i muzyka w tle.
RusZGrając melodię, śpiewaliśmy tekst zwrotek, co pomaga nam lepiej zrozumieć frazowanie i ruch melodii:
ADAGIO ALBINONI „PIEŚŃ PRZEBUDZENIA”
Poranek Ziemi przyjdzie do nas,
Za oknami zaświeci słońce
Zwiastun wczesnej wiosny,
Gość magicznego kraju!
Zachowamy Światło
Gdy Ziemia budzi się ze snu, Świt
Również na lekcji przeanalizujemy rodzaj polifonii charakterystycznej dla tego utworu - typ subwokalny, w którym wśród głosów jeden głos (wyższy) prowadzi główną melodię, a reszta jej pomaga, łącząc ją lub powtarzając, tworząc podgłosy. W innym odcinku kontrastuje polifonia, gdzie w linii basu pojawia się głos „odpowiedzi”. Występ ten można porównać do śpiewania na 4 głosy w chórze.
Rysunekobraz artystyczny, zwróć uwagę na reprodukcje obrazówartyściera Renesans – Leonardo da Vinci „La Gioconda”, Rafael „C”IxtinianMadonna."
Według autora utwór powinien brzmieć bardzo powściągliwie, spokojnie, głos wyższy powinien brzmieć melodyjnie, bas lewej rękiprzypomina dźwięk organówpowoli iciężkie kroki, które brzmiały solidnie i nie zagłuszały głównej melodii. Powinienodwracaćzwróć uwagę na apel głosów w pionie.
Gramy utwór zgodnie ze wszystkimi instrukcjami, osiągając rezultaty.
Zadanie domowe: Pracuj nad wszystkimi utworami tak jak na zajęciach, zwracając szczególną uwagę na dźwięk, dynamiczne odcienie., pociągnięcia i palcowanie.
Natalia Chorewa
Lekcja otwarta „Rola uderzeń w ukazaniu artystycznego obrazu dzieła muzycznego”
Rola kresek w ukazaniu artystycznego obrazu dzieła muzycznego.
Kształtowanie się pomysłów uczniów na temat różne rodzaje uderzeń i ich znaczenie w ukazaniu artystycznego obrazu dzieła muzycznego.
1. Edukacyjny
Buduj i pogłębiaj wiedzę uczniów na temat roli udary, V ukazanie artystycznego obrazu dzieła muzycznego.
2. Rozwojowe
Rozwijać ucho do muzyki, pamięć, kreatywne myslenie.
Rozwijać musical i zdolności twórczych dzieci.
3. Edukacyjne:
Zaszczepić w uczniach zaangażowanie i wytrwałość w doskonaleniu technik gry.
Typ lekcja: połączone.
Sprzęt: komputer, projektor multimedialny, ekran, akordeon instrumentu muzycznego.
1. Moment organizacyjny
2. Z historii
3. Nowy temat : « Rola kresek w wydobywaniu obrazu artystycznego w dziele muzycznym».
4. Konsolidacja nowego materiału
5. Podsumowanie lekcja
Organizowanie czasu:
Pozdrowienia, przedstawienie ucznia, Denisa Shirokova, studenta pierwszej klasy wydziału krajowego. Wiadomość tematyczna lekcja, cele, cele. (Slajdy 1,2,3.)
Z historii:
Termin " właz" (pasek, linia) był kiedyś pożyczany przez skrzypków artyści, gdyż było coś wspólnego w ruchach pędzla malarza i smyczka skrzypka (ryc. 1). Wkrótce termin „ właz„nabył znaczenie tej czy innej techniki gry i stał się powszechny wśród muzycy różnych specjalności, w tym akordeonistów.
Co się stało udary?
Uderzenia Są to różne metody wytwarzania dźwięku, w wyniku których pojawiają się dźwięki różniące się od siebie charakterem brzmienia.
Istnieją dwa rodzaje udarów: pociągnięcia palcami i pociągnięcia futrem.
Dzisiaj dalej lekcja spójrzmy na główne pociągnięcia palców.
Są pociągnięcia palców: Legato, non-legato, staccato.
Legato to technika gry, w której każda nuta wymaga połączenia ze sobą, melodia jest płynna. W uwagach jest oznaczony ligą (łuk) nad lub pod nutami.
Non legato – gra nie jest spójna, nuty nie są ze sobą powiązane.
Staccato to technika gry, w której nuty brzmią krótko i gwałtownie. W notatkach to właz oznaczone kropkami nad lub pod uwagami.
Teraz będziemy szukać właz legato na przykładzie języka rosyjskiego Piosenka ludowa „A ja jestem na łące”. Ta piosenka to okrągły taniec, charakter działa gładko, melodyjny. Wcześniej podczas wielkich świąt dziewczęta i chłopcy tańczyli i śpiewali piosenki. Ta piosenka jest wykonywana uderzenie legato.
Uczeń gra piosenkę na akordeonie „A ja jestem na łące”
Teraz przyjrzymy się udar bez legato.
D. Kabalewski „Mała Polka”. Polka to czeski taniec. Postać działa wesoło, dziarski, taneczny. Aby przekazać charakter Pracuje trzeba to spełnić udar bez legato.
Uczeń gra polkę Kabalewskiego na akordeonie guzikowym.
Właz Przyjrzyjmy się staccato na przykładzie szkicu. Etiuda ma charakter techniczny praca. Celem tego badania jest opracowanie technicznej strony gry akordeony guzikowe: płynność palców, rytm. Łusznikow "Etiuda" C-dur. Szkic ten składa się z dwóch części. Na tym szkicu zmienne udary, wykonywana jest pierwsza część uderzenie legato, druga część jest wykonywana uderzenie staccato.
Teraz uczeń pokaże ten szkic.
Po co one są? dotyka w muzyce?
Uderzenia są bardzo ważnym narzędziem ekspresja muzyczna.
O charakterze i jakości wykonania udary zależy w dużej mierze od prawidłowego ujawnienie figuratywu muzycznego treść i styl wykonania Pracuje
Dotyki sprawiają, że muzyka jest kolorowa i żywa.
Każdy to ma udar mózgu - Twój wizerunek.
Uderzenia współdziałając z innymi środkami wyrazu, przyczyniają się do ucieleśnienia przez performera treści ideologicznych i emocjonalnych Pracuje.
NA na lekcji przyglądaliśmy się uderzeniom: legato, non-legato, staccato. Aby utrwalić materiał poruszony na dany temat, będziemy słuchać utwór piosenki B. Ushenina "Kołysanka", Kołysanka – piosenka śpiewana przez mamę lub nianię podczas kołysania dziecka; szczególny gatunek liryczny popularny w poezji ludowej. Jeden z najstarszych gatunków folkloru. Spróbujmy zaśpiewać tę kołysankę uderzenie legato, A udar staccato i zobacz, jaki mają na to wpływ dotyka charakteru utworu muzycznego.
Nauczyciel występuje praca
Postać praca uległa zmianie z powodu zmiany udaru. Nie będziesz mógł spać przy takiej kołysance, ale będziesz chciał maszerować.
Część końcowa:
U: Przez co dzisiaj przeszliśmy?
Po co one są? dotyka w muzyce?
Dlaczego musisz to zrobić dokładnie? dotyka w sztukach?
Który opanowałeś już uderzenia?
Jakie inne techniki gry nie działają?
Co musisz zrobić, aby to pokonać?
Uczeń opowiada, z jaką wiedzą został przypisany lekcja,
co było nowe, niezwykłe.
Konkluzja lekcja kończy się niepowodzeniem nauczyciel:
Dzisiaj rozmawialiśmy udary i ich rola w ujawnianiu
artystyczny obraz dzieła.
Uderzenia są bardzo ważnym środkiem wyrazu
muzyka. O charakterze i jakości wykonania dotyka na wiele sposobów
zależy od tego właściwego ujawnianie treści muzycznych i figuratywnych oraz
wykonany styl Pracuje. Główny udary są
legato, non-legato, staccato. Odpoczynek udary mniej popularne.
Wybór udar zależy od charakteru muzyka która jest wykonywana. Dlatego mówiąc o udary, należy wziąć pod uwagę, w jakim konkretnym w dziele sztuki ten udar zostanie zastosowany, jaka treść i charakter muzyka zostanie poproszony o podkreślenie.
Publikacje na ten temat:
Podsumowanie lekcji czytania powieści braci Grimm „Król Drozdbrody” dla starszych przedszkolaków Etap przygotowawczy: Na spacerze: Wstępna rozmowa: na spacerze Dunno podchodzi do chłopaków i zaczyna ze wszystkimi dokuczać (Maszka, brudna dziewczynka).
Podsumowanie lekcji czytania dzieła sztuki G.-H. „Dzikie łabędzie” Andersena dla starszych przedszkolaków Etap przygotowawczy Postęp lekcji: chłopaki, posłuchajcie wiersza M. Sadowskiego Rodzina to szczęście, miłość i szczęście, Rodzina to lato.
Notatki z lekcji czytania beletrystyki G.-H. Andersena „Mała Syrenka” dla dzieci w starszym wieku przedszkolnym Etap przygotowawczy Rozmowa przygotowawcza: chłopaki, pamiętajmy, z kogo składa się rodzina? (mama, tata, dzieci). A kim jeszcze są nasi?
Lekcja-rozmowa na temat lektury dzieła K. I. Czukowskiego „Góra Fedorina” dla starszych przedszkolaków Rozmowa: Kochani, jak rozumiecie przysłowie: „Biada temu, kto ma bałagan w domu”? Czym jest zaburzenie? Skąd to pochodzi? Jak.
Lekcja otwarta „I. A. Kryłow. "Kwartet" Lekcja lektura literacka z działu „Poznawanie tajników światowej mądrości” Temat: I. A. Kryłowa „Kwartet”. Cele: Edukacyjne: 1) Kontynuuj przedstawianie.
Raport metodologiczny.
Temat: „Kreowanie i rozwój wizerunku artystycznego w procesie pracy nad utworem muzycznym.”
Przygotował: Nauczyciel folkloru
zajęcia na akordeonie
Klochkova T.V.
„Kreowanie i rozwój wizerunku artystycznego w procesie pracy nad utworem muzycznym”
Obecnie edukacja muzyczna jest integralną częścią kształtowania kultury duchowej człowieka w oparciu o rozwój jego umiejętności muzycznych i umiejętności opanowania uniwersalnego człowieka Wartości kulturowe. Cel jest dokładnie edukacja muzyczna dzisiejsze dzieci w wieku szkolnym – wprowadzać uczniów w świat wielkiej sztuki muzycznej, uczyć ich kochać muzykę w całym bogactwie jej form i gatunków, czyli kształcić uczniów kultura muzyczna jako część całej ich kultury duchowej.
Pod tym względem być może najbardziej ważne pytanie– czego my, nauczyciele muzyki, uczymy naszych uczniów? Jaki jest oczekiwany efekt edukacji dziecka w szkole muzycznej? Znaczenie tej kwestii, naszym zdaniem, polega na tym, że problem zintegrowany rozwój możliwości intelektualnych dzieci w Ostatnio staje się coraz ważniejsze na wszystkich etapach edukacji. Jednocześnie nie można tracić z oczu faktu, że głównym zadaniem, naszym zdaniem, nauczyciela „zwykłej” dziecięcej szkoły muzycznej jest wychowanie kompetentnego słuchacza, konesera muzyki w szczególności i sztuki w ogóle , osoba twórczo wykształcona, rozwinięta intelektualnie. Nie wszyscy absolwenci szkół muzycznych będą kontynuować naukę w szkołach średnich i wyższych, wybrać muzykę jako swój zawód lub zostać dobrzy wykonawcy. Jednocześnie, jeśli nie ma rozwiniętej muzycznie publiczności, po co nam w ogóle muzyka? Czy to nie oznacza, że szkolenie kompetentnego słuchacza jest ważniejsze niż szkolenie wykonawcy? Ponadto specjaliści o rozwiniętym myśleniu artystycznym i twórczym są dziś bardzo poszukiwani zarówno w kulturze, edukacji, jak i w innych sferach życia. Powszechnie znana i niepodważalna jest teza, że edukacja ogólna nie jest „nauką przedmiotów”, ale jest rozwojem jednostki poprzez przedmioty; osoba, podmiot, jej zainteresowania są na pierwszym miejscu, a przedmioty na drugim miejscu. Przedmioty są jedynie środkami, celem jest osobowość, czyli jej rozwój.
Zatem – czego uczyć? Spróbujmy znaleźć odpowiedź na pytanie postawione z punktu widzenia nauczyciela gry na instrumentach dętych.
Opierając się wyłącznie na metodyce nauczania, można powiedzieć, że nauczyciel dziecięcej szkoły muzycznej na lekcji specjalistycznej uczy swoich uczniów głównie dwóch rzeczy:
1. uważna i kompetentna lektura tekstu muzycznego;
2. technika, czyli techniki i środki, które pozwalają urzeczywistnić na instrumencie, w konkretnym brzmieniu, to, co „przeczytasz” w nutach.
Tekst i technika. Jedno i drugie jest niezaprzeczalnie ważne i potrzebne działalność twórcza młody wykonawca dalej instrumenty ludowe, ale nie możesz się do tego ograniczać. Opierając się na teorii intonacyjnej B.V. Asafiewa, można powiedzieć, że komunikacja ze sztuką w ogóle, a muzyką w szczególności jest ludzką formą komunikacji: osoba jest obrazem artystycznym. Obrazy muzyczne i artystyczne ucznia są żywymi, duchowymi, aktywnie i dynamicznie rozwijającymi się „zjawiskami”, z którymi wchodzi on w kontakt niewerbalny, doświadczając w procesie tej komunikacji poczucia duchowej satysfakcji. Dlatego najważniejszy moment rozwój zdolności poznawczych można uznać za kultywowanie niezależności wykonawczej u ucznia – umiejętność interpretacji utworu na swój sposób, tworzenia i rozwijania własnych obrazów muzyczno-artystycznych oraz samodzielnego odnajdywania technik technicznych do realizacji własnego pomysłu.
Nie da się zaprzeczyć, że muzyka jest szczególnym językiem komunikacji. język muzyczny, jak język niemiecki, angielski itp. Zafascynowany swoją pracą kompetentny nauczyciel stara się przekazać ten punkt widzenia swoim uczniom, tworząc skojarzeniowe połączenie między muzyką a muzyką. dzieła sztuki, porównując zabawy z wierszami, baśniami, opowiadaniami i opowiadaniami. Oczywiście nie należy rozumieć języka muzycznego w sensie dosłownym jako języka literackiego. Wyraziste środki a obrazy w muzyce nie są tak wizualne i konkretne jak obrazy w literaturze, teatrze i malarstwie. Muzyka działa poprzez oddziaływanie czysto emocjonalne, odwołując się przede wszystkim do uczuć i nastrojów ludzi. „Gdyby wszystko, co dzieje się w duszy człowieka, można wyrazić słowami” – napisał A.N. Serow – „na świecie nie byłoby muzyki”.
Nie należy utożsamiać języka muzycznego ze zwykłym językiem literackim, ponieważ różni muzycy-wykonawcy postrzegają i wykonują ten sam tekst muzyczny w różny sposób, wnosząc do tekstu muzycznego własne obrazy artystyczne, uczucia i myśli. I jeśli młody muzyk potrafi rozróżnić w muzyce poszczególne „słowa”, ułożyć je w zdania, frazy – utwór muzyczny nabierze trójwymiarowego brzmienia, będzie wypełniony znaczeniami, przeżyciami, a nie tylko „głośno – cicho”, „szybciej – wolniej”.
Muzyka instrumentalna nie jest w stanie wyrazić precyzyjnych pojęć tak konkretnie jak język mówiony, ale czasami osiąga tak urzekającą siłę emocjonalną i figuratywną, że jest to trudne lub niemożliwe do osiągnięcia za pomocą języka mówionego. „Mówisz, że tutaj potrzebne są słowa. O nie! Tutaj słowa nie są potrzebne, a tam, gdzie są bezsilne, „język muzyki” jest w pełni uzbrojony, powiedział wielki P.I. Czajkowski.
Pobudzenie wyobraźni, uruchomienie twórczej wyobraźni i nieśmiałość w żywym i emocjonalnym przekazywaniu słuchaczowi obrazów i doświadczeń, które powstały, to trudne zadanie dla początkującego wykonawcy-ucznia. Wiadomo, że dzieciństwu i dorastaniu towarzyszą kryzysy psychiczne. W tych okresach dzieci są szczególnie bezbronne, dotkliwie doświadczają najmniejszych niepowodzeń życiowych, możliwych błędów, bez których kształtowanie osobowości jest niezbędne, a gromadzenie doświadczeń życiowych jest niemożliwe. I tutaj nauczyciel, jako starszy towarzysz, miły i mądry, musi pomóc swojemu uczniowi zanurzyć się w magii, świat wróżek muzykę, aby na wszelkie możliwe sposoby pokazać mu, że na tym świecie jesteśmy równi i możemy swobodnie porozumiewać się językiem dźwięków. Jestem pewna, że to zależy od nauczyciela, od poziomu jego wiedzy, kompetencji, erudycji, cech moralnych – czy jego przedmiot jest dla dziecka interesujący, czy też jest po prostu tolerowany. Niestety, często możemy zaobserwować następującą sytuację: dziecko przychodzi do pierwszej klasy szkoły muzycznej z drżeniem w duszy, radością w oczach, oczekując bajki w obcowaniu z muzyką, a po 2-3 latach idzie do szkoły muzycznej. „ muzyka spod patyka”, kończąc studia tylko dlatego, że zmuszają go do tego rodzice.
Co jest potrzebne, aby występ muzyczny ucznia był żywy i ciekawy, aby zrozumienie dzieła muzycznego dało mu radość twórczą, radość odkrywania tajemnic dźwięków i nut? Co kompozytor chciał w nich zawrzeć, jakie wydarzenia, wrażenia przyczyniły się do powstania tego czy innego spektaklu? Inaczej mówiąc, jak rozbudzić wyobraźnię ucznia i rozwinąć umiejętność kreowania artystycznego obrazu dzieła muzycznego?
Należy zaznaczyć, że większość informacji o utworze muzycznym przekazywanych uczniom przez nauczyciela ma formę słownych opisów, obrazków i pewnych skojarzeń. Na ich podstawie uczniowie odtwarzają sobie wymowny obraz analizowanego utworu muzycznego (wygląd bohatera utworu muzycznego, wydarzenia z przeszłości, niespotykane dotąd pejzaże, baśniowe obrazy, przyroda itp.). I tutaj bardzo ważne jest, czy nauczyciel swoją ekspresyjną i emocjonalną historią będzie w stanie rozbudzić i rozwinąć zainteresowanie muzyką. To właśnie na tym etapie wyznacza się dalsza droga rozwoju początkującego wykonawcy: czy będzie on podążał drogą twórczego myślenia, czy też ścisłego wykonywania tekstu muzycznego. W tym przypadku wystarczy zwrócić na to uwagę: często, chcąc jak najpełniej wyjaśnić uczniowi znaczenie muzyki, nawet doświadczeni nauczyciele muzyki idą drogą nadmiernej specyfikacji obrazu, świadomie lub nieświadomie zastępując muzykę z historią na ten temat. Jednocześnie to nie nastrój muzyki wysuwa się na pierwszy plan stan psychiczny, co zawiera i najróżniejsze szczegóły, prawdopodobnie interesujące, ale odbiegające od muzyki.
Wyobraźnia odtwarzająca (reprodukcyjna), „odpowiedzialna” za tworzenie i rozwój obrazów artystycznych, rozwija się u uczniów w procesie nauki gry na instrumentach instrumenty muzyczne poprzez rozwijanie umiejętności rozpoznawania i przedstawiania stanów implikowanych obrazów muzycznych, umiejętności rozumienia ich pewnych konwencji, czasem niedopowiedzeń, umiejętności wnoszenia własnych emocji w przeżycia dane nam przez kompozytora.
Mówiąc o kreowaniu artystycznego obrazu wykonywanej muzyki, warto zauważyć, że prace nad tym muszą rozpocząć się jak najwcześniej. Na przykład: gracze dęci mają taką koncepcję - „graj długie nuty”, kontrolując jednocześnie stan mięśni wargowych (zadęcie), pracę przepony itp. Aktywność ta jest z pewnością konieczna do utrzymania i rozwijania umiejętności wykonawczych, ale jest dość nudna dla dziecka, które jeszcze niedawno słuchało opowieści matki i nadal wierzy w Świętego Mikołaja. Uważamy, że na tym etapie lekcji warto postawić uczniowi następujące zadania: „dziś masz dobry humor i gramy wesołe, wesołe nuty” lub „dziś wyglądasz na zmęczonego, zagrajmy spokojne dźwięki, np. kołysankę dla Twojego ukochanego kota.” Dzieci w niesamowity sposób przemieniają się, przejmują zaproponowane przez nauczyciela obrazy i oferują własne: „wczoraj byliśmy na obozie, zagram wam notatki z obozu”. W ten sposób nudne wykonywanie długich nut (już sama nazwa „długie nuty” wywołuje u dziecka smutek) zamienia się w fascynującą podróż w świat muzycznych obrazów. Chłopaki starają się wypełnić każdy dźwięk jakąś treścią semantyczną, artystyczną i figuratywną.
Skoro mówimy o powstaniu i rozwoju obrazu artystycznego, należy ustalić, co należy rozumieć pod pojęciem „treści dzieła muzycznego”. Powszechnie przyjętą koncepcją jest to, że treść muzyki jest artystycznym odzwierciedleniem za pomocą muzycznych środków ludzkich uczuć, doświadczeń, idei i stosunku człowieka do otaczającej go rzeczywistości. Każdy utwór muzyczny wywołuje określone emocje, myśli, nastroje, przeżycia, idee. Jest to artystyczny element kompozycji muzycznej. Ale oczywiście podczas jego wykonywania nie należy tracić z oczu technicznej strony tworzenia muzyki, ponieważ nieostrożne wykonanie utworu muzycznego nie przyczynia się do wytworzenia pożądanego wizerunku u słuchacza. Oznacza to, że nauczyciel i uczeń stają przed dość trudnym zadaniem – połączyć te dwa kierunki w pracy nad utworem muzycznym, zsyntetyzować je w jedno systemowe, całościowe podejście, metodę, w której ujawnianie treści artystycznych jest ze sobą nierozerwalnie związane z pomyślnym pokonaniem ewentualnych trudności technicznych.
Oczywiście najciekawszym zajęciem uczniów klas specjalistycznych jest praca nad utworem muzyki artystycznej.
Rozpoczynając pracę nad spektaklem, analizując treść pracy z uczniem, wielu nauczycieli często popełnia błędy w dwóch przeciwnych kierunkach. Pierwsza charakteryzuje się tym, że nauczyciel stara się nauczyć dzieci szczegółowo „widzieć” analizowany utwór, stara się słowami opowiedzieć jego treść, stworzyć „fabułę literacką”. W rezultacie uczeń aktywnie fantazjuje, rysuje kolorowe obrazy, niewiele uwagi poświęcając technicznej stronie wykonania, przez co nie jest w stanie przekazać słuchaczowi swoich obrazów ze względu na techniczną niedoskonałość wykonania. Do drugiego kierunku przyłączają się nauczyciele, którzy kierując się tym, że muzyka jest sztuką dźwięków i oddziałuje bezpośrednio na nasze zmysły, na ogół zaniedbują przedstawienia figuratywne, uważają rozmowy o muzyce za niepotrzebne i ograniczają się do „czystego dźwięku”, doskonałego technicznie wykonania, które nie potrzebuje żadnych skojarzeń. Który z tych kierunków jest najwłaściwszy dla rozwoju muzycznego ucznia? Zapewne prawda jak zawsze leży gdzieś pośrodku i od tego, czy wykonawca znajdzie „punkt złotego podziału”, zależy od tego, czy uda mu się pozyskać słuchaczy.
Już na etapie zapoznawania się z dziełem nauczyciel nakreśla pierwsze szlify możliwego obrazu artystycznego. Opowiadając uczniowi o kompozytorze, jego twórczości, czasie powstania konkretnego utworu, musi on posiadać nie tylko głęboką wiedzę teoretyczną o muzyce, ale także bardzo wysoki warsztat pracy pedagogicznej: umieć podejść do każdego ucznia właściwie, uwzględniając uwzględnić jego indywidualne możliwości, w celu zapewnienia niezbędnej pomocy w pracy treści muzyczne i możliwe trudności techniczne. Od nauczyciela wymaga się zatem stałej, wysokiej wrażliwości emocjonalnej na treść artystyczną utworów muzycznych, nad którymi pracuje jego uczeń, twórczego podejścia do ich interpretacji i sposobów pokonywania specyficznych trudności. Ważne jest, aby za każdym razem móc spojrzeć na to świeżym okiem. kompozycja muzyczna, nawet w przypadkach, gdy trudno jest znaleźć nowy szczegół interpretacji w znanym od dawna dziele. Niemal zawsze można, opierając się na wcześniejszych doświadczeniach, wprowadzić pewne usprawnienia w procesie opanowywania tej pracy przez ucznia, przyspieszyć opanowanie jej trudności, a tym samym uczynić pracę interesującą zarówno dla siebie, jak i ucznia.
Dobrze, jeśli nauczyciel posiada wystarczającą wiedzę na temat instrumentu i potrafi pokazać analizowany utwór w swojej artystycznej interpretacji. Oczywiście występ w klasie musi być dla ucznia tak samo żywy, ekscytujący i pełen emocji, jak na dużej scenie.
Zasada: „najpierw baw się tak, jak ja, a potem tak, jak uznasz za stosowne” nie powinna w żaden sposób wpływać na samodzielność twórczą ucznia. Każdy z uczestników proces edukacyjny zarówno nauczyciel, jak i uczeń, mają prawo do własnej wizji obrazu muzycznego i artystycznego.
Również jednym z głównych zadań nauczyciela gry na instrumentach dętych, jak i każdego innego muzyka, jest nauczenie dziecka słuchania siebie, gdyż umiejętność usłyszenia, zrozumienia i zrozumienia tego, co zawarte jest w utworze muzycznym, jest podstawą umiejętności wykonawczych. Często mamy do czynienia z tym, że uczeń po prostu bawi się ogólnym dźwiękiem, nie słuchając i nie skupiając się na tym, co jest głównym zadaniem na tym etapie. Podczas pracy nad utworem należy zmusić ucznia do wsłuchania się w siebie z zewnątrz. Trzeba dążyć, po pierwsze, do pełnego, miękkiego brzmienia, a po drugie, do brzmienia jak najbardziej melodyjnego. Nic dziwnego, że jedną z najwyższych pochwał dla wykonawcy jest „jego instrument śpiewa”. Śpiew i melodyjność są głównymi prawami wykonania muzycznego, żywotną podstawą muzyki.
W ten sposób skompilowałem dla siebie Duży obraz dzieł, patrząc ogólnie na architekturę budynku muzycznego, spróbujmy rozważyć poszczególne jego części (analiza formy, konstrukcji). Być może ciekawa historia(sonata, koncert), obszerne opowiadanie (długie przedstawienie) lub opowiadanie (mały spektakl). Wielu praktykujących nauczycieli podczas pracy nad materiałem muzycznym nie zwraca wystarczającej uwagi na rozwój procesów myślowych. Często po prostu pomija się analizę utworu muzycznego, kładąc nacisk na czyste wykonanie tekstu muzycznego. W rezultacie uczniowie mają słabo rozwinięte myślenie muzyczno-artystyczne, niezbędne do intelektualnego i intuicyjnego odbioru muzyki. Tymczasem kształtowanie się obrazu artystycznego opiera się na wszechstronnym rozumieniu dzieła, co jest niemożliwe w przypadku braku początku emocjonalnego i intelektualnego. Wnikliwa analiza artystyczna i teoretyczna badanego dzieła pobudza wzmożone zainteresowanie i aktywizuje emocjonalny stosunek do niego. Na tym etapie pierwotnie stworzony obraz artystyczny ulega rozwojowi, nabiera wyraźniejszych kolorów, staje się obszerny i żywy. „Metoda skojarzeń życiowych, a także skojarzeń z innymi dziełami sztuki, ale zawsze konkretnych, z pewnością dostępnych i zrozumiałych dla tych, którzy Cię słuchają, jest jedną z najskuteczniejszych”
Młodzi wykonawcy, którzy nie mają jeszcze wystarczającego doświadczenia w myśleniu abstrakcyjnym, łatwo kojarzą dzieła muzyczne z literaturą czy architekturą. Zgromadzone od klasy młodsze repertuar prace tematyczne takie jak „Kotek”, „Wesołe Gęsi”, „Hipopotam”, „Kogucik” itp., pozytywnie wpływają na rozwój twórcze myślenie. Rozwijać go i nie odsuwać na bok pod presją problemów technicznych, to zadanie nauczyciela. Dzieci przychodzą Szkoła Muzyczna studiować muzykę. Opanowanie instrumentu jest jedynie środkiem do osiągnięcia tego celu. Zatem nauka języka nie jest celem samym w sobie, ale środkiem komunikacji, rozwoju poznawczego i zapoznania się z kulturą ludzi. Nie będzie zbędne przypominanie, że nie każdy absolwent Dziecięcej Szkoły Muzycznej czy Dziecięcej Szkoły Plastycznej zostanie zawodowym muzykiem, ale wielu jest kompetentnymi koneserami prawdziwej sztuki.
Tak więc, widząc budynek muzyczny, dzieło jako całość, określając jego elementy, zarysowując ekspozycję, rozwój, kulminację, finał, rozkładając każdy element na frazy, rozumiemy, że największy, najpiękniejszy, majestatyczny budynek składa się z małych cegieł ( dosłownie - środki). A każda z tych cegieł jest piękna zarówno sama w sobie, jak i jako całość. Performerka rozróżnia poszczególne motywy-postacie, ich wzajemny rozwój, kontrast i podobieństwo obrazów. Zauważmy, że praca nad treścią artystyczną koniecznie odbywa się poprzez zrozumienie struktury, logiki planu tonalnego, harmonii, prowadzenia głosu, faktury badanego dzieła, tj. cały zespół środków artystycznych, wyrazowych i technicznych, którymi posługiwał się kompozytor. Co więcej, opracowanie obrazu obejmuje nie tylko analizę jego struktury, ale także identyfikację roli każdego elementu konstrukcja muzyczna w ujawnieniu idei i emocji zawartych w tym utworze, zgodnie z zamysłem kompozytora. Mając to na uwadze, mamy świadomość, że rozwijając myślenie artystyczne i figuratywne, nie powinniśmy w żadnym wypadku tracić z pola widzenia jego komponentu intelektualnego.
Dlatego po dokładnym przestudiowaniu pracy z punktu widzenia forma muzyczna, ponownie, cegła po cegle, składamy to w całość, w pełni rozumiejąc przeznaczenie każdego ceglanego pręta, każdej nuty-litery jednym słowem, ich rolę w całości konstrukcji prezentacja muzyczna. W tym przypadku praktycznie nie ma problemu z nauką na pamięć. Podobnie jak aktor w poszukiwaniu najbardziej wyrazistej intonacji, powtarzając setki razy tę samą frazę lub słowo, uczeń odgrywa każdy takt, interwał, a nawet jedną nutę (szczególnie w spektaklu charakter kantylenowy), nie zapamiętując tekstu, ale „przyzwyczajając się” do niego, rozwijając i doskonaląc swój wizerunek muzyczno-artystyczny.
W artykule nie zajmujemy się technologiczną stroną pracy nad tekstem utworu muzycznego – temu zagadnieniu poświęcono wiele literatury metodologicznej i metodologicznej. Interesuje nas emocjonalne i artystyczne rozumienie materiału muzycznego, które obejmuje:
1. ogólne wrażenie pierwszego odtworzenia utworu,
2. podzielenie go na części stanowiące sensowny, logicznie dopełniony element badanego eseju,
3. znaczące połączenie części, epizodów poprzez ustalenie podobieństw i różnic pod względem emocjonalnym i technicznym między nimi, porównanie języka tonalnego i harmonicznego, akompaniamentu, cech prowadzenia głosowego, faktury itp., a w rezultacie - połączenie różnych obrazów artystycznych, rozwój powiązań skojarzeniowych.
Oczywiście taka praca wymaga dużo czasu. Wielu nauczycieli w dążeniu do program, nie pozwalają sobie i uczniowi zagłębiać się w warstwę artystyczną dzieła muzycznego, opierają swoją pracę na ścisłym wykonaniu tekstu muzycznego, jego wielokrotnych, monotonnych powtórzeniach. W wyniku takiej pracy materiał muzyczny jest stopniowo przyswajany na pamięć i „wchodzi w palce”. I rzeczywiście całe obciążenie podczas takich czynności spada na pamięć motoryczną (pamięć palca). Zapamiętywanie ma charakter mechaniczny i nieświadomy. Wykonanie w ten sposób wyuczonego na pamięć utworu pozbawione jest sensu, uczniowie grają „tylko nuty”, nie rozumiejąc znaczenia muzyki. Być może młody muzyk wykonuje utwór w sposób zupełnie czysty, ale czy taka praca ma sens? O jakim myśleniu artystyczno-wyobrażeniowym, rozwoju intelektualnym możemy w tym przypadku mówić?
Tymczasem zadaniem edukacji we współczesnym okresie rozwoju społeczeństwa, charakteryzującego się takimi cechami jak globalna integracja, elastyczność, mobilność myślenia, dialogizm, tolerancja i bliska komunikacja na wszystkich poziomach, jest przygotowanie człowieka odpowiadającego tej nowej kulturze . We wstępie do Koncepcji Państwowego Standardu Kształcenia Ogólnego czytamy: „Życie w ciągle zmieniających się warunkach staje się nowymi normami, co wymaga umiejętności rozwiązywania ciągle pojawiających się nowych, niestandardowych problemów; życie w społeczeństwie wielokulturowym, które stawia zwiększone wymagania w zakresie interakcji komunikacyjnej i współpracy…” Praca ta wymaga rozwoju kreatywności, wyobraźni i twórczego podejścia do rozwiązywania problemów u młodych ludzi. Rozwój tych cech osobowości następuje między innymi poprzez trening. sztuka muzyczna. "Dziecko wiek szkolny najbardziej otwarci na rozwój emocjonalny, holistyczny, duchowy i moralny oraz edukację obywatelską. Jednocześnie braki w rozwoju i wychowaniu w tym okresie życia są trudne do nadrobienia w latach kolejnych.”
„Edukacja człowieka, kształtowanie cech duchowo rozwiniętej osobowości, miłość do ojczyzny, potrzeba tworzenia i doskonalenia to najważniejszy warunek pomyślny rozwój Rosja"
Podsumowując, warto pamiętać o powszechnej prawdzie – każde dziecko ma w sobie twórcze ziarno, które my, nauczyciele muzyki, jesteśmy zobowiązani rozwijać. Każde dziecko jest utalentowane, każde dziecko jest wszechświatem, a my, nauczyciele, jesteśmy za wszystkich odpowiedzialni mały człowiek który do nas przyszedł. Niech Twój uczeń nie zostanie zawodowym muzykiem, ale jeśli będzie rozwinięty twórczo i intelektualnie, pomyślnie socjalizowany, poszukiwany nowoczesne społeczeństwo obywatel - oznacza to, że jako nauczyciel osiągnąłeś główny cel w swojej pracy.
Bibliografia
1. Archazhnikova L.G. Zawód – nauczyciel muzyki: Książka. Dla nauczyciela. – M.: Edukacja, 1984. – 111 s.
2. Vetlugina N.A. Rozwój muzyczny dziecko. – M.: Edukacja, 1967. – 415 s.
3. Danilyuk A.Ya., Kondakov A.M. Koncepcja rozwoju duchowego i moralnego oraz wychowania osobowości obywatela Rosji: podręcznik. dodatek. – M.: Edukacja, – 2009. – 24 s.
4. Kapterev P.F. Nowa pedagogika rosyjska, jej główne pomysły, wskazówki i liczby. – Petersburg: Ziemia, 1914. – 211 s.
5. Kondakov A.M., Kuznetsov A.A. Koncepcja rządu federalnego standardy edukacyjne ogólne wykształcenie. – M.: Edukacja, 2008. – 39 s.
6. Niestyjew I.V. Naucz się słuchać muzyki. – wyd. 3. – M.: Muzyka, 1987. – 63 s.
7. Pankiewicz G.I. Sztuka muzyki. – M.: Wiedza, 1987. – 112 s.
8. Portugalov K.P. Poważna muzyka w szkole: podręcznik dla nauczycieli. – M.: Edukacja, 1980. – 144 s.
Lekcja otwarta - certyfikat dlapotwierdzenie przydatności na zajmowane stanowiskonauczyciel Daniil Ivanovich Shterts, specjalizujący się w akordeonie guzikowym, z uczniem klasy przygotowawczej Alexandrem Konorevem.
Lokalizacja:MBUDO „DSHI w Alejsku”
Data: ____________________
Typ lekcji: otwarta
Forma pracy: indywidualna
Temat lekcji: „Praca nad plastycznym obrazem dzieła w szkole podstawowej”
Cel lekcji: Nauczyć się ujawniać artystyczny obraz dzieł
Zadania:
- Edukacyjne – zdefiniuj pojęcie „artystycznego obrazu dzieła”, naucz się ujawniać intencję dzieła;
- Edukacyjne – kultywowanie kultury wykonania utworu;
- Rozwojowe – rozwijają umiejętność słuchania i rozumienia wykonywanego utworu, rozwijają wyobraźnię, myślenie, pamięć, poczucie rytmu;
- Oszczędność zdrowia - prawidłowa postawa, pozycja ramion, ciała, instalacja narzędzi.
Plan lekcji.
Struktura lekcji składa się z pięciu części:
Część 1 – organizacyjna;
Część 2 – praca nad nowym materiałem;
Część 3 – utrwalenie materiału przerobionego na lekcji;
Część 4 – podsumowanie lekcji;
Wyposażenie: akordeony 2 guzikowe, pulpit nutowy, stół, krzesła, literatura muzyczna, materiały dydaktyczne.
Lekcja prowadzona jest z uczniem klasy przygotowawczej Aleksandrem Konorevem.
Część 1 – Organizacyjna.
- Gra gamy C-dur obiema rękami jednocześnie, przy użyciu różnych uderzeń: legato, staccato , krótkie arpeggia, akordy tempa moderato;
- Analiza Praca domowa– ustny raport z wykonanej pracy, jakie zadania postawiono przed studentem, co udało się osiągnąć, co nie wyszło i dlaczego? Jakie trudności napotkałeś podczas wdrożenia?
- sprawdzenie pracy domowej - całościowe odtwarzanie utworów obiema rękami wraz z playlistą „Kamarinskaya”, playlistą „Czy pójdę, czy to rozwalę”, wraz z realizacją wcześniej przydzielonych zadań:
- Wymień miechy we wskazanych miejscach na łacie;
- Dokładnie spełniaj wymagania palcowania;
- Dokładnie utrzymuj wszystkie czasy trwania;
- Utrzymuj jednolite tempo działania;
- Osiągnij nieprzerwaną grę obiema rękami, dokładnie podążając za tekstem muzycznym.
Część 2 – praca nad ujawnieniem artystycznego obrazu dzieła.
Artystycznym obrazem dzieła muzycznego jest sama muzyka, żywa mowa muzyczna ze swoimi wzorami i składniki, zwane melodią, harmonią, polifonią, formą, treścią emocjonalną i poetycką.
Muzyka jest sztuką dźwięku, przemawia dźwiękami.
Ustalenie celu lekcji. Aby nauczyć się ujawniać intencję dzieła, tj. obraz artystyczny, trzeba zrozumieć, co to jest i w jaki sposób ujawnia się idea dzieła. Dlatego celem naszej lekcji jest wyprowadzenie pojęcia „obrazu artystycznego” i nauczenie się jego ujawniania.
Metody pracy nad sztuką „Kamarinskaya”.
Całkowite odtworzenie sztuki przez nauczyciela;
Analiza osiągnięć – odpowiedzi uczniów na pytania nauczyciela.
Nauczyciel: Jak myślisz, o czym jest ta praca?
Nauczyciel: Co pomogło ci zrozumieć, o czym jest ta praca? Jakimi środkami wyrazu muzycznego posługiwał się kompozytor? Jakie jest tempo tego utworu? Dynamika, uderzenia, charakter akompaniamentu? Na ile części można podzielić sztukę? Co zaprezentowaliśmy w pierwszej części, a co w drugiej? Jak ta zmiana jest zauważalna w muzyce? Spróbuj wyjaśnić, czym jest „obraz artystyczny”? Po omówieniu odpowiedzi na pytania należy przystąpić do pracy nad artystycznym wizerunkiem spektaklu rosyjskiej grupy pop-artowej „Kamarinskaja”.
Metody pracy.
- Szczegółowy pokaz gry na instrumencie przez nauczyciela – gra każdej partii osobno;
- Gra w zespole z nauczycielem;
- Praca nad frazowaniem, ustalenie kulminacji w każdej frazie, sposób gry – porównanie (porównanie gry nauczyciela i ucznia, analiza).
- Praca nad rytmem, zabawa z liczeniem na głos, wyklaskiwanie rytmu każdej części, praca nad trudnymi miejscami rytmicznymi;
- Praca nad uderzeniami - musi zostać osiągnięta w grze prawa ręka spójna, płynna gra, a w partii lewej ręki wyraźny akompaniament (gra każdą ręką osobno);
- Praca nad jednolitym tempem wykonawczym – praca z metronomem;
- Jeśli przy łączeniu pojawią się trudności, należy powrócić do pracy osobnymi rękami, doprecyzować tekst nutowy, palcowanie i wymianę miechów.
Prowadząc wychowanie fizyczne, podnieś ręce do góry, dobrze rozciągnij, rozluźnij ręce, „rzuć” w dół.
Metody pracy nad r.n.p. „Mam iść, czy dmucham” są podobne do metod pracy nad sztuką r.n.p. „Kamarynska”.
Część 3 – utrwalenie umiejętności zdobytych na lekcji.
Całościowe odgrywanie spektakli przez uczniów obiema rękami, wraz z dokładnym wykonaniem postawionego zadania – podczas zabawy ujawnienie artystycznego obrazu dzieła. Analiza własnego wykonania ze wskazaniem pozytywnych i negatywnych aspektów grania utworów.
Część 4 – podsumowanie lekcji.
Uczeń poradził sobie z postawionymi przed nim zadaniami: podczas gry starał się oddać artystyczny obraz utworów, nauczył się samodzielnie analizować własne wykonanie, znajdować błędy, trudności wykonawcze i szukać sposobów ich przezwyciężenia.
Uczeń zdawał sobie sprawę, że aby utwór brzmiał, nie wystarczy dokładnie zapamiętać tekst, trzeba dużo uwagi poświęcić pracy nad dynamiką, frazowaniem, rytmem, uderzeniami, tj. nad środkami wyrazu muzycznego. W przyszłości planuje się to zrobić niezależna praca ukazanie artystycznego obrazu dzieł.
Część 5 – formułowanie pracy domowej.
Utrwalenie umiejętności nabytych na lekcji – pełne odegranie scen na pamięć, z uwzględnieniem wszystkich uwag.
Metody te, stosowane w pracy nad ujawnieniem obrazu artystycznego na przykładzie prac wykonanych na zajęciach, można wykorzystać w pracy nad innymi pracami. Takie metody pracy pomagają studentom w przyszłości samodzielnie pracować nad wydobywaniem obrazu artystycznego w swoich pracach.
Praca domowa.
Kursy mistrzowskie na kole garncarskim Moskwa
