Przesłanie na temat kompozytorów zagranicznych XIX wieku. Lekcja MHC o arcydziełach sztuki muzycznej epoki romantyzmu

Tannhäuser: Cóż może być prostszego... „Massne?”, pyta Raisa Zacharowna (Ludmiła Gurczenko) do Wasyi Kuzyakin (Aleksander Michajłow)...)) Rodzaj zabawnej pani rozbijaczki z pozorem inteligencji, zarażonej modnymi pseudo- hobby naukowe przeplatane powierzchowną znajomością muzyki klasycznej... Wszystkiego po trochu...) Nasza współczesna...) Och, nie daj Boże taką dziewczynę...)) Którego "Massenet" musi używać do jakichś celów dodatkowa lekcja... Jako tło...) Z jego dwóch arcydzieł, które stały się prawdziwymi hitami... Żarty na bok...) Melodie francuskiego kompozytora są cudowne! A fakt, że wiele osób słyszy, świadczy o ich w pewnym stopniu... łatwej akceptacji przez słuch... Słyszałem to kiedyś i zapamiętałem... Mrucz do siebie nie rzadziej niż współczesna muzyka pop...) Co jest niewątpliwie lepiej... Do zobaczenia...

...........................................................................................................................................

Massenet stworzył melodyjne, umiejętnie skonstruowane dzieła, dostosowane do gustów współczesnego kompozytorowi słuchacza. Jego opery są bardzo korzystne dla wokalistów i wyróżniają się wyśmienitą instrumentacją...

Jules Emile Frédéric Massenet(Jules Massenet)

Francuski kompozytor Jules Massenet urodził się 12 maja 1842 r. W wieku dziewięciu lat wstąpił do Konserwatorium Paryskiego. W wieku 21 lat otrzymał Prix de Rome za kantatę „David Rizzio”, a w 1867 r. w Paryżu wystawiono pierwszą operę Masseneta „Wielka ciocia”.

Massenet stworzył melodyjne, umiejętnie skonstruowane dzieła, dostosowane do gustów współczesnego kompozytorowi słuchacza. Jego opery są bardzo korzystne dla wokalistów i wyróżniają się znakomitą instrumentacją. Dominuje w nich ariozo-deklamacyjny styl wokalny, którego Massenet był wielkim mistrzem. Centralne miejsce w operach kompozytora zajmują kobiece obrazy w którym zdawał się uogólniać cechy swoich współczesnych Francuzów, nie bez powodu Massenet został nazwany „poetą kobiecej duszy”.

Opera „Don Cesar de Basan”, a zwłaszcza „Król Lahore” odniosła ogromny sukces na scenie paryskiej. Dyrygenci tacy jak J. Padlou i E. Colonne włączają do swoich programów uwertury i suity Masseneta.

W 1873 roku wystawiono starożytny poemat Lecomte de Lisle „Eryny” na podstawie Ajschylosa. Do sukcesu dzieła w dużej mierze przyczyniła się muzyka Masseneta, na której znalazła się słynna „Elegia”. Jeszcze większym sukcesem odniosło się oratorium („Święty dramat”) Masseneta „Maria Magdalena”, wykonane w tym samym roku z Pauliną Viardot-Garcią w roli tytułowej.

Eksperci twierdzą, że po słynnym Gounodzie Massenet jest najpopularniejszym kompozytorem francuskiej opery lirycznej. Przez całe życie Massenet cieszył się we Francji wielkim autorytetem i szacunkiem. Prawykonania dzieł tego kompozytora były znaczącymi wydarzeniami muzycznymi.

Najsłynniejsze opery Masseneta to Manon na podstawie opowiadania Prevosta i Werther na podstawie powieści Goethego. Wśród innych oper Masseneta najbardziej godne uwagi są Herodiada na podstawie G. Flauberta, Thaïs na podstawie powieści A. France, Safona na podstawie sztuki A. Daudeta, Kobieta z Nawarry i Żonglerka Matki Bożej.

Pojęcie „kompozytora” pojawiło się po raz pierwszy w XVI wieku we Włoszech i od tego czasu jest używane w odniesieniu do osoby komponującej muzykę.

kompozytorzy XIX w

W XIX-wiecznym Wiedniu Szkoła Muzyczna sobie to wyobraziłem wybitny kompozytor jak Franz Peter Schubert. Kontynuował tradycje romantyzmu i wywarł wpływ na całe pokolenie kompozytorów. Schubert stworzył ponad 600 niemieckich romansów, przenosząc gatunek na nowy poziom.

Franza Piotra Schuberta

Inny Austriak, Johann Strauss, zasłynął ze swoich operetek i światła formy muzyczne charakter taneczny. To on uczynił walca najpopularniejszym tańcem w Wiedniu, gdzie do dziś odbywają się bale. Ponadto jego dziedzictwo obejmuje polki, kadryle, balety i operetki.

Johanna Straussa

Wybitnym przedstawicielem modernizmu w muzyce końca XIX wieku był Niemiec Ryszard Wagner. Jego opery do dziś nie straciły na aktualności i popularności.

Giuseppe Verdiego

Wagnerowi można przeciwstawić postać majestatyczną Włoski kompozytor Giuseppe Verdiego, który pozostał wierny tradycjom operowym i nadał włoskiej operze nowy oddech.

Piotr Iljicz Czajkowski

Wśród rosyjskich kompozytorów XIX wieku wyróżnia się imię Piotra Iljicza Czajkowskiego. Cechuje go niepowtarzalny styl, łączący europejskie tradycje symfoniczne z rosyjskim dziedzictwem Glinki.

Kompozytorzy XX wieku

Siergiej Wasiljewicz Rahmaninow

Siergiej Wasiljewicz Rachmaninow słusznie uważany jest za jednego z najwybitniejszych kompozytorów końca XIX i początku XX wieku. Jego styl muzyczny opierał się na tradycjach romantyzmu i istniał równolegle z ruchami awangardowymi. To właśnie za indywidualność i brak analogii jego twórczość została wysoko oceniona przez krytyków na całym świecie.

Igor Fedorowicz Strawiński

Drugim najbardziej znanym kompozytorem XX wieku jest Igor Fedorowicz Strawiński. Z pochodzenia Rosjanin, wyemigrował do Francji, a następnie do USA, gdzie z całą mocą pokazał swój talent. Strawiński to innowator, który nie boi się eksperymentować z rytmami i stylami. W jego twórczości widać wpływ tradycji rosyjskich, elementy różnych ruchów awangardowych i niepowtarzalny, indywidualny styl, za co nazywany jest „Picasso w muzyce”.

Światowa muzyka klasyczna jest nie do pomyślenia bez dzieł rosyjskich kompozytorów. Rosja, wspaniały kraj z utalentowanymi ludźmi i nie tylko dziedzictwo kulturowe, zawsze należała do czołowych lokomotyw światowego postępu i sztuki, w tym muzyki. Rosyjska szkoła kompozytorska, której kontynuacją tradycji były szkoły sowieckie i dzisiejsze szkoły rosyjskie, rozpoczęła się w XIX wieku od kompozytorów, którzy łączyli europejską sztukę muzyczną z rosyjskimi melodiami ludowymi, łącząc europejską formę i rosyjskiego ducha.

O każdej z tych sławnych osób można wiele powiedzieć; wszyscy mają trudności, a czasem nawet tragiczne losy, ale w tej recenzji staraliśmy się podać tylko krótki opisżycie i twórczość kompozytorów.

1.Michaił Iwanowicz GLINKA (1804—1857)

Michaił Iwanowicz Glinka jest twórcą rosyjskiej muzyki klasycznej i pierwszym rosyjskim kompozytorem klasycznym, który zdobył światową sławę. Jego twórczość opiera się na wielowiekowych tradycjach języka rosyjskiego muzyka ludowa, były nowym słowem w sztuce muzycznej naszego kraju.
Urodzony w województwie smoleńskim, kształcił się w Petersburgu. Kształtowanie się światopoglądu i głównej idei twórczości Michaiła Glinki ułatwiła bezpośrednia komunikacja z takimi osobistościami jak A.S. Puszkin, V.A. Żukowski, A.S. Gribojedow, A.A. Delvig. Twórczy impuls Uzupełnieniem jego twórczości były wieloletnie podróże do Europy na początku lat 30. XIX w. i spotkania z czołowymi kompozytorami tamtych czasów – V. Bellinim, G. Donizettim, F. Mendelssohnem, a później z G. Berliozem, J. Meyerbeerem. Sukces przyszedł do M.I. Glinki po wystawieniu opery „Iwan Susanin” („Życie dla cara”) (1836), która po raz pierwszy została entuzjastycznie przyjęta przez wszystkich w muzyce światowej, rosyjskiej sztuce chóralnej oraz europejskiej symfonii i operze praktyki połączyły się organicznie i pojawił się bohater taki jak Susanin, którego wizerunek łączy w sobie najlepsze cechy charakter narodowy. V.F. Odoevsky określił operę jako „nowy element w sztuce i rozpoczyna się nowy okres w jej historii – okres muzyki rosyjskiej”.
Drugą operą jest epicki „Rusłan i Ludmiła” (1842), utwór, który powstał na tle śmierci Puszkina i w trudnych warunkach życia kompozytora, ze względu na głęboko nowatorski charakter dzieła, został przyjęty dwuznacznie przez publiczność i władze i przyniosła M.I. Glince trudne doświadczenia. Potem dużo podróżował, mieszkając na przemian w Rosji i za granicą, nie przestając komponować. Jego dziedzictwo obejmuje romanse, dzieła symfoniczne i kameralne. W latach 90. oficjalnym hymnem Federacji Rosyjskiej była „Pieśń patriotyczna” Michaiła Glinki.

Cytat z M.I. Glinki: „Aby tworzyć piękno, sam musisz być czysty w duszy”.

Cytat o M.I. Glince: „Cała rosyjska szkoła symfoniczna, jak cały dąb w żołędziu, zawarta jest w fantazji symfonicznej „Kamarinskaya”. P.I. Czajkowski

Interesujący fakt: Michaił Iwanowicz Glinka nie cieszył się dobrym zdrowiem, mimo to był bardzo wyluzowany i bardzo dobrze znał geografię, może gdyby nie został kompozytorem, zostałby podróżnikiem. Znał sześć języki obce, w tym perski.

2. Aleksander Porfiriewicz BORODIN (1833—1887)

Aleksander Porfiriewicz Borodin, jeden z czołowych rosyjskich kompozytorów drugiej połowy XIX wieku, oprócz talentu kompozytorskiego, był chemikiem, lekarzem, nauczycielem, krytykiem i miał talent literacki.
Urodzony w Petersburgu, od dzieciństwa wszyscy wokół niego zauważali jego niezwykłą aktywność, pasję i zdolności na różnych polach, przede wszystkim w muzyce i chemii. A.P. Borodin jest rosyjskim samorodkiem kompozytora, nie miał profesjonalnych nauczycieli muzyków, wszystkie jego osiągnięcia muzyczne są dzięki niezależna praca na temat doskonalenia technik kompozytorskich. Na powstanie A.P. Borodina wpłynęła praca M.I. Glinki (jak zresztą wszyscy rosyjscy kompozytorzy XIX wieku), a impuls do intensywnych studiów kompozytorskich na początku lat 60. XIX wieku dały dwa wydarzenia - po pierwsze, jego znajomość i małżeństwo z utalentowaną pianistką E.S. Protopopową, a po drugie, spotkanie z M.A. Bałakirewa i dołączenie do twórczej społeczności rosyjskich kompozytorów, znanej jako „Potężna Garść”. Pod koniec lat 70. i 80. XIX wieku A.P. Borodin dużo podróżował i koncertował w Europie i Ameryce, spotykał się z czołowymi kompozytorami swoich czasów, jego sława rosła, stał się jednym z najbardziej znanych i popularnych rosyjskich kompozytorów w Europie pod koniec XIX wieku wiek.
Centralne miejsce w twórczości A.P. Borodina zajmuje opera „Książę Igor” (1869–1890), będąca przykładem narodowej bohaterska epopeja w muzyce, na którego ukończenie sam nie miał czasu (ukończyli go jego przyjaciele A.A. Głazunow i N.A. Rimski-Korsakow). W „Księciu Igorze” na tle majestatycznych obrazów wydarzenia historyczne, odzwierciedlone główny pomysł w całej twórczości kompozytora - odwaga, spokojna wielkość, duchowa szlachetność najlepszego narodu rosyjskiego i potężna siła całego narodu rosyjskiego, przejawiająca się w obronie ojczyzny. Pomimo tego, że A.P. Borodin pozostawił po sobie stosunkowo niewielką liczbę dzieł, jego twórczość jest bardzo różnorodna i uważany jest za jednego z ojców rosyjskiej muzyki symfonicznej, który wywarł wpływ na wiele pokoleń kompozytorów rosyjskich i zagranicznych.

Cytat o A.P. Borodinie: „Talent Borodina jest równie potężny i niesamowity w symfonii, operze i romansie. Jego głównymi cechami są gigantyczna siła i szerokość, kolosalny zasięg, szybkość i porywczość w połączeniu z niesamowitą pasją, delikatnością i pięknem”. V.V. Stasow

Ciekawostka: reakcja chemiczna soli srebra kwasów karboksylowych z halogenami, w wyniku której powstają chlorowcowane węglowodory, którą jako pierwszy badał w 1861 r., nosi imię Borodina.

3. Modest Pietrowicz MUSORGSKY (1839—1881)

Modest Pietrowicz Musorgski to jeden z najwybitniejszych rosyjskich kompozytorów XIX wieku, członek „Potężnej Garści”. Innowacyjne dzieło Musorgskiego znacznie wyprzedzało swoje czasy.
Urodzony w obwodzie pskowskim. Jak wielu utalentowanych ludzi, od dzieciństwa wykazywał zdolności muzyczne, studiował w Petersburgu, był, rodzinna tradycja, wojskowy. Decydującym wydarzeniem, które zdecydowało, że Musorgski urodził się nie dla służby wojskowej, ale dla muzyki, było spotkanie z M.A. Bałakirewem i przyłączenie się do „Potężnej Garści”. Musorgski jest wielki, ponieważ w swoich wspaniałych dziełach – operach „Borys Godunow” i „Khovanshchina” – uchwycił dramatyczne kamienie milowe w muzyce Historia Rosji z radykalną nowością, jakiej nie znała wcześniej muzyka rosyjska, pokazując w nich połączenie masowych scen ludowych i różnorodnego bogactwa typów, niepowtarzalny charakter narodu rosyjskiego. Opery te, w licznych wydaniach autora i innych kompozytorów, należą do najpopularniejszych oper rosyjskich na świecie. Kolejnym wybitnym dziełem Musorgskiego jest cykl utworów fortepianowych „Obrazy z wystawy”, barwnych i pomysłowych miniatur przesiąkniętych rosyjskim refrenem tematycznym i wiarą prawosławną.

W życiu Musorgskiego było wszystko - zarówno wielkość, jak i tragedia, ale zawsze wyróżniała go prawdziwa duchowa czystość i bezinteresowność. Jego ostatnie lata były trudne – niespokojne życie, brak uznania dla twórczości, samotność, uzależnienie od alkoholu, to wszystko zadecydowało o jego przedwczesnej śmierci w wieku 42 lat, pozostawił po sobie stosunkowo niewiele dzieł, z których część została ukończona przez innych kompozytorów. Specyficzna melodia i nowatorska harmonia Musorgskiego przewidywały pewne cechy rozwój muzyczny XX wieku i odegrał ważną rolę w kształtowaniu stylu wielu światowych kompozytorów.

Cytat z MP Musorgskiego: „Dźwięki mowy ludzkiej, jako zewnętrzne przejawy myśli i uczuć, muszą bez przesady i przemocy stać się muzyką prawdziwą, dokładną, ale artystyczną, wysoce artystyczną”.

Cytat o M.P. Musorgskim: „Oryginalne rosyjskie brzmienie we wszystkim, co stworzył Musorgski” N.K.Roerich

Ciekawostka: pod koniec życia Musorgski pod naciskiem swoich „przyjaciół” Stasowa i Rimskiego-Korsakowa zrzekł się praw autorskich do swoich dzieł i przekazał je Tercjuszowi Filippowowi

4. Piotr Iljicz Czajkowski (1840—1893)

Piotr Iljicz Czajkowski, być może największy rosyjski kompozytor XIX wieku, wyniósł rosyjską sztukę muzyczną na niespotykany wcześniej poziom. Jest jednym z najważniejszych kompozytorów światowej muzyki klasycznej.
Pochodzący z prowincji Wiatka, choć jego ojcowskie korzenie sięgają Ukrainy, Czajkowski wykazywał zdolności muzyczne od dzieciństwa, ale jego pierwsza edukacja i praca dotyczyła prawoznawstwa. Czajkowski był jednym z pierwszych rosyjskich kompozytorów „profesjonalnych”. Studiował teorię muzyki i kompozycję w nowym Konserwatorium w Petersburgu. Czajkowski był w przeciwieństwie do kompozytora „zachodniego”. postacie ludzi„Potężna Garść”, z którym utrzymywał dobre twórcze i przyjazne stosunki, ale w jego twórczości nie mniej przesiąknięty jest duchem rosyjskim, udało mu się w unikalny sposób połączyć zachodnie dziedzictwo symfoniczne Mozarta, Beethovena i Schumanna z rosyjskimi tradycjami odziedziczonymi od Michaiła Glinki; .
Kompozytor prowadził aktywny tryb życia – był nauczycielem, dyrygentem, krytykiem, osoba publiczna, pracował w dwóch stolicach, koncertował w Europie i Ameryce. Czajkowski był osobą dość niestabilną emocjonalnie; entuzjazm, przygnębienie, apatia, gorący temperament, gwałtowny gniew - wszystkie te nastroje zmieniały się w nim dość często, będąc osobą bardzo towarzyską, zawsze dążył do samotności.
Wybrać z twórczości Czajkowskiego coś najlepszego jest trudnym zadaniem, w niemal każdym z nich ma on kilka dzieł o jednakowej wielkości. gatunki muzyczne- opera, balet, symfonia, muzyka kameralna. Treść muzyki Czajkowskiego jest uniwersalna: z niepowtarzalną melodyką obejmuje obrazy życia i śmierci, miłości, natury, dzieciństwa, w nowy sposób odsłania dzieła literatury rosyjskiej i światowej, odzwierciedla głębokie procesy życia duchowego.

Cytat kompozytora:
„Jestem artystą, który może i powinien przynieść chwałę mojej Ojczyźnie. Czuję w sobie wielką siłę artystyczną, nie zrobiłem jeszcze nawet jednej dziesiątej tego, co mogę, a chcę to zrobić całą siłą duszy .”
„Życie ma piękno tylko wtedy, gdy składa się z naprzemiennych radości i smutków, walki dobra ze złem, światła i cienia, jednym słowem – różnorodności w jedności”.
„Wielki talent wymaga wielkiej, ciężkiej pracy”.

Cytat o kompozytorze: „Jestem gotowy dzień i noc stać jako warta honorowa na werandzie domu, w którym mieszka Piotr Iljicz – i dlatego go bardzo szanuję”. A. P. Czechow

Ciekawostka: Uniwersytet w Cambridge nadał Czajkowskiemu tytuł doktora muzyki zaocznie i bez obrony rozprawy doktorskiej, a paryska Akademia Sztuk Pięknych wybrała go na członka korespondenta.

5. Nikołaj Andriejewicz RIMSKY-KORSAKOV (1844—1908)

Nikołaj Andriejewicz Rimski-Korsakow to utalentowany rosyjski kompozytor, jedna z najważniejszych postaci w tworzeniu bezcennego rosyjskiego dziedzictwa muzycznego. Jego niepowtarzalny świat i uwielbienie odwiecznego, wszechogarniającego piękna wszechświata, podziw dla cudu istnienia, jedność z naturą nie mają odpowiednika w historii muzyki.
Urodzony w obwodzie nowogrodzkim, zgodnie z tradycją rodzinną został oficerem marynarki wojennej i podróżował na okręcie wojennym po wielu krajach Europy i obu Ameryk. Edukacja muzyczna pobierał najpierw od matki, następnie pobierał prywatne lekcje u pianisty F. Canille’a. I znowu, dzięki M.A. Bałakiriewowi, organizatorowi „Potężnej Garści”, który wprowadził Rimskiego-Korsakowa do społeczności muzycznej i wpłynął na jego twórczość, świat nie stracił utalentowanego kompozytora.
Centralne miejsce w spuściźnie Rimskiego-Korsakowa zajmują opery - 15 dzieł ukazujących różnorodność rozwiązań gatunkowych, stylistycznych, dramatycznych, kompozycyjnych kompozytora, posiadających jednak szczególny styl - z całym bogactwem elementu orkiestrowego, z których główne to melodyjne linie wokalne. Twórczość kompozytora wyróżniają dwa główne kierunki: pierwszy to historia Rosji, drugi to świat baśni i eposów, za co otrzymał przydomek „gawędziarz”.
Oprócz bezpośredniego niezależnego działalność twórcza N.A. Rimski-Korsakow znany jest jako publicysta, kompilator zbiorów pieśni ludowych, którymi wykazywał duże zainteresowanie, a także jako kompletator dzieł swoich przyjaciół - Dargomyżskiego, Musorgskiego i Borodina. Rimski-Korsakow był twórcą szkoły kompozytorskiej, jako nauczyciel i dyrektor Konserwatorium w Petersburgu wykształcił około dwustu kompozytorów, dyrygentów i muzykologów, m.in. Prokofiewa i Strawińskiego.

Cytat o kompozytorze: „Rimski-Korsakow był bardzo rosyjskim człowiekiem i bardzo rosyjskim kompozytorem. Uważam, że tę jego pierwotnie rosyjską istotę, jego głęboką ludowo-rosyjską bazę należy dziś szczególnie docenić”. Mścisław Rostropowicz

Twórczość kompozytorów rosyjskich końca XIX i pierwszej połowy XX wieku stanowi holistyczną kontynuację tradycji szkoły rosyjskiej. Jednocześnie nazwano koncepcję podejścia do „narodowej” przynależności tej czy innej muzyki; praktycznie nie ma bezpośredniego cytatu melodii ludowych, ale pozostaje rosyjska intonacja, rosyjska dusza.

6. Aleksander Nikołajewicz SKRYABIN (1872 - 1915)

Aleksander Nikołajewicz Skriabin to rosyjski kompozytor i pianista, jedna z najwybitniejszych osobistości rosyjskiej i światowej kultury muzycznej. Oryginalna i głęboko poetycka twórczość Skriabina wyróżniała się innowacyjnością nawet na tle narodzin wielu nowych nurtów w sztuce związanych ze zmianami w życiu publicznym przełomu XIX i XX wieku.
Urodzony w Moskwie, jego matka zmarła wcześnie, ojciec nie mógł zwrócić uwagi na syna, ponieważ był ambasadorem w Persji. Skriabin był wychowywany przez ciotkę i dziadka i od dzieciństwa wykazywał talent muzyczny. Początkowo studiowałem na korpus kadetów, pobierał prywatne lekcje gry na fortepianie, po ukończeniu korpusu wstąpił do Konserwatorium Moskiewskiego, jego kolegą z klasy był S.V. Po ukończeniu konserwatorium Skriabin całkowicie poświęcił się muzyce – jako pianista-kompozytor koncertował w Europie i Rosji, większość czasu spędzając za granicą.
Szczyt twórczości kompozytorskiej Skriabina przypadł na lata 1903-1908, kiedy to ukazała się III Symfonia („Boski poemat”), symfoniczny „Poemat ekstazy”, poematy fortepianowe „Tragiczne” i „szatańskie”, IV i V sonaty oraz inne dzieła. wydany. „Poemat ekstazy”, składający się z kilku obrazów tematycznych, skoncentrował twórcze pomysły Sryabina i jest jego genialnym arcydziełem. Harmonijnie łączy w sobie zamiłowanie kompozytora do potęgi wielkiej orkiestry i lirycznego, zwiewnego brzmienia instrumenty solowe. Kolosalna energia życiowa, ognista pasja i siła woli zawarte w „Poemacie ekstazy” robią na słuchaczu nieodparte wrażenie i Dzisiaj zachowuje siłę oddziaływania.
Kolejnym arcydziełem Skriabina jest „Prometeusz” („Poemat ognia”), w którym autor całkowicie zaktualizował swój język harmoniczny, odchodząc od tradycyjnego systemu tonalnego i po raz pierwszy w historii temu utworowi miała towarzyszyć muzyka kolorowa , ale premiera ze względów technicznych odbyła się bez efektów świetlnych.
Ostatnią niedokończoną „Tajemnicą” był plan Skriabina, marzyciela, romantyka, filozofa, aby przemówić do całej ludzkości i zainspirować ją do stworzenia nowego fantastycznego porządku świata, zjednoczenia Ducha Uniwersalnego z Materią.

Cytat A.N. Skriabina: „Powiem im (ludziom) – żeby… nie oczekiwali od życia niczego poza tym, co sami mogą stworzyć… Powiem im, że nie ma nic opłakiwać, żeby nie było straty. Aby nie bali się rozpaczy, która jako jedyna może dać początek prawdziwemu triumfowi. Silny i potężny jest ten, kto doświadczył rozpaczy i ją pokonał.

Cytat o A.N. Skriabinie: „Dzieło Skriabina było jego czasem wyrażonym w dźwiękach, ale kiedy to, co tymczasowe, przemijające, znajduje wyraz w kreatywności wspaniały artysta nabiera trwałego znaczenia i staje się trwały.” G. V. Plechanow

7. Siergiej Wasiljewicz Rahmaninow (1873 - 1943)

Siergiej Wasiljewicz Rachmaninow to największy na świecie kompozytor początku XX wieku, utalentowany pianista i dyrygent. Twórczy wizerunek kompozytora Rachmaninowa określany jest często mianem „najbardziej rosyjskiego kompozytora”, podkreślając w tym krótkim sformułowaniu jego zasługi w łączeniu tradycji muzycznych moskiewskiej i petersburskiej szkoły kompozytorskiej oraz w tworzeniu własnego, niepowtarzalnego stylu, który wyróżnia się w światowej kulturze muzycznej.
Urodzony w obwodzie nowogrodzkim, w wieku czterech lat rozpoczął naukę muzyki pod okiem matki. Studiował w Konserwatorium w Petersburgu, po 3 latach studiów przeniósł się do Konserwatorium Moskiewskiego i ukończył je z dużym złotym medalem. Szybko dał się poznać jako dyrygent i pianista oraz komponował muzykę. Katastrofalna premiera nowatorskiej I Symfonii (1897) w Petersburgu spowodowała kryzys twórczy kompozytora, z którego na początku XX w. wyłonił się Rachmaninow z ukształtowanym stylem, który jednoczył rosyjską pieśń kościelną, pozostawiając Europejski romantyzm, nowoczesny impresjonizm i neoklasycyzm - a wszystko to jest pełne złożonej symboliki. W tym okres twórczy rodzą się jego najlepsze dzieła, w tym II i III koncert fortepianowy, II Symfonia i jego większość ulubiony kawałek- wiersz „Dzwony” na chór, solistów i orkiestrę.
W 1917 r. Rachmaninow wraz z rodziną został zmuszony do opuszczenia naszego kraju i osiedlenia się w USA. Przez prawie dziesięć lat po odejściu nic nie komponował, ale intensywnie koncertował w Ameryce i Europie i został uznany za jednego z najwybitniejszych pianistów swojej epoki i głównego dyrygenta. Mimo całej swojej gorączkowej aktywności Rachmaninow pozostał osobą bezbronną i niepewną, dążącą do samotności, a nawet samotności, unikając irytującej uwagi opinii publicznej. Szczerze kochał i tęsknił za swoją ojczyzną, zastanawiając się, czy nie popełnił błędu opuszczając ją. Nieustannie interesował się wszystkimi wydarzeniami odbywającymi się w Rosji, czytał książki, gazety i czasopisma oraz pomagał finansowo. Efektem są jego ostatnie dzieła – III Symfonia (1937) i „Tańce symfoniczne” (1940). ścieżka twórcza, łącząc w sobie wszystko, co najlepsze w jego niepowtarzalnym stylu i żałobne poczucie nieodwracalnej straty i tęsknoty za ojczyzną.

Cytat S.V.
„Czuję się jak duch wędrujący samotnie po obcym mi świecie”.
"Najbardziej wysoka jakość Cała sztuka jest jej szczerością.”
„Wielcy kompozytorzy zawsze i przede wszystkim zwracali uwagę na melodię jako czołowy start w muzyce. Melodia to muzyka, główna podstawa wszelkiej muzyki... Pomysłowość melodyczna, w najwyższym tego słowa znaczeniu, jest główną cel życiowy kompozytor... Z tego powodu wielcy kompozytorzy przeszłości tak bardzo interesowali się melodiami ludowymi swoich krajów.

Cytat o S.V.
„Rachmaninow został stworzony ze stali i złota: stal jest w jego rękach, złoto jest w jego sercu. Nie mogę o nim myśleć bez łez. Nie tylko podziwiałem wielkiego artystę, ale pokochałem jego osobę”. I. Hoffmana
„Muzyką Rachmaninowa jest Ocean. Jego fale – muzyczne – zaczynają się tak daleko za horyzontem, unoszą cię tak wysoko i opuszczają tak powoli… że czujesz tę Moc i Oddech”. A. Konczałowski

Ciekawostka: podczas Wielkiego Wojna Ojczyźniana Rachmaninow dał kilka koncertów charytatywnych, z których dochód przekazał na Fundusz Armii Czerwonej na walkę z hitlerowskim okupantem.

8. Igor Fedorowicz STRAWIŃSKI (1882-1971)

Igor Fedorowicz Strawiński to jeden z najbardziej wpływowych światowych kompozytorów XX wieku, przywódca neoklasycyzmu. Strawiński stał się „lustrem” epoki muzycznej; w jego twórczości odbija się wielość stylów, nieustannie przenikających się i trudnych do sklasyfikowania. Swobodnie łączy gatunki, formy, style, wybierając je z wieków historia muzyki i według własnych zasad.
Urodzony pod Petersburgiem, studiował na Wydziale Prawa Uniwersytetu w Petersburgu, samodzielnie studiował dyscypliny muzyczne, pobierał prywatne lekcje u N. A. Rimskiego-Korsakowa, była to jedyna szkoła kompozytorska Strawińskiego, dzięki której do perfekcji opanował technikę kompozytorską. Zawodowo komponował stosunkowo późno, ale jego rozwój był szybki – seria trzech baletów: „Ognisty ptak” (1910), „Pietruszka” (1911) i „Święto wiosny” (1913) natychmiast wyniosła go w szeregi kompozytorów pierwszej wielkości.
W 1914 r. opuścił Rosję, jak się okazało, niemal na zawsze (w 1962 r. odbyły tournée po ZSRR). Strawiński jest kosmopolitą, zmuszony do zmiany kilku krajów – Rosji, Szwajcarii, Francji, aż ostatecznie zamieszkał w USA. Jego twórczość podzielona jest na trzy okresy - „rosyjski”, „neoklasyczny”, amerykański „produkcja masowa”, okresy nie są podzielone według czasu jego życia w różne kraje, ale według „pisma” autora.
Strawiński był osobą bardzo wykształconą, towarzyską, ze wspaniałym poczuciem humoru. Do jego grona znajomych i korespondentów należeli muzycy, poeci, artyści, naukowcy, biznesmeni i mężowie stanu.
Ostatnie najwyższe osiągnięcie Strawińskiego – „Requiem” (Hymny żałobne) (1966) wchłonęło i połączyło dotychczasowe doświadczenia artystyczne kompozytora, stając się prawdziwą apoteozą dzieła mistrza.
W twórczości Stawińskiego wyróżnia się jedna wyjątkowa cecha - „wyjątkowość”, nie bez powodu nazywano go „kompozytorem tysiąca i jednego stylu”, ciągła zmiana gatunku, stylu, kierunku fabuły - każde z jego dzieł jest wyjątkowe, jednak stale powracał do projektów, w których widać Pochodzenie rosyjskie, słychać rosyjskie korzenie.

Cytat I.F. Strawińskiego: „Całe życie mówię po rosyjsku, mam rosyjską sylabę Może nie jest to od razu widoczne w mojej muzyce, ale jest w nią wpisane, ma w sobie ukrytą naturę”.

Cytat o I.F. Strawińskim: „Strawiński jest prawdziwie rosyjskim kompozytorem... Duch rosyjski jest niezniszczalny w sercu tego naprawdę wielkiego, wieloaspektowego talentu, zrodzonego na ziemi rosyjskiej i ściśle z nią związanego…” D. Szostakowicz

Ciekawostka (bajka):
Będąc w Nowym Jorku, Strawiński wziął taksówkę i ze zdziwieniem przeczytał swoje nazwisko na znaku.
-Jesteś krewnym kompozytora? – zapytał kierowcę.
- Czy istnieje kompozytor o takim nazwisku? – zdziwił się kierowca. - Słyszę to po raz pierwszy. Jednak Strawiński to nazwisko właściciela taksówki. Nie mam nic wspólnego z muzyką - nazywam się Rossini...

9. Siergiej Siergiejewicz PROKOFIEW (1891—1953)

Siergiej Siergiejewicz Prokofiew to jeden z największych rosyjskich kompozytorów XX wieku, pianista i dyrygent.
Urodzony w obwodzie donieckim, z muzyką związał się od dzieciństwa. Prokofiewa można uznać za jednego z nielicznych (jeśli nie jedynych) rosyjskich „cudów muzycznych”, od 5 roku życia zajmował się komponowaniem, w wieku 9 lat napisał dwie opery (oczywiście dzieła te są jeszcze niedojrzałe, ale wykazują chęć tworzenia), w wieku 13 lat zdał egzaminy w Konserwatorium w Petersburgu, wśród jego nauczycieli był N.A. Rimski-Korsakow. Początek jego kariery zawodowej wywołał burzę krytyki i niezrozumienia jego indywidualnego, z gruntu antyromantycznego i skrajnie modernistycznego stylu. Paradoksem jest to, że burząc akademickie kanony, konstrukcja jego kompozycji pozostała wierna klasycznym zasadom, by z czasem stać się dziełem sztuki; powstrzymująca siła modernistycznego, zaprzeczającego wszystkiemu sceptycyzmu. Od samego początku swojej kariery Prokofiew dużo koncertował i koncertował. W 1918 odbył tournée międzynarodowe, m.in. odwiedził ZSRR, by w 1936 powrócić do ojczyzny.
Kraj się zmienił, a „wolna” twórczość Prokofiewa zmuszona była ustąpić realiom nowych żądań. Talent Prokofiewa rozkwitł z nową energią - pisał opery, balety, muzykę do filmów - muzyka ostra, silna, niezwykle precyzyjna, z nowymi obrazami i pomysłami, położyła podwaliny pod sowiecką muzykę klasyczną i operę. W 1948 r. niemal jednocześnie wydarzyły się trzy tragiczne wydarzenia: jego pierwsza żona, Hiszpanka, została aresztowana pod zarzutem szpiegostwa i zesłana do obozów; wydano uchwałę Biura Politycznego KC Ogólnozwiązkowej Komunistycznej Partii Bolszewików, w której zaatakowano Prokofiewa, Szostakowicza i innych i oskarżono ich o „formalizm” i szkodliwość ich muzyki; Nastąpiło gwałtowne pogorszenie stanu zdrowia kompozytora; udał się na emeryturę do swojej daczy i praktycznie jej nie opuścił, ale nadal komponował.
Do najbardziej uderzających dzieł okresu sowieckiego należały opery „Wojna i pokój” oraz „Opowieść o prawdziwym mężczyźnie”; balety „Romeo i Julia” oraz „Kopciuszek”, które stały się nowym standardem światowej muzyki baletowej; oratorium „Strażnik Pokoju”; muzyka do filmów „Aleksander Newski” i „Iwan Groźny”; symfonie nr 5,6,7; dzieła fortepianowe.
Twórczość Prokofiewa zadziwia wszechstronnością i bogactwem tematów, oryginalnością myślenie muzyczne, świeżość i oryginalność stanowiły całą epokę w światowej kulturze muzycznej XX wieku i wywarły potężny wpływ na wielu kompozytorów radzieckich i zagranicznych.

Cytat z S.S. Prokofiewa:
„Czy artysta może stać z boku życia?.. Trwam w przekonaniu, że kompozytor, podobnie jak poeta, rzeźbiarz, malarz, powołany jest do służenia człowiekowi i ludowi... On przede wszystkim ma obowiązek być obywatel w swojej sztuce, śpiewać życie człowieka i poprowadź człowieka do świetlanej przyszłości…”
„Jestem przejawem życia, które daje mi siłę przeciwstawić się wszystkiemu, co nieduchowe”

Cytat o S.S. Prokofiewie: „...wszystkie aspekty jego muzyki są piękne. Ale jeden jest całkowicie niezwykła rzecz. Podobno każdemu z nas zdarzają się jakieś niepowodzenia, wątpliwości, po prostu zły nastrój. I w takich momentach, nawet jeśli nie gram i nie słucham Prokofiewa, ale tylko o nim myślę, dostaję niesamowity ładunek energii, czuję ogromną chęć życia i działania.” E. Kissin

Ciekawostka: Prokofiew bardzo kochał szachy i wzbogacał grę swoimi pomysłami i osiągnięciami, w tym wymyśloną przez siebie „dziewięcioma” szachami – planszą 24x24, na której umieszczono dziewięć kompletów pionków.

10. Dmitrij Dmitriewicz Szostakowicz (1906 - 1975)

Dmitrij Dmitriewicz Szostakowicz to jeden z najważniejszych i najczęściej wykonywanych kompozytorów na świecie, jego wpływ na współczesny muzyka klasyczna niezmierzony. Jego dzieła są prawdziwym wyrazem wewnętrznego dramatu człowieka i kroniką trudnych wydarzeń XX wieku, gdzie to, co głęboko osobiste, splata się z tragedią człowieka i ludzkości, z losami jego ojczyzny.
Urodzony w Petersburgu, pierwszy lekcje muzyki otrzymany od matki, ukończył Konserwatorium w Petersburgu, po wejściu do którego jego rektor Aleksander Głazunow porównał go do Mozarta - zadziwił więc wszystkich doskonałą pamięcią muzyczną, bystrym słuchem i talentem kompozytorskim. Już na początku lat dwudziestych, pod koniec konserwatorium, Szostakowicz miał bagaż własnych dzieł i stał się jednym z najlepsi kompozytorzy Państwa. Światowa sława przyszła do Szostakowicza po zdobyciu 1 Międzynarodowy Konkurs Chopina w 1927 r.
Do pewnego okresu, czyli przed wystawieniem opery „Lady Makbet” Rejon Mtsensk”, Szostakowicz stworzył jako wolny artysta - „awangardę”, eksperymentującą ze stylami i gatunkami. Surowe rozbiórka tej opery, zorganizowana w 1936 r., i represje z 1937 r. zapoczątkowały późniejszą ciągłą wewnętrzną walkę Szostakowicza o pragnienie wyrażać swoje poglądy własnymi środkami w warunkach narzuconych przez państwo kierunków w sztuce. W jego życiu polityka i twórczość są ze sobą bardzo ściśle powiązane, był przez władze chwalony i prześladowany, był zajęty. wysokie stanowiska i został z nich usunięty, nagrodzony i groził mu areszt dla siebie i swoich bliskich.
Jako człowiek łagodny, inteligentny, delikatny, swoją formę wyrażania zasad twórczych odnalazł w symfoniach, w których mógł możliwie otwarcie mówić prawdę o czasie. Spośród całej rozległej twórczości Szostakowicza we wszystkich gatunkach centralne miejsce zajmują symfonie (15 dzieł); najbardziej dramatyczne są symfonie 5, 7, 8, 10, 15, które stały się szczytem radzieckiej muzyki symfonicznej. Zupełnie inny Szostakowicz objawia się w muzyce kameralnej.
Mimo że sam Szostakowicz był kompozytorem „domowym” i praktycznie nigdy nie podróżował za granicę, jego muzyka, w istocie humanistyczna i prawdziwie artystyczna w formie, szybko i szeroko rozprzestrzeniła się po całym świecie i była wykonywana przez najlepszych dyrygentów. Wielkość talentu Szostakowicza jest tak ogromna, że ​​pełne jego zrozumienie unikalne zjawisko sztuka światowa dopiero nadejdzie.

Cytat z D.D. Szostakowicza: „Prawdziwa muzyka zdolna jest wyrazić tylko ludzkie uczucia, tylko zaawansowane ludzkie idee”.

Rozwój twórczość muzyczna miało wiele wspólnego z procesami zachodzącymi w dziedzinie literatury i sztuk pięknych.

W latach 70-80 XIX wieku. najwięksi kompozytorzy w dalszym ciągu bezpośrednio i najbardziej bezpośrednio odzwierciedlali nurty poprzedniego okresu, jednak potem nasiliła się walka między nurtami i wraz z dalszym rozwojem nurtu realistycznego w kulturze muzycznej wielu krajów pojawiły się oznaki rozkładu i upadku krajów, osłabienie więzi z zaawansowanymi trendami społecznymi i odwrót w kierunku wyrafinowanych poszukiwań formalnych.

Muzyka operowa lat 70. i 80. zajmowała jedno z centralnych miejsc w zachodnioeuropejskiej sztuce muzycznej. W jego rozwoju ogromną rolę odegrał wielki niemiecki kompozytor Ryszard Wagner, twórca gatunku dramatu muzycznego.

W ostatnie lata swego życia (zmarł w 1883 r.) Wagner dokończył wersja ostateczna„Pierścienie Nibelungów” i napisał dramat muzyczny „Parsifal”.

W tym okresie zajął już stanowisko reakcyjno-nacjonalistyczne i odczuwalny był upadek jego twórczości. Ale dzieła Wagnera coraz bardziej podbijały scenę operową i sale koncertowe różnych krajów świata.

Pod koniec stulecia wpływ muzyki Wagnera rozprzestrzenił się na szeroki krąg kompozytorów, także tych, którzy nie podzielali jego ogólnego światopoglądu, ani nawet istotnych aspektów jego doktryny muzyczno-estetycznej, lecz starali się wykorzystać nowe środki wyrazu. odkrył ekspresję muzyczną.

Gwałtowna fascynacja „wagneryzmem” w przeciwieństwie do utrwalonej historycznie tradycji operowej wywołała niepokój wielu czołowych kompozytorów (m.in. Verdiego, Rimskiego-Korsakowa).

Nie mniejsze znaczenie dla muzyki operowej miała twórczość wybitnego włoskiego kompozytora Giuseppe Verdiego, który w swoich ostatnich dziełach (zwłaszcza w Otello) znalazł sposób na dalsze pogłębienie realizmu i wzbogacenie język muzyczny. Opera włoska z przełomu XIX i XX wieku. tylko częściowo przyjął tradycje Verdiego, ograniczając je i zawężając zarówno w sensie ideologicznym, społecznym, jak i w odniesieniu do warsztatu muzycznego i dramatycznego.

Typowymi przykładami dominującego wówczas stylu „werystycznego” były „Pagliacci” Ruggiero Leoncavallo i „Honor Rusticana” Pietro Mascagniego. Twórczość Giacomo Pucciniego, twórcy ostro dramatycznych oper Cyganeria, Tosca i Cio-Cio-San, która urzekała słuchacza pięknem i bogactwem melodii, wyróżniała się większą głębią i psychologią.

Kompozytorzy francuscy, podążając śladami Gounoda i Thomasa, z sukcesem pracowali na polu opery lirycznej. W latach 80. Leo Delibes stworzył operę Lakmé, a Jules Massenet stworzył opery Manon i Werther; Delibes wniósł ogromny wkład w rozwój muzyki baletowej („Coppelia”, „Sylvia”). Wybitny symfonista Camille Saint-Saëns pisał także opery (Samson i Dalila itp.).

Opera Bizeta Carmen, która nie odniosła sukcesu w swojej pierwszej inscenizacji, zyskała obecnie szerokie uznanie jako jedno z arcydzieł światowej opery i światowej muzyki realistycznej. W tych latach Bizet napisał jasno, zgodnie z prawdą i błyskotliwie muzykę do dramatu Daudeta „Arlesienne”.

Kompozytorzy francuscy wnieśli cenny wkład w rozwój muzyki symfonicznej i kameralnej. Po Berliozie symfonizm francuski znalazł wybitnych przedstawicieli w Cesarze Francku, a także w Saint-Saënsie.

Młodszy Saint-Saëns zyskał sławę przed Frankiem; powiedział, że Saint-Saëns za życia widział siebie w pozycji klasyka. trafnie charakteryzuje zasadnicze cechy twórczości Saint-Saënsa, przejawiające się w jego symfoniach, poematach symfonicznych i koncertach instrumentalnych: encyklopedyczna kultura muzyczna, klarowność, elegancka i zwięzła forma wyrazu; Cezar Frank, doceniony dopiero po jego śmierci, jeszcze silniej wpłynął na przebieg rozwoju muzycznego Francji.

W jego twórczości tradycje są organicznie łączone klasycyzm muzyczny( , ) o najlepszych cechach szkoły późnoromantycznej. Znalazło to odzwierciedlenie chociażby w jego utworach, pisanych w formach antycznych (cykl „Preludium, chorał i fuga”), a jednocześnie nasyconych całym bogactwem romantycznej harmonii. Najlepsze dzieła Franka sięgają lat 70. i 80. XIX wieku. To jedyna jego symfonia, będąca jedną z perełek symfonii francuskiej, a także szereg poematów symfonicznych, inspirujące zespoły kameralne, dzieła fortepianowe i organowe.

Na początku XX wieku. Wśród kompozytorów francuskich największą rolę zaczynają odgrywać Claude Debussy, który wyraźnie pojawił się już w latach 90. ubiegłego wieku, oraz Maurice Ravel. Debussy wyznaczył nowy kierunek w muzyce - impresjonizm.

Świat figuratywny i psychologiczny jego jedynej opery „Peléas et Mélisande” (według Maeterlincka), z jej czasami „chwiejnymi” i nieuchwytnymi nastrojami, jest w pewnym stopniu ograniczony, ale dzieła instrumentalne (orkiestrowe „Nokturny”, suita „Morze” , utwory fortepianowe itp.) zawierają w sobie wiele niepowtarzalnego piękna, malowniczości i subtelnej poezji.

Twórczość Ravela wykracza poza impresjonizm: on, bardziej niż którykolwiek z jego rówieśników, był kojarzony z tradycjami realistycznymi muzyka XIX c., zwłaszcza z muzyką rosyjską. Twórcze dziedzictwo kompozytora jest wieloaspektowe: dzieła na orkiestrę, Teatr Muzyczny(świetna partytura baletowa „Daphnis i Chloe” itp.), na instrumenty indywidualne (głównie na fortepian), zespoły instrumentalne, głosy.

Twórczość Ravela, przesiąknięta intonacjami i rytmami muzyki hiszpańskiej, zyskała dużą sławę. Posiadanie doskonałego opanowania wszystkich środków nowego sztuka muzyczna Ravel, mimo bliskości z ruchami modernistycznymi, nie ograniczał się do poszukiwań formalnych.

Muzykę Niemiec i Austrii cechuje także powszechny rozwój gatunków symfonicznych i kameralnych. Poczesne miejsce na tym obszarze zajmowała twórczość Johannesa Brahmsa. Brahms urodził się i rozpoczął karierę w Niemczech, a lata swojego największego rozwoju twórczego spędził w Austrii. W latach 70-80 stworzył cztery wspaniałe symfonie, koncerty instrumentalne i inne dzieła.

Tradycje, Schubert, Schumann, kochająca nauka i jasne zrozumienie Sztuka ludowa(zarówno niemiecki, węgierski, jak i słowiański) wywarł ogromny wpływ na jego muzykę, szlachetną i czystą, czasem powściągliwą, czasem namiętną i porywczą.

Austriacki kompozytor Anton Bruckner był zwolennikiem Wagnera, ale także wiele odziedziczył po romantycznym elemencie Schuberta. Jego dziewięć symfonii, imponujących skalą, choć nieco luźną w konstrukcji, odzwierciedlało poetycką naturę autora, głębokie wyczucie natury, wyjątkowy talent instrumentalny i dar melodyczny.

Wielkie idee symfoniczne wyróżniły utalentowanego austriackiego kompozytora i dyrygenta Gustava Mahlera. Jego twórczość przeniknięta jest cechami humanistycznymi: dążeniem do wielkich treści etycznych, potępianiem przemocy i niesprawiedliwości. Jednocześnie dążenie Mahlera do osiągnięcia dostępności muzyki symfonicznej i atrakcyjności epoki ludowe pochodzenie sprzecznie łączyły się ze złożonością myślenia muzycznego i przesadną ekspresją uczuć.

Wybitnym kompozytorem-symfonistą był genialny muzyk powagnerowskich Niemiec, mistrz orkiestracji Ryszard Strauss.

Do jego najlepszych dzieł należą poematy symfoniczne kontynuujące i rozwijające tradycje programowego symfonizmu Berlioza i Liszta: „Don Juan”, „Wesoła zabawa Tilla Eulenspiegela”, „Don Kichot”, „Życie bohatera”. W niektórych cechach swojej twórczości Richard Strauss jest bliski sztuka modernistyczna, co przejawia się w indywidualistycznym charakterze wielu jego dzieł – czasem swoiście buntowniczych, czasem satyrycznych – a także styl muzyczny na przykład w podejściu kompozytora do programowego charakteru muzyki, który czasami interpretował jako ilustracyjny.

Muzyka instrumentalna i wokalna (ale nie operowa) krajów Północna Europaświatowego znaczenia zyskała przede wszystkim dzięki działalności Griega i Sibeliusa. Wybitny norweski kompozytor Edvard Grieg, jeden z najsubtelniejszych poetów muzyki XIX-XX w., gloryfikował ludzi i przyrodę swojej ojczyzny, był autorem wielu dzieł symfonicznych, muzyki do dramatów norweskich pisarzy klasycznych (m.in. „Peer Gynt”) Ibsena, utwory na głos, fortepian, skrzypce i wiolonczelę.

Narodowy geniusz muzyki fińskiej, Jean Sibelius, pozostawił po sobie wielką spuściznę, w której wyróżnia się siedem symfonii i znany koncert skrzypcowy.

Muzyka nowej szkoły hiszpańskiej, na której czele stoi Filipe Pedrell, kompozytor, historyk muzyki i folklorysta, jest bogata. W tej szkole dorastali tacy mistrzowie jak Izaak Albeniz. Enrique Granados. Największe osiągnięcia szkoły hiszpańskiej kojarzone są z nazwiskiem Manuela de Falla, którego dzieła (pieśni, tańce, balety), bogate i pełne temperamentu, przesiąknięte głęboko ludowymi intonacjami, zdobyły autorowi popularność i uznanie daleko poza granicami rodzimego kraju. kraj.

Nowy szkoła narodowa muzyka rozwinęła się w koniec XIX V. w Anglii. Wielki wkład w angielskie „odrodzenie muzyczne” mają Edward Elgar i Ralph Vaughan Williams.

W Stanach Zjednoczonych z powodzeniem pracował utalentowany kompozytor i autor tekstów „amerykański Grieg” - Edward McDowell.

Najwięksi kompozytorzy wszech czasów na świecie: zestawienia chronologiczne i kolejność alfabetyczna, podręczniki i dzieła

100 wielkich kompozytorów świata

Lista kompozytorów w porządku chronologicznym

1. Josquin Despres (1450 –1521)
2. Giovanni Pierluigi da Palestrina (1525 –1594)
3. Claudio Monteverdi (1567 –1643)
4. Heinrich Schütz (1585 –1672)
5. Jean Baptiste Lully (1632 –1687)
6. Henryk Purcell (1658 –1695)
7. Arcangelo Corelli (1653 –1713)
8. Antonio Vivaldi (1678 –1741)
9. Jean Philippe Rameau (1683 –1764)
10. Jerzy Handel (1685 –1759)
11. Domenico Scarlatti (1685 –1757)
12. Jan Sebastian Bach (1685 –1750)
13. Christoph Willibald Gluck (1713 –1787)
14. Józef Haydn (1732 –1809)
15. Antonio Salieri (1750 –1825)
16. Dmitrij Stepanowicz Bortnyansky (1751 –1825)
17. Wolfgang Amadeusz Mozart (1756 –1791)
18. Ludwig Van Beethoven (1770 –1826)
19. Johann Nepomuk Hummel (1778 –1837)
20. Nicollo Paganini (1782 –1840)
21. Giacomo Meyerbeer (1791 –1864)
22. Carl Maria von Weber (1786 –1826)
23. Gioachino Rossini (1792 –1868)
24. Franciszek Schubert (1797 –1828)
25. Gaetano Donizetti (1797 –1848)
26. Vincenzo Bellini (1801 –1835)
27. Hektor Berlioz (1803 –1869)
28. Michaił Iwanowicz Glinka (1804 –1857)
29. Feliks Mendelssohn-Bartholdy (1809 –1847)
30. Fryderyk Chopin (1810 –1849)
31. Robert Schumann (1810 –1856)
32. Aleksander Siergiejewicz Dargomyżski (1813 –1869)
33. Franciszek Liszt (1811 –1886)
34. Ryszard Wagner (1813 –1883)
35. Giuseppe Verdi (1813 –1901)
36. Charles Gounod (1818 –1893)
37. Stanisław Moniuszko (1819 –1872)
38. Jacques Offenbach (1819 –1880)
39. Aleksander Nikołajewicz Sierow (1820 –1871)
40. Cesar Frank (1822 –1890)
41. Bedřich Smetana (1824 –1884)
42. Anton Bruckner (1824 –1896)
43. Johann Strauss (1825 –1899)
44. Anton Grigoriewicz Rubinstein (1829 –1894)
45. Johannes Brahms (1833 –1897)
46. ​​​​Aleksander Porfiriewicz Borodin (1833 –1887)
47. Camille Saint-Saens (1835 –1921)
48. Leo Delibes (1836 –1891)
49. Mili Aleksiejewicz Bałakiriew (1837 –1910)
50. Georges Bizet (1838 –1875)
51. Modest Pietrowicz Musorgski (1839 –1881)
52. Piotr Iljicz Czajkowski (1840 –1893)
53. Antonin Dvorak (1841 –1904)
54. Jules Massenet (1842 –1912)
55. Edvard Grieg (1843 –1907)
56. Nikołaj Andriejewicz Rimski-Korsakow (1844 –1908)
57. Gabriel Fauré (1845 –1924)
58. Leos Janaczek (1854 –1928)
59. Anatolij Konstantinowicz Lyadov (1855 –1914)
60. Siergiej Iwanowicz Tanejew (1856 –1915)
61. Ruggero Leoncavallo (1857 –1919)
62. Giacomo Puccini (1858 –1924)
63. Hugo Wilk (1860 –1903)
64. Gustav Mahler (1860 –1911)
65. Claude Debussy (1862 –1918)
66. Ryszard Strauss (1864 –1949)
67. Aleksander Tichonowicz Greczaninow (1864 –1956)
68. Aleksander Konstantinowicz Głazunow (1865 –1936)
69. Jean Sibelius (1865 –1957)
70. Franz Lehár (1870 –1945)
71. Aleksander Nikołajewicz Skriabin (1872 –1915)
72. Siergiej Wasiliewicz Rachmaninow (1873 –1943)
73. Arnold Schönberg (1874 –1951)
74. Maurice Ravel (1875 –1937)
75. Nikołaj Karłowicz Medtner (1880 –1951)
76. Bela Bartok (1881 –1945)
77. Nikołaj Jakowlewicz Myaskowski (1881 –1950)
78. Igor Fedorowicz Strawiński (1882 –1971)
79. Anton Webern (1883 –1945)
80. Imre Kalman (1882 –1953)
81. Alban Berg (1885 –1935)
82. Siergiej Siergiejewicz Prokofiew (1891 –1953)
83. Arthur Honegger (1892 –1955)
84. Darius Milhaud (1892 –1974)
85. Carl Orff (1895 –1982)
86. Paweł Hindemith (1895 –1963)
87. George Gershwin (1898 –1937)
88. Izaak Osipowicz Dunajewski (1900 –1955)
89. Aram Iljicz Chaczaturian (1903 –1978)
90. Dmitrij Dmitriewicz Szostakowicz (1906 –1975)
91. Tichon Nikołajewicz Chrennikow (ur. 1913)
92. Benjamin Britten (1913 –1976)
93. Gieorgij Wasiljewicz Swirydow (1915 –1998)
94. Leonard Bernstein (1918 –1990)
95. Rodion Konstantinowicz Szczedrin (ur. 1932)
96. Krzysztof Penderecki (ur. 1933)
97. Alfred Garievich Schnittke (1934 –1998)
98. Bob Dylan (ur. 1941)
99. John Lennon (1940–1980) i Paul McCartney (ur. 1942)
100. Żądło (ur. 1951)

ARCYDZIEŁA MUZYKI KLASYCZNEJ

Najsłynniejsi kompozytorzy świata

Lista kompozytorów w kolejności alfabetycznej