Pre rozvoj sa ukázalo až prekvapivo priaznivé 17. storočie umeleckej kultúry. Stalo sa nielen storočím vedy, ale aj storočím umenia. Pravda, berúc do úvahy skutočnosť, že rozkvet vedy sa ešte len začal, zatiaľ čo umenie už dosiahlo svoj vrchol. Napriek tomu je obloha nad ním stále jasná a bez mráčika. Jeho prestíž v spoločnosti je nezvyčajne vysoká. Počtom veľkých umelcov 17. storočia zrejme prevyšuje všetkých, vrátane renesancie. Navyše, ak počas renesancie nemá Taliansko v oblasti umenia páru, tak v 17. stor. umenie zažíva vzostup vo všetkých európskych krajinách a Francúzsko sa teraz javí ako vhodnejšie.

Podobne ako iné oblasti kultúry, aj umenie zažilo efekty diferenciácie. Jeho izolácia sa stáva čoraz výraznejšou a zreteľnejšou. Dokonca aj spojenie s náboženstvom je citeľne oslabené. Vďaka tomu sa náboženské a mytologické predmety zbavujú nadmerného pátosu a sú naplnené hlbokou vitalitou a prirodzenosťou.

Ďalším dôsledkom diferenciácie je, že medzi umelcami miznú univerzálne osobnosti charakteristické pre éru. bol nielen skvelým umelcom, ale aj veľkým vedcom, mysliteľom a vynálezcom. Aj keď v menšej miere, to isté možno povedať o L. Albertim, F. Brunelleschi. Piero della Francesche, F. Rabelais a ďalší sú teraz také veľké postavy vzácne. V umení zároveň narastá subjektívny princíp. Prejavuje sa to v čoraz väčšom počte bystrých jedincov, vo väčšej tvorivej slobode a odvahe a v širšom pohľade na vec.

V rámci umenia tiež prebieha proces diferenciácie, existujúce žánre sa menia a vznikajú nové. IN maľovanie Krajina a portrét sa stávajú úplne samostatnými žánrami, v ktorých sa umocňuje psychologizmus. Objavujú sa zátišia a obrázky zvierat. Zvyšuje sa význam originálnych kompozičných riešení, farieb, malebnosti a chuti.

IN hudba rodí sa opera. Tvorcom tohto žánru je taliansky skladateľC. Monteverdi (1567-1643), napísal operu „Orfeus“, ktorá bola uvedená v r 1607 a stal sa skutočným majstrovským dielom operného umenia. Hudba v ňom po prvý raz nielen dopĺňa poéziu, ale je hlavnou herec, vyjadrujúci zmysel všetkého, čo sa deje na javisku. Okrem opery sa v hudbe objavujú aj kantáty a oratóriá.

Hlavné štýly v umení 17. storočia. Objavuje sa barok a klasicizmus. Niektorí historici umenia sa domnievajú, že v tom istom čase sa realizmus objavil ako špeciálny štýl v umení, ale tento názor je sporný, hoci sa uznáva existencia realistickej tendencie.

barokový

barokový sa objavuje koncom 16. storočia. v Taliansku. Samotné slovo „barokový“ znamená „čudný“, „bizarný“. Barokový štýl sa vyznačuje dynamickými obrazmi, napätím, jasom, eleganciou, kontrastom, túžbou po vznešenosti, pompéznosti a pompéznosti, syntézou umenia, kombináciou reality a ilúzie, zvýšenou emocionalitou a zmyselnosťou. Barok bol štýlom aristokratickej elity odchádzajúcej feudálnej spoločnosti, štýl katolíckej kultúry.

Významným predstaviteľom talianskeho baroka je rímsky architekt, sochár a maliar L. Bernini (1598-1680). Jeho tvorba stelesňovala všetky najcharakteristickejšie črty štýlu – silné aj slabé. Mnohé z jeho diel boli sústredené v hlavnej pamiatke katolíckeho Ríma – Katedrále sv. Petra. Pod jeho kupolou, ktorú postavil veľký Michelangelo, sa týči grandiózna monumentálna a dekoratívna stavba - tridsaťmetrový baldachýn a v oltári - rovnako majestátna mramorová kazateľnica Petra, zdobená zlatom a postavami zobrazujúcimi anjelov a amorov, cirkevných otcov a svätých.

Ešte veľkolepejším výtvorom Berniniho bola grandiózna kolonáda, pozostávajúca z 284 stĺpov, umiestnených v štyroch radoch a rámujúcich obrovské námestie pred Katedrálou sv. Petra. Za najvýznamnejšie Berniniho sochárske diela sa považujú „Apollo a Daphne“ a „Extáza sv. Tereza."

Najznámejšou postavou európskeho baroka je flámsky umelec P. Rubens (1577-1640). Právom ho možno nazvať univerzálnou osobnosťou, ktorá nie je v rozsahu nižšia ako titáni renesancie. Mal blízko k humanistom a obľuboval klasiku antiky – Plutarcha. Seneca, Horatius, vedel šesť jazykov vrátane latinčiny. Rubens nebol vedec ani vynálezca, ale rozumel problémom astronómie a archeológie, prejavil záujem o hodiny bez mechanizmu, o myšlienku večného pohybu, sledoval nový vývoj vo filozofii, veľa rozumel politike a aktívne sa podieľal na to. Najviac zo všetkého miloval samotný ľudský život.

Rubens stelesnil svoju oddanosť humanizmu vo svojej práci. Stal sa veľkým básnikom života plného šťastia, rozkoše a lyriky. Zostáva neprekonateľným spevákom ľudského - mužského a najmä ženského mäsa, zmyselnej krásy ľudského tela. Len Rubens mohol s takou odvahou a láskou sprostredkovať krásu samotného mäsa, jeho jemné teplo, mäkkú poddajnosť. Podarilo sa mu ukázať, že telo môže byť krásne aj bez krásnej podoby.

Jednou z ústredných tém jeho tvorby je žena, láska a dieťa ako prirodzené a krásne ovocie lásky. Túto stránku jeho práce možno vidieť a cítiť vo filmoch ako „Venuša a Adonis“. "Juno a Argus", "Perseus a Andromeda", "Bathsheba".

Počas pobytu v Taliansku navštevoval Rubens dobrú umeleckú školu. Jeho flámsky temperament však veľkým Talianom nevzal všetko. Je známe, že talianski majstri preferovali rovnováhu, pokoj a harmóniu, čo im umožnilo vytvárať večnú krásu. Rubens toto všetko porušuje v prospech pohybu. Ľudské postavy, ktoré zobrazuje, často pripomínajú stlačenú pružinu, pripravenú okamžite sa rozvinúť. V tomto smere má najbližšie k Michelangelovi, ktorého sú sochy plné vnútorné napätie a pohyb. Jeho diela sú tiež plné energickej dynamiky. Ide najmä o obrazy „Bitka o Amazonky“, „Únos dcér Leucippus“, „Lov na levy“, „Lov na kanca“.

V Rubensových dielach prevláda farebnosť a malebnosť nad kresbou. Tu mu slúži Tizian ako príklad. Rubens nemá rád príliš jasné kontúry. Zdá sa, že oddeľuje hmotu od formy, robí ju slobodnou, živou a telesnou. Čo sa týka farieb, umelec preferuje svetlé, čisté a sýte tóny, naplnené zdravou vitalitou. Nesnaží sa ani tak o ich harmóniu, ako skôr o orchestráciu, o vytvorenie farebnej symfónie. Rubens je právom nazývaný veľkým skladateľom farieb.

klasicizmus

Vlasť klasicizmu sa stalo Francúzsko. Ak baroko dáva prednosť pocitom, potom klasicizmus spočíva na rozume. Najvyššou normou a ideálnym príkladom je pre neho antické umenie. Jeho hlavnými princípmi sú prehľadnosť, usporiadanosť, logická konzistentnosť, harmónia a súlad.

Podľa klasicizmu má byť predmet umenia vznešený a krásny, hrdinský a vznešený. Umenie má vyjadrovať vysoké morálne ideály, oslavovať krásu a duchovné bohatstvo človeka, oslavovať triumf vedomej povinnosti nad citovým prvkom. Umenie nehodnotí len vkus, ale aj rozum.

Klasicizmus zdieľa základné princípy racionalizmu a predovšetkým ideu racionálnej štruktúry sveta. V chápaní vzťahu medzi človekom a prírodou sa však od neho odlišuje, pokračuje v línii renesančného humanizmu a verí, že tieto vzťahy treba budovať na princípoch súhlasu a harmónie, a nie nadvlády a podriadenosti. Platí to najmä pre umenie, ktorého jednou z úloh je ospevovať harmóniu človeka s krásnou prírodou.

Zakladateľ a hlavná postava klasicizmu v r maľovanie je francúzsky umelec N. Poussin (1594-1665). Vo svojej tvorbe sa úplne opiera o racionalizmus R. Descartesa, pričom verí, že senzácia je vždy čiastočná a jednostranná a jedine rozum dokáže poňať tému komplexne a v celej jej zložitosti. Všetko preto musí posudzovať rozum.

Poussin strávil takmer celý svoj život v Taliansku, ale to mu nebránilo stať sa skutočne francúzskym umelcom, ktorý vytvoril jeden z pohybov očí v umení, ktorý existuje dodnes. Z talianskych majstrov mal naňho najväčší vplyv Raphael. ktorých diela sú ideálnymi príkladmi úplnej dokonalosti, ako aj Tizian, od ktorého si všetci ďalší umelci berú lekcie čistej malebnosti.

Hoci Poussin dáva prednosť rozumu, jeho umenie nemožno nazvať suchým, chladným a racionálnym. Sám poznamenáva, že účelom umenia je potešenie, že všetko úsilie umelca je zamerané na poskytnutie estetického potešenia divákovi. Jeho diela už obsahujú dva hlavné prvky umenia, keď sa stáva úplne samostatným a sebestačným fenoménom.

Jedna z nich je spojená s plasticitou, vytvorenou čisto umeleckými, obrazovými prostriedkami, kombináciou línií a farieb, ktorá predstavuje zdroj zvláštneho, estetického potešenia. Druhá je spojená s výrazom, expresivitou, pomocou ktorej umelec pôsobí na diváka a vyvoláva v ňom stav mysle, ktorý sám prežíval.

Prítomnosť týchto dvoch princípov umožňuje Poussinovi spojiť intelekt a cit. Prvenstvo rozumu sa spája s jeho láskou k telu a zmyselnosti. Svedčia o tom jeho obrazy „Venuša a Adonis“, „Spiaca Venuša“, „Bacchanalia“ a ďalšie, kde vidíme človeka dokonalého na tele i na duchu.

V počiatočnom období Poussinovej tvorivosti prevládali plátna na historické a nábožensko-mytologické námety. Takéto diela ako „Znásilnenie Sabiniek“, „Zachytenie

Jeruzalem“, „arkádski pastieri“. Vtedy prichádza na rad téma harmónie medzi človekom a prírodou. Je zastúpená v obrazoch „Triumf flóry“, „Krajina s Polyfémom“, „Krajina s Orfeom a Eurydikou“ atď. Príroda nie je len miestom pobytu človeka. Vzniká medzi nimi hlboká zmyslová zhoda, určité spoločenstvo duší tvoria jeden celok. Poussin vytvoril skutočné symfónie človeka a prírody.

IN posledné roky Vo svojom živote umelec venuje všetku svoju pozornosť chváleniu prírody. Vytvára sériu poézie „Ročné obdobia“.

Klasicizmus v architektúre našiel svoje ideálne stelesnenie vo Versaillskom paláci, postavenom z vôle francúzskeho kráľa Ľudovíta XIV. Tento grandiózny súbor zahŕňa tri majestátne paláce a obrovský park s bazénmi, fontánami a sochami. Súbor sa vyznačuje prísnym usporiadaním, geometrickými parkovými alejami, majestátnymi sochami, strihanými stromami a kríkmi.

Realizmus

Realistický trend v umení 17. storočia. zastupuje predovšetkým holandský umelec Rembrandt(1606-1669). Počiatky tohto smeru sú v tvorbe talianskeho maliara Caravaggia (1573-1610), ktorý mal veľký vplyv na mnohých umelcov.

Rembrandtovo umenie v niektorých smeroch zaujíma strednú pozíciu medzi barokom a klasicizmom. V jeho dielach možno nájsť črty týchto dvoch štýlov, no bez extrémov, ktoré sú vlastné každému z nich. Najmä jeho slávna „Danae“ pôsobí veľmi zmyselne a telesne, no nie v takej miere, ako by to predviedol Rubens. Rovnako je to aj s klasicizmom. Niektoré jeho črty sú prítomné v Rembrandtových dielach, ale nie je v nich čistá, idealizovaná krása, nie je tam nič majestátne alebo hrdinské. žiadny pátos atď. V nich sa všetko zdá byť bližšie k zemi, všetko je oveľa jednoduchšie, prirodzenejšie, pravdivejšie, živšie.

Hlavná originalita Rembrandtovho umenia je však inde. Spočíva v tom, že vďaka nemu v Európske maliarstvo objavil sa nový smer - psychológia. Rembrandt bol prvý, kto vážne odpovedal na slávnu Sokratovu výzvu: „poznaj sám seba“. Obrátil svoj pohľad dovnútra a zjavil sa mu obrovský a neznámy vnútorný svet, úmerný nekonečnému Vesmíru. Predmetom jeho umenia je nevyčerpateľné bohatstvo ľudského duchovného života.

Zdá sa, že Rembrandt sa pozerá a počúva nekonečné trblietanie psychické stavy, nevyčerpateľné prejavy individuálneho ľudského charakteru. Odtiaľ pochádza množstvo nielen portrétov, ale aj autoportrétov, na ktorých sa zobrazuje v rôznych obdobiach svojho života – v mladosti a starobe, v rôznych stavoch – plný vitality i po chorobe. V jeho dielach sa portrétovanie stáva nielen samostatným žánrom, ale dosahuje aj nebývalé výšky. Celá jeho tvorba sa dá nazvať umením portrét.

Tento obrat sa do značnej miery vysvetľuje tým, že Rembrandt – na rozdiel od katolíkov Rubensa a Poussina – bol protestant. Pred príchodom protestantizmu sa človek vedome nesnažil oddeliť sa od ostatných. Naopak, nemyslel na seba mimo kolektívneho spoločenstva. V antike bola takáto komunita podporovaná politickými a morálnymi normami. Kresťanstvo v stredoveku upevňovalo svoje predchádzajúce základy spoločenstvom viery.

Protestantizmus porušil túto tradíciu a kládol hlavnú zodpovednosť za osud človeka na seba. Teraz sa otázka spasenia stala predovšetkým osobnou záležitosťou každého jednotlivca. Vo vedomí západného človeka nastal hlboký posun a Rembrandt bol prvý, kto hlboko pocítil prebiehajúce zmeny a vyjadril ich vo svojom umení.

O tom, že venujete veľkú pozornosť svojim tajomstvám vnútorný život, mnohé diela z raného obdobia Rembrandtovej tvorby a predovšetkým jeho autoportréty hovoria o hľadaní vlastnej osobnej pravdy. Svedčia o tom aj jeho maľby ako „Apoštol Pavol vo väzení“, „Kristus v Emauzách“ atď., kde sa do popredia dostávajú psychologické zážitky a úvahy o zmysle života a existencie. V zrelom období a najmä po sláv "Nočná hliadka" tieto trendy sú ešte silnejšie. Obzvlášť živo sa objavujú v obrazoch „Portrét starého muža v červenom“ a „Portrét starej dámy“. Obraz „The Syndics“ sa stáva vrcholom umenia skupinového portrétovania.

V poslednom období svojej tvorby sa Rembrandt stále viac ponáral do hlbín ľudského vedomia. Napáda úplne nový problém európskeho umenia – problém ľudskej osamelosti. Príkladom toho sú jeho obrazy „Filozof“ a „Návrat márnotratného syna“.

Rozdiely medzi barokom a klasicizmom.

V ére klasicizmu, ktorá nasledovala po barokovom období, sa úloha polyfónnej polyfónie znížila a dostala sa do popredia homofónna polyfónia
( z gréčtiny "homos" - "jeden" a "fone" - "zvuk", "hlas")

Na rozdiel od polyfónia, kde sú si všetky hlasy rovné, v homofónna polyfónia vyčnieva jeden, predvádzanie Hlavná téma a zvyšok zohráva úlohu sprevádzanie(sprievod). Sprievodom býva sústava akordov (harmónií). Odtiaľ pochádza názov nového spôsobu skladania hudby – homofónno-harmonické.

V hudbe je menej ornamentov a dekorácií. Diela sa stali harmonickejšie, jasnejšie v štruktúre, najmä tie, ktoré sú napísané sonátovú formu.

V ére barokový v hudobnom diele sa každá časť sústredila na výraz a odhalenie jeden, jasne nakreslený pocity,čo sa rozhodlo pomocou prezentácie jedna téma, ktorá sa zmenila (rôzne) počas celého obdobia a počas éry klasicizmu v jednej časti diela bolo odhalené veľa emócií, ktoré boli vyjadrené prezentáciou a vývojom dve alebo viac témy rôzneho obrazového obsahu.

Hudba raného baroka (1600 – 1654)

Vývoj talianskej opery od talianskeho skladateľa možno považovať za konvenčný prechod medzi obdobím renesancie a baroka Claudio Monteverdi (1567-1643).

Skladateľ sa narodil v talianskom meste Cremona v rodine lekára. Monteverdi sa v mladosti vyvinul ako hudobník. Písal a predvádzal madrigaly; hral na organ, violu a iné nástroje. Monteverdi študoval komponovanie hudby od známych skladateľov tej doby. V roku 1590 bol ako spevák a hudobník pozvaný do Mantovy na dvor vojvodu Vincenza Gonzagu; neskôr viedol dvornú kaplnku. V roku 1612 opustil Monteverdi svoje služby v Mantove a od roku 1613 sa usadil v Benátkach. Najmä vďaka Monteverdimu sa v Benátkach v roku 1637 otvorila prvá verejná opera na svete. Tam skladateľ viedol kaplnku katedrály San Marco. Pred svojou smrťou prijal Claudio Monteverdi sväté príkazy.

Po štúdiu operného diela renesančných skladateľov Periho a Cacciniho vytvoril Monteverdi svoje vlastné operné diela. Už v prvých operách - "Orfeus" (1607) a "Ariadne" (1608) - sa skladateľovi podarilo sprostredkovať hlboké a vášnivé pocity prostredníctvom hudobných prostriedkov a vytvoriť intenzívnu dramatickú akciu. Monteverdi je autorom mnohých opier, ale zachovali sa len tri – Orfeus, Návrat Odyssea do vlasti (1640; podľa starogréckej epickej básne Odysea) a Korunovácia Poppey (1642).

Monteverdiho opery harmonicky spájajú hudbu a text. Opery sú založené na monológ – recitatív (z talianskeho recitare – „recitovať“), v ktorom recitoval každé slovo a hudba flexibilne a jemne sprostredkúva odtiene nálady. Monológy, dialógy a zborové epizódy plynulo prechádzajú do seba, akcia sa vyvíja pomaly (v Monteverdiho operách sú tri-štyri dejstvá), ale dynamicky. Skladateľ prisúdil orchestru dôležitú úlohu. Napríklad v Orfeovi použil takmer každý vtedy známy nástroj. Orchestrálna hudba nielenže sprevádza spev, ale sama vypovedá o dianí na javisku a zážitkoch postáv. Prvýkrát sa objavil v "Orpheus" predohra(francúzska ouvertúra alebo latinsky apertura - "otvorenie", "začiatok")- inštrumentálny úvod k hlavnému hudobnému dielu. Opery Claudia Monteverdiho mali významný vplyv na benátskych skladateľov a položili základy benátskej opernej školy .

Monteverdi napísal nielen opery, ale aj sakrálnej hudby, náboženský A svetské madrigaly. Stal sa prvým skladateľom, ktorý nestaval do kontrastu polyfónne a homofónne postupy – zborové epizódy jeho opier obsahujú polyfonické postupy.
V Monteverdiho tvorbe sa spájalo nové so starým – tradície renesancie.

Do začiatku 18. stor. sa vyvinula operná škola v Neapole. Zvláštnosťou tejto školy je zvýšená pozornosť spevu a dominantná úloha hudby. Práve v Neapole vznikol Vokálny štýl Bel Canto(Talianske bel canto - „krásny spev“). Bel Canto je známe svojou mimoriadnou krásou zvuku, melódie a technickou dokonalosťou. Belcantový umelec musí byť schopný reprodukovať mnoho odtieňov hlasového zafarbenia, ako aj majstrovsky sprostredkovať početné rýchle sekvencie zvukov prekrývajúce hlavnú melódiu. - koloratúra (talianska koloratúra - „dekorácia“).

V 18. storočí opera sa stal hlavným druhom hudobné umenie v Taliansku, čomu napomohla vysoká odborná úroveň spevákov, ktorí študovali v r zimné záhrady(Talianske konzervatórium, err lat. šetriť - "chrániť") - vzdelávacie inštitúcie, ktoré školili hudobníkov. V centrách talianskeho operného umenia - Benátkach a Neapole sa dovtedy vytvorili štyri konzervatóriá. Popularitu žánru zvýšili aj operné domy, ktoré sa otvorili v rôznych mestách krajiny a boli prístupné všetkým segmentom spoločnosti. Talianske opery sa uvádzali v divadlách vo veľkých európskych metropolách a skladatelia z Rakúska, Nemecka a iných krajín písali opery na talianske texty.

Významnou osobnosťou raného baroka, ktorá sa postavila na stranu katolicizmu, vystupujúceho proti silnejúcemu ideologickému, kultúrnemu a sociálnemu vplyvu protestantizmu, bol Giovanni Gabrieli (1555-1612). Jeho diela patria do štýlu „vrcholnej renesancie“ (rozkvet renesancie). Niektoré jeho inovácie v oblasti inštrumentácie (zadávanie vlastných, špecifických úloh určitému nástroju) však jasne naznačujú, že patril medzi skladateľov, ktorí ovplyvnili vznik nového štýlu.

Jednou z požiadaviek kladených cirkvou na kompozíciu sakrálnej hudby bola tá texty v dielach s vokálom boli vyberavý. To si vyžadovalo odklon od polyfónie k hudobným technikám, kde sa do popredia dostávali slová. Vokály sa v porovnaní so sprievodom stali komplexnejšími a pestrejšími.

Nemecký skladateľ tiež veľmi prispel k šíreniu nových techník. Heinrich Schutz (1585-1672), vyučený v Benátkach Je najznámejším nemeckým skladateľom pred Johannom Sebastianom Bachom a jedným z najvýznamnejších skladateľov raného baroka spolu s D. Gabrielim a C. Monteverdim. Počas pôsobenia ako zbormajster v Drážďanoch využíval vo svojich dielach nové techniky.

Hudba zrelého baroka (1654-1707)

Obdobie centralizácie najvyššej moci v Európe je často tzv Absolutizmus. Absolutizmus dosiahol svoj vrchol za francúzskeho kráľa Ľudovíta XIV. Pre celú Európu bol Louisov dvor vzorom. Vrátane hudby hranej na súde. Zvýšená dostupnosť hudobné nástroje(hlavne pre klávesnice) dal impulz vývoju komora hudba (z talianskej kamery - "izba"), vykonávané v malých priestoroch alebo doma.

Zrelý barok je iný od skorého rozšíreného rozšírenia nového polyfónneho štýlu ( voľné písanie) a zvýšené delenie hudobných foriem, najmä v opere. Rovnako ako v literatúre, možnosť mať veľký obeh vytlačiť hudobných diel viedlo k rozšíreniu publika; zintenzívnila sa výmena medzi centrami hudobnej kultúry.

V hudobnej teórii je zrelý barok definovaný zameraním skladateľov na harmóniu a pokusmi o vytvorenie koherentných systémov hudobný tréning.
V nasledujúcich rokoch to viedlo k vzniku mnohých teoretická Tvorba Pozoruhodným príkladom takejto činnosti je dielo z obdobia neskorého baroka – „Gradus ad Parnassum“ (rusky: Kroky k Parnasu), vydané v roku 1725 Johannom Josephom. Fuchs(nem. Johann Joseph Fux) (1660-1741), rakúsky teoretik a skladateľ. Táto práca, ktorá systematizovala teóriu kontrapunktu, bola takmer do konca 19. storočia najdôležitejším nástrojom pre štúdium kontrapunktu.

Vynikajúcim predstaviteľom dvorných skladateľov dvora Ľudovíta XIV Giovanni Battista Lulli (1632-1687). (Jean-Baptiste). Už ako 21-ročný získal titul „dvorný skladateľ inštrumentálnej hudby“. Kreatívna práca Lully bola od začiatku úzko spätá s divadlom. Po organizácii dvornej komornej hudby a kompozícii „airs de cour“ (dvorných árií) začal písať baletnú hudbu. Sám Ľudovít XIV tancoval v baletoch, ktoré boli vtedy obľúbenou zábavou dvornej šľachty. Lully bola vynikajúca tanečnica. Mal možnosť zúčastniť sa inscenácií, tancovať s kráľom. Je známy svojím kĺb spolupracuje s Molierom, pre ktorého hry napísal hudbu. Ale hlavnou vecou v Lullyho práci bolo stále písanie opery. Lully vytvoril prekvapivo ucelený typ francúzskej opery; takzvanú lyrickú tragédiu vo Francúzsku (franc. tragedie lyrique) a nepochybnú tvorivú zrelosť dosiahol hneď v prvých rokoch svojho pôsobenia v opere. Lully často využíval kontrast medzi majestátnym zvukom orchestrálnej sekcie a jednoduchými recitatívmi a áriami. Lullyho hudobný jazyk nie je príliš zložitý, ale určite áno Nový: jasnosť harmónie, rytmická energia, jasnosť rozdelenia formy, čistota textúry hovoria o víťazstve princípov homofónneho myslenia. K úspechu mu do značnej miery prispela aj schopnosť vyberať hudobníkov do orchestra a práca s nimi (sám dirigoval skúšky). Neodmysliteľnou súčasťou jeho tvorby bola pozornosť venovaná harmónii a sólovému nástroju.

Skladateľ a huslista Arcangelo Corelli(1653-1713) je známy svojou prácou o vývoji žánru concerto grosso (concerto grosso - "veľký koncert"). Corelli bol jedným z prvých skladateľov, ktorých diela boli publikované a uvádzané v celej Európe. Podobne ako operné diela J.B.Lullyho, aj žáner concerto grosso je postavený na kontrastnom porovnaní zvuku malých sólových orchestrálnych skupín a zvuku plného orchestra. Hudba je postavená na ostrých prechodoch od hlasno znejúcich častí k tichým, rýchle pasáže sú kontrastované s pomalými. Medzi nasledovníkov Arcangela Corelliho patril Antonio Vivaldi, ktorý neskôr zložil stovky diel napísaných v Corelliho obľúbených formách: triové sonáty a koncerty.

IN Anglicko zrelý barok poznačený brilantnou genialitou Henry Purcell(1659-1695). Zomrel mladý, vo veku 36 rokov, keď napísal veľké množstvo diel a stal sa známym už počas svojho života. Purcell poznal dielo Corelliho a ďalších talianskych skladateľov barokovej éry Počas svojho krátkeho života napísal Purcell množstvo vokálnych, inštrumentálnych, hudobných a divadelných diel, z ktorých najvýznamnejšie bola opera. "Dido a Aeneas"(1689). Toto je prvá angličtina národná opera . Objednal si ju učiteľ tanca z internátu pre vznešené panny. Súkromný charakter objednávky ovplyvnil podobu diela: na rozdiel od monumentálnych opier Monteverdiho či Lullyho, Purcellova skladba malých rozmerov, akcia sa rýchlo rozvíja. Libreto opery (autor Nicholas Tait) bolo napísané podľa hrdinský epos„Aeneida“ od rímskeho básnika Vergília.

Vo Vergíliu sa jeden z obrancov Tróje, Aeneas, vydáva na potulky po páde mesta. Búrka obmýva jeho loď k brehom Afriky; tu stretáva Dido, kráľovnú Kartága. Dido sa zamilovala do Aeneasa a keď ju hrdina na príkaz bohov opustil, vzala si život. V Purcellovej opere posla, ktorý oddeľuje hrdinov, neposielajú bohovia, ale lesné čarodejnice (populárne postavy z anglického folklóru). Aeneas si pomýlil podvod s posvätnou povinnosťou voči bohom a zničil to najcennejšie – lásku.

Výraznou črtou Purcellovej tvorby je harmónia. Skladateľ mal úžasný dar vytvárať dokonalé melódie - pokojné, majestátne a bezchybné vo forme. Po Henry Purcell v anglickej hudbe až do 20. storočia. Sotva je možné menovať rovnako skvelých majstrov.

Na rozdiel od vyššie uvedených skladateľov Dietrich Buxtehude (1637-1707) nebol dvorným skladateľom. Buxtehude pracoval organista, najprv v Helsingborgu (1657-1658), potom v Elsinore (1660-1668) a potom, počnúc rokom 1668, v kostole sv. Márie v Lubecku. Peniaze si neprivyrábal vydávaním svojich diel, ale ich predvádzaním a pred cirkevnými textami uprednostňoval komponovanie hudby a predvádzanie vlastných organových skladieb Jeho diela pre organ sa vyznačovali bohatou fantáziou, hojnosťou nečakaných a pestrých prirovnaní a hlbokej drámy, žiaľ, nie všetky jeho diela tohto skladateľa prežili. Buxtehudeova hudba je do značnej miery postavená na mierke jeho plánov, bohatosti a slobode predstavivosti, sklonu k pátosu, dramatickosti a trochu oratorickej intonácii. Jeho tvorba mala silný vplyv na takých skladateľov ako J. S. Bach a G. F. Telemann.

Hudba neskorého baroka (1707-1760)

Presná hranica medzi zrelým a neskorým barokom je predmetom diskusie; ona klame niekde medzi tým 1680 a 1720. Do značnej miery zložitosťou jeho vymedzenia je skutočnosť, že v r rozdielne krajinyštýly sa menili asynchrónne; inovácie, ktoré už boli na jednom mieste akceptované ako pravidlo, boli na inom mieste novými objavmi. Taliansko, vďaka Arcangelovi Corelli a jeho študentov Francesca Geminianiho a Pietra Locatelliho sa stáva prvou krajinou, v ktorej Baroko prechádza od zrelého k neskoré obdobie . Dôležitý míľnik možno považovať takmer za absolútne prvenstvo tonality, ako štruktúrny princíp pre komponovanie hudby. Je to badateľné najmä v teoretických dielach Jeana Philippa Rameaua, ktorý zaujal Lullyho miesto hlavného francúzskeho skladateľa. V rovnakom čase sa objavilo hlavné dielo Johanna Josepha Fuchsa „Degree ad Parnassum“ (1725), venované polyfónii. prísny štýl, svedčila o prítomnosti v hudbe dvaštýly písania - homofónno-harmonické a polyfónne.

Formuláre, otvorený predchádzajúcim obdobím, dosiahol zrelosť a veľká variabilita; koncert, suita, sonáta, concerto grosso, oratórium, opera a balet už nemali jasne definované národné charakteristiky. Všade sú zavedené všeobecne uznávané vzory diel: opakovaná dvojdielna forma (AABB), jednoduchá trojdielna forma (ABC) a rondo.

Antonio Vivaldi (1678-1741)- taliansky skladateľ, narodený v Benátkach.
V roku 1703 bol vysvätený za katolíckeho kňaza. Prvého decembra toho istého roku sa stal maestrom di violino v benátskom sirotinci „Pio Ospedale della Pieta“ pre dievčatá. Vivaldiho sláva nepochádzala z koncertných vystúpení alebo spojení na dvore, ale z vydávania jeho diel, medzi ktoré patrili jeho triové sonáty, husľové sonáty a koncerty. Boli publikované v Amsterdame a distribuované po celej Európe. Práve k týmto inštrumentálnym žánrom, v tom čase ešte rozvíjajúcim sa (baroková sonáta a barokový koncert), Vivaldi najviac prispel. Vivaldiho hudbu charakterizujú určité techniky: trojdielna cyklická forma pre concerto grosso a použitie ritornella v rýchlych pohyboch. Vivaldi zložil viac ako 500 koncertov. Niektorým svojim dielam dal aj programové názvy, napríklad slávne „Ročné obdobia“. Vivaldiho kariéra ukazuje zvýšenú príležitosť pre skladateľa existovať nezávisle: z príjmu koncertná činnosť a publikovanie ich diel.

Domenico Scarlatti(1685-1757) bol jedným z popredných klávesových skladateľov a interpretov svojej doby. Svoju kariéru začal ako dvorný skladateľ; najprv v Portugalsku a od roku 1733 v Madride, kde strávil zvyšok svojho života. Jeho otec Alessandro Scarlatti je považovaný za zakladateľa neapolskej opernej školy. Domenico skladal aj opery a chrámovú hudbu, no slávu mu (po smrti) zabezpečil jeho funguje pre klávesnice. Niektoré z týchto diel napísal pre svoje potešenie a niektoré pre svojich ušľachtilých zákazníkov.

Najznámejším dvorným skladateľom barokovej éry bol George Frideric Händel(1685-1759). Narodil sa v Nemecku, tri roky študoval v Taliansku, no v roku 1711 odišiel z Londýna, kde začal svoju brilantnú a komerčne úspešnú kariéru nezávislého operného skladateľa, ktorý plnil objednávky pre šľachtu. Handel, ktorý mal neúnavnú energiu, neustále prerábal materiál iných skladateľov prerobený svoje vlastné spisy. Napríklad je známy tým, že toľkokrát prepracoval slávne oratórium „Mesiáš“, že v súčasnosti neexistuje verzia, ktorú by bolo možné nazvať originálom. Hoci jeho finančné bohatstvo rástlo a ubúdalo, jeho sláva rástla vďaka publikovaným dielam pre klávesové nástroje, slávnostnú hudbu, opery, concerto grosso a oratóriá. Po jeho smrti bol uznávaný ako popredný európsky skladateľ a študovali ho hudobníci klasickej éry. Počas svojho života Händel písal o 50 opery („Almira“, „Agrippina“, „Rinaldo“, „Julius Caesar“ atď.), 23 oratóriá („Mesiáš“, „Samson“, „Judas Macovei“, „Hercules“), nespočetné množstvo cirkevných zborov, organových koncertov, ako aj množstvo zábavných diel („Vodná hudba“, „Hudba pre kráľovský ohňostroj“).

Jeden z najväčších skladateľov Baroková éra - Johann Sebastian Bach narodil sa
21. marca 1685 v meste Eisenach v Nemecku. Počas svojho života skomponoval viac ako 1000 diel rôznych žánrov, okrem opery. No počas svojho života nedosiahol žiadny výrazný úspech. Bach sa veľakrát sťahoval, ale ani jeden nezmenil vysoká pozícia po ďalšom: vo Weimare bol dvorným hudobníkom weimarského vojvodu Johanna Ernsta, potom sa stal správcom organu v Kostole sv. Bonifáca v Arnstadte, o niekoľko rokov neskôr prijal miesto organistu v Kostole sv. Blasia v Mühlhausene, kde pôsobil len asi rok, po ktorom sa vrátil do Weimaru, kde nastúpil na miesto dvorného organistu a organizátora koncertov. V tejto funkcii zotrval deväť rokov. V roku 1717 Leopold, vojvoda z Anhalt-Köthenu, najal Bacha ako kapelníka a Bach začal žiť a pracovať v Köthene. V roku 1723 sa Bach presťahoval do Lipska, kde zostal až do svojej smrti v roku 1750.

J. S. Bach bol v Nemecku známy už počas svojho života ako skladateľ, interpret, učiteľ a otec mladšieho Bacha, predovšetkým Carla Philippa Emmanuela. Ale v posledných rokoch jeho života a po Bachovej smrti začala jeho sláva ako skladateľa upadať: jeho štýl bol v porovnaní s rozmáhajúcim sa klasicizmom považovaný za staromódny.

V roku 1802 publikoval Johann Nikolai Forkel prvé najviac celý životopis Johann Sebastian Bach. V roku 1829, 79 rokov po smrti J. S. Bacha, uviedol Felix Mendelssohn v Berlíne Bachove Matúšove pašie. Úspech tohto koncertu oživil záujem o dielo J. S. Bacha a stal sa dôvodom vzniku enormného záujmu o Bachovu hudbu v Nemecku, a potom v celej Európe.

Teraz je J. S. Bach jedným z najpopulárnejších skladateľov všetkých čias: napríklad v hlasovaní „ Najlepší skladateľ Millennium“, ktorý sa konal na Cultureciosque.com, obsadil Bach prvé miesto.

Odoslanie dobrej práce do databázy znalostí je jednoduché. Použite nižšie uvedený formulár

Študenti, postgraduálni študenti, mladí vedci, ktorí pri štúdiu a práci využívajú vedomostnú základňu, vám budú veľmi vďační.

Uverejnené dňa http://www. všetko najlepšie. ru/

Úvod

Vo vývoji každého štýlu prichádza fáza, kedy vnútorné rozpory medzi ustálenými tradičnými metódami formovania a neustále sa meniacimi požiadavkami života na tému a obsah architektonických úloh nemožno ďalej riešiť prostriedkami tohto štýlu. Tieto rozpory sa dlho hromadia, postupne spomaľujú vývoj štýlu a postupne ho vedú k starnutiu, vyblednutiu a úpadku. Na troskách starého, často v úzkom spojení s ním, pomaly, evolučne vyrastá nový štýl. Toto je priebeh udalostí, ktorý je najtypickejší pre proces zmeny štýlov.

Možný je však aj rýchly, lavínovitý rast rozporov, urýchľujúci potrebu búrania starého a nastolenia nového smeru. Týmto menej častým prípadom je situácia, ktorá viedla k pádu barokového architektonického štýlu v Rusku a nastoleniu klasicizmu. Táto situácia nám zároveň umožňuje jasne vidieť niektoré aspekty procesu zmeny štýlov, ktoré na dlhšej evolučnej ceste strácajú ostré obrysy.

1. Klasicizmus a baroko: dva štýly tej istej doby

Dlhé spolužitie klasicizmu a baroka možno len ťažko považovať za náhodu. Takáto synchronicita naznačuje ich vzájomnú prepojenosť, ktorá, prirodzene, neodstraňuje výrazné rozdiely v črtách a genéze oboch štýlov. Barok bol priamym dedičom renesancie, no jednoznačne sklamaným dedičom. Toto píše napríklad A.F. Losev o Montaignovi: „Jeho eseje sú zbavené akéhokoľvek systému, posiate starodávnymi citátmi, hoci zo staroveku mu boli najskôr blízki iba stoici a potom sa k nemu priblížili len skeptici. Montaigne bol predchodcom Descarta, ale tu stojí za zmienku zmienka o stoicizme a skepse, ktoré priamo súvisia s barokovým štýlom. Ak klasicizmus vychádzal z augustianizmu v podobe sekularizovaného dualizmu medzi prírodou a človekom, ktorý by mal byť odstránený monizmom podriadenosti určitej jednotnej (nie však jedinej možnej) podobe, potom barok vychádzal z univerzality stoického Logosu. , jednota v podobe organizmu nasýteného dychom pneumy. V kontexte toho istého augustinianizmu kládol dôraz na psychickú komplexnosť individuálnej osobnosti. V jeho pohľade na svet namiesto rigidnej monofónnej hierarchie univerzalizmu, ktorá je klasicizmu vlastná, vznikol polyfónny univerzalizmus plasticity, deklarujúci možnosť viacerých variácií tej istej formy či témy. Nepretržitý chod Bachovej fúgy sprevádza „faustovského“ človeka. Historický barok ako fenomén predchádzal klasicizmu, no z hľadiska budúcich perspektív meniacich sa slohov by sa mal považovať skôr za dediča než predchodcu klasicizmu. Je všeobecne známe, že vznik baroka je spojený s koreformáciou. Kánony a ciele jezuitského rádu našli svoje vyjadrenie v barokovom štýle. Stačí si pripomenúť hlavný jezuitský chrám Il Gesu v Ríme (1568-1584), postavený podľa projektu G. Vignolu. Toto je možno prvý štandardný projekt v histórii architektúry, realizovaný v oblastiach od Paraguaja po Livónsko. Hlavná črta baroka - jeho klamnosť a simulatívnosť - mu dala príležitosť premeniť sa na svojich fanúšikov a nepriateľov „Ježišových vojakov“ – protestantov, s ich neodmysliteľným kultom práce. „Baroko – ako poznamenáva J. Deleuze – vymýšľa nekonečnú produkciu alebo nekonečný proces práce. Problém nie je, ako záhyb dokončiť, ale ako v ňom pokračovať, prekročiť ním strop, nasmerovať ho do nekonečna.“ Preto sa ukázali ako zložité formy a kontrapunkt, za ktorým sa skrýva symetria čísel a funkcií. schopné oslavovať cnosti puritánov (napríklad oratórium G . F. Händel „Judas Maccabee“). Apel na starozákonné námety je typický aj pre barokovú literatúru. „Stratený raj“ od J. Miltona a „Najväčšie monštrum na svete“ od P. Calderona. Tragickému žánru doby dominuje téma katastrofy vyplývajúcej zo stretu slobodnej vôle a zákona. Zároveň je chápanie Zákona veľmi eklektické: môže byť starozákonné, gnostické a racionalistické. IN posledný prípad odhaľuje sa zhoda s klasicizmom. Gnostické črty baroka našli svoj prejav vo vášni pre astrológiu a alchýmiu, o čom svedčí nielen dobová literatúra. I. Kepler sa teda nikdy netajil svojou angažovanosťou v astrológii, dokonca mu slúžila ako prostriedok na živobytie. I. Newton v tejto veci, ako aj o svojom antitrinitárstve radšej mlčal. Newtonovský program fyziky je však presiaknutý nielen matematikou (v jej racionalistickom karteziánskom chápaní), ale aj duchom alchýmie, z ktorej jeho tvorca dokázal vyťažiť mnohé vedecké myšlienky.

Jeho slávna odpoveď na absolútne spravodlivé výčitky karteziánov za oživenie magického princípu – „Nevymýšľam si hypotézy“ – nie je nič iné ako pravda.

Spojenie pevných princípov klasicizmu a flexibilného baroka možno vidieť vo všetkých nasledujúcich štýloch. Dominanciu niektorých nad ostatnými určujú len taktické úvahy, ktoré by mali zabezpečiť najväčšiu efektivitu. „Vieš,“ hovorí Balzacov Vautrin, tento „Napoleon tvrdej práce“, oslovujúci mladého Rastignaca, „ako sa sem dostali? Táto ľudská masa musí byť zasiahnutá delovou guľou alebo preniknutá ako mor.“ Klasicizmus možno prirovnať k prvému, barok k druhému. Obaja boli nástrojmi New Age na sformovanie Nového Človeka. Dominantu klasicizmu tak možno vidieť v moderne s projektmi futuristov a Le Corbusiera, jeho pátos vážneho. Postmoderna dáva prednosť barokovým technikám. Prepne do jazyka binárnych kódov a deterministického chaosu. Prejavuje záujem o životné prostredie a pokrýva svet sieťou informačných sietí, simulujúcich „neznesiteľnú ľahkosť bytia“.

2. Ruský barok

Barok je epocha veľká pre svoje grandiózne ničenie a rovnako veľkolepé výtvory zostala v dejinách ako prelom vo vývoji svetového umenia. Barokový umelecký štýl zároveň navždy vstúpil do života ľudí v krajinách ako Taliansko, Španielsko či Rakúsko. Baroko sa stalo spôsobom života celých národov a kultúr do takej miery, že napríklad Rím, napriek jeho univerzálnemu významu ako Večné mesto, bude odteraz vždy vnímaný ako barok. Španielska literatúra či nemecká filozofia a hudba sú v našich mysliach predovšetkým barokové. Preto nikdy nebudeme vedieť určiť, kde barokový štýl začína a kde končí. Možno len určiť základné princípy a zákonitosti formovania, trendy historického vývoja. Aby sa predišlo nejednoznačnosti a rozporom vo výklade pojmu „baroko“, je lepšie používať skôr podrobnejšie ako stručné formulácie. Pojem „baroko“ sa v Rusku dlho nemohol presadiť. Napríklad ešte v polovici 19. storočia. Ruská kritika síce zvrhla štýl klasicizmu v architektúre, ale „nevidela alternatívu k stĺpom a kupole“. Diskutovalo sa o prednostiach neogotiky a „neorenesancie“, slovu „baroko“ sa však vyhýbalo. Architekt A. Bryullov bol počas svojej penzijnej cesty do Talianska v roku 1822 rozhorčený nad „skazeným vkusom“ a absurditou budov F. Borrominiho. Až v 80. rokoch 19. storočia. výskumník starovekej ruskej architektúry N. Sultanov zaviedol termín „ruský barok“, označujúci predpetrinskú architektúru Ruska v 17. storočí. Odvtedy existuje ustálená koncepcia, podľa ktorej sa v 40. rokoch 17. storočia formovala prvá fáza štýlu „ruského baroka“. a tento štýl sa vyvíjal „v nepretržitom slede, až po diela V. I. Baženova, ktoré ho dokončili“.

Podľa definície D. Lichačeva „ruský barok prevzal mnohé funkcie renesancie, keďže... skutočná renesancia sa predtým v Rusku dostatočne neprejavila“. Tento záver vyplýva z „osobitnej hustoty“ vývoja umeleckých štýlov v Rusku, ktoré ich zásadne odlišujú duchovný obsah zo západoeurópskych prototypov. „Ruské baroko ako celok, plniace svoju obrodeneckú funkciu, sa historicky postavilo proti stredoveku, a nie renesancii. Preto jeho veselosť a jeho umiernenosť, cudzie pátosu západného baroka. Pojem „ruské baroko“ nie je v žiadnom prípade akceptovaný, je konvenčný a mal by byť uvedený v úvodzovkách. Z hľadiska formálnych kvalít má tento štýl bližšie k manierizmu; rozlišuje etapy „golitsyna“ a „naryškinského baroka“ – architektúru „ruskej vzorovanej“ architektúry konca 17. storočia, „petrinského baroka“ z prvej štvrtiny 18. storočia, „vyspelého ruského baroka“ alžbetínskej éry. . Posledný sloh bol najvýraznejšie stelesnený v diele vynikajúceho architekta F. B. Rastrelliho mladšieho v Petrohrade. Počas týchto rokov Rusko rýchlo dobiehalo Európu a pôvodná architektúra vytvorená Rastrelli spájala kompozičné techniky európskeho klasicizmu, baroka a francúzskeho rokoka (pozri alžbetínske rokoko). Bádatelia preto správne poznamenávajú, že zachovanie prvkov klasicizmu, racionalizmus a pragmatizmus architektúry doby Petra Veľkého zabezpečili ľahkosť a prirodzenosť prechodu ku klasicizmu v druhej polovici 18. storočia, „takmer obchádzajúc etapu r. pravého európskeho baroka“.

3. Klasicizmus v Rusku

V nadväznosti na tradície renesancie (obdiv k antickým ideálom harmónie a proporcie, viera v silu ľudskej mysle) bol klasicizmus aj jeho protikladom, keďže so stratou renesančnej harmónie, jednoty citu a rozumu, tendencia esteticky prežívať svet ako harmonický celok sa stratilo. Pojmy ako spoločnosť a osobnosť, človek a príroda, živly a vedomie sa v klasicizme polarizujú a vzájomne vylučujú, čím sa približuje (pri zachovaní všetkých zásadných ideových a štýlových odlišností) s barokom, presiaknutým aj vedomím všeobecný nesúlad vyvolaný krízou renesančných ideálov.

Architektúra klasicizmu ako celku sa vyznačuje logickým usporiadaním a geometrickým objemovým tvarom. Neustále odvolávanie sa architektov klasicizmu na dedičstvo starovekej architektúry znamenalo nielen použitie jej jednotlivých motívov a prvkov, ale aj porozumenie všeobecné zákony jeho architektonika. Základom architektonického jazyka klasicizmu bol poriadok, v proporciách a formách bližšie k antike ako v architektúre predchádzajúcich období; v budovách sa používa tak, aby sa nestmavil všeobecná štruktúraštruktúrou, ale stáva sa jej jemným a zdržanlivým sprievodom. Interiér klasicizmu sa vyznačuje jasnosťou priestorového členenia a jemnosťou farieb. Širokým využitím perspektívnych efektov v monumentálnej a dekoratívnej maľbe majstri klasicizmu zásadne oddelili iluzívny priestor od skutočného. Urbanistické plánovanie klasicizmu 17. storočia, geneticky spojené s princípmi renesancie a baroka, aktívne rozvíjalo (v plánoch pevností) koncepciu „ideálneho mesta“ a vytváralo vlastný typ sídla (Versailles). V 2. pol. 18. storočie Objavujú sa nové plánovacie techniky, ktoré zabezpečujú organickú kombináciu mestského rozvoja s prvkami prírody, vytváranie otvorených priestorov, ktoré priestorovo splývajú s ulicou alebo nábrežím. Jemnosť lakonickej výzdoby, účelnosť foriem, neoddeliteľné spojenie s prírodou sú vlastné budovám (hlavne vidiecke paláce a vily) predstaviteľov palladianizmu 18. 19. storočia

Rozkvet ruského klasicizmu sa datuje do poslednej tretiny 18. a prvej tretiny 19. storočia, hoci už začiatkom 18. storočia. poznačený tvorivým apelom (v architektúre Petrohradu) na urbanistické skúsenosti francúzskeho klasicizmu 17. storočia. (princíp symetrických-axiálnych plánovacích systémov). Ruský klasicizmus stelesnil novú historickú etapu rozkvetu ruskej sekulárnej kultúry, pre Rusko bezprecedentnú rozsahom, národným pátosom a ideologickým obsahom. Raný ruský klasicizmus v architektúre (60. – 70. roky 18. storočia; J. B. Vallin-Delamot, A. F. Kokorinov, Yu. M. Felten, K. I. Blank, A. Rinaldi) si stále zachováva plasticitu a bohatosť a dynamiku foriem, ktoré sú vlastné baroku a rokoku. Architekti zrelého obdobia klasicizmu (1770-90-te roky 18. storočia; V.I. Baženov, M.F. Kazakov, I.E. Starov) vytvorili klasické typy metropolitných palácových usadlostí a veľkých komfortných obytných budov, ktoré sa stali vzormi v širokej zástavbe vidieckych šľachtických usadlostí a v novom, slávnostnom budovy miest. Umenie súboru vo vidieckych parkových usadlostiach je hlavným národným príspevkom ruského klasicizmu do svetovej umeleckej kultúry. V stavbe nehnuteľností vznikla ruská verzia palladianizmu (N. A. Ľvov), a nový typ komorný palác (C. Cameron, J. Quarenghi). Zvláštnosťou ruského klasicizmu v architektúre je bezprecedentný rozsah organizovaného štátneho urbanistického plánovania: boli vypracované regulačné plány pre viac ako 400 miest, vytvorili sa súbory centier Kostroma, Poltava, Tver, Jaroslavl a ďalšie mestá; prax „regulácie“ urbanistických plánov spravidla dôsledne spájala princípy klasicizmu s historicky zavedenou plánovacou štruktúrou starého ruského mesta. Prelom 18. - 19. storočia. poznačené najväčšími úspechmi rozvoja miest v oboch hlavných mestách. Formoval sa grandiózny súbor centra Petrohradu (A. N. Voronikhin, A. D. Zacharov, J. Thomas de Gaumont, neskôr K. I. Rossi). „Klasická Moskva“ vznikla na rôznych princípoch urbanistického plánovania, ktorá bola v období obnovy a rekonštrukcie po požiari v roku 1812 vybudovaná malými kaštieľmi s útulnými interiérmi. Zásady pravidelnosti tu boli dôsledne podriadené všeobecnej obrazovej voľnosti priestorovej štruktúry mesta. Najvýraznejšími architektmi neskorého moskovského klasicizmu boli D. I. Gilardi, O. I. Bove, A. G. Grigoriev.

4. Niektoré črty prelomového obdobia medzi barokom a klasicizmom v ruskej architektúre

architektonický klasicizmus baroko urbanizmus

Charakteristiky každého rozvinutého štýlu nepredstavujú žiadne zvláštne metodologické ťažkosti. Iná vec je rozbor bodu zlomu medzi dvoma konkrétnymi štýlmi, ktorý je vo svojej podstate rozporuplný. Ako k takejto zlomenine dôjde? Zaujíma nás ani nie tak otázka, čo to spôsobuje vo všeobecnom zmysle, ale objasnenie základných zákonitostí pri zmene štýlov. Pri hľadaní takýchto vzorov si zámerne dovolíme polemickú ostrosť formulácií, aby sme jasnejšie odhalili navrhovaný uhol pohľadu. Prechod od baroka ku klasicizmu bol jedným z najrýchlejších v meniacich sa štýloch domácej architektúry. Koniec 50. rokov 18. storočia bol ešte obdobím rozkvetu baroka. Polovica 60. rokov 18. storočia bola už dobou rozšíreného klasicizmu. V extrémne krátkom období piatich až siedmich rokov nastáva úplná zmena. estetický vkus. Ruská baroková architektúra 18. storočia. bol historicky podmieneným, zložitým a originálnym fenoménom, ktorý absorboval mnohé tradície ruskej architektúry 17. storočia a mnohé črty domácej architektúry obdobia bezprostredne predchádzajúceho - t. j. začiatku 18. architektúra hlavných európskych krajín. Tieto veľmi odlišné komponenty však tvorili odolnú zliatinu, ktorá mala vlastnosti jedinečnej originality. Oba smery ešte nepoznali svoje budúce mená, ale podstata štýlových rozdielov a ich hranice sú jasne viditeľné na príkladoch najlepších stavieb vytvorených alebo navrhnutých v takmer rovnakých rokoch. Dôrazne bohatá dekoratívnosť a dynamika barokových foriem je v kontraste s mierne suchou racionalistickou architektúrou raného klasicizmu. Najvýznamnejšie stavby ruského baroka - Zimný palác B. F. Rastrelliho a námorná katedrála svätého Mikuláša S. I. Chevakinskrgo, tak typická svojou prekypujúcou bravúrou, boli dokončené do roku 1762. Zároveň už v roku 1760 A. F. Kokorinov navrhuje Dom potešenia pri Oranienbaume - dielo, v ktorom dominujú princípy nového smeru v architektúre. Pôdorys, silueta a celý objem konštrukcie sú navrhnuté veľmi kompaktne, so zdôraznenou dominantnosťou vodorovné čiary . Detaily sú vyrobené v klasických tvaroch a proporciách. V tom istom roku A.F. Kokorinov spolu so Zh.B. M. Wallen Delamot vytvoril prvú verziu projektu Veľkého Gostinyho dvora v Petrohrade. Táto verzia, ktorá sa stala základom pre konečné rozhodnutie o dva roky neskôr, už obsahovala myšlienku majestátnej obchodnej štruktúry vo svojej jednoduchosti s odmeraným rytmom dvojposchodových arkád, členených skromnými pilastrami toskánskeho rádu. V rokoch 1763-1764. Vyvíjajú sa projekty pre Akadémiu umení (A.F. Kokorinov a J.-B. Wallen Delamoth), sirotince v Moskve (K.I. Blank) a Petrohrade (Yu. M. Felten) - prvé budovy špeciálne navrhnuté na vzdelávacie účely. Z nich je budova Akadémie umení najlepším dielom počiatočného obdobia ruského klasicizmu. Nachádza sa na kritickom mieste, s hlavnou fasádou orientovanou na hlavnú vodnú cestu hlavného mesta - rieku Neva, a prispieva k architektonickej organizácii významnej časti nábrežia. Plán budovy je založený na prísne premyslenom funkčnom procese pre školenie umelcov: hlavné pracovné priestory sú umiestnené pozdĺž vonkajšieho obvodu budovy a okolo obrovského kruhového nádvoria, čo zabezpečuje, že sú dobre osvetlené. Povrch stien je bohato členitý, ale delenia s jasne definovanými proporciami poriadku sú prevažne rovinného charakteru. Obdobie úpadku a postupnej degradácie nepredchádzalo zmene štýlu. Naopak, práve v momente najväčšieho rozkvetu sa barok ukázal ako nevhodný na riešenie nových problémov a okamžite sa s úžasnou rýchlosťou objavili stavby v štýle klasicizmu. Takáto rýchlosť pri zmene štýlov nie je typická. Je to, ako už bolo spomenuté, charakteristický znak tohto konkrétneho prelomového obdobia - od baroka po klasicizmus - a bol spôsobený všeobecnou situáciou, keď umelo pomalý historický vývoj začal intenzívne doháňať stratený čas. Koncepcia baroka ako holistického štýlu prestala nielen dominovať v architektúre, ale aj vo všeobecnosti výrazne ovplyvňovať jej ďalší vývoj. V určitých prvkoch stavieb raného klasicizmu sa síce istý čas objavovali určité znaky starého systému, boli to však len pozostatky, ktoré postupne zastarávali. Len v provinciách existovali barokové formy zotrvačnosťou takmer do konca 18. storočia. K historickým predpokladom zmeny štýlu patria materiálne a ideologické faktory. Treba poznamenať tie najdôležitejšie: výrazné posilnenie ruskej vojenskej a politickej moci sprevádzané rýchlym rastom jeho ekonomického potenciálu.

Nemenej dôležitým predpokladom zmeny štýlu boli myšlienky osvietenstva, humanizmu a ideály prírodného človeka, charakteristické pre celé vyspelé myslenie 18. storočia. Volanie po rozume ako hlavné kritérium a meradlo všetkých úspechov bolo počuť čoraz hlasnejšie. Myšlienky racionalizmu prešli rozsiahlym rozvojom od druhej polovice storočia.

V architektúre všetky tieto faktory viedli k vážnym zmenám. Ekonomická prosperita krajiny spôsobila rýchly rast stavebníctva vo všetkých oblastiach. Zmeny v ideovom usporiadaní si vyžiadali výrazné rozšírenie architektonických tém a iný figurálny obsah. Neustále sa vynárali dovtedy nevídané témy a úlohy.

Medzitým sa baroková architektúra vyznačovala svojou tematickou úzkosťou. Rozsah architektúry ako umenia bol obmedzený najmä na palácové a náboženské stavby. Ak bolo potrebné vytvárať stavby na iné účely, potom sa rozvíjali v rovnakých slávnostných, vysoko ceremoniálnych formách, blízkych palácovým, ktorých príkladom je projekt Gostinyho dvora v Petrohrade, ktorý navrhol F. B. Rastrelli v r. 1757.

Vývoj barokových foriem na ceste ich ďalšej zložitosti by mohol pokračovať pomerne dlho, ale samotný rozsah použitia takýchto foriem sa nepodarilo rozšíriť. Možnosti štýlu sa dostali do rozporu s realitou. To určilo jeho osud.

Do polovice 18. storočia vznikla potreba tvoriť rôzne druhy nové verejné budovy alebo budovy, ktoré v období baroka nemali umelecký význam – napríklad priemyselné, skladové a obchodné budovy. V r sa objavili nové výzvy bytovú výstavbu. Napokon mesto ako celok ako spoločenský celok dostalo výrazne inú charakteristiku ako doteraz a v tomto smere si vyžadovalo iné plánovacie a objemové riešenie.

Celý tento rast dopytu sa odohral v meradle gigantickej krajiny.

Tradičné kreatívne metódy sa s takýmito úlohami nedokázali vyrovnať. No podobným, aj keď jednoduchším úlohám čelili architekti už začiatkom 18. storočia. Architektúru doby Petra Veľkého charakterizujú jasné a praktické rozhodnutia založené na jasných racionalistických princípoch. Tradície racionalizmu sa v ruskej architektúre objavili začiatkom 18. storočia, samozrejme, nie po prvý raz. Tieto tradície existujú už dlho, ale boli obdobia, ktoré boli pre ich rozvoj obzvlášť priaznivé, a časy, keď racionalizmus v architektúre latentne existoval ako reziduálny fenomén predchádzajúceho obdobia. Ruský barok z druhej štvrtiny 18. storočia. neunikol ani vplyv petrovského staviteľstva, ktorý mu predchádzal, a racionalizmus tejto vstúpil s niektorými individuálnymi prvkami do slohových znakov smeru, ktorý mu bol v podstate opačný.

Aj v tvorbe popredného majstra baroka Rastrelliho možno badať prvky racionalizmu. Napríklad fantasticky bohatá a zložitá dekoratívna výzdoba palácových budov tohto architekta nezasahuje do jednoduchosti a jasnosti plánov.

V dielach D.V. Ukhtomského a S.I. Chevakinského sa racionalistické tendencie prejavujú ešte výraznejšie. Stojí za pripomenutie návrhu Invalidovne v Moskve, ktorú vytvoril Uchtomskij, alebo zvonice námornej katedrály sv. Mikuláša v Petrohrade, ktorej jasná jasnosť architektúry je taká odlišná od bujarej veselosti samotnej katedrále, že niektorí učenci ju ani nechceli uznať za dielo Čevakinského. Obaja architekti boli žiakmi I.K. Korobova, ktorého činnosť sa čiastočne zhodovala s obdobím baroka. Medzi majstrami tejto doby si však Korobov, jeden z Petrových slávnych dôchodcov, zachoval najracionalistickejšiu orientáciu svojej kreativity. Práve prostredníctvom Korobova sa v tradíciách racionalizmu pokračovalo v dielach jeho mnohých žiakov a v tvorbe najmladšieho z nich - A.F.Kokorinova - boli obnovené v inej umeleckej kvalite, premyslené v duchu úloh nového architektonický smer.

Hlavným faktorom formovania nového štýlu sa stal racionalizmus ako túžba po jasnosti, zrozumiteľnosti a konzistentnosti architektonického obrazu - celku a jeho jednotlivých komponentov. Jeho princípy si vyžadovali obzvlášť harmonický, logicky ucelený výtvarný koncept. Tento koncept bol vytvorený už skôr v klasických školách architektúry staroveku a renesancie. Architekti začali starostlivo študovať dedičstvo staroveku (v jeho rímskom výklade, ktorý bol v tom čase jediný dostupný) a renesanciu. Pozornosť ku klasike sa stala akoby sekundárnym faktorom pri formovaní architektúry raného ruského klasicizmu.

Prirodzene, v ruských podmienkach tých rokov sa štúdium klasických tradícií tvarovania mohlo uskutočňovať iba oboznámením sa s teoretickými prácami Vitruvia, Andrea Palladia, Vignola a s uvrazmi, ktoré obsahovali meracie výkresy alebo náčrty architektonických pamiatok. . Nevhodnosť tohto spôsobu oboznamovania sa ukázala veľmi rýchlo. Je príznačné, že ak mladý B. F. Rastrelli svojho času nevycestoval do zahraničia ďalej ako do Nemecka, kde sa len zoznámil so skúsenosťami zo súčasnej nemeckej architektúry, tak už v prvej polovici 50. rokov 18. storočia vznikla myšlienka vyslať nádejného Gezela Kokorinova. do Talianska na štúdium antickej a renesančnej architektúry. Od roku 1760 začala novozaložená Akadémia umení pravidelne vysielať svojich najlepších študentov do zahraničia a poverila ich oboznamovaním sa s pamiatkami architektonickej klasiky.

Napokon ďalším faktorom, ktorý ovplyvnil formovanie nového štýlu v Rusku, bolo prepojenie ruskej architektúry so súčasnou architektúrou iných krajín, medzi ktorými bolo Francúzsko v tom čase vedúcou krajinou vo všetkých oblastiach ideológie.

Pre ruskú architektúru sa spojenie s francúzskou architektúrou stalo veľmi významným v prvej štvrtine 18. storočia, kedy tu J.-B.A. Leblon, pozvaný do Ruska, vytvoril nielen jeden zo zásadných plánovacích projektov pre Petrohrad, ale aj rozpracované typy príkladných domov, v mnohých smeroch definujúcich fyziognómiu mladého ruského hlavného mesta.

Racionalistické tendencie charakteristické pre túto vetvu francúzskej architektúry, ktorej predstaviteľom bol Leblon, sa zhodovali s hlavným smerom ruskej architektúry začiatku 18. storočia. Zmena orientácie architektúry v popetrínskom období viedla aj k zmene charakteru väzieb s francúzskou architektúrou. Začali sa tešiť z úspechu rokokových trikov, ktoré v samotnom Francúzsku v tom čase utrpeli vážnu porážku. Súťaž na návrh hlavnej fasády Kostola sv. Sulpicius v Paríži sa stal predzvesťou obratu vo vývoji architektonických predstáv. Práve na tejto súťaži boli odmietnuté princípy rokokového dekorativizmu, ktoré J. O. Meissonnier doviedol do najvyššej prepracovanosti a prednosť dostala prísna a klasicky jasná kompozícia J. N. Servandoniho, ktorá sa potom realizovala najmä v roku 1733-- 1745

Rozvoj verejného života v 50. rokoch 18. storočia viedol ruskú architektúru k tomu, aby sa zamerala na pokrokové úspechy francúzskych architektov. Dôležitou etapou víťazstva klasicizmu vo Francúzsku bola súťaž na vytvorenie Place Louis XV v Paríži. Výsledkom niekoľkých po sebe nasledujúcich kôl súťaže (koniec 40. rokov - začiatok 50. rokov 18. storočia) zvíťazil projekt J. A. Gabriela, ktorý znamenal schválenie nových pohľadov na urbanistické princípy. Prvýkrát vo svetovej histórii bolo mestské námestie navrhnuté v korelácii a prepojení s celým priestorom mesta.

Úspech J.-J. Soufflot na súťaži návrhov na Kostol sv. Genevieve v Paríži a Gabrielova stavba komorného palácového sídla Petit Trianon vo Versailles už znamenali definitívne víťazstvo nového smeru vo francúzskej architektúre.

V Rusku boli so záujmom a pozornosťou študované diela architektonických teoretikov M. A. Laugiera, J. F. Blondela a ďalších. Je príznačné, že práve Blondel bol poverený vypracovaním prvotného návrhu budovy Akadémie umení, určenej na výstavbu v r. Moskva (1758). Blondelov plán sa vyznačoval príliš zjavnou francúzskou národnou príchuťou a mal stále ďaleko od dôslednej implementácie klasických foriem, čo okrem iného zohralo úlohu pri odmietnutí projektu. Ale to už bola náhoda vo všeobecnom priebehu histórie. Od konca 50. rokov 18. storočia sa vyspelá francúzska architektúra stala z hľadiska cieľov a ašpirácií najbližšie k ruskej.

Na príklade prechodu od baroka ku klasicizmu sa môžeme pokúsiť odvodiť niektoré všeobecné zákonitosti v zmene architektonických štýlov.

Novovznikajúci štýl spĺňa nové požiadavky a v tomto zmysle je jeho cesta vždy originálna a neprebádaná. Čím inovatívnejší je tento nováčik, tým širšie musia byť tradície, z ktorých čerpá. No nastupujúci smer zároveň s pochopiteľným antagonizmom zaobchádza s metódami svojho predchodcu, ktoré v istom momente odhalili svoju nekonzistentnosť. Preto každý nový štýl hľadá oporu v tradíciách umenia nie bezprostredne predchádzajúceho obdobia, ale vzdialenejšej minulosti, a predovšetkým v tradíciách „starých otcov“. Koniec koncov, predchádzajúci štýl tiež poprel smer, ktorý existoval pred ním, vďaka čomu sa tradície „starého otca“ vždy stávajú hlavným zdrojom pôžičiek.

V skutočnosti: architektúra ruského baroka druhej tretiny 18. storočia je duchom oveľa bližšia stavbám Ruska na konci 17. storočia ako architektúre z obdobia Petra I.

Z rovnakého dôvodu našla v architektúre klasicizmu svoje samostatné pokračovanie aj túžba po osvietenstve, utilitarizmus a všeobjímajúci racionalizmus, príznačný pre Petrovu architektúru. Taká originálna budova pre komplex vedeckých inštitúcií, akou bola Kunstkamera, koncipovaná za Petra I., sa v barokovom období nedočkala ďalšieho rozvoja ako nového typu stavby, ba ani opakovaní, dokonca aj zjednodušených. Medzitým sa architektúra klasicizmu začala práve vytvorením štruktúry tohto druhu: budova Akadémie umení spájala najvyššie umelecké centrum, múzeum, vzdelávaciu inštitúciu „troch najušľachtilejších“ umení s internátom a dokonca s ním spojené divadlo, umelecké dielne a obytné byty pre pedagogických zamestnancov.

Petrinská doba nevenovala palácovým stavbám zvlášť veľkú pozornosť, ale dávala veľký významúžitková výstavba, povýšila ju na úroveň skutočnej architektúry. Admiralita v Petrohrade bola predstavovaná nielen ako priemyselný podnik kombinovaný s obrannou štruktúrou, ale ako pamätník ruskej námornej moci. Budova bola veľmi nízka a materiál - hrazdené drevo - nebol vôbec monumentálny, ale samotná myšlienka širokej, 400 metrov dlhej stavby, označenej v strede vežou s vežou, bola myšlienka skvelej architektúry.

Jeden z hlavných majstrov ruského baroka S.I. Chevakinsky vo svojej pozícii architekta vysokých škôl admirality navrhol a postavil mnoho úžitkových stavieb pre domácu flotilu. Ale medzi týmito jeho dielami nie sú žiadne budovy podobné Admiralite, významné svojim architektonickým riešením. Po vybudovaní námornej katedrály sv. Mikuláša vytvoril Čevakinskij pomocou prostriedkov architektúry radostný, jasajúci hymnus. Napriek tomu v utilitárnych štruktúrach doba od neho nevyžadovala nič iné ako trvanlivosť a užitočnosť.

Je príznačné, že na začiatku 60. rokov 18. storočia, po začatí projektu výstavby skladov dreva na ostrove New Holland v Petrohrade, Čevakinskij vyvinul novú technológiu skladovania dreva a vytvoril aj stavebný plán, ale nedokázal sa vyrovnať figurálne riešenie fasád a táto časť diela bola zverená architektovi nového smeru - Wallenovi Delamothovi.

Racionalizmus, ktorý tvorí základ koncepcie klasicizmu, tiež našiel ozvenu v tradíciách architektúry začiatku 18. storočia, hoci, ako už bolo uvedené, samotná ruská baroková architektúra do určitej miery používala tieto tradície.

Tu by som rád zdôraznil, že najdôležitejšie tradície nikdy nezomrú. Vyvíjajú sa vo vzostupnej špirále. S každou ďalšou revolúciou sa časť pohybu, relatívne povedané, odohráva v tieni. Dominantný štýl v tejto dobe len toleruje takúto „zatienenú“ tradíciu a často ju používa aj v opačnom zmysle.

Záver

Každý novovznikajúci trend sa vyznačuje antagonistickým postojom voči svojmu predchodcovi. Navyše možno tvrdiť, že zrod nového štýlu je sprevádzaný povinným odmietaním priamo súvisiacich tradícií minulosti. Na druhej strane je nový štýl široko založený na hlbších tradíciách, ktorých tvorivé chápanie dáva základ jeho ďalšiemu rozvoju. Ako sa baroko líši od klasicizmu?

Umeniu a architektúre 18. storočia dominovali dva zásadné štýly – barok a klasicizmus. Nie je náhoda, že vedľa seba existovali pomerne dlho, v rovnakej dobe. Nie je možné nevšimnúť si ich blízky vzťah, hoci existuje aj veľa charakteristických čŕt, ktoré sú vlastné len určitému smeru. Aký je rozdiel medzi barokom a klasicizmom a ako pri pohľade na obraz alebo stavbu zistíte, do ktorého štýlu patria? Čo je baroko a klasicizmus

Barok je umelecký štýl, ktorý vznikol v Taliansku a je rozšírený v európske umenie do polovice 18. storočia.

Klasicizmus je umelecký štýl charakteristický pre európske umenie, ktorý sa zvlášť zreteľne prejavil v druhej polovici 18. storočia.

Porovnanie baroka a klasicizmu

IN aký je rozdiel medzi barokom a klasicizmom?

Barok a klasicizmus sú antagonistické hnutia, hoci majú veľa spoločných čŕt, pretože vznikli v tej istej dobe.

TheDifference.ru zistil, že rozdiel medzi barokom a klasicizmom je nasledovný:

1. barokový vyznačuje sa bujarými a dynamickými formami. Klasicizmus sa vyznačuje harmóniou a vyváženosťou všetkých detailov.

2. Barok stavia do popredia luxus, nádheru, lesk, pompéznosť a bohatosť výzdoby. Klasicizmus si cení zdržanlivosť a jednoduchosť línií, dekor sa používa veľmi opatrne.

3. Barok využíva priestorové ilúzie, ktoré deformujú proporcie a pridávajú mierku. Klasicizmus je založený na harmónii proporcií, pochádzajúcej z antickej tradície.

Uverejnené na Allbest.ru

Podobné dokumenty

Klasicizmus a baroko: dva štýly tej istej doby. Logika dispozície a geometrického tvaru v architektúre klasicizmu. Princíp symetrických-axiálnych plánovacích systémov. Vlastnosti bodu obratu medzi štýlmi. Umenie v parku.

správa, doplnené 12.08.2016


Vlastnosti architektonického štýlu vo Francúzsku v 17. storočí, problém jeho definície a výber medzi barokom a klasicizmom. Urbanistické plánovanie vo Francúzsku v ére absolutizmu. Luxemburský palác. Výtvory Francoisa Mansarta. Architektúra druhej polovice 17. storočia.

kurzová práca, pridané 29.09.2013


História svetového urbanizmu. Systém rovných ulíc v Ríme. Metódy konštrukcie súboru. Monumentálna kolonáda pred Katedrálou sv. Petra ako príklad barokovej kompozície. Klasicizmus vo svetovom urbanizme. Estetika plánovania Versailles.

kurzová práca, pridané 26.08.2013


Predpoklady pre vznik, historická charakteristika, konštrukčné črty, osobitosti, kritika a dovŕšenie baroka. Popis „ideálneho mesta“ renesancie. Špecifiká architektonických foriem a typov stavieb v barokovom štýle.

abstrakt, pridaný 31.05.2010


História vzniku, znaky formovania a charakteristika barokového štýlu, jeho úloha vo svetovej architektúre. Opis chrámovej architektúry z barokovej éry. Špecifické črty ruského baroka, podstata a význam piatich kupolových kostolov v jeho architektúre.

abstrakt, pridaný 17.04.2010


Klasicistická architektúra: prísnosť formy a priestorového riešenia, geometria interiérov. Kombinácia jasnej architektonickej siluety a lakonickej vonkajšej dekorácie, charakteristickej pre románsky štýl. Architektúra v štýle baroka, gotiky, empíru, rokoka.

prezentácia, pridané 26.11.2014


Zváženie hlavných architektonických štýlov: románsky, gotický, barokový, rokokový, klasicistický, modernistický a renesančné stavby. Architektúra (architektúra) ako systém budov a štruktúr, ktoré tvoria priestorové prostredie pre život a činnosť ľudí.

prezentácia, pridané 3.10.2014


Pojem a princípy architektúry ako umenie navrhovať a stavať rôzne budovy, stavby a ich komplexy. Klasifikácia tohto kultúrneho procesu a štýlov bežných v 18. storočí: Narshkinsky, klasický barok a klasicizmus.

prezentácia, pridaná 12.12.2013


Koncepcia a všeobecné charakteristiky Baroko ako architektonický štýl, jeho znaky a vlastnosti. Architektonické súbory Ríma, analýza diela Lorenza Berniniho. Architektúra Petrohradu a jeho okolia. Prejavy klasicizmu v architektúre západnej Európy.

test, pridané 10.4.2013


Architektonický štýl ako súbor charakteristických znakov a vlastností architektúry. História a hlavné etapy vývoja architektúry od antiky, stredoveku, renesancie, baroka, klasicizmu. Faktory, ktoré ovplyvnili formovanie modernej architektúry.

Baroko a klasicizmus

palác versailleskej kultúry umelecký

V 17. storočí v rámci aktívneho rozvoja hospodárstva a umenia Francúzsko získalo status vzorovej krajiny absolutistických foriem vlády a praktických hospodárskych politík. Vďaka protireformačnému hnutiu nadobudol Rím nový význam v kultúrnom priestore územne roztriešteného Talianska. Výsledkom bolo, že výstavba náboženských budov dostala silný impulz. Za týchto podmienok sa začalo koncom 17. storočia nová etapa výstavba prispela k tomu, že nemecké kniežatá sa vo svojich potrebách riadili cudzími vzormi. Do veľkej miery ich ovplyvnil francúzsky absolutizmus Ľudovíta XIV. Každý feudálny pán – bez ohľadu na to, aké malé územie mu patrilo – skopíroval svoje sídlo z Versailles, tejto perly kráľovského majetku.

Napriek tomu, že európska architektúra 17. - 18. storočia sa nevyznačuje uniformitou a celistvosťou, je zvykom spájať ju so všeobecným konceptom „baroka“. Kniežacie zámky a cirkevné stavby sa stali pri výstavbe prioritnými objektmi a zosobňovali odpor proti reformácii. V 30. rokoch 18. storočia sa začal citeľne prejavovať vplyv osvietenstva, čo sa okamžite prejavilo na zvýšenej intimite budov. Obľúbenými miestami pobytu princov sa stali malé elegantné zámky obklopené parkmi. Toto je jeden z najvýraznejších charakteristických rysov baroka.

Nový štýl vyzval krásu, aby pomohla v urbanistických aktivitách životné prostredie, alebo jednoduchšie povedané - na šírku. Krajina sa stala jednou z hlavných zložiek urbanistického súboru. Námestie, ktoré stratilo svoj funkčný a demokratický obsah, sa stalo prednou časťou mesta, jeho ozdobou. Baroková architektúra sa vyznačuje majestátnosťou, pompéznosťou a dynamikou, zábavou a silným kontrastom mierok a rytmov.

Vďaka bizarnej plasticite fasád, zložitým krivočiarym plánom a obrysom získali barokové paláce a kostoly malebnosť a dynamiku. Zdalo sa, že vrástli do priestoru okolo nich. Barokové interiéry zdobili viacfarebné sochy, štuky a rezbárske práce; zrkadlá a maľby boli nevyhnutné pre iluzórne rozšírenie priestoru a maľba tienidiel vytvárala ilúziu klenieb otvárajúcich sa nad divákom.

V barokovom maliarstve a sochárstve mali dominantné postavenie dekoratívne mnohostranné kompozície náboženského, mytologického či alegorického charakteru, ako aj slávnostné portréty. Pri zobrazovaní človeka boli preferované stavy napätia, povznesenosti a zvýšenej dramatickosti. V maľbe nadobudla veľký význam emocionálna, rytmická a koloristická jednota celku, často neobmedzená sloboda ťahov štetcom; v sochárstve je malebná plynulosť formy, bohatstvo aspektov a dojmov.

Charakteristickými znakmi baroka sú zložitosť plánov, bohatý interiérový dizajn s nečakanými a veľkolepými priestorovými a svetelnými riešeniami, množstvo kriviek, plasticky sa ohýbajúce línie a plochy, kontrast, napätie a dynamika obrazov, afektovanosť, túžba po luxuse a nádhere, pre spojenie reality a ilúzie k spojeniu umenia. Barokový štýl staval do kontrastu jednoduchosť klasických foriem so sofistikovanosťou v tvarovaní. V architektúre boli široko používané prvky maľby a sochárstva a maľované povrchy stien.

Ideové základy baroka sa formovali v podmienkach reformácie a Kopernikovho učenia. Myšlienka sveta ako racionálnej a stálej jednoty, charakteristická pre filozofiu staroveku a renesančnú predstavu človeka ako koruny stvorenia, sa zmenila. Človek sa začal uznávať ako „niečo medzi všetkým a ničím“, ako povedal Pascal, „ten, kto zachytáva iba zdanie javov, ale nedokáže pochopiť ani ich začiatok, ani koniec“.

Vznik baroka bol do istej miery umožnený nedostatkom financií na stavbu palácov medzi príslušníkmi šľachty. Pri hľadaní východiska z tejto situácie sa obrátili na umenie, aby vytvorili ilúziu moci a bohatstva. Čiastočne aj vďaka tomu vznikol v Taliansku v 16. storočí barok.

Architektonické formy baroka vychádzali z talianskej renesancie, ale prevyšovali ju komplexnosťou, rozmanitosťou a malebnosťou. Priečelia s profilovanými rímsami, s kolosálnymi stĺpmi, polstĺpmi a pilastrami na niekoľko poschodí, luxusné sochárske detaily, často kolísajúce od konvexných po konkávne, dávajú samotnej stavbe pohyb a rytmus. Ani jeden detail takejto stavby nebol nezávislý, na rozdiel od obdobia renesancie. Všetky časti súboru sú podriadené všeobecnej architektonickej koncepcii, ktorú dopĺňa dizajn a výzdoba interiérov, ale aj krajinného záhradníctva a urbanistického architektonického prostredia.

Vo Francúzsku je barokový štýl vyjadrený o niečo skromnejšie ako v iných krajinách. Predtým sa všeobecne uznávalo, že barokový štýl sa tu vôbec nerozvíjal a barokové pamiatky boli považované za pamiatky klasicizmu. Niekedy je vhodné použiť výraz „barokový klasicizmus“ vo vzťahu k francúzskej a anglickej verzii baroka. V súčasnosti je Versaillský palác spolu s pravidelným parkom, Luxemburským palácom a budovou považovaný za francúzsky barok. Francúzska akadémia v Paríži a iné diela architektúry. Majú niektoré klasicistické črty. Charakteristickým rysom barokového štýlu je pravidelný štýl v krajinnom záhradkárskom umení, ktorého najjasnejším príkladom je Versaillský park, vrchol kreativity talentovaného majstra Andre Le Nôtre.

Nemecký kritik umenia a historik antického umenia Johann Joachim Winckelmann v roku 1755 napísal: „Jediný spôsob, ako sa stať veľkými a pokiaľ možno nenapodobiteľnými, je napodobňovať starých ľudí. Týmto sloganom vyzval svojich súčasníkov k obnove umenia, vychádzajúc z krásy antiky, vnímanej ako ideál a nachádzajúcej aktívnu podporu v európskej spoločnosti. Starovekú architektúru vnímal ako štandard harmónie, jednoduchosti, prísnosti, logickej prehľadnosti a monumentality. Pokroková verejnosť vnímala klasicizmus ako nevyhnutný protiklad k dvornému baroku. Vznik klasicizmu sa zhodoval s obdobím buržoáznych revolúcií – anglickej v roku 1688 a francúzskej o 101 rokov neskôr. Jedným z najdôležitejších znakov klasicizmu sa tak stalo obrátenie sa k antickému umeniu ako najvyššiemu vzoru a opieranie sa o tradície vrcholnej renesancie.

Výtvarné umenie klasicizmu sa snažilo stelesniť myšlienku harmonickej štruktúry spoločnosti. O komplexnosti výtvarného umenia klasicizmu jasne svedčia rozpory medzi jednotlivcom a spoločnosťou, ideálom a realitou, citmi a rozumom. Umelecké formy klasicizmu sa vyznačujú prísnou organizáciou, vyváženosťou, jednoduchosťou a harmóniou obrazov.

Túžba stelesniť vznešenú jednoduchosť a pokojnú vznešenosť starovekého umenia v stavebníctve viedla majstrov tej doby k túžbe úplne skopírovať starobylú budovu. To, čo zanechal nemecký architekt Gilly vo fáze návrhu pomníka Fridricha II., na príkaz Ľudovíta I. Bavorského, sa uskutočnilo na svahoch Dunaja v Regensburgu a dostalo názov Valhalla – „Komora mŕtvych“. “.

V Nemecku boli centrami výstavby v klasickom štýle kniežacie paláce a sídla, medzi nimi Marktplatz (trhové námestie) v Karlsruhe, Maximilianstadt a Ludwigstrasse v Mníchove, ako aj výstavba v Darmstadte. Pruskí králi v Berlíne a Postupime uprednostňovali pri výstavbe aj klasicizmus. Avšak v tom čase už paláce stratili svoje postavenie ako hlavné stavebné projekty. Vily a vidiecke domy vyzerali nemenej pôsobivo a pôsobivo. Rozsah verejnej výstavby zahŕňal sociálne budovy - nemocnice, domovy pre slepých a hluchonemých, ako aj väznice a kasárne. Čoskoro ich doplnili verejné budovy ako divadlá, múzeá, univerzity a knižnice. Obraz dotvárali vidiecke majetky aristokracie a meštianstva, radnice a obytné budovy v mestách a dedinách Stavba kostolov už nebola prvoradou úlohou, no pozoruhodné stavby sa objavili v Karlsruhe, Darmstadte a Postupime. debata o tom, či sú pohanské architektonické formy vhodné pre kresťanský kláštor.

V maľbe mal dominantnú úlohu logický vývoj zápletky, jasná vyváženosť kompozície, jasný prenos objemu a svetelná a tieňová modelácia formy a použitie lokálnych farieb.

Jasné vymedzenie plánov v krajinomaľba bola odhalená aj pomocou farby: popredie muselo byť natreté hnedou, druhou zelenou a treťou modrou.

Klasicistická architektúra sa vyznačuje pravidelnosťou usporiadania a jasnosťou objemovej formy. Základom architektonického jazyka klasického štýlu bol poriadok proporciami a formou blízky staroveku. Klasicizmus sa vyznačuje symetrickými osovými kompozíciami, zdržanlivosťou dekoratívnej výzdoby a pravidelným systémom urbanizmu.

Veľký benátsky majster Palladio a jeho nasledovník Scamozzi sformulovali na konci renesancie architektonický jazyk klasicizmu. Benátčania absolutizovali princípy starovekej chrámovej architektúry do takej miery, že pre ne našli uplatnenie aj pri výstavbe takých súkromných kaštieľov, ako je Villa Capra. Inigo Jones preniesol palladianizmus do Anglicka, kde miestni palladiánski architekti nasledovali palladiánske princípy s rôznou mierou vernosti až do polovice 18. storočia.

V tomto čase sa medzi intelektuálmi kontinentálnej Európy začala hromadiť sýtosť s luxusom neskorého baroka a rokoka. Táto baroková a rokoková estetika bola rozhodne nevhodná na riešenie veľkých urbanistických problémov. Už za Ľudovíta XV. boli v Paríži postavené mestské súbory v „starorímskom“ štýle vrátane Place de la Concorde (architekt Jacques-Ange Gabriel) a kostola Saint-Sulpice a za Ľudovíta XVI. taký „ušľachtilý lakonizmus“ sa stal hlavným architektonickým smerom.

Výstavbou kostola Sainte-Geneviève v Paríži francúzsky architekt Jacques-Germain Soufflot preukázal schopnosť klasicizmu organizovať rozsiahle mestské priestory. V Rusku sa Baženov pohol rovnakým smerom ako Soufflot. Francúzi Claude-Nicolas Ledoux a Etienne-Louis Boullé sa dokázali posunúť ešte ďalej smerom k rozvoju radikálneho vizionárskeho štýlu s dôrazom na abstraktnú geometrizáciu foriem. V revolučnom Francúzsku nebol asketický občiansky pátos ich projektov žiadaný.

Architekti napoleonského Francúzska hľadali inšpiráciu v obrazoch vojenskej slávy, ktoré prežili z čias cisárskeho Ríma, ako napríklad víťazný oblúk Septimia Severa a Trajánov stĺp. Na príkaz cisára boli prevezené do Paríža vo forme víťazný oblúk Kolotoč a stĺp Vendôme. Vo vzťahu k pamiatkam vojenskej veľkosti z obdobia napoleonských vojen je zvykom používať výraz „cisársky štýl“ - empírový štýl. V Rusku boli vynikajúcimi majstrami empírového štýlu takí majstri ako Carl Rossi, Andrei Voronikhin a Andreyan Zakharov.

Najvýznamnejšie interiéry v klasickom štýle dokončil škótsky architekt Robert Adam po návrate do vlasti z Ríma v roku 1758. Obrovský dojem naňho urobil archeologický výskum talianskych vedcov a architektonické fantázie Piranesi. V Adamovom výklade bol klasicizmus štýlom sotva horším v sofistikovanosti ako rokokové interiéry. To mu vynieslo slávu medzi demokraticky zmýšľajúcimi kruhmi spoločnosti aj medzi aristokraciou. Rovnako ako jeho francúzski kolegovia, aj Adam preferoval úplné odmietnutie častí, ktorým chýbala konštruktívna funkcia. Estetika klasicizmu prispela k rozsiahlym urbanistickým projektom a do určitej miery prispela k usporiadaniu urbanistického rozvoja v meradle celých miest.

V Rusku bola väčšina provinčných a takmer všetky okresné mestá preplánované v súlade s princípmi klasicistického racionalizmu. Autentické múzeá klasicizmu pod otvorený vzduch sa stali mestá ako Petrohrad, Helsinki, Varšava, Dublin, Edinburgh a niektoré ďalšie. V celom priestore od Minusinska po Philadelphiu sa vytvoril jednotný architektonický jazyk, ktorý sa datuje od Palladia. Bežný vývoj prebiehal v súlade s albumami štandardných projektov.

V období po napoleonských vojnách existoval klasicizmus súčasne s romanticky zafarbeným eklekticizmom, najmä s oživením záujmu o stredovek a módou neogotickej architektúry. V súvislosti s objavom Rosettskej platne od Champolliona si egyptské námety získali popularitu. Záujem o starorímsku architektúru postupne vystriedala úcta ku všetkému starogréckemu, čo sa zvlášť zreteľne prejavilo v Nemecku a USA. Nemeckí architekti Leo von Klenze a Karl Friedrich Schinkel vybudovali Mníchov a Berlín s grandióznym múzeom a ďalšími verejnými budovami v duchu Parthenonu. Vo Francúzsku bola čistota klasicizmu rozriedená voľnými výpožičkami z architektonického repertoáru renesancie a baroka.

Závery ku kapitole 1

V r sa rozvinul barokový a klasicistický štýl umeleckej kultúry Západná Európa v období XVII-XVIII storočia. Tieto dva smery v umení úspešne koexistovali dve storočia, rozvíjali sa paralelne a striedavo zaujímali vedúce postavenie alebo ustupovali do pozadia.

Klasicistický štýl v umeleckej kultúre vyžadoval použitie umenia antického sveta ako štandardu. Pôvod klasicizmu sa odohral v štádiu buržoáznych revolúcií - anglických a francúzskych - čo ovplyvnilo charakter jeho formovania a odrazilo sa v charakteristikách národného štýlu.

IN výtvarného umenia klasicizmus sledoval cieľ stelesniť myšlienku harmonickej štruktúry sociálnej stránky existencie. Umelecké formy klasicizmu sa vyznačujú znakmi prísnej organizácie, rovnováhy, jednoduchosti a harmónie obrazov.

Charakteristickými znakmi barokového štýlu bola zložitosť plánov, svieža interiérová výzdoba s veľkolepými priestorovými a svetelnými riešeniami, množstvo kriviek, plasticky ohýbané línie a plochy, kontrast a svetlá dynamika obrazov, túžba po luxuse, spojenie ilúzie a reality. a fúzie umenia. Navzdory klasickým formám barokový štýl podporoval sofistikovanosť v tvarovaní. V architektúre bolo rozšírené používanie prvkov maľby a sochárstva a maľovaných povrchov stien.

Človek sa v barokovej ideológii javil ako „niečo medzi všetkým a ničím“, ako povedal Pascal, „tí, ktorí zachytávajú iba zdanie javov, ale nedokážu pochopiť ani ich začiatok, ani koniec“.

Klasicistická budova: Nationalrat, Národná rada - dolná komora rakúskeho parlamentu. Žila. 1874 -1884 Budovu navrhol architekt Theophil Hansen. Štruktúra sa mala podobať staroveké Grécko- „kolíska demokracie“.

Často je zvykom porovnávať štýly v architektúre, ktoré sú úzko prepojené s architektúrou európskych krajín: empír, barok, rokoko, klasicizmus.

Každý z týchto štýlov vznikol na vrchole určitej éry, predchádzali im určité udalosti, ktoré boli kľúčové vo vývoji civilizácie. Štýly sa líšili v prístupe k dizajnu budov, založených na špecifických filozofiách charakteristických pre konkrétne historické obdobie.

Empírové a barokové

Empír a barok sa zdajú úplne rôzne štýly, majú však niečo spoločné - zdôraznenú divadelnosť a dekoratívnosť. Barok vznikol v 16. storočí pod vplyvom reformného hnutia, oslabením vplyvu katolíckej cirkvi a posilnením svetskej moci.

Baroko odráža túžbu po bohatstve a luxuse a ich vonkajší výraz. Rodiskom štýlu bolo Taliansko, kde sa baroko objavilo v dôsledku vývoja renesancie. Z Talianska sa štýl rozšíril po Európe, kde vládol až do 18. storočia. V niektorých krajinách sa barok z rôznych dôvodov rozvíjal pomalým tempom: napríklad v Nemecku a Rakúsku sa v dôsledku tridsaťročnej vojny prakticky nerealizovali žiadne väčšie stavby a štýl sa v architektúre začal objavovať až v r. druhej polovice 17. storočia.