Культурные явления 20 века. Европейская культура первой половины XX века

Культура XX века

1. Модернизм

Список использованных источников

1. Модернизм

XX век стал веком "проклятых вопросов", рожденных трагическими событиями - революции, мировые и гражданские войны, нацизм, - которые отразились на культуре. Новые формы искусства, виды социальных практик, способы философского самовыражения, научные теории, нравственные каноны, правила общественной морали – все области в жизни человека затронуло новое особое ощущение – ощущение абсурда. Человек увидел, как пространство мира распадается. Мир не поддавался напору разума, уходил из-под ног, и человек понял, что его мысли о могуществе – это иллюзия. Человек осознал себя "главным промахом Бога" (Ф.Ницше), и провозгласил ненужность Бога для себя. В 125-м фрагменте из "Веселой науки" немецкого философа Фридриха Ницше (1844-1900) приводится показательный сюжет: некий безумец выбегает с фонарем на улицы города. Люди в недоумении спрашивают, что он собирается делать, и он отвечает: "Тот Бог, которому вы все поклоняетесь и поклонялись, на самом деле мертв (умер). Он мертв, потому что вы сами Его убили". Бог у Ницше – это не только Бог христианства или другой религии, а весь сверхчувственный метафизический мир, ценности которого люди перестали принимать. Ницшевская идея о "смерти Бога" влечет за собой другие: все дозволено, новым Богом становится искусство; место Богочеловека Христа занимает сверхчеловек, человекобог, который противопоставляет себя "дрожащим тварям", толпе. Человек научился только мучить мир и самого себя, потому что остался один на один с разрушающимся самим собой. Культура заменила религию.

Модернизм – (фр.modern – "новый") – философско-эстетическое движение в литературе и искусстве конца XIX – первой половины XX века. Модернизм просуществовал до 50-60-х гг. XX века, в 70-е гг. его сменил постмодернизм. Философской базой искусства модернизма стала философия абсолютного идеализма, провозглашающая нереальность материального мира и реальность мира идеального, нематериального. Основоположник - Фрэнсис Брэдли (1846-1924). А также - философия экзистенциализма (лат. exsistentia – "существование") - влиятельное послевоенное течение, выступившее против дегуманизирующих тенденций в политике, социальной жизни, культуре, науке, технике, экономике и пр., рассматривающее духовные вопросы под знаком "экзистенции" как специфически человеческого существования в мире). Представители – Мартин Хайдеггер (1889-1976), Жан-Поль Сартр (1905-1980), Альбер Камю (1913-1960), Карл Ясперс (1883-1969), Габриель Марсель (1889-1973), Николай Бердяев (1874-1948), Лев Шестов (1866-1938).

На искусство модернизма оказал влияние интуитивизм (лат. intuitus- "взгляд") - позиция в теории познания, основывающаяся на убеждении в двуединстве и внутренней взаимосвязи сознания и внешней реальности, т.е. незамкнутости сознания на себя: сознание способно "выходить за пределы себя", "входить в бытие", "озарять" его своим светом и воспринимать внешнюю реальность, без привлечения чувственных данных. Представители: Анри Бергсон (1859-1941), Николай Лосский (1870-1965), Семен Франк (1874-1950).

Немалую роль в модернистском искусстве сыграла восточная философия, буддизм с его созерцательностью, пассивностью; а также философия Карла Маркса (1818-1883) и Фридриха Энгельса (1820-1895).

Модернизм исходит из того, что мир изначально трагичен и абсурден. Он отвергает рациональные способы освоения мира, отказывается от материалистических теорий, от позитивизма и жизнеподобного отражения действительности. Отрицает все стереотипные идеологии общественного сознания. Взамен модернизм ищет новые особые пути в объяснении действительности. Главная ценность модернизма – личность с ее сложными душевными переживаниями, поэтому модернистское искусство, как правило, психологично, обращается к сфере сознания и бессознательного. Модернистов интересует пограничные душевные состояния (безумные, больные, заключенные, воры и т.д.). В этой связи модернистов интересуют достижения психоанализа Зигмунда Фрейда (1856-1939) и Карла Густава Юнга (1875-1961): разделение психики на сознательное и бессознательное: 1) сверх-я, 2) я, 3) оно; изучение проявления бессознательного в снах, бреде сумасшедших, описках, оговорках; понятие либидо – сексуальной энергии, которая сопровождает творчество; учение о вытеснении и сопротивлении и проч. В человеке есть все, утверждают модернисты: от возвышенного до низменного, от божественного до дьявольского. Человек стремится познать свои высоты, спуститься в свои глубины, найти идеал (нового Бога), подчинить дьявола себе. Необходимо создать условия для метафизического, художественного и общественного освобождения человека. Способы достижения этих целей модернисты разных направлений предлагали свои.

Термин "модернизм" впервые появился во Франции: его ввели братья Жюль (1830-1870) и Эдмон (1822-1896) Гонкур для обозначения новой литературной формы. Начало модернизма связывают с выходом поэтического сборника Шарля Бодлера (1821-1867) "Цветы зла" (1850 г.). Гюстав Флобер (1821-1880) многими признан первым модернистом.

Модернистское произведение всегда интеллектуально и требует всесторонней подготовки для правильного понимания воспринимающим субъектом. Модернизм придерживается эстетической стратегии автономии искусства, утверждает его принципиальную независимость от каких-либо внехудожественных контекстов (социального, политического, религиозного и проч.), отказывается от миметического принципа в искусстве, делая акцент на художественной форме, понимаемой в качестве сущностной основы произведения искусства, тождественной его содержанию.

"Классический модернизм" представлен:

– Символизм.

Символизм - направление в европейском искусстве 1870-1910 гг. Символизм затронул в основном поэзию. Художественное выражение поэты осуществляли посредством символа. Символ - многозначно-иносказательный и логически непроницаемый образ "вещей в себе" и идей, находящихся за пределами чувственного восприятия. Вещи, если они символичны, являют особую смысловую соотнесенность с запредельным. Чтобы видеть такую соотнесенность, необходимо раскрыть духовное зрение, связанное с активной жизнью личности в мире смыслов, а не только среди вещей в их непосредственной данности. Символисты интересовались классической мифологией, древними эзотерическими учениями и их современными модификациями – теософии, антропософии. Стремясь заговорить на "новом" языке, символисты обращались к архаичным образам мифов и фольклора.

Представители: Шарль Бодлер (1821-1867), Поль Верлен (1844-1896), Артюр Рембо (1854-1891) и др. Русскими символистами были Вячеслав Иванов (1866-1949), Андрей Белый (1888-1934), ранний Александр Блок (1880-1921).

– Импрессионизм и постимпрессионизм.

Импрессионизм – (фр. Impression – "впечатление"), термин произошел от названия картины Клода Моне (1840-1926) "Impression: Soleil levant" (Париж, 1874). Импрессионизм сосредоточен на особенном, единичном и субъективном видении художника.

Импрессионизм утверждал впечатлительного созерцающего человека, способного видеть красоту в простых явлениях, счастливого лицезреть свечение предметов, прозрачность, чистоту и текучесть воздуха, напоенного светом. Импрессионисты боролись за передачу первого художественного впечатления от визуально воспринимаемой действительности, увиденной под неутилитарно направленным углом зрения художника. Основная проблема импрессионизма – передача света и воздуха. Для этого они старались писать чистыми цветами, не смешивая их на палитре, и использовали оптическое восприятие глаза, сливающего на определенном расстоянии отдельные мазки в общий живописный образ.

Представители импрессионизма:

– в живописи К.Моне, О.Ренуар, Э.Дега, А.Сислей, А. Матисс, М. Утрилло, К. Коровин.

– в музыке: К. Дебюсси, М. Равель, А. Скрябин.

– в литературе: К. Гамсун, Г. Келлерман, Г. Гофмансталь, А. Шницлер, О. Уальд, А. Саймонс, Б. Зайцев.

Постимпрессионизм понимает мир усложненно, как явление некой сверхчувственной сущности. Они мифологизируют реальность как воплощение стихийных сил природы и истории, оставаясь при этом в рамках визуального правдоподобия. Глубинная черта их художественного метода – отказ от статической единовременности и пространственной непрерывности изображения.

Представители: П. Сезанн, В. Ван-Гог, П. Гоген, отчасти В. Серов, К. Петров-Водкин.

– Экспрессионизм.

Экспрессионизм – (от лат. Expressio – выражение), возник и интенсивно развивался в Германии, преимущественно в живописи. Инициаторы – студенты-архитекторы Э. Л. Кирхнер, Ф. Брейль, Э. Хеккель, К. Шмидт-Ротлуф, образовавшие в 1905 г. группу "Мост". Никто из них не имел специального опыта в живописи – и их художественные эксперименты привели к рождению нового художественного направления.

Суть экспрессионизма заключается в обостренном выражении с помощью художественных средств и приемов чувств и переживаний художника, иррациональных состояний его души, трагического и экзистенциально-драматического спектров: тревоги, страха, тоски, нервозности, ностальгии и т.п. Эстетика экспрессионизма отрицает внешнее описательное правдоподобие, призывая постичь человека не столько в его семейных и общественных взаимосвязях, а в его метафизической сути.

Известный немецкий художник-экспрессионист Франц Марк (1880-1916) ("Синий конь", "Судьба животных" и др.) стремился к выражению в искусстве духовного начала и с горечью констатировал всеобщую незаинтересованность человечества в новых духовных ценностях.

В литературе экспрессионистские черты характерны для писателей, группировавшихся вокруг журналов "Штурм", "Акция" и др. наиболее известные писатели-экспрессионисты Г. Майринк, А.Франк, Ф.Кафка, ранний И.Бехер, Л.Андреев. В произведениях австрийского писателя Франца Кафки (1883-1924) ("Процесс", "Замок", "Америка", "Превращение" и др.) показан трагичный и враждебный человеку мир. Сюжеты Кафки напоминают страшные сны. Люди живут в мире с ощущением смутной потребности защищенности, но они безнадежно запутались в себе и рады бы повиноваться, но не знают, кому. Они рады бы творить добро, но путь к нему прегражден, они слышат зов таинственного Бога – и не могут найти его. Человек в мире Кафки обречен на страдание. Так, в романе "Процесс" главный герой Йозеф К., обвиняется – он и сам не знает, в чем. Он намерен защищаться, но не знает, от чего. Он любит, ест, пьет, читает газету. Затем его судят. Но в зале заседания темно, и он едва разобрал, каков приговор. Его голову кладут на камень и совершают казнь. Перед смертью он успевает сказать: "Как собаку". Это совершенно точное изображение ложного иллюзорного мира, как бы "копирование" его.

Экспрессионизм в архитектуре: А.Гауди, Ле Корбюзье и др.

Экспрессионизм в музыке: А. Шёнберг, А. Веберн, А. Берг.

– Экзистенциализм.

Философия экзистенциализма нашла свое воплощение в литературе. Основные темы связаны с человеческим существованием как таковым: судьба личности, проблема веры и неверия, утраты и обретения смысла жизни, свободы, духовного кризиса, выбора, который делает человек. Человек одинок, - утверждают экзистенциалисты, - он выпал из привычного социума и для него в мире нет и не может быть никакой надежды. Человек должен осознать, что он живет только сегодня и никакого завтра, никакого будущего у него нет. Если оно и будет, то уже не у него, а у тех, кто придет вслед за ним, но для них это будущее станет лишь настоящим. Мир абсурден, в нем заканчиваются самые восхитительным иллюзии и мечты. Абсурд учит человека смотреть на мир открытыми глазами, не смиряясь и не покоряясь судьбе. Причиной глубокого человеческого кризиса является духовный вакуум, образованный из пустоты идеи о "смерти Бога".

Идеи экзистенциализма проявились в творчестве французского писателя и философа Альбера Камю (1913-1960), его тексты "Счастливая смерть", "Бунтующий человек", "Чума", "Посторонний" и др. В повести "Посторонний" экзистенциальный антигерой Мерсо осужден за то, что он посторонний, пренебрегающий общественными нормами. Он понимает, что все абсурдно, Бога нет, есть одна истина – смерть. Для убийства, которое совершает Мерсо, в повести нет житейских мотивов. Он убивает, потому что сильно светит солнце Средиземноморья. Оно жжет его. В сцене убийства 3 действующих лица: Мерсо, Араб и Солнце. Мерсо принадлежит миру природы. В момент, убийства он ощущает себя частью космического пейзажа. Его движением управляет солнце. Природа освобождает человека от мук раскаяния, позволяет преодолеть абсурд общества. Здесь – аллюзия на солнечную мифологию, языческое отношение к природе.

Представители: Ж.-П. Сартр, А.Камю, А. Мальро, С. де Бовуар, Г. Марсель, Дж. Болдуин, У. Голдинг и др.

– Литература "потока сознания".

"Поток сознания" - предельная степень, крайняя форма внутреннего монолога. Задача писателей – "перехватить мысль на полдороге", в связи с чем в текстах очевидна склонность к зыбким впечатлениям, тягучести форм. Элементы "потока сознания" рассматриваются в контексте психоанализа как одно из эффективных средств познания глубин человеческой психики. Яркий представитель направления – ирландский писатель Дж.Джойс (1882-1941) в романе "Уллис" продемонстрировал различные формы внутренней речи – от традиционного внутреннего монолога до буквальной регистрации мыслей на десятках страниц с однажды лишь употребленным знаком препинания.

Представители: М. Пруст, Г. Стайн, В. Вульф, Т.Элиот.

2. Авангардные направления в искусстве

Авангард – (фр. аvant-garde – "передовой отряд") – совокупность многообразных новаторских движений и направлений в художественной культуре модернизма первой трети XX: футуризм, дадаизм, сюрреализм, кубизм, супрематизм, фовизм и др. Авангард – это крайнее проявление модернизма в целом. Авангард – это динамичное, экспериментальное искусство. Начало авангарда - 1905-1906 гг., а о смерти его говорят уже в 20-е гг.

Социальная база авангарда - протест, вражда с современной цивилизацией. В основе авангардных произведений лежит игра с классической культурой в сочетании с идеей разрушения. Характерная особенность авангарда – это новаторская художественная практика, как в области художественной формы, так и в области прагматики (взаимодействия текста с читателем, включение в структуру артефакта того, кто воспринимает).

Аванград в отличие от классического модернизма сознательно ориентируется на аудиторию, активно воздействует на нее. В авангарде нет понятия об эволюции, он не развивается, - это резкий протест против всего, что представляется авангардистам консервативным. Как отметил российский философ В. Ф. Петров-Стромский, "в своих деструктивных тенденциях это искусство было предчувствием и предвестием гуманитарной катастрофы 1914 г., разоблачившей все пустозвонство ницшеанско-горьковской претензии на то, что "человек – это звучит гордо".

Год возникновения – 1907, когда молодой Пабло Пикассо (1881-1973) написал свою программную кубистическую картину "Авиньонские девицы". Кубизм возник как логическое продолжение аналитических исканий в искусстве постимпрессионистов, например, Поля Сезанна, который в 1907 г. обратился к художникам со знаменитым призывом: "Трактуйте натуру посредством цилиндра, шара, конуса".

В истории кубизма выделяют три фазы:

1. Сезаннистская (1907-1909), когда кубисты пытались найти простейшие пространственные структуры явлений мира, не изображали действительность, а создавали "иную реальность", передавая не облик предмета, а его конструкцию, архитектонику, структуру, сущность.

2. Аналитическая фаза кубизма (1910-1912) заключалась в применении специфических геометрических приемов и совмещения различных точек или углов зрения на предмет. В кубистическом произведении сознательно нарушаются все предметно-пространственные взаимосвязи видимого мира. Плотные и тяжелые предметы могут стать здесь невесомыми, а легкие – обрести тяжесть. Стены, поверхности столов, книг, элементы скрипок, гитар парят в особом оптически ирреальном пространстве.

3. В последнюю, синтетическую фазу кубизма (1913– 1914 г.) кубисты вводят в свои полотна неживописные элементы – наклейки от газет, театральных программ, афиш, спичечные коробки, обрывки одежды, куски обоев, подмешивают к краскам для усиления тактильной фактурности песок, гравий и другие мелкие предметы.

Н.Бердяев увидел в кубизме ужас распада, смерти, "зимний космический ветер", сметающий старое искусство и бытие.

Представители кубизма: П.Пикассо, Ж.Брак, Х.Грис.

Фовизм – (фр. Les faues – "дикие звери; эксперименты с открытым цветом") цвет становился главным средством душевного самовыражения, проявления симпатии к предметам окружающего мира. Фовистов волновала передача красочных, выразительных проявлений предметов, магия цветового воздействия на внутренний мир человека. В 1905 г. на выставке в Париже появилось полотно "Радость жизни" Анри Матисса (1869-1954), в которой четко обозначилась тенденция к абстрагирующей красоте.

Представители фовизма: Ж. Руо, Р. Дюфи, А.Матисс, М.Вламинка, А.Марке, А. Дерен.

Футуризм и кубофутуризм.

Футуризм – (лат. Futurum – "будущее") – одно из предельно эпатажных направлений в искусстве авангарда, наиболее полно реализовавшееся в визуальных и словесных искусствах Италии и России. Начало футуризма – публикация 20 февраля 1909 г. в парижской газете "Фигаро" "Манифеста футуризма" итальянского поэта Ф.Т. Маринетти (1876-1944). В центре эстетики футуризма - преклонение перед современной цивилизацией: упоенные новейшими достижениями техники, футуристы идеализировали урбанизацию, развитие индустрии, материальные ценности. Футуризм отвергал классическое высокое искусство и его "мистические идеалы".

Русский футуризм возник независимо от итальянского и был значительнее. Основа русского футуризма – ощущение краха, кризиса всего старого. Наиболее близким к футуризму было объединение кубофутуристов "Гилея", в которую входили А.Крученых, В.Маяковский, В.Хлебников, братья В. и Д. Бурлюки, В.Каменский и др., называвшие себя "будущниками", "будетленами".

Особо выделяются русские кубофутуристы-художники, творчески взаимодействующие с поэтами: Н. Гончарова, М. Ларионов, М. Матюшин, К. Малевич.

Абстракционизм.

Абстракционизм – общая тенденция целого ряда направлений авангарда 1910-1920-е гг. в живописи на создание живописно-пластических композиций, цветовых сочетаний, лишенных какого-либо вербализуемого смысла. В абстракционизме сложились два течения: психологическое и геометрическое.

Основателем психологического абстракционизма был Василий Кандинский (1866-1944), в картинах "Гора", "Москва" и др. он делал акцент на самостоятельной выразительной ценности цвета. Важны музыкальные ассоциации цветовых сочетаний, с помощью которых абстрактное искусство стремилось выразить глубинные "истины бытия", движение "космических сил", а также лиризм и драматизм человеческих переживаний.

Геометрический (логический, интеллектуальный) абстракционизм – это нонфигуративный кубизм. Художники создавали новый тип художественного пространства путем сочетания различных геометрических форм, цветных плоскостей, прямых и ломаных линий. Например, в России – лучизм М.Ларионова (1881-1964), возникший как своеобразное преломление первых открытий в области ядерной физики; "беспредметничество" О.Розановой, Л.Поповой, В.Татлина; супрематизм К.Малевича.

Супрематизм.

Казимир Малевич (1878,1879-1935) открыл супрематизм в 1913 г.картиной "Черный квадрат". "То, что я изобразил, было не "пустым квадратом, а восприятием необъективности"" (К. Малевич).

Позже в очерке "Супрематизм, или Мир неотображения" (1920) художник сформулировал свои эстетические принципы: искусство непреходяще, чистая пластическая чувственность, универсальные (супрематические) живописные формулы и композиции – идеальные конструкции из геометрически правильных элементов. Сюжет, рисунок, пространственная перспектива в супрематизме отсутствуют, главное – геометрическая форма и открытый цвет. Уход в абстрактные формы. 3 периода супрематизма: черный, цветной и белый. Белый: когда художник стал писать белые формы на белом фоне.

Конструктивизм.

Конструктивизм – одно из главных направлений авангарда, поставившее в центр своей эстетики категорию конструкцию. Конструктивизм появился на заре научно-технической революции и идеализировал идеи техницизма; он ценил машины и их продукцию выше личности, призывал к борьбе с искусством. Конструкция – целесообразная организация элементов художественной структуры, имеющей конкретное утилитарное или функциональное значение. Родоначальник конструктивизма в России – Владимир Татлин (1885-1953), который создал ряд так называемых угловых рельефов: выведя пластические образы из картины в реальное пространство экспонирования с использованием реальных материалов: жести, дерева, бумаги, окрашенных в соответствующие цвета. Его знаменитый проект "Памятник III Коммунистического Интернационала", воплотившем идею социально-политической роли III Интернационала. Русский конструктивизм стоял на службе революционной идеологии большевиков.

Первое официальное утверждение конструктивизма в Европе произошло в 1922 г. в Дюссельдорфе, когда было объявлено о создании "Международной фракции конструктивистов". Согласно конструктивистской эстетике цель художественного творчества – "жизнестроение", производство целесообразных "вещей". Это способствовало развитию дизайна. Теоретик и практик функционализма (течения конструктивизма) Ле Корбюзье (1887-1965) стремился превратить город в залитый солнцем и открытый воздуху парк. Он создал модель "лучезарного города", не разделенного на районы иерархически разного уровня. Корбюзье утверждал в архитектуре идеи рационализма, демократии и равенства.

Особое место в истории конструктивизма занимал "Баухауз" (Bauhaus – "гильдия строителей") – организованная архитектором В. Гропиусом в 1919 г. в Германии художественно-промышленная школа, которая активно функционировала в Ваймаре, Дессау, Берлине до закрытия ее нацистами в 1933 г. Целью этой школы было подготовить художников-конструкторов на основе объединения новейших достижений искусства, науки и техники.

Дадаизм – это авангардное направление в искусстве и литературе Западной Европы. Сложилось в Швейцарии и развивалось с 1916 по 1922 год. Основатель направления румынский поэт Тристан Тцара (1896-1963). Истоки дадаизма восходят к кафе "Вольтер", открытого в 1916 г. в Цюрихе, где дадаисты (Х.Балл, Р.Хюльзенбек, Г.Арп) устраивали театральные и музыкальные вечера.

– по-франц. "дада"- деревянная детская лошадка (Тцара наугад открыл "Словарь" Лярусса),

– "дада" - несвязный, детский лепет,

– дада – это пустота. Принципиально это слово ничего не значит. В отсутствии значения и есть значение.

Один из основателей дадизма немецкий поэт и музыкант Хуго Балл (1886-1927) считал, что для немцев это "показатель идиотской наивности" и всяческой "детскости": "То, что мы называем дада, это дурачество, извлеченное из пустоты, в которую обернуты все более высокие проблемы; жест гладиатора, игра, играемая ветхими останками … публичное исполнение фальшивой морали".

Принципами дадаизма стали: разрыв с традициями мировой культуры, бегство от культуры и реальности, представление о мире как о хаосе и безумии, в который обрушена беззащитная личность, пессимизм, безверие, отрицание ценностей, ощущение всеобщей потерянности и бессмысленности бытия, разрушение идеалов и цели жизни. Действительность в творчестве дадаистов доводилась до абсурда. С обществом они боролись с помощью революции в языке: разрушая язык, они разрушали общество. Дадаисты известны прежде всего своими лозунгами и шокирующим поведением и только затем художественными текстами. Произведения дадаистов рассчитаны на эпатаж и представляют собой иррациональное анархичное сочетание слов и звуков, которые на первый взгляд кажутся бессмысленными. Ирония, эротика, черный юмор, примесь бессознательного – составляющие артефактов дадаизма.

Реди-мейдс.

Реди-мейдс – (англ. Ready-made – "готовый") – произведения - предметы утилитарного обихода, изъятые из среды их обычного функционирования и без каких-либо изменений выставленные на художественной выставке в качестве произведений искусства. Основатель Марсель Дюшан (1887-1968), который первые реди-мейдс выставил в Нью-Йорке в 1913 г.: "Колесо от велосипеда" (1913), укрепленное на белом табурете, "Сушилка для бутылок" (1914), купленная по случаю у старьевщика, "Фонтан" (1917) – писсуар, прямо из магазина доставленный на выставку.

Дюшан считал, что никакая живописная копия не может показать предмет лучше, чем он сам своей явленностью. Проще выставить сам предмет в оригинале, чем стремиться изображать его. Внесение любого предмета в пространство художественной экспозиции узаконивало его статус как произведения искусства, если это "внесение" осуществлялось признанным художником.

Сюрреализм.

Сюрреализм (фр. Surrealism – "сверхреализм") появился в 1920-е гг. во Франции как направление, возникшее на художественно-эстетической почве идей фрейдизма, интуитивизма, художественных находок дадаизма и метафизической живописи.

Эстетика сюрреализма изложена в 2-х "Манифестах сюрреализма" Андре Бретона (1896-1966). Сюрреалисты призывали к освобождению человеческого духа от "оков" сциентизма, логики, разума, традиционной эстетики. 2 главных принципа сюрреализма: автоматическое письмо и запись сновидений. Обострение приемов алогичности, парадоксальности, неожиданности. Ирреальная (сверхреальная) художественная атмосфера, уводящая зрителя на иные уровни сознания. Для сюрреализма человек и мир, пространство и время текучи и относительны. Хаос мира вызывает и хаос художественного мышления – это принцип эстетики сюрреализма. Сюрреализм приводит человека на свидание с загадочной и непознаваемой, драматически напряженной вселенной. Одинокий человек сталкивается с таинственным миром.

Сюрреализм в живописи: Х.Миро, И.Танги, Г.Арп, С. Дали, М.Эрнст, А.Массон, П.Дельво, Ф.Пикабиа, С.Матта.

Безбрежен космос картин испанского живописца, скульптора и графика Сальвадора Дали (1904-1989), который заявил: "Сюрреализм – это я". (работы "Постоянство памяти", "Гала" и др.). Его полотна, словно пышные "похороны Бога", умирающего в груди человека, и холодные слезы по этой утрате. Сдвинутый, и перекошенный неузнаваемый мир на его полотнах то цепенеет, то корчится в конвульсиях. Цель – показать, что все на свете взаимопревращаемо. Невеселая ирония.

Сюрреализм в кино представлен творчеством режиссера Луиса Бунюэля (1900-1983)

Кино напоминает сновидения и связан с тайной. Фильм Бунюэля "Андалузский пес" знаменит сценой разрезания глаза – это сцена сюрреалистического жеста (акта), замечательны его фильмы "Дневная красавица", "Женщина без любви".

Термин "поп-арт" (англ. Popular art – "популярное, общедоступное искусство") был введен критиком Л.Эллуэем в 1965 г. Поп-арт – реакция на беспредметное искусство, удовлетворение "тоски" по предметности, порожденным долгим господством в западном искусстве абстракционизма. Теоретики поп-арта утверждают, что в определенном контексте каждый предмет теряет свое первоначальное значение и становится произведением искусства. Задача художника – придание обыденному предмету художественных качеств путем организации определенного контекста его восприятия. Поэтика этикетки и рекламы. Поп-арт – это композиция бытовых предметов, иногда в сочетании с муляжом или скульптурой.

Представители: Р.Гамильтон, Э.Паолоцци, Л.Эллуэй, Р.Бэнхем, П.Блейк, Р.Б. Китай, Д.Хокни, П.Филлипс. В Америке: Роберт Раушенберг (1925-2008), Джеспер Джонс (р.1930), Энди Уорхол, Р.Лихтенштейн, К.Ольденбург, Д.Дайн и др.

Энди Уорхол использовал трафареты для массового производства своих работ в мастерской "Фабрика". Его знаменитый диптих "Мерлин", с которой он был лично знаком. Идея убывающей, тускнеющей краски "ксерокопии": став знаменитостью, вы становитесь повторяемы, уязвимы, и постепенно перестаете существовать, стираетесь во мраке смерти. Джаспер Джонс рисовал американский флаг: нарезал кусочками газету и покрывал ее краской и воском.

Минимализм.

Минимализм – реакция на пестрый мир поп-арта, - направление в искусстве, провозгласившее принципы предельной экономии "изобразительно-выразительных средств", в качестве которых выступали технические детали и конструкции в их минимальном количестве и при минимальном вмешательстве художника в организацию создаваемого объекта. Чаще это были металлические скульптуро-конструкции, покрашенные в неброские цвета.

Представители: С. ЛеВитт, Д. Флэвин, К. Андрэ, Р. Моррис, Д. Джадд, Ф. Стеллар.

Лэнд-арт.

Лэнд-арт (англ. Land-art - "природо-искусство") – арт-практика, в которой деятельность художника выносится на природу и материалом для арт-объектов служат или чисто природные материалы или их сочетания с минимальным количеством искусственных элементов. В 1960-1980-е гг. художники В.де Мария, М.Хайцер, Д.Оппенхэйм, Р.Смитсон, Христо и др. осуществили крупные проекты в малодоступных местах природного ландшафта и в пустынях. На горах, на дне высохших озер художники рыли огромные котлованы и рвы различной формы, строили из обломков скал причудливые нагромождения, выкладывали спирали из камней в морских заливах, рисовали с помощью извести некие огромные рисунки на лугах и т.п. Своими проектами Лэнд-аристы протестовали против современной городской цивилизации, эстетики металла и пластики.

Концептуализм.

Концептуализм (англ. Concept – "понятие, идея, концепция") обосновали в 1968 г. американские художники Т.Аткинсон, Д.Байнбридж, М.Балдуин, Дж.Кошут, Л.Вейнер. Джозеф Кошут (р.1945) в программной статье "Искусство после философии" (1969) назвал концептуальное искусство культурным феноменом, пришедшим на смену традиционному искусству и философии. Концепт – замысел произведения. Произведение должно быть документально-зафиксированным проектом, документальной фиксацией концепта и процесса его материализации. Например, композиция Дж.Кошута из Музея современного искусства в Нью-Йорке "Один и три стула" (1965), представляющая собой три "ипостаси" стула: сам реально стоящий у стены стул, его фотография и словесное описание стула из энциклопедического словаря.

Модернизм в театре и кино.

Один из идеологов модернизма французский философ Жак Лакан (1901-1981) считал, что причиной многих неврозов, психозов и других нарушений, представляющих угрозу для душевной жизни человека, являются "театральные эффекты человеческого я". Будучи вовлеченным в процесс идентификации (поиска собственного реального "я"), человек подвергает себя искушению игрой, меняя маски. Модернистский театр отражал эту трагедийность человеческой расколотости, зыбкости "я", показывая абсурдность мира и, одновременно, выполнял своеобразную терапевтически-катарсическую функцию высвобождения человеческой психики от самозамкнутости в дебрях одиночества.

Трагедийный театр. Реализация в сценическом пространстве не конкретного произведения драматурга, а всего его творчества, воспринимая его как целостный мир взаимодействующих образов и взаимосвязанных коллизий.

Представитель: английский режиссер-реформатор Гордон Крэг.

Эпический театр. Создает систему новых взаимоотношений, основанную на веселой относительности и нравоучительной безнравственности, циничной свободе общения актера с образом.

Представитель: немецкий драматург и режиссер Бертольд Брехт (1898-1956) – основатель театра "Берлинский ансамбль".

Театр социальной маски. Театральная маска выражает определенный социальный тип, без индивидуальных черт. Например, каждый персонаж в спектаклях В. Мейерхольда ("Клоп", "Лес", "Дама с камелиями" и др.) был обращен лицом в зрительный зал и самостоятельно докладывал о себе в аудитории. Отношения между людьми ослаблены, конфликты затушеваны.

Представитель: русский режиссер-экспериментатор Всеволод Мейерхольд (1874-1940).

"Театр жестокости". Театр пытались вернуть к древней форме ритуального святилища, где зритель может приобщиться к первоначальным, "космическим" стихиям жизненности, впадая в "трансцендентный транс".

Представитель: Антонен Арто (1896-1948) .

Театр абсурда.

Основной девиз: "Выражать нечего, выражать не из чего, нет силы выражать, нет желания выражать, равно как и обязательства выражать".

Главный представитель: Эжен Ионеско (1909-1994), в своих произведениях "Лысая певица", "Урок", "Стулья" и проч. через доведение повседневности до фантастики, гиперболизацию человеческих отношений и чувств стремится показать всю абсурдность человеческого бытия. Например, в пьесе "Урок": учитель математики убивает свою ученицу, следуя логике: "арифметика ведет к философии, а философия – к преступлению", "словом можно убить". В пьесе "Стулья" два старика разносят стулья, ждут оратора, который не приходит, - они убивают себя. Образ пустоты пространства в зале и в душах этих стариков доведен до предела. В трагикомедии Ионеско "В ожидании Годо" местом действия является дорога, на обочине которой стоит одинокое дерево, под которым сидят 2 героя. Их встреча – миг, мгновение. Прошлого уже нет, а будущее не наступило. Герои не знают, откуда они идут, не имеют представления о ходе времени. Они бессильны что-либо сделать. Они слабы и как будто больны. Они ждут Годо – и сами не осознают, кто это. В пьесе "Эндшпиль" действие происходит в одной комнате, в которой находится герой, прикованный к креслу, не способный самостоятельно передвигаться. В пьесе "О, счастливые дни" в пустынном пространстве героиня Вини прикована к одной точке. В 1-м акте она по пояс засыпана землей, во 2-ом видна лишь ее голова. Метафора точки в пространстве, к которой привязана героиня – это смерть, могила, которая каждого тянет к себе, хотя не все замечают до времени ее присутствия.

Представители "театра абсурда": А. Адамов, Ж. Жене, С. Беккет.

"Фотогения" - стиль французского режиссера и теоретика кино Луи Деллюка (1890-1924), включающий методы ускоренной и замедленной съемки, ассоциативный монтаж, двойную композицию для подчеркивания внутренней значительности, таинственности объекта съемки.

Монументальный стиль.

Фильмы монументального стиля - это ленты без сценария, смысл произведения доносился до зрителей не через разработку характеров или сюжет, а через новый вид монтажа - "монтаж аттракционов", важная роль в котором отводилась жестам.

Представитель: русский кинорежиссер Сергей Эйзенштейн (1898-1948), его фильмы "Броненосец Потемкин", "Иван Грозный", "Александр Невский" и др.

Стиль "пост-Голливуд".

Возник как реакция на последствия "экономического чуда" в Европе после Второй Мировой войны. Философская база – идеи Ф. Ницше ("о смерти Бога") и О.Шпенглера (о закате Европы). Герой фильмов - лишний человек в обществе всеобщего благосостояния.

Так, немецкий режиссер и сценарист Райнер Вернер Фасбиндер (1945-1982) соединял в единое целое мотивы произведений Т.Манна с элементами уголовной хроники, музыку Л.Бетховена с воплями футбольных болельщиков и проч.

Модернизм в музыке.

Немецкий философ и социолог сер.XX в. Теодор Адорно (1903-1969) считал, что истинной является та музыка, которая передает чувство растерянности индивидуума в окружающем мире и полностью отгораживается от каких бы то ни было социальных задач.

Конкретная музыка.

Запись природных или искусственных звучаний, которые потом смешиваются и монтируются.

Представитель: французский акустик и композитор Пьер Шеффер (1910-1995).

Алеаторика.

В музыке главное – случайность. Так, музыкальная композиция может строиться с помощью жребия, на основе ходов шахматной партии, разбрызгивания чернил на нотной бумаге, бросания игральных костей и проч.

Представители: немецкий композитор, пианист и дирижер Карлхайнц Штокгаузен (р.1928), французский.композитор Пьер Вулез.

Пуантилизм.

Музыка в виде отрывистых звуков, окруженных паузами, а также коротких в 2-3 звука, мотивов.

Представитель: австрийский композитор и дирижер Антон Веберн (1883-1945).

Электронная музыка.

Музыка, созданная с помощью электронно-акустической и звуковоспроизводящей аппаратуры.

Представители: Х. Эймерт, К. Штокгаузен, В. Майер-Эппер.

3. Культура второй половины XX века. Постмодернизм

Постмодернизм возникает в западноевропейской культуре в 60-70 – е гг. Термин широко применяется с 1979 г., когда вышла книга французского философа Жана-Франсуа Лиотара (1924-1998) "Постмодернистское состояние". Постмодернизм - это широкое культурное течение, получившее развитие в философии, эстетике, искусстве, гуманитарных науках последней трети XX века.

Формирование постмодернистских настроений стало возможным благодаря реализации качественно новых технических возможностей, способствующих интенсивной коммуникации различных культур, столкновении многообразных ценностных установок, размывающих приоритет идеалов, претендующих на универсальность.

Постмодернизм – это настроение плюрализма, разнообразия стилей жизни, игровых кодов. Можно говорить об антиинтеллектуальности постмодернизма. Используя для создания своих произведений, утраченные культурные образцы прошлого как кубики, он играет с адресатом, не требуя специальных знаний для понимания произведения.

Принципы и правила постмодернистской игры с культурным наследием предельно свободны, их теоретики отказываются от всех традиционных философско-эстетических категорий, понятий и принципов художественно-эстетического мышления и заменяют их свободно трактуемыми новыми принципами и понятиями. К основным понятиям постмодернистской культуры относятся: деконструкция, симулякр, интертекстуальность, шизоанализ, иронизм, фрагментарность, мозаичность, нониерархичность, лабиринт, ризома, телесность, соблазн, желание, парадоксальность, эстетизация безобразного, принципиальный маргинализм, нарратология, грамматология и проч.

Одно из ключевых понятий постмодернизма – ризома. Так, французский философ Жиль Делёз (1925-1995) и французский психоаналитик Феликс Гваттари (1930-1992) различали два типа культур – "древесную" и культуру "корневища". Первый тип тяготеет к универсальности, целостности, что отражено в классических образцах. Искусство здесь стремится подражать природе, отражать мир. Символом такого искусства может стать дерево как образ гармоничности, целостности, завершенности. Однако подлинно современной и перспективной, по мнению Делёза и Гваттари, является культура корневища. Ризома (корневище) не подчиняется никакой структурной модели, имея множество выходов. У нее нет ни начала, ни конца, только середина, из которой она растет и выходит за ее пределы.

Симулякр – (фр. Simulacrе - "подобие, видимость") – это муляж, эрзац действительности, имитация образа, символа, знака, за которой не стоит никакой обозначаемой действительности, это – видимость, вытеснившая из эстетики художественный образ и занявшая его место. Симулякр не отсылает ни к чему иному, кроме себя самого, но при этом имитирует (играет, передразнивает) ситуацию трансляции смысла. Термин симулякр был введен в постмодернистскую философию французским философом Жаном Бодрийяром (1929-2007), который утверждает, что современность вступила в эру тотальной симуляции всего и во всем. Симулякры образуют гиперреальность, которая сегодня реальнее самой реальности, потому что нам приходится жить и действовать только в ней. Вещи, окружающие человека, становятся все более хрупкими, эфемерными, иллюзорными, их поколения сменяются быстрее, чем поколения людей. Утрачивается принцип реальности вещи, - его заменяет фетиш, сон, проект (хэппенинг, саморазрушающееся искусство).

Интертекст – специфический прием создания современного арт-произведения, заключающийся в сознательном использовании его автором цитат, реминисценций, смысловых аллюзий (намеков) из другого текста (в широком смысле): вербального, музыки, кино, театра, современных арт-практик, даже неискусства. Многие потсмодернисты считают любой текст интертекстом, утверждая, что в него, как правило, без воли автора так или иначе включаются скрытые цитаты, аллюзии, парафразы, подражания, фрагменты других текстов, как прошлых культур, так и современности, которые прошли через сознание автора.

Суть понятия гипертекста заключается в том, что культура в целом, как и все ее фрагменты, включая и обычные вербальные тексты, рассматривается в качестве некой целостной структуры, складывающейся из совокупности текстов, определенным образом внутренне или внешне коррелирующих между собой. Например, средневековый гипертекст складывается из текстов религии, искусства, народной культуры, государственности и проч. Можно говорить о гипертексте Ф.М. Достоевского, в который входят его художественные и религиозно-философские труды, мемуары, письма, публицистика. Самым грандиозным гипертекстом можно считать систему электронной коммуникации и гигантская база данных Интернета.

В развитии постмодернистского искусства выделяют три фазы:

1) Первая фаза – 1960-е гг. США. Характеризуется неприятием устоявшегося к тому времени деления искусства на элитарное и массовое и выдвижение идеи их диффузии. Формируется постмодернистская доминанта: иронический синтез прошлого и настоящего, высокого и низкого в искусстве.

2) 1970-е гг. Постмодернизм распространяется по Европе и характеризуется плюрализмом и эклектизмом: смешение стилей и художественных языков, стирание граней между видами и жанрами искусства. Известный теоретик культуры и писатель-постмодернист Умберто Эко (р.1932), ("Имя Розы", "Маятник Фуко", "Остров накануне" и др.) выдвигает концепцию иронического прочтения прошлого, метаязыка искусства, постфрейдистской психологии творчества.

3) С конца 1970-го и по сегодняшний день. Распространение постмодернизма в странах Восточной Европы и в России, формирование миноритарных культур – феминистской, экологической, экономической и проч.

Теоретиками постмодернизма, известными писателями и исследователями культуры также являются Хорхе Луис Борхес (1899-1986), Мишель Фуко (1926-1984), Жак Деррида (1930-2004), Жан Бодрийяр (1929-2007) и др.

Постмодернизм в живописи.

"Картина устарела,- провозглашают постмодернисты, - и на арену изобразительности выходит инсталляция – случайное соединение разных предметов, которому придают несвойственное, "сакральное" значение. Например, произведение одного из лидеров постмодернизма в России Ильи Кабакова "Лопата" представляет собой обычную пожарную лопату на стенде, а под ней листки какого-то старого циркуляра, напечатанные на машинке. Ему же принадлежит композиция "Моя Родина. Мухи": зал выставки, потолок и стены которого заполнены наклеенными мухами. Шедевром последнего времени стала композиция "16 веревок" Кабакова. К каждой веревке этого произведения был привязан какой то предмет: окурок, крышка унитаза и т. д. Современная художница Ирина Нахова на одной из выставок продемонстрировала "Гладильные доски и Утюги". На досках - изображение людей с обнаженными спинами. По этому изображению можно было желающим пройтись утюгом. Классической инсталляцией является, например, опус Олега Кулика "В глубь России". Это произведение представляет огромный муляж коровы, стоящей, широко расставив задние ноги. Зрителю предлагается заглянуть ей под хвост, чтобы "убедиться в истинной глубине России".

Философ современности Александр Панарин точно выразился по поводу устремлений художественной культуры нынешнего отрезка времени ХХ-ХХI вв.: "Начало нового, XX века ознаменовано в искусстве смертью Бога. А рубеж тысячелетия - это смерть человека". Приведенные выше примеры современной живописи – тому подтверждение.

Постмодернизм в архитектуре.

Кроме функционального соответствия и максимального упрощения основных форм архитектурные сооружения современности включают в себя выдумку, фантазию, театральное игровое начало, сложные образные ассоциации. Например, постройка Чарльза Мура - Пьяцца д"Италиа в Новом Орлеане, месте, избранном итальянской общиной города для проведения своих фестивалей. Желание заказчиков - создать материальное воплощение ностальгии - архитектор выполнил в форме гротеска, создав коллаж из классических европейских архитектурных мотивов, который располагается вокруг громадной каменной карты Италии. Австрийский архитектор Ханс Холляйн в интерьерах Бюро путешествий в Вене попытался средствами архитектуры передать ощущения, образы, мечты и иллюзии, возникающие у человека, отправляющегося в далекие страны. Там, где архитектор-модернист сделал бы стеклянные стены и увешал их рекламными плакатами, Холляйн ставит стальные пальмы, среди которых стоит руина классической колонны. Над авиакассой летают орлы. Пространство здесь похоже на сцену, а посетитель, двигаясь по ней, включается в общий спектакль, начиная играть какую-то роль.

Главной заслугой постмодернизма является то, что язык архитектурных форм стал несравненно богаче, выразительнее стали объемы и композиции, понятие красоты и образности было реабилитировано даже в отношении строго функциональных построек. Архитекторы постмодернизма, проявляя уважение к историческому и национальному наследию, создали немало замечательных проектов реконструкции исторических частей городов, ассимилируя современные постройки в историческую ткань города без ущерба для сторон. Но главное, что они вернули архитектуру в лоно искусства.

К арт-практикам постмодернизма относятся:

Первые акции проводились дадаистами и сюрреалистами еще в 1910-1925 гг. и носили эпатажный, деструктивный характер. Акции носят иррациональный, парадоксально-абсурдный характер и обращены к внесознательным уровням психики реципиента. Большое влияние на создателей акционизма оказывает их увлеченность восточными и первобытными культами, шаманскими обрядами, практиками медитации, употребление психотропных веществ и т.д.

Например, акция художника Джексона Полока (1912-1956) заключалась в спонтанном процессе разливания или разбрызгивания красок по холсту. Рукой мастера управляли глубинные подсознательные импульсы. Среди его работ - "Лавановый туман", "Глаза в жару", "Зачарованный лес", "Серость океана". Когда Полока все чаще стали снимать журналисты во время работы, он уходил в запой, хотя брызгал свои картины исключительно трезвым. Акции художника прервал суицид. Мистик и художник Агнесс Мартин рисует просто линии карандашом и называется это "Океан" - идея вечно неизменной природы. Ее работа "Без названия. № 4" (1989 г.) представляет собой серые полосы.

– Хэппенинги.

Хэппенинги – (англ. To happer – "случаться, происходить") – акции, как бы непреднамеренно совершающиеся в местах обычного пребывания публики (площади, парки, скверы, автостоянки). Хэппенинг – представление (вроде карнавала, маскарада, сакрального ритуала), заранее спланированное и подчиненное либретто и режиссерскому замыслу; в остальном участники импровизируют действие. Основная задача – выведение искусства в жизнь, слияние с жизнью, внедрение в сознание обычного человека мысли о том, что любой фрагмент его обыденной жизни может быть поднят до уровня искусства или сакрального действа.

Первые хэппенинги появились в США: их основатели - композитор Д. Кейдж и один из создателей поп-арта Р. Раушенберг.

– Перформансы.

Перформансы – (англ. Performance – "исполнение") – акции, совершающиеся или в специальных помещениях, или на открытом воздухе на специальных площадках по заранее разработанному сценарию. Перформанс развился на основе театра абсурда, хэппенинга, конкретной музыки, поп-арта на путях их специфического свободного объединения. Принципиальная абсурдность, невозможность рассудочного прочтения этих акции способствуют созданию вокруг них ареола некой первозданной, "чистой" сакральности, которая способствует контакту их участников и зрителей с иными реальностями.

Представители: Й.Бойс, И.Захаров-Росс и др.

– Энвайронмент.

Энвайронмент – (англ. environment – "окружение, среда") - неутилитарная арт-среда, представляющая собой полностью организованное художником целостное неутилитарное арт-пространство. Первоначально арт-пространства создавались для хэппенингов и перформансов, а затем как самостоятельные арт-проекты путем особой системы инсталлирования предметных или аудио-визуальных (фото-, видео-, слайдо-, кино- и т.п.) объектов. В результате создается особая визуально и энергетически активная многомерная пространственная среда, в которой на реципиента воздействуют соматические энергии (визуальные, аудио, оптические), излучаемые комплексом предметов, образовавших энвайронмент. Как правило, это бывшие в употреблении вещи обихода человека, части машин и механизмов, обломки сооружений техногенной цивилизации. Сами энвайроменты обычно организуются в цехах закрытых заводов и фабрик, складских помещениях.

Представители: К.Ольденбург, Ж.Сигал, А.Капроу, Христо, Р.Хорн, Й. Бойс, Я. Кунеллис и др.

Список использованных источников

1. Лапина С.В. Культурология: Курс лекций / Лапина С.В. – 2-е стер. изд. – Мн., 2005. – 216с.

2. Мартынов, В. Ф. Мировая художественная культура/В.Ф.Мартынов.-3-е изд., стереотип. Минск: ТетраСистемс, 2000.

3. Ерасов Б.С. Социальная культурология: Пособие для студентов вузов. – М.: Аспект Пресс, 1996.

4. Культурология: Учеб.пособие / Под научн. ред. Г.В.Драча. – Р-на-Д.: Феникс, 1995.

Древнее изречение гласит: музы умолкают, когда говорят пушки. О чём заговорили музы, когда смолкли пушки Второй мировой войны? Какие мысли, чувства, настроения людей проявились в послевоенные годы в произведениях литературы, живописи, скульптуры, в театре и кино?

Когда замолчали пушки

Память о войне и понесённых утратах воплотилась в величественных и скорбных монументах на улицах сотен городов. Тема войны и Сопротивления нашла отражение в литературе многих стран. Ей были посвящены произведения писателей Польши, Чехословакии и других восточноевропейских стран. Во Франции к ней неоднократно обращались известные писатели Л. Арагон, П. Элюар, А. Лану. В немецкой литературе эта тема стала своеобразной формой «расчёта с прошлым», предметом размышлений об истоках и бесчеловечной сути нацизма, о внутреннем сопротивлении ему. В Восточной Германии появились романы известных писателей Г. Фаллады «Каждый умирает в одиночку», Б. Келлермана «Пляска смерти», А. Зегерс «Мёртвые остаются молодыми». За символичными названиями их произведений стояли реалистические картины жизни героев и общества. В Западной Германии на эту тему писали авторы, входившие в «Группу 47». В их числе был Г. Бёлль, ставший впоследствии крупнейшим западногерманским писателем. Писатели военного поколения первыми, задолго до того, как это стали делать политики, заговорили о вине и ответственности перед погибшими.

Война заставила задуматься о незащищённости людей и невосполнимости утрат, о человеческой жизни как высшей ценности. Художники по-разному откликнулись на это. Одни попытались уйти, спрятаться от страшной реальности. Другие встали на защиту человека, его права на жизнь, взаимопонимание, радость.

Различие позиций особенно явственно выразилось в театре и кино. В конце 1940-х - начале 1950-х годов в европейском искусстве возник театр абсурда. Его героем стал «маленький человек», потерянный, беспомощный перед судьбой, охваченный паническими настроениями. Среди основателей этого направления были драматурги Э. Ионеско и С. Беккет. Они заявляли: «Мир лишён смысла, реальность - ирреальна», люди «блуждают в хаосе, не имея за душой ничего, кроме страха, угрызений совести... и сознания абсолютной пустоты их жизни» (Ионеско), «время даётся человеку на то, чтобы состариться...» (Беккет).

В пьесах этих авторов нет сюжета, действия. Герои всё время сидят в ожидании кого-то (гостей - в пьесе Ионеско «Стулья» или неизвестного персонажа, который так и не появляется, - в пьесе Беккета «В ожидании Годо»), находятся в мусорном ящике («Конец игры» Беккета) и т. д. Любые усилия, устремления, сама жизнь представляются им лишёнными смысла.

Иного взгляда на мир и человека придерживались создатели неореализма - течения, появившегося в итальянском кино в эти же годы. Начало ему положил фильм Р. Росселлини «Рим - открытый город» (1945), где рассказывалось о событиях и судьбах людей в военные годы. Героями произведений неореализма были обычные люди с их повседневными заботами, поисками удачи, а если получится, то и счастья. Зрители радовались и плакали вместе с киноперсонажами. Фильмы режиссёров Р. Росселлини, В. де Сики, Л. Висконти стали киноклассикой. Созвучны этому направлению и первые фильмы Ф. Феллини «Дорога», «Ночи Кабирии».

Активная художественная позиция, обращение к зрителю, стремление вступить с ним в диалог присущи демократическому театру конца 1940-х - 1950-х годов. В послевоенные годы во Франции был создан Национальный народный театр. Его возглавил Ж. Вилар. Этот известный актёр и режиссёр видел свою задачу в том, чтобы театр «повернулся лицом к ведущему актёру современности - народу», «был бы доступен всем». В 1947 г. Ж. Вилар организовал в Авиньоне фестиваль французского драматического искусства, который затем стал ежегодным.

Спектакли проходили под открытым небом у стен средневекового папского дворца и были рассчитаны на самую широкую аудиторию. В этих постановках сложилась труппа Национального народного театра. В нём работали получившие европейскую известность актёры Ж. Филип, Д. Сорано, М. Казарес. Театр привлёк массового зрителя (его зал вмещал 2700 человек). При нём были организованы ассоциации народного зрителя, абонементы на спектакли выдавали на предприятиях. Опыт народного театра получил распространение во многих провинциальных театрах страны.

1960-е годы: бунт в культуре?

Бурные 1960-е годы сопровождались потрясениями не только в политической жизни. Они оказались временем новых веяний в духовной культуре. Одним из характерных настроений тех лет стало разочарование в окружающей действительности. Ещё в 1950-е годы в английской литературе появились так называемые «сердитые молодые люди» - Дж. Уэйн, Дж. Осборн (особую известность приобрела пьеса последнего «Оглянись во гневе»). Их герои осуждали буржуазный мир, хотя и не стремились его изменить. Один из персонажей Дж. Осборна говорил: «Высоких и прекрасных идеалов больше не существует. Мы отдадим свою жизнь не во имя каких-то там идеалов, красивых, но, увы, устаревших. Мы погибнем во имя ничто». В 1960-е годы пришли «новые бунтари» - А. Силлитоу, С. Чаплин, Д. Стори и другие, обратившиеся к жизни рабочих людей. Их произведения раскрывали тревогу и неудовлетворённость человека, живущего за фасадом общества «всеобщего благоденствия».

Стремление быть услышанным, изменить привычный порядок вещей выходило за рамки профессиональной литературы. Таким стремлением была охвачена значительная часть молодёжи 1960-х годов. Оно присутствовало в действиях «новых левых», выступлениях парижских студентов в 1968 г. Тогда же молодые кинематографисты ворвались в зрительный зал известного кинофестиваля во французском городе Канны и добились прекращения фестиваля как «символа буржуазного искусства».

Желание выразить себя и быть услышанным проявилось и в молодёжной музыке 1960-х годов, в частности в творчестве рок-группы «Битлз». Её популярность определялась не только музыкой, манерой исполнения, но и текстами песен. Темы одиночества и надежды, стремление к пониманию и любви были созвучны настроениям многих молодых людей. В одной из песен, обращаясь к своим сверстникам, «Битлз» пели: «Да, ты не можешь сделать ничего невозможного, но всё, что тебе нужно, - это любовь»; в другой - звучал призыв: «Дайте миру шанс!»

Группа «Битлз» начала выступать в Ливерпуле в 1956 г., а в 1960-е годы получила популярность во всей Англии и за её пределами. За десять лет своего существования «Битлз» выпустили несколько альбомов, снялись в фильмах. Лучшие песни ансамбля приобрели всемирную известность. В 1965 г. участники группы Дж. Леннон, П. Маккартни, Дж. Харрисон и Р. Старр награждены орденами британской империи. В 1980 г. Дж. Леннона застрелил в США человек с неустойчивой психикой, бывший «битломан». В 1997 г. П. Маккартни «за выдающиеся заслуги перед английским народом в области музыки» удостоен в Великобритании наследственного дворянского звания.

Массовая культура

«Битлз» с их популярностью являлись детищем и двигателем массовой культуры. Выступление группы в 1964 г. в Карнеги-холле (Нью-Йорк) слушали 2 тыс. человек и 73 млн телезрителей. Массовая культура, по определению автора данного термина Д. Белла, - это комплекс духовных ценностей, «соответствующих вкусам и уровню развития массового потребителя». В отличие от «высокой» культуры, которая возвышает человека, приобщая его к прекрасному, массовая культура расценивалась как продукт потребления, удовлетворяющий запросы толпы.

Технической основой для возникновения и распространения массовой культуры стало развитие кино, радио, телевидения. Появилось понятие «индустрия культуры». Оно указывает не только на применение современной техники, но и на стандартизацию производимого продукта - книг, фильмов, популярной музыки и т. д. Развлекательная литература - детективы, дамские романы и т. д. - создаётся по выверенным рецептам. В телесериалах с героями, живущими в разное время и в разных странах, происходят одни и те же истории. Голливудские фильмы имеют свой стандарт, основанный на трёх принципах: сильный герой, «эффект звезды», счастливый конец.

Удавшееся, «кассовое» произведение по просьбам зрителей или читателей получает продолжение (фильмы «Рокки» - 1, 2, 3; «Челюсти» - 1, 2 и т. д.). Это случается и с творениями, создателей которых уже нет в живых. Так, был «продолжен» другим автором популярный роман американской писательницы М. Митчелл «Унесённые ветром». Та же судьба постигла и одноимённый фильм, в котором в своё время блистали звёзды американского кино В. Ли и К. Гейбл. Новые авторы и близко не подошли к оригиналам, зато использовали их популярность как хорошую упаковку для своей продукции.

Кино и бизнес: цифры и факты

На производство известного голливудского фильма «Звёздные войны» (сценарист и режиссёр Дж. Лукас) было затрачено 11 млн долларов (работа над фильмом длилась более года). После премьеры в Голливуде в мае 1977 г. за 9 дней получено 3,5 млн долларов отчислений от проката, за два месяца покрыты все расходы на производство и рекламу фильма.

К декабрю 1980 г. прокат фильма в мире принёс 510 млн долларов, ещё несколько сотен миллионов выручено от продажи товаров с символикой фильма. К этому времени вышло продолжение фильма «Империя наносит ответный удар», а в 1983 г. - третий фильм цикла «Возвращение Джедая».

Составной частью массовой культуры стало возникшее в 1950-е годы в Великобритании и США течение поп-арт («популярное искусство»).

Один из зачинателей поп-арта Р. Гамильтон не без юмора определял новое течение как «общедоступный, преходящий, потребительский, дешёвый, массовый, молодой, остроумный, сексуальный, обманчивый, блестящий и большой бизнес». Другой сторонник поп-арта - американец Р. Раушенберг - сформулировал свои художественные позиции следующим образом: «Пара мужских носков не меньше пригодна для создания произведения живописи, чем деревянный подрамник, гвозди, скипидар, масло и холст... Моё творчество никогда не является протестом против того, что происходит, оно выражает собой мои собственные метания».

В поп-арте художник, отказавшись от присущего модернизму поиска новых художественных форм, собирает, монтирует, склеивает некий объект из подручных материалов. Одним из основных принципов данного течения является «вещизм» - стремление представить обыденные бытовые предметы как «факт искусства». Использование распространённых зрительных образов, предметов широкого потребления сближает это течение с коммерческой рекламой. Скульптура в виде бельевой прищепки на городской площади, изображение Джоконды с сигаретой в зубах - таковы произведения поп-арта.

Искусство мысли и чувств

На фоне обслуживающей потребителя массовой культуры всегда выделяются произведения литературы и искусства, в которых художники обращаются к насущным вопросам жизни человека и общества, извечным понятиям добра и зла, любви и ненависти, верности и предательства, жестокости и сострадания.

Это наглядно показал кинематограф послевоенных десятилетий. Вслед за расцветом итальянского неореализма в европейском, и особенно французском, кино 1960-х годов заговорили о «новой волне». Её представители Ж. Л. Годар, А. Рене, Ф. Трюффо и другие стремились своим творчеством доказать, что кинофильм может быть образцом высокого искусства, не уступающим литературе или живописи по эмоциональному воздействию на человека. Особое место в кинематографе 1950-1980-х годов заняли произведения так называемого интеллектуального, философского, психологического кино, признанными мастерами которого являлись И. Бергман, М. Антониони, Ф. Феллини и др.

Федерико Феллини (1920-1993) - создатель фильмов «Дорога», «Ночи Кабирии», «Сладкая жизнь», «Восемь с половиной», «Амаркорд», «Джинджер и Фред» и др., каждый из которых стал заметным явлением итальянского и мирового кино. Его фильмы полны воспоминаний и впечатлений автора, который незримо присутствует во многих своих картинах, отличающихся пристальным и ироничным взглядом на мир. Их герои порой грустны, забавны и всегда человечны. Работы Феллини четырежды получали высшую премию американской Академии киноискусства «Оскар», а в 1993 г. он удостоен специальной премии за вклад в мировое кино. Феллини говорил: «Очутиться в кино - всё равно что вернуться во чрево матери: ты сидишь в темноте и ждёшь, когда появится на экране жизнь».

Особое направление в кинематографе 1960-1970-х годов составили фильмы, обращённые к политической и социальной тематике. Одни из них представляли собой рассказы об известных событиях и людях; в других предметом размышлений художника становились проблемы власти и справедливости, свободы и анархии; третьи создавались как политический детектив. Среди событийно-биографических фильмов известность получили картины «Дело Маттеи» Ф. Рози, «Дело Моро» Д. Феррары (о похищении и убийстве известного деятеля А. Моро), «Похищение» И. Буассе, «Пропавший без вести» Коста Гавраса (о судьбах людей во время военного переворота 1973 г. в Чили), «Джон Ф. Кеннеди. Выстрелы в Далласе» О. Стоуна.

Значительной темой для кинематографистов США стала история войны во Вьетнаме. Ей были посвящены разные по стилю и авторским позициям фильмы: «Возвращение домой» X. Эшби, монументальная картина «Апокалипсис сегодня» Ф. Ф. Копполы, «Взвод» О. Стоуна. К событиям Второй мировой войны обращён фильм С. Спилберга «Список Шиндлера». Режиссёр, известный по зрелищным, «кассовым» лентам («Челюсти», «Инопланетянин», «Парк юрского периода» и др.), создал проникновенное произведение о судьбах людей в нацистских лагерях смерти, о человеке, спасшем несколько сотен жизней. Сильное впечатление производит финал картины, где перед зрителями предстают уже немногие оставшиеся в живых немолодые люди, чья судьба послужила основой фильма, а рядом с ними - их дети и внуки, которых могло бы и не быть на земле, если бы не человечность Шиндлера.

Нельзя не отметить, что качество фильмов, зрительское внимание к ним, их успех чаще всего определяются не столько сюжетом, сколько личностью и профессиональным мастерством тех, кто создаёт эти фильмы. В дополнение к приведённым выше примерам можно назвать мастеров кино, чьи работы всегда привлекают зрителя: американского режиссёра (чеха по происхождению) М. Формана (его фильмы «Полёт над гнездом кукушки» и «Амадей» удостоены премии «Оскар»), композиторов Н. Ротта, известного замечательной музыкой к фильмам Ф. Феллини, и Э. Морриконе (фильмы «Спрут», «Однажды в Америке» и др.).

Во второй половине XX — начале XXI столетия ускорился процесс создания и распространения «массовой культуры », рассчитанной на вкусы широкого потребителя. НТР сделала культурные ценности дос-тупными самым широким слоям населения, жизненная среда насыти-лась информацией, знаниями, искусством . Многие виды художествен-ного творчества перестали быть «высоким достоянием» и были по-ставлены «на поток», превратившись из элитарного искусства в источник дохода и один из способов воздействия на население. Особенно это было заметно на примере кинематографа, заполнивше-гося боевиками, вестернами и фильмами ужасов, не очень качествен-ными комедиями. Серьёзное итальянское и французское кино, не вы-держивая конкуренции с коммерческими проектами, постепенно от-ходит на второй план. Массовое распространение грамотности — гордость человечества середины века — сменилось широким распро-странением комиксов (примитивных рассказов в картинках), не тре-бующих от читателей разбираться в тонкостях сюжета и сопережива-ния эмоциям героев произведений. Всё это привело к девальвации культурных ценностей, общему снижению культуры человечества.

Массовая музыка и упрощение текстов песен тоже являются ха-рактерным явлением времени. Приметой этого направления стало во многом сознательное снижение уровня профессионализма. Тех-ническая сторона исполнения упростилась, образы и смыслы на-целены на простые чувства, которые мог бы легко воспринять лю-бой зритель.

Заметной чертой культурной жизни многих стран в послевоен-ное время была своеобразная «американизация» — результат стре-мительного увеличения экономического и политического влияния США. Американская техника и наука совершили настоящий про-рыв, проложив одновременно путь американской культуре. Мощ-ная киноиндустрия США буквально наводнила весь мир своими фильмами, американская музыка стала модной и сохраняет свою популярность. В то же время на рубеже тысячелетий «американи-зация» культуры стала уступать место процессам глобализации . Ис-кусство становится всемирным и не замыкается в национальных границах.

Живопись второй половины XX столетия неразрывно связана с именами французов Андре Фужерона и Фернана Леже , итальян-ца Ренато Гуттузо, американца Рокуэлла Кента, испанца Пабло Пикассо. Сохраняли своё влияние зародившиеся ещё до войны сюрреализм, стремившийся к сочетанию общего фантастического замысла с отдельными реалистическими деталями, и абстракцио-низм, воспевавший сочетание свободных линий и красок. Крупней-шим представителем сюрреализма оставался Сальвадор Дали. Американский абстракционист Джексон Поллок выступал за не-контролируемое разумом искусство, создав несколько картин в ви-де сочетаний красочных пятен.

Во второй половине XX в. в США и Великобритании утверди-лось течение, противопоставившее себя абстрактному искусству — поп-арт («популярное искусство»). Его сторонники намеревались вернуться к реальности и раскрыть «эстетическую ценность» мас-совых предметов быта. Поп-арт породил множество композиций в урбанизированном стиле. Материал с сайта

В послевоенной архитектуре по-прежнему влиятельным остава-лось направление функционализма. Оскар Нимейер выстроил в этом стиле новую столицу Бразилии, множество объектов по проектам Алвара Аалто было возведено в Финляндии. При этом оба архитектора придавали большое значение местным традициям. Поздние работы Ле Корбюзье (1960-е гг.) были выдержаны в иррационалистиче-ских и произвольных формах.

В конце XX в. растёт влияние постмодернизма : архитекторы пытаются освоить сложные формы, свободное сочетание элементов, используют истори-ческие материалы и архитектурные «изюминки» раз-ных стилей и эпох. Этому направлению отдали дань Л. Мисс ван дер Роэ, В. Гропиус, Р. Вентури. Другая группа специалистов разрабатывала стиль деконст-руктивизма , основанного на «раздвижении границ» архитектуры и отказе от сооружений «о четырёх уг-лах и четырёх стенах». Творческие работы деконст-руктивистов полны деформированных элементов, диспропорций и перекошенных стен, они не призна-вали никакого однообразия функционалистской ар-хитектуры предшествующей эпохи. Тогда же сложи-лось направление хай-тек (от англ. «высокая технология»), актив-но задействовавшее технические формы (трубы, каркасы, металл и стекло) в строительстве небоскрёбов с огромными стеклянными и зеркальными стенами.

Лучше понять исторические процессы первой половины 20 века можно, просматривая картины художников того времени и читая интереснейшие литературные произведения их современников. Отправимся же в небольшой экскурс.

Культура и искусство первой половины 20 века: краткое содержание

На рубеже веков в европейской культуре царил декаданс - было огромное количество различных противоречивых течений, не имеющих между собой общих черт. Культура и искусство первой половины 20 века имеет два основных направления:

• Модерн (франц. - Ар-нуво, нем. - Югендстиль).
• Модернизм.

Первый зародился в последней декаде 19 века и постепенно завершил свое существование с началом Первой Мировой войны (в 1914 году).

Модернизм - это интереснейшее направление конца 19 - первой половины 20 века. Настолько богат шедеврами живописи и графики, что делится на отдельные течения по характерным признакам.

Модерн: природа - источник неиссякаемого вдохновения

Название направления произошло от французского слова "moderne", что означает "современный". Это течение в американском, европейском и русском искусстве на рубеже 19-20 веков. Часто модерн путают с модернизмом, хотя это принципиально разные вещи, имеющие мало общего между собой. Перечислим отличительные черты данного направления в искусстве:

• поиск вдохновения в природе и в окружающем мире;
• отказ от резких линий;
• блеклые, приглушенные тона;
• декоративность, воздушность;
• наличие на картинах элементов природы: деревьев, трав, кустарников.

Понять, что такое модерн, проще всего, созерцая архитектуру европейских городов в этом стиле. А именно - зданий и соборов Гауди в Барселоне. Столица Каталонии привлекает такое количество туристов именно за счет своей уникальной архитектуры. Декор зданий отличается возвышенностью, асимметрией и воздушностью. Святого Семейства) - это наиболее яркий проект великого Антонио Гауди.

Модернизм

Почему же это направление смогло зародиться, завоевать любовь зрителей и дать старт для развития таких интересных течений, как сюрреализм и футуризм?

Потому, что модернизм являлся революцией в искусстве. Возник как протест против устаревших традиций реализма.

Творческие люди искали новые способы самовыражения и отображения действительности. У модернизма есть свои характерные признаки, свойственные только ему:

• высокая роль внутреннего мира человека;
• поиск новых оригинальных идей;
• огромное значение уделяется творческой интуиции;
• литература способствует одухотворению человека;
• появление мифотворчества.

Культура и искусство первой половины 20 века: картинки различных художниках изучим в двух следующих разделах.

Какие они? Удивительные: над ними можно размышлять и постоянно открывать для себя что-то новое. Культура и искусство первой половины 20 века кратко будут описаны далее.

Не будем томить и подадим информацию в наиболее сжатой форме - в виде таблицы. Слева будет значиться название художественного течения, справа - его характеристика.

Культура и искусство первой половины 20 века: таблица

Культура и искусство первой половины 20 века (таблица, 9 класс) отражает базовые знания по теме.

Более подробно рассмотрим импрессионизм и сюрреализм как течения, привнесшие в искусство принципиально новые идеи.

Сюрреализм: творчество душевнобольных или гениев?

Являлся одним из течений модернизма, возник в 1920 году во Франции.

Изучая творчество сюрреалистов, обычный человек часто задается вопросом про их психическое здоровье. В большинстве своем художники этого направления были вполне

Тогда как же им удавалось рисовать настолько необычные картины? Все дело в молодости и в желании изменить стандартное мышление. Искусство для сюрреалистов было способом освобождения от общепринятых правил. Сюрреалистические картины совмещали сон с реальностью. Художники руководствовались тремя правилами:

1. расслаблением сознания;
2. принятием образов из подсознания;
3. если первые два пункта удалось выполнить, они брались за кисть.

Понять, как они рисовали такие многозначные картины, довольно сложно. Одно из предположений говорит о том, что сюрреалисты увлекались идеями Фрейда о сновидениях. Второе - об употреблении определенных веществ, изменяющих сознание. Где тут правда - неясно. Давайте просто наслаждаться искусством, вне зависимости от обстоятельств. Ниже картина «Часы» легендарного Сальвадора Дали.

Импрессионизм в живописи

Импрессионизм - еще одно направление модернизма, родина - Франция...

Картины этого стиля отличаются бликами, игрой света и яркими красками. Художники стремились запечатлеть на холсте реальный мир в его изменчивости и подвижности. От картин импрессионистов у обычного человека улучшается настроение, настолько они жизненные и светлые.

Художники этого направления не поднимали никаких философских проблем - они просто рисовали то, что видели. При этом делали это виртуозно, используя различные техники и яркую палитру красок.

Литература: от классицизма к экзистенциализму

Культура и искусство первой половины 20 века - это новые направления в литературе, изменившие сознание людей. Ситуация схожа с живописью: классицизм уходит в прошлое, уступая новым веяниям модернизма.

Он способствовал таким интересным «открытиям» в литературе, как:

• внутренний монолог;
• поток сознания;
• далекие ассоциации;
• способность автора смотреть на себя со стороны (способность говорить о себе в третьем лице);
• ирреализм.

Ирланский писатель Джеймс Джойс первый стал использовать такие литературные приемы, как внутренний монолог и пародии.

Франц Кафка - это выдающийся австрийский писатель, основатель течения экзистенциализма в литературе. Несмотря на то что при жизни его произведения не вызвали бурного восторга читателей, признан одним из лучших прозаиков 20 века.

На его творчество повлияли трагические события Первой Мировой войны. Он писал очень глубокие и тяжелые произведения, показывающие бессилие человека при столкновении с абсурдом окружающей действительности. При этом автор не обделен чувством юмора, правда, он у него весьма специфический и черный.

Мы предупреждаем, что осмысленнное чтение Кафки может способствовать снижению настроения. Читать автора лучше всего в хорошем настроении и немного абстрагируясь от его мрачных размышлений. В конце концов, он описывает всего лишь свое видение действительности. Наиболее известное произведение Кафки - "Процесс".

Кинематограф

Забавные немые фильмы - это тоже культура и искусство первой половины 20 века, сообщение о них читайте далее.

Нет другого вида искусства, развивающегося так стремительно, как кинематограф. Технология создания фильмов появилась в конце 19 века: буквально за 50 лет она смогла сильно измениться и завоевать сердца миллионов людей.

Первые фильмы создавались в передовых странах, в том числе и в России.

Изначально кино было черно-белым и без звука. Смысл немого кино заключался в передаче информации через движение и мимику актеров.

Впервые кино с говорящими актерами появляется в 1927 году. Американская фирма «Уорнер Бразерс» решается выпустить фильм «Певец джаза», а это уже полноценный фильм со звуком.

В России кинематограф тоже не стоял на месте. Первым успешным проектом стал фильм «Донские казаки». Правда, цензура в российских фильмах также имела место быть: под запретом были съемки церковных обрядов и членов царской семьи.

Особый этап развития отечественного кино начался после прихода к власти большевиков. Эти товарищи быстро поняли, что кино может быть не просто развлечением, но и серьезным оружием пропаганды.

Самым известным советским режиссером 30-х годов стал Такие работы, как «Броненосец Потемкин» и «Александр Невский», давно стали классикой. Киевский режиссер Александр Довженко также достиг высот в кинематографе. Самая яркая работа - фильм «Земля».

Интереснейшая тема для разговора среди взрослых людей - это культура и искусство первой половины 20 века. 9 класс дает усеченную информацию, которая быстро выветривается из головы. Восполнить такой пробел можно постоянным самообразованием.

Отправить свою хорошую работу в базу знаний просто. Используйте форму, расположенную ниже

Студенты, аспиранты, молодые ученые, использующие базу знаний в своей учебе и работе, будут вам очень благодарны.

Подобные документы

Античные представления о культуре. Культура в Средние века. Развитие представлений о культуре в эпоху Возрождения и Новое время. Натуралистическая концепция культуры. Развитие культуры и развитием знаний. Культура как совокупность духовных ценностей.

реферат , добавлен 21.01.2009


Факторы, влиявшие на развитие культуры в правление Петра I. Новые явления в культуре (театр, музыка, литература) Петровского времени. Просвещение и школа первой четверти XVIII века. Развитие науки. Общественно-политическая и экономическая жизнь.

реферат , добавлен 09.05.2008


Историческое развитие культуры XX века, влияние на ее становление социальных процессов. Сущность и причины зарождения течений модернизма и постмодернизма в искусстве и литературе ХХ века. Влияние НТР на развитие культуры. Концепция двух культур Ч. Сноу.

реферат , добавлен 04.09.2009


Эпоха блистательного развития русской культуры, сыгравшей ведущую роль в духовном и нравственном развитии русского общества. Развитие общественной мысли России первой половины XIX века. Развитие реалистического направления в русской литературе.

презентация , добавлен 10.12.2012


Историческое развитие представлений о культуре. Зарождение представлений о культуре в античности. Своеобразие понятия культуры в Средние века. Культура в новое время. Мораль как вид культуры. Важнейшие категории морали.

реферат , добавлен 29.03.2003


Духовные и художественные истоки Серебряного века. Расцвет культуры Серебряного века. Своеобразие русской живописи конца XIX - начала XX века. Художественные объединения и их роль в развитии живописи. Культура провинции и малых городов.

курсовая работа , добавлен 19.01.2007


Русская культура в начале ХХ века. Cepeбpяный вeк pyccкoй культуры. Основные направления культуры серебряного века. Декаденство. Символизм. Усиление реакционно-мистических идей. Модернистские течения. Акмеизм - культ реального земного бытия. Футуризм.

реферат , добавлен 26.09.2008


Идеологические установки коммунистов по отношению культуре. Состояние и развитие культуры СССР в 20-30-х годах: творческие организации и союзы, литература и искусство, образование и наука. Советский период – это сложное и противоречивое явление.