Ayrıntılar Kategori: Geç 16.-18. yüzyıl güzel sanatlar ve mimarisi Yayınlandı 27.04.2017 14:46 Görüntüleme: 2559

18. yüzyılın başında. Fransa'da yeni bir tarz ortaya çıktı - Rokoko.

Fransızcadan tercüme edilen rokoko (rocaille) “kabuk” anlamına gelir. Bunun adı sanatsal tarz karakteristik özelliğini ortaya koyuyor - karmaşık şekillere, tuhaf çizgilere, anımsatanlara olan sevgisi zarif siluet kabuklar.
Rokoko tarzı uzun sürmedi (yaklaşık 40'lı yıllara kadar), ancak etkisi Avrupa kültürüçok güçlü olduğu ortaya çıktı.
18. yüzyılın ikinci yarısında. yeni bir ilgi dalgası Antik kültür. Bu kısmen benzersiz sanat eserlerinin keşfedildiği Pompeii kazılarından kaynaklanıyordu. Öte yandan bu ilgi Fransız Aydınlanmasının fikirleriyle de destekleniyordu: tarih ve kültürde sanat ve toplumsal yaşam idealini görüyorlardı. Antik Yunan ve Antik Roma. Böylece yeni bir tarz ortaya çıktı: neoklasizm. Bu durum her ülkede geçerli değildi. Örneğin İtalya'da Barok üslup, Rokoko üslubuyla eş zamanlı olarak varlığını sürdürürken, Fransa'da Barok pek fazla gelişme göstermedi. Rusya'da Rokoko ve Neoklasizm birbirini tamamladı.
18. yüzyılda müşteriler henüz oynamadı başrol sanatçının kaderinde: sanat eserlerinin ana yargıcı oldu kamuoyu. Göründü sanat eleştirisi: Denis Diderot, Jean Jacques Rousseau ve diğerleri.
Sanat hayatında önemli bir olay Fransa XVIII V. halka açık sergiler haline geldi - Salonlar. 1667'den bu yana, kraliyet sarayının desteğiyle Paris Kraliyet Resim ve Heykel Akademisi tarafından her yıl düzenleniyor. Salondaki başarı, bir ressam veya heykeltıraş için tanınmaktı. Salonlara katılmaya çalışan yalnızca Fransızlar değildi, aynı zamanda Paris yavaş yavaş pan-Avrupa sanat merkezine dönüştü.

Jean Antoine Watteau (1684-1721)

Rosalba Carriera. Antoine Watteau'nun Portresi (1721)
Antoine Watteau, 18. yüzyılın ilk üçte birinde yaşayan, Rokoko tarzının kurucusu Fransız ressamdır.
Resim yaparken, manzaranın lirizmine uygun, incelikli duyguların alanını keşfetti.
A. Watteau bir taşra kasabasında bir çatı ustası ailesinde doğdu. Zaten İlk yıllar Sanatsal yetenekleri kendini gösterdi ve babası onu yerel bir ressamın yanına çırak olarak verdi. Çok geçmeden akıl hocası gelecekteki sanatçıya faydalı olmaktan çıktı. Antoine Watteau, babasının isteği dışında gizlice memleketi Valenciennes'i terk eder ve yürüyerek Paris'e gider; burada sahibi Notre Dame Köprüsü'ndeki bir resim atölyesinde işe alınır. Toptan alıcılar için ortak tat”. Watteau aynı popüler tabloları mekanik olarak kopyaladı ve boş zamanlarında hayattan resimler yaptı. Olağanüstü çalışkandı.

Antoine Watteau "Kaprisli" (c. 1718). Devlet Ermitaj Müzesi(St.Petersburg)
Kısa süre sonra Watteau ilk müşterilerini buldu: Pierre Mariette ve oğlu Jean, gravürcüler ve koleksiyoncular, gravür ve tablolar satan büyük bir şirketin sahipleri. Watteau, Mariettes'te Rembrandt, Titian ve Rubens'in eserleriyle tanışma fırsatı buldu. Watteau, Mariette'lerin aracılığıyla, tiyatro sahnesi ustası ve küçük resimlerin yaratıcısı olan sanatçı Claude Gillot'un öğrencisi oldu. “Watteau bu ustadan yalnızca grotesk ve komik olanın yanı sıra modern konulardan da zevk aldı ve daha sonra kendini buna adadı. Ama yine de Watteau'nun Gillot'la birlikte nihayet kendini anladığını ve o zamandan beri geliştirilmesi gereken yeteneğin işaretlerinin daha net hale geldiğini kabul etmeliyiz" (sanatçı Edme-François Gersin'in biyografi yazarı).

Antoine Watteau "Fransız Komedisinin Aktörleri" (c. 1712). Devlet Ermitaj Müzesi (St. Petersburg)
Watteau, 33 yaşındayken Paris'in en popüler ressamı oldu ve bu onun Avrupa'daki şöhretine katkıda bulundu.

Antoine Watteau "Gilles" (1718-1719). Louvre (Paris)
M.Yu. Watteau bu tablo hakkında böyle konuşuyor. Rus Müzesi'nin önde gelen araştırmacısı Alman: “Gilles'in sanat tarihinde neredeyse hiç benzeri yok. Çok az kişi oyuncu yazdı. Üstelik hiç kimse oyuncuyu tamamen hareketsiz halde göstermeye cesaret edemedi. Watteau için bu cesur bir adımdı: tuvalin tam ortasına bir figür çizmek, çoğunu komedyenin vücudunu tamamen gizleyen geniş bir elbiseyle doldurmak ve derinliklerde diğer oyuncuların yüzlerini tasvir etmek eğlence ve animasyon, kahramanın neredeyse hareketsiz yüzüyle keskin bir tezat oluşturuyor... Jestlerden ve yüz ifadelerinden yoksun, tuvale simetrik ve düz bir şekilde yazılmış, sanki onun için sonsuza dek durmuş gibi, zamanda sakince var oluyor. Geçici ve geçici olan her şey ona yabancıdır. Arkasındaki telaş oyuncuların hareketlerinde. Seyircinin kahkahası ve sevinci gözlerinin önündedir. Ve yuvarlak, sevecen ve zeki gözlerinde komik ve dokunaklı bir sitemle her zaman hareketsiz kalıyor.
Zaten oldukça hasta olan Watteau, Notre-Dame Köprüsü'ndeki "Büyük Hükümdar" antika dükkanının tabelasını aldı. Bu dükkan arkadaşı Gersen'e aitti.

Antoine Watteau. Gersen'in dükkanının işareti (1720-1721). Charlottenburg Sarayı (Berlin)
Watteau tabela resmini iki ayrı tuval üzerine boyadı ve bunlar daha sonra tek bir çerçeveye yerleştirildi. Resmin eylemi manzaradan iç mekana aktarılıyor. Tuval, sanatçının planına göre doğrudan Paris kaldırımına açılan geniş bir dükkanı tasvir ediyor.
Soldaki ön planda, hizmetçiler yakın zamanda ölen Louis XIV'in portresini bir kutuya yerleştiriyorlar. Üst köşede kayınpederi İspanyol Kralı IV. Philip'in portresi asılı, sağda ise oval çerçeveli tabloyu uzmanlar dikkatle inceliyor; Burada manzaralar ve natürmortlar mitolojik sahnelerle bir arada var oluyor.
Bu çalışmanın temel özelliği programatik doğasıdır. Louis Aragon'a göre Watteau, bir tabela kisvesi altında resim tarihini bildiği haliyle sundu. Bu resim adeta yazarın sanatsal vasiyeti haline geldi. Antoine Watteau 36 yaşında tüberkülozdan öldü.

Antoine Watteau Anıtı memleket Valenciennes (1884)
Francois Boucher'in çalışmaları aynı zamanda Rokoko tarzının gelişimiyle de ilişkilidir.

François Boucher (1703-1770)

F. Boucher - Fransız ressam, oymacı, dekoratör. Eserleri, zarif formlar, lirik olarak hassas renkler, zarafet, cilvelilik ve bazen yapmacıklık noktasına ulaşma ile karakterize edilir.

Gustaf Lundberg. François Boucher'ın portresi
Boucher, Ovid, Boccaccio ve Moliere'nin kitaplarını resimleyen bir gravür ustasıydı. Operalar ve oyunlar için dekorlar, kraliyet halıları için resimler yarattı; Sevres porselenlerinin süs resimlerini yaptı, yelpazeler çizdi, minyatürler yaptı vb.
Resimde alegorik ve mitolojik konulara, boyalı tür sahnelerine, pastorallere (huzurlu ve basit kırsal yaşamın şiirselleştirilmesi), manzaralara ve portrelere yöneldi.

F. Boucher. Madame de Pompadour'un portresi
Boucher saray sanatçısı unvanını aldı. Kral ve Madame de Pompadour'un konutlarını, Paris'teki özel konakları dekore etti. Son yıllarında Kraliyet Resim ve Heykel Akademisi'nin müdürü ve "kralın ilk ressamı"ydı.

F. Boucher. Sanatçının karısı Marie Buzo'nun portresi (1733)
F. Boucher'ın bir başka tablosu, La Fontaine'in "Hermit" adlı kısa öyküsünün bir bölümünü gösteriyor. Güzel ama çekingen bir köy kızını baştan çıkarmayı planlayan genç bir adam, bir keşiş kılığında yakınlara yerleşir. Kızın annesini kutsallığına ikna etmeyi başarır ve kızını kendisi de onun iyi öğretilerini dinlemeye götürür. Boucher, La Fontaine'in çalışmasının orijinal bir yorumunu gösteriyor, ancak kompozisyonunda manzara ana yeri kaplıyor.

F. Boucher “Bir Münzevi ile Manzara. Kardeş Luce" (1742). Güzel Sanatlar Müzesi. A. S. Puşkina (Moskova)

Fransız sanatına ilişkin demokratik görüşler

Bunlar, "üçüncü sınıfın ressamı" Jean Baptiste Simeon Chardin'in çalışmalarında ve Maurice Quentin de Latour'un portrelerinde somutlaştı.

Jean Baptiste Simeon Chardin (1699-1779)

Chardin. Otoportre
Chardin, zamanının sanatına özgü konulardan kasıtlı olarak kaçındı. Esas olarak natürmortlar ve gündelik sahneler çizdi, ancak bunlarda kendi gözlemlerini ifade etti. "Üçüncü sınıf" insanlarının hayatıyla ilgileniyordu (ayrıcalıklar hariç nüfusun tüm grupları: din adamları ve soylular).
Chardin'in bir sanatçı olarak çalışmaları Hollandalı ve Flaman ustaların geleneklerini sürdürdü ve 18. yüzyılda gerçekçiliğin çiçeklenmesini temsil etti. Natürmortunun bile gerçeği tasvir eden bir yanı vardı. Onun için en sıradan nesneler, uyumlu varoluşu tasvir eden kompozisyon kaynakları haline geldi: sürahiler, eski kaplar, sebzeler vb.

Chardin "Scat" (1728). Louvre (Paris)
Sanatçı, renk çeşitliliğini mükemmel bir şekilde nasıl aktaracağını biliyordu ve nesnelerin iç bağlantısını hissetti. Renk tonlarını küçük vuruşlarla aktardı ve güneş ışığının etkisini görüntüye dahil etme yeteneğine sahipti.
Tür resmine ve sıradan ev sahnelerine yönelen Chardin, tuval üzerinde sakin, ölçülü bir yaşam tarzını yeniden yarattı. Gündelik Yaşam, herkese yakın. Ona Fransız resim tarihinin önemli yerlerinden biri olmasını sağlayan da bu tür resimlerdi. 1728'de Paris Sanat Akademisi'ne üye oldu ve 1743'te danışmanı oldu; daha sonra Rouen Bilim, Edebiyat ve Güzel Sanatlar Akademisi'nin üyesi oldu.
En sıradan nesneleri ve etkinlikleri ruhsallaştırdı: “Çamaşırcı” (1737), “Zeytin Kavanozu” (1760), “Sanatın Nitelikleri” (1766).

Chardin “Sanat Nitelikli Natürmort” (1766, Devlet Ermitaj Müzesi (St. Petersburg). Resim, Catherine II tarafından St. Petersburg'da yapım aşamasında olan Sanat Akademisi binası için sipariş edildi.
D. Diderot yeteneğini büyücülükle karşılaştırdı: “Ah Chardin, bu paletine sürdüğün beyaz, kırmızı ve siyah boyalar değil, nesnelerin özü; fırçanızın ucundan havayı ve ışığı alıp tuvale uyguluyorsunuz!”

Chardin "Sabun Köpüğü" (1733-1734). Ulusal Sanat Galerisi, Washington (ABD)
Jean Honoré Fragonard'ın çalışmaları, "cesur" resim sanatı ile gündelik türün tuhaf bir birleşimiyle öne çıkıyor.

Jean Honoré Fragonard (1732-1806)

Fransız ressam ve oymacı. Rokoko tarzında çalıştı. 550'den fazla tablonun yazarı (çizimler ve gravürler hariç).

J.O. Fragonard. Otoportre (c. 1760-1770)
F. Boucher ve J.B.S.'nin öğrencisiydi. Chardin. Başlangıçta tarihi resme ilgi duydu, ardından Watteau ve Boucher'in ruhuyla resim yapmaya başladı. Sık sık sahneleri var samimi yaşam, erotik içerik, dekoratif paneller, portreler, minyatürler, sulu boyalar, pasteller. Ayrıca gravür gravürüyle de uğraştı.
Ancak klasisizm çağında popülerliğini yitirdi.

J.O. Fragonard "Mandal" (1777). Louvre (Paris)
Resimde bir aşk sahnesi tasvir edilmiştir: Beyefendi, gözlerini hanımdan ayırmadan, sağ el kapıya uzanıyor ve orada üst sürgüyü kapatıyor. Sol el bayanlar bu hareketi tekrarlıyor gibi görünüyor. Masanın üzerinde İncil'de günahın ve düşüşün sembolü olan bir elma yatıyor.
Tarihi resimlerde Fragonard pek orijinal değildir. Manzaraları oldukça süslenmiştir. Ancak sanatçının tür resimleri, yetenekli kompozisyonları, zarif tasarımları, hassas renklendirmeleri ve ince tatlarıyla öne çıkıyor: “Müzik Dersi”, “Pastoral”, “Yıkananlar”, “Uyuyan Peri”, “Aşk Tanrısı Güzelliğin Gömleğini Çıkarıyor”, “ Genç Gitarist”, “Sinsi bir öpücük.”

J.O. Fragonard "Çalınmış Bir Öpücük" Ermitaj (St.Petersburg)
18. yüzyılın ortalarında. Fransız Aydınlanması eğitim aracı olarak klasik idealleri öne çıkarmıştır. Resimde, sanatçı Jean-Baptiste Greuze'un öne çıktığı duygusal ve ahlaki bir yön ortaya çıktı.

Jean-Baptiste Greuze (1725-1805)

J.-B. Rüyalar. Otoportre
Greuze, sorunları ve dramlarıyla özellikle aile hayatı türünde başarılı oldu - burada Fransız resminde çok az rakibi var.

J.-B. Rüyalar "Babanın Laneti" (1777). Louvre (Paris)
Resimde, oğlunun askere gideceğini babasına duyurduğu ve babasının ona küfrettiği bir aile dramı sahnesi anlatılıyor.
Bir portre ressamı olarak da elinden gelenin en iyisini yapıyordu çünkü... Portreyi, erkekleri Apollon, kadınları Flora ve Venüs olarak tasvir eden çağdaşlarından farklı anladı. Portreleri dolu dış benzerlik, hayat ve duygularla dolu.

J.-B. Rüyalar "Bir Kızın Portresi". Ulusal müze Azerbaycan sanatı
St.Petersburg Hermitage, Greuze'nin 11 eserini içeriyor.
18. yüzyılda Fransa'da. Doğa ve manzara resimlerine ilgi arttı. Neoklasizmin karakteristiği olan bir tür peyzaj (“mimari fantezi”) Hubert Robert tarafından yaratıldı.

Hubert Robert (1733-1808)

Vigée-Lebrun, Marie Elisabeth Louise. Hubert Robert'ın Portresi (1788) Louvre (Paris)
Fransız manzara ressamı; İdealize edilmiş doğayla çevrili antik kalıntıların romantikleştirilmiş görüntülerini içeren büyük tuvalleriyle Avrupa'da ün kazandı. Lakabı "Harabelerin Robert'ı" idi.

Hubert Robert "Eski Kalıntılar" (1754-1765). Budapeşte

Jacques-Louis David (1748-1825)

J.-L. David. Otoportre (1794)
Fransız ressam ve öğretmen, resimde Fransız neoklasizminin önemli bir temsilcisi. Çalkantılı zamanlarının hassas bir tarihçisi.
Bir demir toptancısının ailesinde doğdu. Esas olarak akrabalardan oluşan bir ailede büyüdü. Çocuğun resim yapma yeteneği fark edilince onun da her iki amcası gibi mimar olacağı varsayıldı.
David, St.Petersburg Akademisi'nde çizim dersleri aldı. Luke. 1764 yılında akrabaları onu François Boucher ile tanıştırdı ancak hastalığı nedeniyle genç adamla çalışamadı. 1766'da David, Kraliyet Resim ve Heykel Akademisi'ne girdi ve Vienne'in atölyesinde çalışmaya başladı. 1775-1780'de David'de okudu Fransız Akademisi Roma'da antik sanatı ve Rönesans ustalarının çalışmalarını inceledi.
1783 yılında Resim Akademisi üyeliğine seçildi.
Devrimci harekete aktif olarak katıldı, Ulusal Konvansiyon'a seçildi, Marat ve Robespierre liderliğindeki Montagnard'lara katıldı ve Kral Louis XVI'nın ölümü yönünde oy kullandı. Devrimcilere adanmış bir dizi resim yaptı: “Balo Salonundaki Yemin” (1791, tamamlanmamış), “Marat'ın Ölümü” (1793). Ayrıca bu dönemde kitlesel halk festivalleri düzenledi ve Louvre'da Ulusal Müze'yi kurdu.

J.-L. David "Marat'ın Ölümü" (1793). Kraliyet Güzel Sanatlar Müzeleri (Brüksel)
Bu tablo Büyük Fransız Devrimi'ne ithaf edilen en ünlü tablolardan biridir.
Jean Paul Marat, Jakobenlerin lideri olan radikal Halkın Dostları gazetesinin gazetecisidir. Cilt hastalığına yakalanan Marat, evden çıkmadı ve acısını hafifletmek için banyo yaptı. 13 Temmuz 1793'te soylu kadın Charlotte Corday tarafından evinde bıçaklanarak öldürüldü.
Ahşap standın üzerindeki yazı yazarın ithafıdır: “MARATO, David.” Marat'ın elinde bir kağıt parçası vardı ve üzerinde şu yazı vardı: "13 Temmuz 1793, Marie Anne Charlotte Corday yurttaş Marat'a. Mutsuzum ve bu nedenle senin korunmanı isteme hakkım var.” Aslında Marat'ın bu notu alacak vakti yoktu çünkü... Onu önce Corday öldürdü.
1794 yılında devrimci görüşlerinden dolayı hapse atıldı.
1797'de Napolyon Bonapart'ın Paris'e törenle girişine tanık oldu ve o zamandan beri onun ateşli destekçisi oldu ve iktidara geldikten sonra sarayın "ilk sanatçısı" oldu. David, Napolyon'un Alpleri geçişine ve taç giyme törenine adanmış resimlerin yanı sıra Napolyon'a yakın kişilerin bir dizi kompozisyonu ve portresini yaratıyor. Napolyon'un 1815'teki Waterloo Muharebesi'ndeki yenilgisinden sonra İsviçre'ye kaçtı, ardından Brüksel'e taşındı ve ömrünün sonuna kadar orada yaşadı.

J.-L. David "St. Bernard Geçidi'ndeki Bonaparte" (1801)
Davut'un bu tablosu Romantizm çağını başlatıyor Avrupa boyama. Bu, Mayıs 1800'de İtalyan ordusunu Alpler'in yükseklerindeki St. Bernard Geçidi'nden geçiren General Napolyon Bonapart'ın son derece romantik bir atlı portresi.
Doğal arka plan aynı zamanda resme romantik bir anlam da veriyor: sarp dağ kayalıkları, kar, güçlü rüzgar ve kötü hava. Aşağıda yakından baktığınızda bu yoldan geçen üç büyük komutanın kazınmış isimlerini görebilirsiniz: Hannibal, Charlemagne ve Bonaparte.

J.-L. David "Napolyon'un Taç Giymesi" (1805-1808)
Tuval, Rubens'in "Marie de' Medici'nin Taç Giyme Töreni" tablosunun izlenimi altında yaratıldı.
Gömülü Jacques-Louis David Brüksel'de kalbi Paris'e nakledildi ve Père Lachaise mezarlığına gömüldü.
18. yüzyılda Fransa'da tarihi ressamlar Jean Jouvenet, Nicolas Colombel, Pierre Subleira, portre ressamları Claude Lefebvre, Nicolas Largilliere ve Hyacinthe Rigaud çalıştı.
18. yüzyılın ortalarında. Vanlo ailesi, özellikle Jean-Baptiste ve Charles kardeşler ve diğer sanatçılar ünlüydü.

17. ve 18. yüzyılların başındaki Fransız sanat okulu, Avrupa'nın önde gelen okulu olarak adlandırılabilir; o zamanlar Rokoko, Romantizm, Klasisizm, Gerçekçilik, Empresyonizm ve Post-Empresyonizm gibi sanat tarzlarının ortaya çıktığı yer Fransa'ydı.

Rokoko (Fransız rokoko, rocaille'den - kabuk şeklinde dekoratif bir motif) - 18. yüzyılın ilk yarısının Avrupa sanatında bir üslup. Rokoko, hedonizm, pastoral teatral oyun dünyasına geri çekilme ve pastoral ve şehvetli-erotik konulara yönelik bir tercih ile karakterize edilir. Rokoko dekorunun karakteri, son derece zarif, sofistike formlar kazandı.

François Boucher, Antoine Watteau ve Jean Honoré Fragonard Rokoko tarzında çalıştı.

Klasisizm - 17. - 19. yüzyılın başlarındaki Avrupa sanatında, karakteristik bir özelliği ideal bir estetik ve etik standart olarak antik sanat biçimlerine hitap eden bir üslup.

Jean Baptiste Greuze, Nicolas Poussin, Jean Baptiste Chardin, Jean Dominique Ingres ve Jacques-Louis David klasisizm tarzında çalıştı.

Romantizm - stil Avrupa sanatı 18.-19. yüzyıllarda, karakteristik özellikler Bu, bireyin manevi ve yaratıcı yaşamının asli değerinin doğrulanmasıydı; güçlü ve çoğunlukla asi tutkuların ve karakterlerin bir tasviriydi.

Francisco de Goya, Eugene Delacroix, Theodore Gericault ve William Blake romantizm tarzında çalıştılar.

Edouard Manet. Atölyede kahvaltı. 1868

Gerçekçilik - Görevi gerçekliği olabildiğince doğru ve nesnel bir şekilde yakalamak olan bir sanat tarzı. Stilistik olarak gerçekçiliğin birçok yüzü ve birçok seçeneği vardır. Resimde gerçekçiliğin çeşitli yönleri Caravaggio ve Velazquez'in barok illüzyonizmi, Manet ve Degas'nın izlenimciliği ve Van Gogh'un Nynen eserleridir.

Resimde gerçekçiliğin doğuşu, 1855'te Paris'te kişisel sergisi "Gerçekçilik Pavyonu" nu açan Fransız sanatçı Gustave Courbet'in çalışmalarıyla ilişkilendirilir, ancak ondan önce Barbizon okulunun sanatçıları Theodore Rousseau, Jean- François Millet ve Jules Breton gerçekçi bir şekilde çalıştılar. 1870'lerde. gerçekçilik iki ana yöne ayrıldı: natüralizm ve izlenimcilik.

Gerçekçi resim tüm dünyada yaygınlaştı. Gezginler, 19. yüzyılda Rusya'da güçlü bir sosyal yönelimle gerçekçilik tarzında çalıştılar.

İzlenimcilik (Fransız izleniminden - izlenim) - 19. yüzyılın son üçte birinin - 20. yüzyılın başlarındaki sanatta bir üslup, karakteristik özelliği, gerçek dünyayı hareketliliği ve değişkenliğiyle en doğal şekilde yakalama, kişinin geçiciliğini aktarma arzusuydu. izlenimler. İzlenimcilik felsefi konuları gündeme getirmedi, anın akışkanlığına, ruh haline ve ışıklandırmaya odaklandı. Empresyonistlerin konuları, bir dizi küçük tatil, partiler, doğada samimi bir ortamda keyifli piknikler olarak yaşamın kendisidir. Empresyonistler, çalışmalarını stüdyoda bitirmeden açık havada resim yapan ilk kişiler arasındaydı.

Edgar Degas, Edouard Manet, Claude Monet, Camille Pissarro, Auguste Renoir, Georges Seurat, Alfred Sisley ve diğerleri empresyonizm tarzında çalıştı.

Post-Empresyonizm 19. yüzyılın sonlarında ortaya çıkan bir sanat tarzıdır. Post-Empresyonistler, dekoratif stilizasyona başvurarak, dünyanın maddiliğini özgürce ve genel olarak aktarmaya çalıştılar.

Post-Empresyonizm, dışavurumculuk, sembolizm ve modernizm gibi sanat akımlarının ortaya çıkmasına neden oldu.

Vincent Van Gogh, Paul Gauguin, Paul Cezanne ve Toulouse-Lautrec post-empresyonist tarzda çalıştı.

19. yüzyılda Fransa'nın bireysel ustalarının eserleri örneğini kullanarak izlenimcilik ve post-empresyonizme daha yakından bakalım.

Edgar Degas. Otoportre. 1854-1855

Edgar Degas (yaşam yılları 1834-1917) - Fransız ressam, grafik sanatçısı ve heykeltıraş.

Kompozisyonu sıkı olan tarihi resimler ve portrelerle başlayan Degas, 1870'lerde izlenimciliğin temsilcileriyle yakınlaştı ve modern şehir yaşamını - sokaklar, kafeler, tiyatro gösterileri - tasvir etmeye yöneldi.

Degas'nın resimlerinde dinamik, genellikle asimetrik bir kompozisyon, hassas, esnek çizim, beklenmedik açılar ve figür ile mekan arasındaki aktif etkileşim dikkatlice düşünülmüş ve doğrulanmıştır.

E. Degas. Banyo. 1885

Pek çok eserinde Edgar Degas, insanların yaşamlarının özelliklerinin yarattığı karakteristik davranış ve görünümlerini gösteriyor, profesyonel jest, duruş, insan hareketi ve plastik güzelliğini ortaya koyuyor. Degas'nın sanatı güzel ile sıradan olanın birleşimiyle karakterize edilir; Sanatçı, ayık ve incelikli bir gözlemci olarak, zarif şovmenliğin ardında gizlenen sıkıcı günlük işleri aynı anda yakalıyor.

Favori pastel tekniği, Edgar Degas'ın bir ressam olarak yeteneğini tam olarak göstermesine izin verdi. Zengin tonlar ve pastelin "parıldayan" vuruşları, sanatçının o özel renkli atmosferi, tüm eserlerini diğerlerinden ayıran o yanardöner ferahlığı yaratmasına yardımcı oldu.

Degas, olgunluk yıllarında sıklıkla bale temasına yöneldi. Balerinlerin kırılgan ve ağırlıksız figürleri, ya dans derslerinin alacakaranlığında, ya sahnedeki spot ışıklarında, ya da kısa dinlenme dakikalarında izleyicinin karşısına çıkıyor. Kompozisyonun görünürdeki rastlantısallığı ve yazarın tarafsız konumu, bir başkasının hayatını gözetliyormuş izlenimi yaratıyor; sanatçı, aşırı duygusallığa düşmeden bize zarafet ve güzellik dolu bir dünya gösteriyor.

Edgar Degas'ın usta bir renk uzmanı olduğu söylenebilir; pastelleri şaşırtıcı derecede uyumludur, bazen yumuşak ve hafiftir, bazen de keskin renk kontrastları üzerine kuruludur. Degas'ın tarzı inanılmaz özgürlüğüyle dikkat çekiciydi; pastelleri kalın, kırık vuruşlarla uyguladı, bazen kağıdın tonunu pastelin içinden gösteriyor ya da yağlı boya veya sulu boyayla vuruşlar ekliyordu. Degas'nın resimlerindeki renk, yanardöner bir parlaklıktan, formu doğuran akan gökkuşağı çizgilerinden doğar.

Degas'ın geç dönem çalışmaları, yapay aydınlatmanın, büyütülmüş, neredeyse düz formların ve dar alanın etkileriyle tamamlanan ve onlara yoğun bir dramatik karakter kazandıran renklerin yoğunluğu ve zenginliğiyle öne çıkıyor. Şöyle

dönem Degas onun bir tanesini yazdı en iyi işler- “Mavi Dansçılar.” Sanatçı burada büyük renk parçalarıyla çalışıyor ve resim yüzeyinin dekoratif organizasyonuna öncelik veriyor. Renk uyumu ve kompozisyon tasarımının güzelliği açısından, bu resimde doku ve renk kombinasyonlarında en üst düzeyde zenginliğe ulaşan Degas'nın “Mavi Dansçılar” tablosu bale temasının en iyi somutlaşmış hali sayılabilir.

P. O. Renoir. Otoportre. 1875

Pierre Auguste Renoir (hayat 1841-1919) - İzlenimciliğin ana temsilcilerinden biri olan Fransız ressam, grafik sanatçısı ve heykeltıraş. Renoir, öncelikle duygusallıktan yoksun olmayan, laik bir portre ustası olarak bilinir. 1880'lerin ortasında. Aslında izlenimcilikten koptu ve Ingres'in yaratıcılık döneminde klasisizmin doğrusallığına geri döndü. Dikkat çekici bir renk uzmanı olan Renoir, genellikle renk tonlarındaki benzer değerlerin incelikli kombinasyonlarının yardımıyla tek renkli resim izlenimini elde ediyor.

P.O. Çocuk havuzu. 1869

Çoğu izlenimci gibi, Renoir de resimlerinin konusu olarak hayatın kısacık bölümlerini seçiyor ve şenlikli şehir sahnelerini - balolar, danslar, yürüyüşler ("Yeni Köprü", "Sıçrama Havuzu", "Moulin da la Galette" ve diğerleri) tercih ediyor. Bu tuvallerde ne siyah ne de koyu kahverengi görmeyeceğiz. Yalnızca tablolara belli bir mesafeden baktığınızda bir araya gelen net ve parlak renk yelpazesi. Bu resimlerdeki insan figürleri, çevrelerindeki manzarayla aynı izlenimci teknikle boyanmış ve çoğu zaman birleşiyorlar.

P. O. Renoir. Aktris Zhanna Samari'nin portresi. 1877

Renoir'ın çalışmalarında şiirsel ve büyüleyici kadın imgeleri özel bir yer işgal ediyor: içsel olarak farklı, ancak dışsal olarak birbirine biraz benzeyen, dönemin ortak damgasını taşıyor gibi görünüyorlar. Renoir, oyuncu Jeanne Samary'nin üç farklı portresini yaptı. Bunlardan birinde oyuncu, pembe bir arka plana karşı zarif bir yeşil-mavi elbiseyle tasvir ediliyor. Bu portrede Renoir, modelinin en iyi özelliklerini vurgulamayı başardı: güzellik, canlı zihin, açık bakış, ışıltılı gülümseme. Sanatçının çalışma tarzı yer yer dikkatsizliğe varacak kadar özgürdür, ancak bu olağanüstü bir tazelik, ruhsal berraklık ve dinginlik atmosferi yaratır. insan derisi), sıcak ten tonlarının kayan açık yeşilimsi ve gri-mavi yansımalarla birleşimi üzerine inşa edilmiş, tuvale pürüzsüz ve mat bir yüzey kazandırmaktadır. Renoir, “Güneş Işığında Çıplak” adlı tablosunda siyahı tamamen hariç tutarak öncelikle birincil ve ikincil renkleri kullanıyor. Küçük renkli vuruşlar kullanılarak elde edilen renk noktaları, izleyici resimden uzaklaştıkça karakteristik bir birleştirme efekti verir.

Şunu da belirtmek gerekir ki, cildi tasvir etmek için yeşil, sarı, toprak boyası, pembe ve kırmızı tonları kullanılması, gölgelerin renkli olması, ışıkla doldurulması gerektiği gerçeğini algılamaya hazırlıksız olan o dönemin kamuoyunu şok etmişti.

1880'lerde Renoir'ın çalışmalarında "Ingres dönemi" olarak adlandırılan dönem başladı. En ünlü eser bu dönemin - "Büyük Yıkananlar". Bir kompozisyon oluşturmak için Renoir ilk kez eskiz ve eskiz kullanmaya başladı, çizimin çizgileri netleşti ve tanımlandı, renkler eski parlaklığını ve doygunluğunu yitirdi, resim bir bütün olarak daha ölçülü ve soğuk görünmeye başladı.

1890'ların başında Renoir'ın sanatında yeni değişiklikler meydana geldi. Ressamca bir renk yanardönerliği ortaya çıkıyor, bu yüzden bu döneme bazen “inci” deniyor, daha sonra bu dönem yerini kırmızımsı ve pembe renk tonlarının tercih edilmesinden dolayı “kırmızı” olarak adlandırılıyor.

Eugene Henri Paul Gauguin (hayat 1848-1903) - Fransız ressam, heykeltıraş ve grafik sanatçısı. Cezanne ve Van Gogh'la birlikte post-empresyonizmin en büyük temsilcisiydi. Yetişkinlikte resim yapmaya başladı; yaratıcılığının ilk dönemi empresyonizmle ilişkilendirildi. Gauguin'in en iyi eserleri, Gauguin'in “kötü medeniyeti” bıraktığı Okyanusya'daki Tahiti ve Hiva Oa adalarında yazılmıştır. Gauguin'in tarzının karakteristik özellikleri arasında, derinden duygusal ve aynı zamanda dekoratif, statik ve zıt renk kompozisyonlarından oluşan büyük düz tuvaller üzerinde yaratım yer alır.

Gauguin, "Sarı İsa" tablosunda çarmıha gerilmeyi tipik bir Fransız kırsal manzarasının arka planında tasvir etti; acı çeken İsa, üç Breton köylü kadınla çevriliydi. Havada huzur, kadınların güneş ışığına doymuş sakin, itaatkâr pozları sarı kırmızı sonbahar yapraklarıyla kaplı ağaçların olduğu bir manzara, uzakta işleriyle meşgul bir köylü, çarmıhta olup bitenlerle çatışmaktan kendini alamaz. Çevre, yüzünde, çevresindeki her şeye kayıtsızlık ve kayıtsızlıkla sınırlanan acı aşamasını sergileyen İsa'yla keskin bir tezat oluşturuyor. Mesih'in kabul ettiği sınırsız işkence ile bu fedakarlığın insanlar tarafından "fark edilmemesi" arasındaki çelişki - bu Ana konu Gauguin'in bu eseri.

P. Gauguin. Kıskanç mısın? 1892

Resim “Ah, kıskanıyor musun?” sanatçının eseri Polinezya dönemine aittir. Resim, sanatçının gözlemlediği hayattan bir sahneye dayanmaktadır:

kıyıda iki kız kardeş - daha yeni yüzdüler ve şimdi bedenleri kumun üzerine uzanmış, sıradan şehvetli pozlar veriyorlar - aşktan bahsediyorlar, bir anı anlaşmazlığa neden oluyor: “Nasıl? Kıskanç mısın!".

Gauguin, tropikal doğanın bereketli, saf kan güzelliğini, medeniyet tarafından bozulmamış doğal insanları resmederken, doğayla uyum içinde insan yaşamının ve dünyevi bir cennetin ütopik hayalini tasvir etti. Gauguin'in Polinezya resimleri, dekoratif renkleri, düzlüğü ve anıtsal kompozisyonu ve stilize tasarımın genelliği bakımından panellere benzer.

P. Gauguin. Nereden geldik? Biz Kimiz? Nereye gidiyoruz? 1897-1898

“Nereden geldik? Biz Kimiz? Nereye gidiyoruz?" Gauguin bunu düşüncelerinin yüce doruk noktası olarak değerlendirdi. Sanatçının planına göre tablo sağdan sola okunmalıdır: üç ana figür grubu başlıkta sorulan soruları göstermektedir. Resmin sağ tarafında yer alan çocuklu kadın grubu yaşamın başlangıcını temsil ediyor; orta grup olgunluğun günlük varlığını simgelemektedir; aşırı sol grupta Gauguin, ölüme yaklaşan insanın yaşlılığını tasvir etti; arka plandaki mavi idol ise diğer dünyayı simgelemektedir. Bu tablo Gauguin'in yenilikçi post-empresyonist tarzının zirvesidir; Onun tarzı, renklerin net kullanımını, dekoratif renk ve kompozisyonu, görüntünün düzlüğünü ve anıtsallığını duygusal ifadeyle birleştirdi.

Gauguin'in çalışmaları, bu dönemde ortaya çıkan Art Nouveau tarzının birçok özelliğini öngörmüş ve “Nabi” grubunun ustalarının ve 20. yüzyılın başlarındaki diğer ressamların gelişimini etkilemiştir.

V. Van Gogh. Otoportre. 1889

Vincent van Gogh (hayat 1853-1890) - Fransız ve Hollandalı post-empresyonist sanatçı, 1880'lerde Paul Gauguin gibi yetişkinlikte resim yapmaya başladı. Bu zamana kadar Van Gogh başarılı bir şekilde satıcı olarak çalıştı, ardından bir yatılı okulda öğretmen olarak çalıştı ve daha sonra bir Protestan misyoner okulunda okudu ve altı ay boyunca Belçika'nın fakir bir maden mahallesinde misyoner olarak çalıştı. 1880'lerin başında Van Gogh sanata yöneldi ve Brüksel'deki (1880-1881) ve Anvers'teki (1885-1886) Sanat Akademisi'ne katıldı. Van Gogh, eserinin ilk dönemlerinde, madencilerin, köylülerin ve zanaatkarların hayatından sahneleri konu olarak seçerek, karanlık, ressamsı bir palette eskizler ve resimler yazıyordu. Van Gogh'un bu döneme ait eserleri (“Patates Yiyenler”, “Nynen'deki Eski Kilise Kulesi”, “Ayakkabılar”), insanın acı çekmesine ve depresyon duygularına, baskıcı bir psikolojik gerilim atmosferine dair acı verici derecede keskin bir algıya işaret ediyor. Sanatçı, kardeşi Theo'ya yazdığı mektuplarda bu döneme ait tablolardan biri olan “Patates Yiyenler” hakkında şunları yazmıştı: “Bu resimde, lambanın ışığında patateslerini yiyen bu insanların, tabağa uzattıkları ellerle toprağı kazıyorlar; Bu nedenle resim, sıkı çalışmadan ve karakterlerin yiyeceklerini dürüstçe hak ettikleri gerçeğinden söz ediyor." 1886-1888'de. Van Gogh Paris'te yaşadı, ünlü öğretmen P. Cormon'un Avrupa çapındaki prestijli özel sanat stüdyosunu ziyaret etti, empresyonist resim, Japon gravürü ve Paul Gauguin'in sentetik eserleri üzerinde çalıştı. Bu dönemde Van Gogh'un paleti hafifledi, boyanın dünyevi tonu kayboldu, saf mavi, altın sarısı, kırmızı tonları ortaya çıktı, karakteristik dinamik, akıcı fırça darbeleri (“Tef Kafe'de Agostina Segatori”, “Seine Nehri Üzerindeki Köprü, ” "Père Tanguy", "Theo'nun Rue Lepic'teki dairesinden Paris manzarası").

1888'de Van Gogh, özgünlüğünün nihayet belirlendiği Arles'a taşındı. yaratıcı tarz. Ateşli sanatsal mizaç, uyum, güzellik ve mutluluğa yönelik acı verici bir dürtü ve aynı zamanda insana düşman olan güçlerden duyulan korku, ya güneyin güneşli renkleriyle parlayan manzaralarda (“Sarı Ev”, “Hasat. La Croe Valley”) veya bir kabusu anımsatan uğursuz görüntülerde (“Geceleri Kafe Terası”); renk ve fırça darbesinin dinamiği

V. Van Gogh. Gece kafe terası. 1888

yalnızca doğa ve orada yaşayan insanlarla değil ("Arles'taki Kızıl Üzüm Bağları") değil, aynı zamanda cansız nesnelerle de ("Van Gogh'un Arles'taki Yatak Odası") ruhsal yaşam ve hareketle doludur.

Van Gogh'un son yıllardaki yoğun çalışmalarına akıl hastalığı nöbetleri eşlik etti; bu durum onu ​​Arles'teki bir akıl hastanesine, ardından Saint-Rémy'ye (1889-1890) ve Auvers-sur-Oise'a (1890) götürdü; burada intihar etti. . İki kişinin yaratıcılığı son yıllar Sanatçının hayatı coşkulu bir takıntı, son derece abartılı renk kombinasyonları ifadesi, çılgın umutsuzluk ve kasvetli vizyonerlikten (“Selviler ve Yıldızlarla Yol”) titrek bir aydınlanma ve huzur hissine kadar (“Auvers'teki Manzara”) ani ruh hali değişimleriyle işaretlenmiştir. yağmur").

V. Van Gogh. Süsen. 1889

Saint-Rémy kliniğindeki tedavi döneminde Van Gogh bir dizi resim "Süsen" çizdi. Çiçek resminde yüksek gerilim yok ve Japon ukiyo-e baskılarının etkisi görülüyor. Bu benzerlik, nesnelerin dış hatlarının vurgulanmasında, olağandışı açılarda, ayrıntılı alanların varlığında ve gerçeğe uymayan düz bir renkle doldurulmuş alanlarda kendini gösterir.

V. Van Gogh. Kargalarla dolu buğday tarlası. 1890

“Kargalı Buğday Tarlası”, sanatçının Temmuz 1890'da yaptığı Van Gogh tablosudur ve onun en ünlü eserlerinden biridir. Tablonun, Auvers-sur-Oise'daki ölümünden 19 gün önce, 10 Temmuz 1890'da tamamlandığı sanılıyor. Van Gogh'un bu tabloyu boyama sürecinde intihar ettiği bir versiyon var (resim malzemeleriyle açık havaya çıktı, kuş sürülerini korkutmak için satın aldığı tabancayla kendini kalp bölgesinden vurdu, sonra bağımsız olarak kaleye ulaştı). kan kaybından öldüğü hastanede).

Fransız sanatçılar dünya kültürünün en büyük isimleridir. Üstelik en iyi müzayedelerde sanat eserlerinin fiyatlarında tüm rekorları kıranlar Fransız ustalardı. Yazarlarının yalnızca ölümünden sonra şöhret kazanması üzücü, ancak birçok güzellik yaratıcısının kaderinin değişimleri bunlar.

Fransa Sanatçıları: Fransız İzlenimciliği olgusu

Yani, en pahalı satılanlar ve dolayısıyla dünyada en ünlü ve tanınanlar 20. yüzyılın Fransız sanatçılarıydı. Tamamen deneyimsiz olanlar bile güzel Sanatlar insanlar isimlerini biliyor. Her şeyden önce bunlar empresyonist sanatçılar. Fransa, yaşamları boyunca onlara düşmanca davrandı, ancak ölümlerinden sonra gerçek bir ulusal gurur haline geldiler.

Fransa'nın dünya çapında tanınan, şöhret ve şöhret kazanan en büyük sanatçıları geniş daireler, - Bu Pierre Renoir, Edouard Manet, ‎Edgar Degas, Paul CezanneClaude Monet'nin Ve Paul Gauguin. Hepsi yirminci yüzyılın resim sanatının en ünlü ve en çok satan hareketi olan empresyonizmin temsilcileridir. Bu hareketin Fransa'da ortaya çıktığını söylemeye gerek yok ve dünya sanat tarihindeki yerini ve önemini en iyi şekilde ortaya koyuyor. Orijinal tekniğin ve mükemmel duygusal ifadenin muhteşem birleşimi, empresyonizmde dünyanın her yerindeki güzellik uzmanlarını büyüledi ve büyülemeye devam ediyor.

Fransa'nın sanatçıları: Fransız resminin oluşumu

Ancak Fransız sanatçılar sadece empresyonizmle ilgili değil. Avrupa'nın başka yerlerinde olduğu gibi burada da resim sanatı Rönesans döneminde gelişti. Fransa elbette Leonardo da Vinci ya da Raphael gibi devlerle övünemez ama yine de ortak davaya katkısını yaptı. Ancak İtalyan etkileri özgün bir ulusal okulun oluşumu için çok güçlüydü.

Kendini dış etkilerden tamamen kurtaran ilk büyük Fransız sanatçı, haklı olarak ulusal resim geleneğinin kurucusu sayılan Jacques Louis David'di. En Ünlü resim Sanatçı, İmparator Napolyon'un “Saint Bernard Geçidi'ndeki Napolyon” (1801) adlı ünlü atlı portresi oldu.

19. yüzyıl Fransa'sının gerçekçi bir doğrultuda çalışan sanatçıları elbette Empresyonistlerden daha az ünlüdür, ancak yine de dünya resminin gelişimine önemli katkılarda bulunmuşlardır. Ancak 20. yüzyıl Fransız sanatının bir zaferi haline geldi ve Paris, ilham perilerinin merkezi haline geldi. Daha sonra insanlık mirasının altın fonunun bir parçası haline gelen onlarca yoksul sanatçıya barınak sağlayan Fransa'nın başkenti Montmartre'nin ünlü bölgesi Renoir, Van Gogh, Toulouse-Lautrec, Ve Picasso'nun Ve Modigliani güzel sanatların merkezi haline gelmiş ve halen turist kalabalığını çekmektedir. Ünlü sanatçılar Modern Fransızlar da geleneksel olarak Montmartre'de yaşıyor.

On dokuzuncu yüzyılın ikinci yarısında Fransa'da yeni bir yön ortaya çıktı: izlenimcilik. Sanatçıların olay ve fenomenlerin geçici izlenimlerini çok çeşitli araçlar kullanarak aktarma arzusuna dayanmaktadır.

Resimde empresyonizm

Bu eğilimin özelliklerini taşıyan genç Fransız sanatçılar bu tarzda çalışmaya başlıyor. Artık resimlerini eskisi gibi stüdyoda değil, altında yapıyorlar. açık hava. İzlenimlerini olabildiğince açık bir şekilde ifade etmeye çalışarak tamamen yaratırlar. yeni yöntem tablo. Ana fikri, ayrı vuruşlar ve olağanüstü saf boyalar kullanarak nesnelerin yüzeyindeki dış gölge ve ışık hissini aktarmaktır. Bu nedenle, çeşitli şekiller Daha önce öne çıkan şey şimdi hayatla dolu havada çözünüyor.

İzlenimcilik döneminde, Fransız sanatçılar öncelikle portre ve manzara türlerinde çalıştılar ve çevredeki olaylara ilişkin izlenimlerini aktardılar (yürüyüş çizimleri, bir kafede, sokakta sahneler). Resimlerinde, insanın çarpıcı çeşitlilikteki parlak renklerle doğrudan temas halinde olduğu doğal yaşamı tasvir ettiler. çevre. Nesnelerin ve insanların içine dalmış gibi göründüğü hava, ana temaları haline geldi.

Empresyonistlerin eserlerine baktığınızda, rüzgarı, güneşin ısıttığı toprağı ve hatta donu inanılmaz bir şekilde hissedebilirsiniz - Fransız sanatçılar doğal rengin zenginliğini çok uygun bir şekilde aktardılar. Bu hareket on dokuzuncu yüzyılın son büyük hareketiydi.

Fransız empresyonist sanatçılar. Claude Monet

Resimde empresyonizmin gelişmesinde önemli rol oynadı. yaratıcı mı Ünlü resim"İzlenim. Gündoğumu". Sanatçı, bu şaheserin yanı sıra aynı derecede ünlü bir dizi eser de yarattı: “Bahçedeki Kadınlar” (sevgili Camilla'yı tasvir ettiği yer), “Saint-Germain Kilisesi'nden Görünüm”, “Louvre'un Dolgusu”. Bunun resimleri en büyük ressam dünya çapında birçok müzede (Paris, New York, Chicago, Boston, Moskova ve St. Petersburg'da) sergilenmektedir.

Edouard Manet

İlk önemli eseri “Absinthe Lover” tablosu olarak kabul ediliyor. Ayrıca, resmi komisyon tarafından kabul edilmeyen eserlerin sergilendiği Reddedilenler Salonu'nda sergilenen "Yüzme" başyapıtı da son derece popülerdir. “Ebeveyn Portresi”, “Çimlerde Kahvaltı”, “Olympia”, “Balkon” gibi birçok tablonun yazarıdır.

Auguste Renoir

Empresyonist tarzda resim yapan birçok Fransız sanatçı, neşeli bir gerçeklik algısını aktarmaya çalıştı. Bu eğilim özellikle Renoir'ın çalışmalarında belirgindir. Resimlerinde taze, genç yüzler ve rahat, doğal pozlar seçti. “Bahçede Top” ve “Şemsiyeler” adlı eserleri en ünlüleridir.

Modern tarzda empresyonizm

Bugün, bir zamanlar popüler olan bu eğilimin ana fikirleri geçerliliğini koruyor. Çağdaş Fransız sanatçılar eserlerinde bu tarzı geliştirmeye devam ediyor. Sonuçta, bir kişinin etrafındaki her şeyden zevk alma ihtiyacı varken, izlenimcilik parlak renkler ve etkileyici görüntüler var olmaya devam edecek.

Sanatçıların eserlerinin takdir edilmediği bir dönem vardı. Ancak günümüzde bu bireylere tarihi dönemlere ait olmalarına veya hayatta olmalarına bakılmaksızın çok değer veriliyor. Fransız ressamlar özellikle şaşırtıcı ve keyifli çalışmalarından dolayı saygı görüyor.

İşte en ünlü ve seçkin Fransız sanatçı ve ressamlardan 10'u. Gelin geçmişe dönüp hep birlikte bakalım. Zevk alın!

En ünlü 10 Fransız sanatçı ve ressam:

10.Paul Gauguin (1848-1903)

Paul Gauguin - Fransız sanatçı ve post-empresyonist zamanların ressamı. Avangard resimlerin gelişimine büyük katkı sağladı. Gauguin'in Van Gogh'la yakın bir ilişkisi vardı.

9.Vincent Van Gogh (1853-1890)

Vincent Van Gogh post-empresyonist döneme aittir. Dünyanın en ünlü ressamlarından ve sanatçılarından biridir. Cesareti ve canlı resimleriyle tanınan Vincent, Hollanda'da doğdu.

8. Camille Pissarro (1830-1903)

Camille Pissarro, Empresyonist ve Post-Empresyonist dönemlerine aittir. O, en etkili isimlerden biridir ve en iyi ressamlar tüm zamanların. Resimlerinde kariyerine avantaj sağlayabilecek yeni ve özgün üsluplar üzerinde çalıştı.

7. Edouard Manet (1832-1883)

Edouard Manet, Realizm ve Empresyonizm okullarına yaptığı katkılarla tanınır. Harika ve yenilikçi bir ressamdı. Eserlere modern bir görünüm kazandırmak için empresyonizme dönüştürdü.

6.Eugene Delacroix (1798-1863)

Eugene Delacroix romantik tabloları ve sanat eserleriyle ünlüdür. Bu eser için Venedik Rönesans ressamlarından ve Rubens'ten ilham aldı.

5.Paul Cézanne (1839-1906)

Paul Cézanne 18. yüzyılda doğdu. Muhteşem sanatçı empresyonizm dönemi. Kariyerine empresyonist formlarda başladı ancak yenilikçi bir sanatçı olarak kendini geliştirdi. en iyi işler 19. yüzyılda sanat.

4.Charles-François Dabigny (1817-1878)

Charles-François Dabigny en iyilerden biri ünlü sanatçılar tüm zamanların. Halen geleneksel tavrıyla anılıyor manzara resimleri ve başkalarını benzersiz sanat eserleriyle etkilemek için kullanılır.

3.Augustus Renoir (1841-1919)

August Renoir, empresyonizm dönemine aittir. Empresyonist eserlerin gelişmesinde kilit rol oynayan en ünlü ressamlardan biridir.

2.Claude Monet (1840-1926)

Claude Monet empresyonist bir ressamdır. 18. yüzyılın en etkili ressamlarından biridir. Lise öğrencilerinin çalışmalarından çok etkilendi ve "İzlenim", "Gündoğumu" ve diğerleri gibi kendi eserleri ortaya çıktı.

1.Edgar Degas (1834-1917)

Edgar Degas Empresyonizmin öncüsü olarak kabul edilir. İnsan yaşamının gerçekçi yönlerini resmetti. Çalışma tarzı gerçekten eşsiz ve çok etkileyiciydi.

Hayalinizi gerçekleştirmek, yani nasıl çizileceğini öğrenmek için sabırsızlanıyorsanız, ilk adım için ihtiyacınız olan şey bu video ders serisidir.