17.-18. yüzyıllarda Avrupa'da klasisizm. Sanatta Klasisizm (XVII-XIX yüzyıllar)

3.1. Klasisizmin arka planı ve özellikleri

Klasisizm (Latince classicus'tan - örnek), Avrupa monarşilerinin oluşumu ve güçlenmesi döneminde şekillenen ve antik sanatın normlarına ve örneklerine dayanan sanatsal bir dünya görüşünü oluşturan yaratıcı bir yöndür. Klasisizm, aynı zamanda, antik sanat biçimlerinin estetik bir standart olduğu Avrupa sanat kültürü tarihindeki dönemleri ve eğilimleri de ifade eder.

Mutlakiyetçi devletler, görkemli düzen, katı itaat ve etkileyici birlik fikrinden etkilenmekten başka bir şey yapamazlardı. “Makul” olduğunu iddia eden devlet, onda dengeleyici, birleştirici, kahramanca yüceltilmiş bir ilke olarak görülmeye çalışıldı. Barokun aksine klasisizm, makul ve uyumlu bir yaşam düzeni arzusunu ifade ediyordu ve bu özlemler yalnızca hükümdarların değil, aynı zamanda barış, huzur ve ülkenin birliği idealleriyle halkın bilincinin de doğasında vardı. Ayrıca klasisizmin çekici yanı ahlaki pathos'u ve sivil yönelimiydi.

Klasisizmin estetiği klasik modellerin taklit edilmesine yöneliktir: Sanatı doğası gereği taklit eden Aristotelesçi tez onun için belirleyicidir, antik tiyatronun üç birlik - yer, zaman ve eylem - hakkındaki önemli ilkesini paylaşır. Ama aslında R. Descartes'ın rasyonalist felsefesine dayanmaktadır. Klasisizm mutlakiyetçi Fransa'da ve diğer bazı ülkelerde (İtalya, Almanya, İngiltere) yaygınlaştı.

17. yüzyılın klasisizm Fransız mutlakiyetçi devletinin asil kültürüyle yakından ilişkiliydi. Bu dönemde sanatın belirli yasa ve kurallara uymasını gerektiren normatif bir estetik oluşmuştur. Klasisizmin sanatsal görüntüleri, mantıkları ve ifade uyumuyla ayırt ediliyordu; akıllıca organize edilmiş, mantıksal olarak inşa edilmiş ve genellikle bireysel özelliklerden yoksundurlar. Yaratıcılığa yönelik katı kuralların oluşturulması, klasisizm estetiğinin karakteristik özelliklerinden biridir. Sanat eseri klasikçiler tarafından doğal olarak oluşan bir organizma olarak değil, yapay, yaratılmış, insan eliyle bir plana göre, belirli bir görev ve amaç için yaratılmış bir organizma olarak anlaşıldı.

En bütünsel kültürel ve estetik program Fransız klasisizmiyle oluşturuldu. René Descartes'ın (1596-1650) rasyonalizmi onun ideolojik temelini oluşturdu.

3.2. Edebiyatta klasisizm

Fransız dili ve şiirinde reform yapan ve şiirsel kanonlar geliştiren Fransız şair Francois Malherbe (1555-1628), klasisizm poetikasının kurucusu olarak kabul edilir. Dramaturjide klasisizmin önde gelen temsilcileri, yaratıcılığının ana konusu kamu görevi ile kişisel tutkular arasındaki çatışma olan trajedi yazarları Corneille ve Racine (1639-1699) idi. Pierre Corneille şiir komedileri Melita veya Sahte Mektuplar (1629, 1633'te yayınlandı), Dul veya Cezalandırılmış Hain (1631-1632) vb. şiirlerinde trajikomedi The Cid (1637), trajedi Horace'ı (1641) yazdı. ), "Cinna veya Augustus'un Merhameti" (1643), vb. Jean Racine'in "Andromache" trajedisi, despotik keyfiliğe karşı muhalefetin kahramanlığını ifade eder. Trajedi "Phaedra", kahramanın kişiliğini tanımlamada yüksek düzeyde psikoloji ile ayırt edilir.

"Düşük" türler - masal (J. Lafontaine), hiciv (Boileau), komedi (Molière 1622-1673) da yüksek bir gelişmeye ulaştı. Fransız yazar Jean de Lafontaine, mutlakiyetçi Fransa'daki yaşamı hicivli bir şekilde tasvir eden masalların, komedilerin, fablların yazarı olarak bilinir.

Fransız oyun yazarı Jean-Baptiste Moliere, oyunlarında soyluların tembelliği ve önyargılarıyla alay ederek halk komedisi türünü geliştirdi. Karakterleri sıradan bir dil konuşuyor. "Soyluların esnafı" adlı komedide hicivsel asilzade gibi olmak isteyen üçüncü sınıfın bir temsilcisini tasvir ediyor. Molière asil aylaklık, bencillik ("Don Juan"), açgözlülük ("Cimri") ve kilise ikiyüzlülüğü ("Tartuffe") ile alay etti. Negatif karakterlere Moliere'nin diğer kahramanları - halktan becerikli, esprili insanlar - karşı çıkıyor. Onun "Don Juan"ının yapımı resmi çevreler tarafından ateizm ve özgür düşünce nedeniyle kınandı.

Boileau, Avrupa çapında klasisizmin en büyük teorisyeni olan ve görüşlerini "Şiir Sanatı" şiirsel incelemesinde ifade eden "Parnassus'un yasa koyucusu" olarak ünlendi. Büyük Britanya'daki etkisi altında, alexandrine'i İngiliz şiirinin ana biçimi haline getiren şairler John Dryden ve Alexander Pope vardı. Klasisizm döneminin İngilizce düzyazısı (Addison, Swift) aynı zamanda Latince sözdizimi ile de karakterize edilir.

3.3. Mimarlıkta ve resimde klasisizm.

(Potsdam şehri yakınlarındaki mimari kompleks) (Leighton Frederick "Kız")

Klasisizm mimariye de yansıdı: Saraylar, kiliseler, Mansart ve diğer mimarlar tarafından yaratılan yeni Paris meydanları katı simetri ve görkemli sadelikle dikkat çekiyor. Klasisizm, uyumlu bir biçim düzeni, bireyi kamu görevine tabi kılma fikri ile karakterize edilir. Klasisizmdeki çizgilerin netliği ve uyumu, mevcut dünyanın rasyonel düzenliliğini vurguluyor ve Aydınlanma'nın fikirlerini kendine özgü bir sanatsal biçimde yansıtıyordu.

Resimde (N. Poussin, K. Lorrain), olay örgüsünün mantıksal gelişimi, net, dengeli bir kompozisyon, detayların doğrusal-hacimsel yapısı, ışığın ikincil rolü öncü oldu. Gelişimi uyum ve inşaat titizliği ile öne çıkan Poussin'in eserlerinde tarihi, mitolojik, dini temalar kullanılıyor.

3.4. Heykelde klasisizm

(J.A. Houdon "Voltaire'in heykeli")

Klasisizm döneminin heykeli, hareketin bile biçimsel izolasyonu ihlal etmediği durumlarda, titizlik ve kısıtlama, formların tutarlılığı, pozların sakinliği ile ayırt edilir (E. Falcone, J. Houdon).

Resimde olduğu gibi, klasisizm heykelinde de antikliği taklit etme arzusu hakim oldu. Görünüşe göre Versailles, Weimar ve St. Petersburg'u süsleyen heykelsi kompozisyonların huzurunu ve kısıtlamasını hiçbir şey bozamaz. Her şey rasyonelliğe tabidir: donmuş hareketler, bir heykel fikri ve hatta onun bir park veya saraydaki konumu.

Klasik heykeller, mitlerin üç boyutlu bir düzenlemesi gibi, bize insan düşüncesinin kudretli gücünü, insanların ortak hedeflere ulaşmadaki birliğini anlatıyor. Klasikçilerin, belirli bir ulusun hayatındaki bütün bir dönemi, ölçeksiz kompozisyonların yardımıyla anlatmayı nasıl başardıkları gerçekten şaşırtıcı.

Heykelin kapladığı alanın rasyonel kullanımı için çabalayan ustalar, böylece klasisizmin başka bir ilkesini - özelden ayrılmayı - izlediler. Çoğunlukla mitolojiden alınan tek bir karakterde, bütün bir halkın ruhu vücut buluyordu. Ve günümüzün kahramanları, yalnızca tarihsel rollerini vurgulayan antik ortamda aynı kolaylıkla tasvir edildi.

Çözüm.

Çalışmamın sonunda önemli sonuçlar çıkarabiliyorum.

17. yüzyıl, Avrupa devletlerinin hayatında son derece karmaşık ve tartışmalı bir dönemdir. Yani bu dönemde - erken burjuva devrimleri dönemi, mutlakiyetçi monarşilerin en parlak dönemi, bilimsel devrim, sanatta barok ve klasisizm gibi tarzlar doğuyor.

Barok sadece sanatsal bir üslup olarak düşünülemez, aynı zamanda dünyayla ve dünyayla ilişki kurmanın özel bir yoludur. Hümanizm ideallerinin krizi, 17. yüzyılın sosyo-politik ayaklanmaları ile ilişkilidir.

Barok gibi klasisizm de 17. yüzyılın tüm kültürüne içkindi. Barok, zenginliği ve duyum çeşitliliğiyle, dünyanın duyusal bilgisinin bir yolu olarak sansasyonelliğe yöneliyorsa, o zaman klasisizm, rasyonalist netlik, bütünü parçalara ayırmanın ve her birini sırayla değerlendirmenin düzenli bir yöntemini gerektirir.

Testimin amacı 17. yüzyılın ana stilleri olan klasisizm ve barok'u incelemekti. Bu hedefe ulaşmak için sunulan ilk bölüm Genel özellikleri Bu dönemin kültürleri. İkinci ve üçüncü bölümlerde Barok ve Klasisizm üsluplarının sanatın çeşitli alanlarındaki (resim, mimari, edebiyat, heykel) özelliklerini mümkün olduğunca eksiksiz ortaya koymaya çalıştım. Özetle çalışmanın amacına ulaştığını söyleyebilirim.

Dolayısıyla barok ve klasisizm, 17. yüzyılda Avrupa sanatının ana üslup trendlerinden biridir. Dünyanın sanat hazinesine olağanüstü bir katkıyı temsil ediyorlar.

Soru 12.

Edebiyatta Rönesans'ın gerçek atası, daha sonra "Komedi" olarak anılacak olan eserinde o dönemin insanlarının özünü gerçekten ortaya çıkaran İtalyan şair Dante Alighieri (1265-1321) olarak kabul edilir. İlahi Komedya". Bu isimle torunlar, Dante'nin görkemli yaratımına olan hayranlıklarını gösterdiler. Rönesans edebiyatı, dönemin hümanist ideallerini, uyumlu, özgür, yaratıcı, kapsamlı bir şekilde gelişmiş bir kişiliğin yüceltilmesini en iyi şekilde ifade etti. Francesco Petrarch'ın (1304-1374) aşk soneleri, kişinin iç dünyasının derinliğini, duygusal yaşamının zenginliğini ortaya çıkardı. XIV-XVI. Yüzyıllarda İtalyan edebiyatı gelişti - Petrarch'ın sözleri, Giovanni Boccaccio'nun (1313-1375) kısa öyküleri, Niccolo Machiavelli'nin (1469-1527) siyasi incelemeleri, Ludovico Ariosto'nun (1474-1533) şiirleri. ve Torquato Tasso (1544-1595) onu diğer ülkeler için "klasik" (antik Yunan ve Roma ile birlikte) edebiyat arasında öne çıkardı.

Rönesans edebiyatı iki geleneğe dayanıyordu: halk şiiri ve "kitap" antik edebiyat bu nedenle rasyonel prensip genellikle şiirsel kurgu ile birleştirildi ve çizgi roman türleri büyük popülerlik kazandı. Bu, dönemin en önemli edebi eserlerinde açıkça görülüyordu: Boccaccio'nun Decameron'u, Cervantes'in Don Kişot'u ve François Rabelais'nin Gargantua ve Pantagruel'i.

"Venüs'ün Doğuşu" - antik çağlardan beri çıplak kadın vücudunun ilk görüntülerinden biri

Rönesans ortaya çıkışı ile ilişkilidir ulusal edebiyatlar- esas olarak Latince yaratılan Orta Çağ edebiyatının aksine. Tiyatro ve tiyatro yaygınlaştı. Bu zamanın en ünlü oyun yazarları William Shakespeare (1564-1616, İngiltere) ve Lope de Vega (1562-1635, İspanya) idi.

KLASİKLİK (Latin classicus'tan - örnek), 17. - 19. yüzyılın başlarında edebiyat, mimari ve sanatta stil ve sanatsal yön, klasisizm art arda Rönesans ile ilişkilendirilir; 17. yüzyıl kültüründe barok ile birlikte önemli bir yer işgal eden; Aydınlanma döneminde gelişimini sürdürmüştür. Klasisizmin kökeni ve yayılması, mutlak monarşinin güçlenmesi, R. Descartes felsefesinin etkisiyle, kesin bilimlerin gelişmesiyle ilişkilidir. Klasisizmin rasyonalist estetiğinin temeli, denge, açıklık ve sanatsal ifade mantığı arzusudur (büyük ölçüde Rönesans estetiğinden algılanır); evrensel ve ebedi olanın varlığına olan inanç, tarihsel değişikliklere tabi olmayan, kendiliğinden ilhamın veya kendini ifade etmenin bir tezahürü değil, beceri, ustalık olarak yorumlanan sanatsal yaratıcılık kuralları.

Aristoteles'e kadar uzanan yaratıcılık fikrini doğanın taklidi olarak algılayan klasikçiler, doğayı, eski ustaların ve yazarların eserlerinde zaten somutlaşmış olan ideal bir norm olarak anladılar: "güzel doğaya yönelim" ”, sanatın sarsılmaz yasalarına uygun olarak dönüştürülmüş ve düzenlenmiş, böylece antika örneklerin taklidi ve hatta onlarla rekabeti ima etmiştir. Sanat fikrini "güzel", "uygun" vb. gibi ebedi kategorilere dayanan rasyonel bir faaliyet olarak geliştiren klasisizm diğerlerinden daha fazladır. sanatsal yönler estetiğin genelleştirici bir güzellik bilimi olarak ortaya çıkmasına katkıda bulundu.

Klasisizmin merkezi kavramı - inandırıcılık - ampirik gerçekliğin doğru bir şekilde yeniden üretilmesi anlamına gelmiyordu: dünya olduğu gibi değil, olması gerektiği gibi yeniden yaratıldı. Evrensel normun özel, rastlantısal, somut olan her şeyden "kaynaklandığı" yönündeki tercih, kişisel ve özel olan her şeyin devlet gücünün tartışılmaz iradesine tabi olduğu, klasisizm tarafından ifade edilen mutlakiyetçi devlet ideolojisine tekabül eder. Klasikçi, belirli, tek bir kişiyi değil, evrensel, tarihsel olmayan bir ahlaki çatışma durumunda soyut bir kişiyi tasvir etti; dolayısıyla klasikçilerin dünya ve insan hakkındaki evrensel bilginin somutlaşmış hali olarak antik mitolojiye yönelimi. Klasisizmin etik ideali, bir yandan kişisel olanın genel olana, tutkuların göreve, akla ve yaşamın değişimlerine karşı direnişe tabi kılınmasını; diğer yandan - duyguların tezahüründe kısıtlama, ölçüye uygunluk, uygunluk, memnun etme yeteneği.

Klasisizm, yaratıcılığı kesinlikle tür tarzı hiyerarşisinin kurallarına tabi kıldı. "Yüksek" (örneğin, epik, trajedi, ode - edebiyatta; tarihi, dini, mitolojik tür, portre - resimde) ve "düşük" (hiciv, komedi, masal; resimde natürmort) türleri ayırt edildi; belli bir tarza, temalara ve kahramanlara; Trajik ile komik olanın, yüce ile aşağının, kahramanca ile sıradan olanın açık bir şekilde tanımlanması öngörülüyordu.

18. yüzyılın ortalarından itibaren klasisizmin yerini yavaş yavaş yeni eğilimler aldı - duygusallık, romantizm öncesi, romantizm. 19. yüzyılın sonları ve 20. yüzyılın başlarındaki klasisizm gelenekleri neoklasizmde yeniden canlandırıldı.

Kökeni klasikler (örnek yazarlar) kavramına kadar uzanan "klasiklik" terimi ilk kez 1818 yılında İtalyan eleştirmen G. Visconti tarafından kullanılmıştır. Klasikçilerin ve romantiklerin polemiklerinde yaygın olarak kullanıldı ve romantikler arasında (J. de Stael, V. Hugo ve diğerleri) olumsuz bir çağrışıma sahipti: klasikçilik ve antik çağları taklit eden klasikler, yenilikçi romantik edebiyata karşıydı. . Edebiyat eleştirisi ve sanat tarihinde "klasisizm" kavramı, kültür-tarih okulunun bilim adamlarının ve G. Wölfflin'in çalışmalarından sonra aktif olarak kullanılmaya başlandı.

17.-18. yüzyıl klasisizmine benzer üslup eğilimleri diğer dönemlerde de bazı bilim adamları tarafından görülmektedir; bu durumda, "klasisizm" kavramı geniş anlamda yorumlanır ve sanat ve edebiyat tarihinin çeşitli aşamalarında periyodik olarak güncellenen bir üslup sabitini ifade eder (örneğin, "antik klasisizm", "Rönesans klasisizm").

N. T. Pakhsaryan.

Edebiyat. Edebi klasisizmin kökenleri normatif şiirsellikte (Yu. Ts. Scaliger, L. Castelvetro, vb.) ve bir tür sisteminin yaratıldığı, dil tarzları sistemiyle ilişkilendirilen ve antik çağa yönelik olan 16. yüzyıl İtalyan edebiyatındadır. örnekler. Klasisizmin en yüksek çiçeklenmesi ile ilişkilidir Fransız edebiyatı 17. yüzyıl. Klasisizm poetikasının kurucusu, düzenlemeyi gerçekleştiren F. Malherbe'dir. edebi dil canlı konuşma diline dayalı; gerçekleştirdiği reform Fransız Akademisi tarafından güvence altına alındı. En eksiksiz haliyle, edebi klasisizmin ilkeleri, çağdaşlarının sanatsal uygulamalarını özetleyen N. Boileau'nun (1674) "Şiir Sanatı" adlı incelemesinde ortaya konmuştur.

Klasik yazarlar edebiyatı, "eğlendirirken öğretme"nin bir yolu olarak, doğanın ve aklın gereklerini okuyucuya aktarma, söze aktarma gibi önemli bir misyon olarak ele alırlar. Klasisizm edebiyatı, önemli düşüncenin, anlamın açık bir ifadesi için çabalıyor (“... anlam her zaman benim yaratımımda yaşar” - F. von Logau), üslupsal karmaşıklığı, retorik süslemeleri reddediyor. Klasikçiler özlülüğü ayrıntıya, basitliği ve açıklığı mecazi karmaşıklığa, nezaketi abartılılığa tercih ettiler. Ancak yerleşik normlara uymak, klasikçilerin bilgiçliği teşvik ettiği ve sanatsal sezginin rolünü göz ardı ettiği anlamına gelmiyordu. Her ne kadar kurallar klasikçilere yaratıcı özgürlüğü aklın sınırları içinde tutmanın bir yolu olarak sunulsa da, sezgisel içgörünün, eğer uygun ve sanatsal açıdan etkiliyse, kurallardan sapma durumunda yeteneği bağışlamanın önemini anladılar.

Klasisizmdeki karakterlerin karakterleri, evrensel evrensel tiplere dönüşmelerine katkıda bulunan baskın bir özelliğin tahsisi üzerine inşa edilmiştir. En sevilen çarpışmalar görev ve duyguların çatışması, akıl ve tutku mücadelesidir. Klasikçilerin eserlerinin merkezinde kahramanca bir kişilik ve aynı zamanda kendi tutkularının ve duygulanımlarının üstesinden gelmek, onları dizginlemek veya en azından gerçekleştirmek için metanetli bir şekilde çabalayan iyi yetişmiş bir kişi vardır (trajedilerin kahramanları gibi). J. Racine). Descartes'ın "Düşünüyorum öyleyse varım" sözü, klasisizm karakterlerinin tutumunda yalnızca felsefi ve entelektüel değil aynı zamanda etik bir ilke rolü oynar.

Edebiyat teorisinin kalbinde klasisizm, türlerin hiyerarşik bir sistemidir; "yüksek" ve "düşük" kahramanların çeşitli eserlerde, hatta sanatsal dünyalarda analitik seyreltilmesi ve dolayısıyla "düşük" türleri yüceltme arzusuyla birleştirilmesi; örneğin, hicvi kaba vodvilden, komediyi ise gülünç özelliklerden kurtarmak (" yüksek komedi»Molière).

Klasisizm literatüründe ana yer, üç birlik kuralına dayanan drama tarafından işgal edildi (bkz. Üç birlik teorisi). Trajedi, en yüksek başarıları P. Corneille ve J. Racine'in eserleri olan önde gelen tür haline geldi; ilkinde trajedi kahramanca bir karakter kazanır, ikincisinde ise lirik bir karakter kazanır. Diğer "yüksek" türler edebi süreçte çok daha küçük bir rol oynar (J. Chaplin'in epik şiir türündeki başarısız deneyimi daha sonra Voltaire tarafından parodiye alınır; ciddi kasideler F. Malherbe ve N. Boileau tarafından yazılmıştır). Aynı zamanda, "düşük" türler önemli ölçüde gelişiyordu: kahramanca-komik şiir ve hiciv (M. Renier, Boileau), masal (J. de La Fontaine) ve komedi. Küçük didaktik düzyazı türleri geliştirilir - aforizmalar (özdeyişler), "karakterler" (B. Pascal, F. de La Rochefoucauld, J. de La Bruyère); hitabet düzyazı (J. B. Bossuet). Klasisizm teorisi, romanı ciddi eleştirel düşünmeye layık türler sistemine dahil etmese de, M. M. Lafayette'in psikolojik başyapıtı The Princess of Cleves (1678), klasik romanın bir örneği olarak kabul edilir.

17. yüzyılın sonunda edebi klasisizmde bir düşüş yaşandı, ancak 18. yüzyılda antik çağa olan arkeolojik ilgi, Herculaneum, Pompeii kazıları, I. I. Winkelman'ın Yunan antik çağının ideal imajını “asil sadelik” olarak yaratması ve sakin ihtişam” Aydınlanma'daki yeni yükselişine katkıda bulundu. Yeni klasisizmin ana temsilcisi, çalışmalarında rasyonalizm, akıl kültü mutlakçı devlet normlarını değil, bireyin kilise ve devletin iddialarından özgür olma hakkını haklı çıkarmaya hizmet eden Voltaire'di. Aydınlanma klasisizmi, başkalarıyla aktif etkileşim edebi eğilimlerçağ, "kurallara" değil, halkın "aydın zevkine" dayanıyor. Antik çağa yapılan çağrı, A. Chenier'in şiirinde 18. yüzyıl Fransız Devrimi'nin kahramanlığını ifade etmenin bir yolu haline geliyor.

17. yüzyılda Fransa'da klasisizm güçlü ve tutarlı bir sanatsal sisteme dönüştü ve barok edebiyat üzerinde gözle görülür bir etki yarattı. Almanya'da, diğer Avrupa edebiyatlarına (M. Opitz) layık "doğru" ve "mükemmel" bir şiir okulu yaratmaya yönelik bilinçli bir kültürel çaba olarak ortaya çıkan klasisizm, tam tersine, tarzı daha fazla olan barok tarafından bastırıldı. Otuz Yıl Savaşları'nın trajik dönemine uygun olarak; I. K. Gottsche'nin 1730'larda ve 40'larda Alman edebiyatını klasik kanonların yoluna yönlendirmeye yönelik gecikmiş girişimi şiddetli tartışmalara neden oldu ve genel olarak reddedildi. Bağımsız bir estetik fenomen, J. W. Goethe ve F. Schiller'in Weimar klasisizmidir. Birleşik Krallık'ta erken klasisizm, J. Dryden'ın çalışmalarıyla ilişkilendirilir; daha da gelişmesi Aydınlanma doğrultusunda ilerledi (A. Pope, S. Johnson). 17. yüzyılın sonunda İtalya'da klasisizm, Rokoko'ya paralel olarak var oldu ve bazen onunla iç içe geçti (örneğin, Arcadia şairlerinin - A. Zeno, P. Metastasio, P. Y. Martello, S. Maffei'nin eserlerinde); Aydınlanma klasisizmi V. Alfieri'nin çalışmalarıyla temsil edilmektedir.

Rusya'da klasisizm, Batı Avrupa klasisizminin ve Aydınlanma fikirlerinin etkisi altında 1730'lar-1750'lerde kuruldu; ancak barokla olan bağlantının izini açıkça sürüyor. Ayırt edici özellikleri Rus klasisizmi - belirgin didaktizm, suçlayıcı, sosyal açıdan eleştirel yönelim, ulusal-vatanseverlik duygusu, güven Halk sanatı . Klasisizmin ilk ilkelerinden biri A. D. Kantemir tarafından Rus topraklarına aktarılmıştır. Hicivlerinde I. Boileau'yu takip etti, ancak insan ahlaksızlıklarının genelleştirilmiş görüntülerini yaratarak bunları ev içi gerçekliğe uyarladı. Kantemir, Rus edebiyatına yeni şiir türleri kazandırdı: mezmurların transkripsiyonları, masallar, kahramanlık şiiri (“Petrida”, bitmedi). Klasik bir övgü niteliğindeki kasidenin ilk örneği, buna teorik "Genel olarak ode hakkında akıl yürütme" (her ikisi de Boileau'yu takip eden) ile eşlik eden V. K. Trediakovsky ("Gdansk Şehri'nin Teslim Olması Üzerine Ciddi Ode", 1734) tarafından yaratıldı. ). Barok şiirin etkisi M. V. Lomonosov'un şiirlerine damgasını vurdu. En eksiksiz ve tutarlı Rus klasisizmi A. P. Sumarokov'un çalışmaları ile temsil edilmektedir. Boileau'nun incelemesini taklit ederek yazdığı Şiir Üzerine Mektup'ta (1747) klasik doktrinin ana hükümlerini ana hatlarıyla çizen Sumarokov, eserlerinde bunları takip etmeye çalıştı: 17. yüzyıl Fransız klasikçilerinin çalışmalarına ve dramaturjiye yönelik trajediler. Voltaire'in ama esas olarak ulusal tarihteki olaylara değinen; kısmen - modeli Moliere'nin eseri olan komedilerde; hicivlerde ve ona "kuzey Lafontaine" şanını kazandıran masallarda. Ayrıca Boileau'nun bahsetmediği ancak bizzat Sumarokov'un şiir türleri listesine dahil ettiği şarkı türünü de geliştirdi. 18. yüzyılın sonuna kadar, Lomonosov'un 1757 tarihli toplu eserlerin önsözünde önerdiği türlerin sınıflandırılması - “Rus Dilinde Kilise Kitaplarının Yararlılığı Üzerine”, üç stil teorisini ilişkilendiren önemini korudu. kahramanca bir şiiri, bir kasideyi, ciddi bir konuşmayı birbirine bağlayan belirli türler; ortada - trajedi, hiciv, ağıt, eklog; düşük komedi, şarkı, epigram ile. Kahramanca bir şiir örneği V. I. Maikov (“Elisha veya Sinirli Bacchus”, 1771) tarafından yaratılmıştır. Tamamlanan ilk kahramanlık destanı M. M. Kheraskov'un (1779) Rossiyada'sıdır. 18. yüzyılın sonunda klasik dramaturjinin ilkeleri N. P. Nikolev, Ya. B. Kniazhnin, V. V. Kapnist'in eserlerinde kendini gösterdi. 18. ve 19. yüzyılların başında klasisizmin yerini yavaş yavaş edebiyat gelişimindeki romantizm öncesi ve duygusallıkla ilişkilendirilen yeni eğilimler aldı, ancak etkisini bir süre korudu. Gelenekleri 1800'lü ve 20'li yıllarda Radishchev şairlerinin (A. Kh. Vostokov, I. P. Pnin, V. V. Popugaev), edebiyat eleştirisinde (A. F. Merzlyakov), edebi ve estetik programda ve tür-üslup uygulamalarında izlenebilir. Decembrist şairleri, A. S. Puşkin.

A. P. Losenko. "Vladimir ve Rogneda". 1770. Rus Müzesi (St. Petersburg).

N. T. Pakhsaryan; T. G. Yurchenko (Rusya'da klasisizm).

mimarlık ve sanat. Avrupa sanatındaki klasisizm eğilimleri, 16. yüzyılın 2. yarısında İtalya'da zaten özetlenmişti - A. Palladio'nun mimari teorisi ve pratiğinde, G. da Vignola, S. Serlio'nun teorik incelemelerinde; daha tutarlı bir şekilde - G. P. Bellori'nin (17. yüzyıl) yazılarında ve Bologna okulunun akademisyenlerinin estetik standartlarında. Bununla birlikte, 17. yüzyılda Barok ile şiddetli bir polemik etkileşimi içinde gelişen klasisizm, yalnızca Fransız sanat kültüründe bütünsel bir üslup sistemine dönüştü. 18. - 19. yüzyılın başlarındaki klasisizm de ağırlıklı olarak Fransa'da şekillendi ve bu, pan-Avrupa tarzı haline geldi (ikincisine yabancı sanat tarihinde genellikle neoklasizm olarak anılır). Klasisizm estetiğinin altında yatan rasyonalizm ilkeleri, bir sanat eserinin duyusal olarak algılanan yaşamın kaosu ve akışkanlığı üzerinde zafer kazanan akıl ve mantığın meyvesi olduğu görüşünü belirledi. Makul bir başlangıca, kalıcı kalıplara yönelim, aynı zamanda klasisizm estetiğinin normatif gerekliliklerini, sanatsal kuralların düzenlenmesini, görsel sanatlarda katı bir tür hiyerarşisini de belirledi ("yüksek" tür, mitolojik ve tarihi konulardaki çalışmaları içerir, yanı sıra "ideal manzara" ve tören portresi; "düşük" - natürmort, gündelik tür vb.). Paris'te kurulan kraliyet akademilerinin faaliyetleri - resim ve heykel (1648) ve mimarlık (1671) - klasisizmin teorik doktrinlerinin sağlamlaştırılmasına katkıda bulundu.

Dramatik form çatışması, hacim ve mekansal çevrenin enerjik etkileşimi ile barok mimarinin aksine, klasisizm mimarisi, hem ayrı bir binada hem de bir toplulukta uyum ve iç bütünlük ilkesine dayanmaktadır. karakteristik özellikler bu tarz, bütünün netliği ve birliği, simetri ve denge, sakin ve ciddi bir ritim yaratan plastik formların ve mekansal aralıkların kesinliği arzusudur; tamsayıların çoklu oranlarına dayanan bir orantı sistemi (şekillendirme kalıplarını belirleyen tek bir modül). Klasisizm ustalarının antik mimari mirasına sürekli çekiciliği, yalnızca bireysel motif ve unsurların kullanılması değil, aynı zamanda anlaşılması da anlamına geliyordu. genel kanunlar onun mimarisi. Klasisizmin mimari dilinin temeli, önceki dönemlerin mimarisine göre antik çağa daha yakın olan mimari düzen, oranlar ve formlardı; Binalarda görüntüyü engellemeyecek şekilde kullanılır. Genel yapı yapılar, ancak onun incelikli ve ölçülü eşlikçisi haline gelir. Klasisizmin iç mekanları, mekansal bölümlerin netliği, renklerin yumuşaklığı ile karakterize edilir. Anıtsal ve dekoratif resimde perspektif efektlerini yaygın olarak kullanan klasisizmin ustaları, hayali alanı gerçek olandan temel olarak ayırdı.

Klasisizm mimarisinde önemli bir yer kentsel planlama sorunlarına aittir. "İdeal şehirler" projeleri geliştiriliyor, yeni bir tür düzenli mutlakiyetçi şehir ikametgahı (Versailles) yaratılıyor. Klasisizm, kararlarının temelinde kişiye orantılılık ilkesini ve aynı zamanda mimari imaja kahramanca yükseltilmiş bir ses veren bir ölçeği koyarak, antik çağ ve Rönesans geleneklerini sürdürmeyi amaçlamaktadır. Saray dekorunun retorik ihtişamı bu baskın eğilimle çelişse de, klasisizmin istikrarlı figüratif yapısı, tarihsel gelişim sürecindeki değişiklikleri ne kadar çeşitli olursa olsun, üslup birliğini korur.

Fransız mimarisinde klasisizmin oluşumu J. Lemercier ve F. Mansart'ın eserleriyle ilişkilidir. Binaların görünümü ve yapım teknikleri ilk bakışta 16. yüzyıl kale mimarisine benziyor; L. Levo'nun çalışmalarında belirleyici bir dönüm noktası meydana geldi - her şeyden önce, Vaux-le-Vicomte sarayı ve park topluluğunun yaratılmasında, sarayın ciddi bir ateş yakılmasıyla, Ch. Lebrun ve Lebrun'un duvar resimlerinin empoze edilmesiyle. yeni ilkelerin en karakteristik ifadesi - A. Le Nôtre'nin düzenli parterre parkı. program çalışması Louvre'un C. Perrault'un planına göre (1660'lardan itibaren) gerçekleştirilen doğu cephesi klasik mimari haline geldi (J. L. Bernini ve diğerlerinin Barok üsluptaki projelerinin reddedilmesi karakteristiktir). 1660'larda L. Levo, A. Le Nôtre ve Ch. Lebrun, klasisizm fikirlerinin özel bir bütünlükle ifade edildiği bir Versailles topluluğu yaratmaya başladı. 1678'den beri Versailles'ın inşaatı J. Hardouin-Mansart tarafından yönetiliyordu; tasarımlarına göre saray önemli ölçüde genişletildi (kanatlar eklendi), merkezi teras, iç mekanın en temsili kısmı olan Ayna Galerisine dönüştürüldü. Ayrıca Büyük Trianon Sarayı ve diğer binaları da inşa etti. Versailles topluluğu, nadir görülen bir stilistik bütünlük ile karakterize edilir: çeşmelerin jetleri bile bir sütuna benzer şekilde statik bir formda birleştirilmiştir ve ağaçlar ve çalılar bu formda kesilmiştir. geometrik şekiller. Topluluğun sembolizmi, "Güneş Kralı" Louis XIV'in yüceltilmesine tabidir, ancak sanatsal ve figüratif temeli, otoriter bir şekilde dönüştürücü olan aklın tanrılaştırılmasıydı. doğal unsurlar. Aynı zamanda, iç mekanların vurgulanan dekoratifliği, Versailles ile ilgili olarak "barok klasisizm" stilistik teriminin kullanılmasını haklı çıkarmaktadır.

17. yüzyılın 2. yarısında, kentsel gelişimin doğal çevre unsurlarıyla organik bağlantısını, bir cadde veya setle mekansal olarak birleşen açık alanların yaratılmasını, kilit unsurlar için toplu çözümler sağlayan yeni planlama teknikleri geliştirildi. kentsel yapının (Büyük Louis Meydanı, şimdi Vendôme ve Zafer Meydanı; Les Invalides'in mimari topluluğu, tümü - J. Hardouin-Mansart), zafer giriş kemerleri (N. F. Blondel tarafından tasarlanan Saint-Denis kapısı; tümü - içinde) Paris).

18. yüzyıl Fransa'sında klasisizm gelenekleri neredeyse kesintiye uğramadı, ancak yüzyılın 1. yarısında rokoko tarzı hakim oldu. 18. yüzyılın ortalarında klasisizmin ilkeleri, Aydınlanma estetiğinin ruhuyla dönüştürüldü. Mimaride, "doğallığa" duyulan çekicilik, iç mekanda kompozisyonun düzen unsurlarının yapıcı bir şekilde gerekçelendirilmesi gerekliliğini ortaya koyuyor - konforlu bir konut binasının esnek bir düzenini geliştirme ihtiyacı. Peyzaj (peyzaj) ortamı ev için ideal ortam haline geldi. Yunan ve Roma antik çağına ilişkin bilgilerin hızla gelişmesi (Herculaneum, Pompeii kazıları vb.) 18. yüzyılın klasizmi üzerinde büyük bir etkiye sahipti; J. I. Winkelmann, J. W. Goethe ve F. Militsia'nın çalışmaları klasisizm teorisine katkıda bulundu. 18. yüzyıl Fransız klasisizminde yeni mimari türleri tanımlandı: son derece samimi bir malikane (“otel”), ön kamu binası, şehrin ana caddelerini birbirine bağlayan açık bir meydan (Louis XV Meydanı, şimdi Place de la Concorde) , Paris'te mimar J. A. Gabriel; ayrıca formların uyumlu netliğini çizimin lirik inceliğiyle birleştirerek Versailles Park'taki Petit Trianon Sarayı'nı da inşa etti. J. J. Souflot, Paris'teki Sainte-Genevieve kilisesi projesini klasik mimari deneyimine dayanarak gerçekleştirdi.

18. yüzyıldaki Fransız Devrimi'nden önceki dönemde mimari, ciddi bir sadelik çabasını, yeni, düzensiz bir mimarinin anıtsal geometrisine yönelik cesur bir arayışı ortaya koydu (K.N. Ledoux, E.L. Bulle, J.J. Lekeu). Bu arayışlar (aynı zamanda G. B. Piranesi'nin mimari gravürlerinin etkisiyle de belirtilmiştir) klasisizmin geç evresi için başlangıç ​​noktası olarak hizmet etti - muhteşem temsiliyetin büyüdüğü Fransız İmparatorluğu (19. yüzyılın 1. üçte biri) (Ch. Percier) , P.F.L. Fontaine, J.F. Chalgrin).

17. ve 18. yüzyılların İngiliz Palladianizmi birçok bakımdan klasisizm sistemiyle ilişkilidir ve çoğu zaman onunla birleşir. I. Jones'un çalışmalarında klasiklere yönelim (sadece A. Palladio'nun fikirlerine değil, aynı zamanda antik çağa), plastik olarak açık motiflerin katı ve ölçülü ifadesi mevcuttur. 1666'daki "Büyük Yangın"dan sonra K. Wren, Londra'nın en büyük binası olan St. Paul Katedrali'nin yanı sıra 50'den fazla kilise kilisesi, Oxford'da antik çözümlerin etkisiyle işaretlenmiş bir dizi bina inşa etti. 18. yüzyılın ortalarında Bath (J. Wood the Elder ve J. Wood the Young), Londra ve Edinburgh'un (Adam kardeşler) düzenli gelişimiyle kapsamlı kentsel planlar hayata geçirildi. W. Chambers, W. Kent, J. Payne'in binaları, ülke parkı sitelerinin gelişmesiyle ilişkilidir. R. Adam aynı zamanda Roma antik döneminden de ilham almıştır, ancak onun klasisizm versiyonu daha yumuşak ve daha lirik bir görünüme kavuşmaktadır. Büyük Britanya'daki klasisizm, sözde Gürcü tarzının en önemli bileşeniydi. 19. yüzyılın başlarında İngiliz mimarisinde Empire tarzına benzer özellikler ortaya çıktı (J. Soane, J. Nash).

17. - 18. yüzyılın başlarında, Hollanda mimarisinde (J. van Kampen, P. Post) klasisizm oluştu ve bu da onun özellikle kısıtlı bir versiyonuna yol açtı. Fransız ve Hollanda klasisizminin yanı sıra erken barok ile çapraz bağlantılar, 17. yüzyılın sonlarında ve 18. yüzyılın başlarında İsveç mimarisinde klasisizmin kısa süreliğine gelişmesini etkiledi (Genç N. Tessin). 18. ve 19. yüzyılın başlarında, klasisizm İtalya'da (G. Piermarini), İspanya'da (J. de Villanueva), Polonya'da (J. Kamsetzer, H.P. Aigner) ve ABD'de (T. Jefferson, J. Hoban) kendini kanıtladı. . Palladyan F. W. Erdmansdorf'un katı biçimleri, K. G. Langhans, D. ve F. Gilly'nin "kahramanca" Helenizmi ve L. von Klenze'nin tarihselciliği, 19. yüzyılın 18. - 1. yarısının Alman klasisizm mimarisinin karakteristik özellikleridir. . K. F. Shinkel'in çalışmalarında görüntülerin sert anıtsallığı, yeni işlevsel çözüm arayışıyla birleşiyor.

19. yüzyılın ortalarına gelindiğinde klasisizmin öncü rolü boşa çıkıyordu; yerini tarihsel üsluplar almıştır (ayrıca bkz. Neo-Yunan üslubu, Eklektizm). Aynı zamanda klasisizmin sanatsal geleneği de 20. yüzyılın neoklasizminde hayat buluyor.

Klasisizmin güzel sanatı normatiftir; Figüratif yapısı, toplumsal ütopyanın açık işaretleriyle karakterize edilir. Klasisizmin ikonografisine eski efsaneler, kahramanca eylemler, tarihi olaylar, yani insan topluluklarının kaderine, "gücün anatomisine" olan ilgi hakimdir. Basit bir "doğa portresi" ile yetinmeyen klasisizm sanatçıları, somut olanın, bireyin ötesine, evrensel olarak anlamlı olana yükselmeye çalışırlar. Klasikçiler, Caravaggio'nun veya Küçük Hollandalı'nın natüralizmiyle örtüşmeyen sanatsal hakikat fikrini savundular. Klasisizm sanatındaki rasyonel eylemler ve parlak duygular dünyası, arzu edilen varoluş uyumu rüyasının somutlaşmış hali olarak kusurlu günlük yaşamın üzerinde yükseldi. Yüce ideale yönelim, "güzel doğa" seçimine yol açtı. Klasisizm sıradan, sapkın, grotesk, kaba ve itici olandan kaçınır. Klasik mimarinin tektonik netliği, heykel ve resimdeki planların net bir şekilde sınırlandırılmasına karşılık gelir. Klasisizmin plastiği, kural olarak sabit bir bakış açısı için tasarlanmıştır, formların düzgünlüğü ile ayırt edilir. Figürlerin pozlarındaki hareket anı genellikle onların plastik izolasyonunu ve sakin heykellerini ihlal etmez. Klasik resimde formun ana unsurları çizgi ve ışık-gölgedir; yerel renkler nesneleri ve manzara planlarını net bir şekilde ortaya çıkarıyor, bu da resmin mekansal kompozisyonunu sahne kompozisyonuna yaklaştırıyor.

17. yüzyıl klasisizminin kurucusu ve en büyük ustası, resimlerinde felsefi ve etik içeriğin yüceliği, ritmik yapı ve rengin uyumu ile dikkat çeken Fransız sanatçı N. Poussin'di.

İnsanlığın "altın çağı" klasikçilerinin hayalini somutlaştıran "ideal manzara" (N. Poussin, C. Lorrain, G. Duguet), 17. yüzyıl klasisizm resminde oldukça gelişmiştir. 17. - 18. yüzyılın başlarında heykel alanında Fransız klasisizminin en önemli ustaları P. Puget'ti ( kahramanlık teması), F. Girardon (formların uyumu ve özlülüğünün araştırılması). 18. yüzyılın ikinci yarısında Fransız heykeltıraşlar yeniden sosyal açıdan önemli temalara ve anıtsal çözümlere yöneldiler (J. B. Pigalle, M. Clodion, E. M. Falcone, J. A. Houdon). J. Robert'in dekoratif manzaraları olan J. M. Vienne'nin mitolojik tablosunda sivil pathos ve lirizm birleştirildi. Fransa'da sözde devrimci klasisizmin tablosu, tarihi ve portre görüntüleri cesur dramayla işaretlenen J. L. David'in eserleriyle temsil ediliyor. İÇİNDE geç dönem Fransız klasisizm resmi, bireysel büyük ustaların (J. O. D. Ingres) ortaya çıkmasına rağmen, resmi özür dileme veya salon sanatına dönüşüyor.

Roma, 18. ve 19. yüzyılın başlarında, sanatta akademik geleneğin, formların asilliği ve soğuk, soyut idealleştirmenin birleşimiyle, genellikle akademikizm için (ressamlar A.R. Mengs, J.A. Koch, V. Camuccini, heykeltıraşlar A. Kakova ve B. Thorvaldsen). Alman klasisizminin görsel sanatında, ruhen tefekkür, A. ve V. Tishbein'in portreleri, A. Ya. Karstens'in mitolojik karikatürleri, I. G. Shadov, K. D. Raukh'un plastik sanatı öne çıkıyor; sanat ve el sanatları alanında - D. Roentgen'in mobilyaları. Büyük Britanya'da, J. Flaxman'ın grafik ve heykel klasisizmleri yakın, sanat ve el sanatlarında - J. Wedgwood'un seramikleri ve Derby'deki fabrikanın ustaları.

A. R. Mengs. "Perseus ve Andromeda". 1774-79. Ermitaj (St. Petersburg).

Rusya'da klasisizmin en parlak dönemi, 18. yüzyılın son üçte birine - 19. yüzyılın 1. üçte birine kadar uzanıyor, ancak zaten 18. yüzyılın başlangıcı, Fransız klasisizminin kentsel planlama deneyimine (simetrik simetri ilkesi) yaratıcı bir çekicilik ile işaretlenmişti. -St. Petersburg inşaatında eksenel planlama sistemleri). Rus klasisizmi, Rus seküler kültürünün gelişmesinde kapsam ve ideolojik doluluk açısından Rusya için benzeri görülmemiş yeni bir tarihi aşamayı somutlaştırdı. Mimarlıkta erken Rus klasisizm (1760-70'ler; J. B. Vallin-Delamot, A. F. Kokorinov, Yu. M. Felten, K. I. Blank, A. Rinaldi), barok ve rokoko'ya özgü formların plastik zenginliğini ve dinamiklerini hâlâ koruyor.

Klasisizmin olgun döneminin mimarları (1770-90'lar; V. I. Bazhenov, M. F. Kazakov, I. E. Starov), banliyö soylu mülklerinin kapsamlı inşaatında model haline gelen başkentin saray-mülkünün ve konforlu konut binalarının klasik türlerini yarattı. şehirlerin yeni, ön binası. Ülke parklarındaki topluluk sanatı, Rus klasisizminin dünyaya büyük bir katkısıdır. sanatsal kültür. Palladyanizmin Rus versiyonu malikane inşaatında ortaya çıktı (N. A. Lvov) ve yeni bir tür oda sarayı geliştirildi (C. Cameron, J. Quarenghi). Rus klasisizminin bir özelliği, devlet kentsel planlamasının benzeri görülmemiş ölçeğidir: 400'den fazla şehir için düzenli planlar geliştirildi, Kaluga, Kostroma, Poltava, Tver, Yaroslavl vb. merkezlerinin toplulukları oluşturuldu; Şehir planlarını "düzenleme" uygulaması, kural olarak, klasisizm ilkelerini eski Rus şehrinin tarihsel olarak kurulmuş planlama yapısıyla başarılı bir şekilde birleştirdi. 18. ve 19. yüzyılların başlangıcı, her iki başkentte de en büyük kentsel gelişim başarılarına damgasını vurdu. St.Petersburg'un merkezinin görkemli bir topluluğu oluşturuldu (A.N. Voronikhin, A.D. Zakharov, J.F. Thomas de Thomon, daha sonra K.I. Rossi). Diğer kentsel planlama ilkelerine göre, 1812 yangınından sonra restorasyon sırasında rahat iç mekanlara sahip küçük konaklarla inşa edilen “klasik Moskova” oluşturuldu. Buradaki düzenliliğin başlangıcı, sürekli olarak şehrin mekansal yapısının genel resimsel özgürlüğüne tabi kılındı. Geç Moskova klasisizminin en önde gelen mimarları D. I. Gilardi, O. I. Bove, A. G. Grigoriev'dir. 19. yüzyılın 1. üçte birinin binaları Rus İmparatorluğu tarzına aittir (bazen İskender klasisizm olarak da adlandırılır).

Görsel sanatlarda Rus klasisizminin gelişimi, St. Petersburg Sanat Akademisi (1757'de kuruldu) ile yakından bağlantılıdır. Heykel, mimariyle ince düşünülmüş bir sentez oluşturan “kahramanca” anıtsal-dekoratif plastiklik, sivil pathoslarla dolu anıtlar, hüzünlü aydınlanmayla dolu mezar taşları, şövale esnekliği ile temsil edilir (I.P. Prokofiev, F.G. Gordeev, M.I. Kozlovsky, I.P. . Martos, F. F. Shchedrin, V. I. Demut-Malinovsky, S. S. Pimenov, I. I. Terebenev). Resimde klasisizm, tarihi ve mitolojik türün eserlerinde en açık şekilde ortaya çıktı (A.P. Losenko, G.I. Ugryumov, I.A. Akimov, A.I. Ivanov, A.E. Egorov, V.K. Shebuev, erken A.A. Ivanov, senografide - P. di'nin çalışmalarında) G. Gonzago). Klasisizmin bazı özellikleri de içseldir heykelsi portreler F. I. Shubin, resimde - D. G. Levitsky, V. L. Borovikovsky'nin portreleri, F. M. Matveev'in manzaraları. Rus klasisizminin dekoratif ve uygulamalı sanatında mimaride sanatsal modelleme ve oyma dekor, bronz ürünler, dökme demir, porselen, kristal, mobilya, şam kumaşlar vb. öne çıkıyor.

A. I. Kaplun; Yu.K. Zolotov (Avrupa güzel sanatları).

Tiyatro. Tiyatro klasisizminin oluşumu 1630'larda Fransa'da başladı. Bu süreçteki harekete geçirici ve düzenleyici rol edebiyata aitti ve bu sayede tiyatro "yüksek" sanatlar arasında yerini aldı. Fransızlar, Rönesans'ın İtalyan "bilgili tiyatrosunda" tiyatro sanatının örneklerini gördüler. Trend belirleyici olduğundan ve kültürel varlık Bir saray topluluğu olduğu için saray törenleri ve şenlikleri, baleler ve tören resepsiyonları da sahne tarzını etkiledi. Tiyatro klasisizminin ilkeleri Paris sahnesinde geliştirildi: G. Mondori başkanlığındaki Mare tiyatrosunda (1634), Kardinal Richelieu tarafından inşa edilen Palais-Cardinal'de (1641, 1642'den itibaren Palais-Royal), düzenlemesi yüksek standartları karşılayan İtalyan sahne teknolojisinin gereksinimleri; 1640'larda Burgonya Oteli teatral klasisizmin mekanı haline geldi. Eşzamanlı dekorasyon, 17. yüzyılın ortalarına doğru yavaş yavaş yerini pitoresk ve tekdüze perspektif dekorasyona (saray, tapınak, ev vb.) bıraktı; Gösterinin başında ve sonunda yükselip alçalan bir perde belirdi. Sahne bir tablo gibi çerçevelendi. Oyun yalnızca sahne önü üzerinde oynandı; performansın merkezinde birkaç baş karakter figürü yer alıyordu. Mimari bir arka plan, tek bir aksiyon sahnesi, oyunculuk ve resimsel planların birleşimi, ortak bir üç boyutlu mizansen, inandırıcılık yanılsamasının yaratılmasına katkıda bulundu. 17. yüzyıl sahne klasisizminde “dördüncü duvar” kavramı vardı. F. E. a'Aubignac, oyuncu hakkında şöyle yazdı (“Tiyatro Uygulaması”, 1657), “Sanki seyirci hiç yokmuş gibi: karakterleri sanki gerçekten krallarmış gibi davranıyor ve konuşuyor, Mondori ve Belrose değil, sanki Paris'teki Burgundy otelinde değil de Roma'daki Horace'ın sarayındalarmış gibi ve sanki sadece sahnede bulunanlar tarafından görülüp duyuluyormuş gibi (yani tasvir edilende). yer).

Klasisizmin yüksek trajedisinde (P. Corneille, J. Racine), A. Hardy'nin oyunlarının dinamikleri, eğlence ve macera konuları (17. yüzyılın 1. üçte birinde V. Leconte'nin ilk kalıcı Fransız grubunun repertuvarı) Yüzyıl) yerini, kahramanın manevi dünyasına, davranışının güdülerine statik ve derinlemesine bir ilgi aldı. Yeni dramaturji sahne sanatlarında değişiklik yapılmasını gerektiriyordu. Oyunculuğuyla çağdaşının yakın portresini yaratan oyuncu, dönemin etik ve estetik idealinin vücut bulmuş hali haline geldi; Antik çağ olarak stilize edilen kostümü modern modaya tekabül ediyordu, plastik asalet ve zarafetin gereklerine uyuyordu. Aktörün bir konuşmacının dokunaklılığına, ritim duygusuna, müzikaliteye (aktris M. Chanmele için, J. Racine rolün çizgileri üzerine notlar yazmıştı), anlamlı jest sanatına, bir dansçının becerilerine sahip olması gerekiyordu. hatta fiziksel güç. Klasisizmin dramaturjisi, tüm performans tekniklerini (okuma, jest, yüz ifadeleri) birleştiren ve Fransız aktörün ana ifade aracı haline gelen bir sahne okuma okulunun ortaya çıkmasına katkıda bulundu. A. Vitez, 17. yüzyılın okunmasını "prozodik mimari" olarak adlandırdı. Performans, monologların mantıksal etkileşimi üzerine inşa edildi. Kelimenin yardımıyla duyguyu uyarma ve kontrol etme tekniği geliştirildi; Performansın başarısı sesin gücüne, ses tonuna, tınısına, renk ve tonlamalara sahip olmasına bağlıydı.

J. Racine'in Burgonya otelindeki "Andromache" adlı eseri. F. Chauveau'nun gravürü. 1667.

Tiyatro türlerinin "yüksek" (Burgundy otelindeki trajedi) ve "düşük" (Molière zamanının "Palais Royal" komedisi) olarak bölünmesi, rollerin ortaya çıkışı, klasisizm tiyatrosunun hiyerarşik yapısını sabitledi. "Asilleştirilmiş" doğanın sınırları içinde kalan görüntünün performans modeli ve ana hatları, büyük oyuncuların bireyselliği tarafından belirlendi: J. Floridor'un okuma tarzı, aşırı poz veren Belrose'unkinden daha doğaldı; M. Chanmelet, gür ve melodik bir "okuma" ile karakterize edildi ve Montfleury, tutkunun duygulanımlarında eşitliği bilmiyordu. Daha sonra teatral klasisizm kanonunda geliştirilen, standart jestlerden (sürpriz, eller omuz hizasına kaldırılmış ve avuç içleri izleyiciye dönük olarak tasvir edilmiştir; tiksinti - baş sağa dönük ve eller aşağılama nesnesini iterek tasvir edilmiştir) oluşan kavram , vb.), tarzın gerileme ve yozlaşma çağını ifade eder.

18. yüzyılda tiyatronun eğitim demokrasisine doğru kararlı bir şekilde geri çekilmesine rağmen, Comedie Francaise A. Lecouvreur, M. Baron, A. L. Lequin, Dumesnil, Cleron, L. Preville'in oyuncuları zevklere uygun olarak sahne klasisizm tarzını geliştirdiler. ve çağ talep ediyor. Klasik okuma normlarından ayrıldılar, kostümü yeniden düzenlediler ve oyunu yönetme girişimlerinde bulunarak bir aktörler topluluğu yarattılar. 19. yüzyılın başlarında romantiklerin “saray” tiyatrosu geleneğiyle mücadelesinin doruğundayken, F.J. Talma, M.J.” ve aranan üslup ortaya çıktı. Klasisizm gelenekleri, 19. ve 20. yüzyılın başlarında ve hatta sonrasında Fransa'nın tiyatro kültürünü etkilemeye devam etti. Klasisizm ve modernlik tarzlarının birleşimi, J. Mounet-Sully, S. Bernard, B.C. Coquelin'in oyununun karakteristiğidir. 20. yüzyılda Fransız yönetmenin tiyatrosu Avrupa tiyatrosuna yakınlaştı, sahne tarzı ulusal özelliğini yitirdi. Bununla birlikte, 20. yüzyıl Fransız tiyatrosundaki önemli olaylar klasisizm gelenekleriyle ilişkilidir: J. Copeau, J. L. Barraud, L. Jouvet, J. Vilard'ın performansları, Vitez'in 17. yüzyıl klasikleriyle deneyleri, R.'nin yapımları Planchon, J. Desart ve diğerleri.

18. yüzyılda Fransa'da hakim üslup önemini yitiren klasisizm, diğer Avrupa ülkelerinde de haleflerini buldu. J. W. Goethe, liderliğindeki Weimar tiyatrosunda sürekli olarak klasisizmin ilkelerini tanıttı. Almanya'da oyuncu ve girişimci F. K. Neuber ve aktör K. Eckhoff, İngiliz aktörler T. Betterton, J. Quinn, J. Kemble, S. Siddons klasisizmin propagandasını yaptı, ancak kişisel yaratıcı başarılara rağmen çabaları etkisiz kaldı ve sonuçta reddedildi. Sahne klasisizmi tüm Avrupa çapında bir tartışmanın konusu haline geldi ve Alman ve onlardan sonra Rus tiyatro teorisyenleri sayesinde "sahte klasik tiyatro" tanımını aldı.

Rusya'da, klasik üslup 19. yüzyılın başında A. S. Yakovlev ve E. S. Semyonova'nın çalışmalarında gelişti, daha sonra V. V. Samoilov (bkz. Samoilovs), V. A. Karatygin şahsında St. Petersburg tiyatro okulunun başarılarında kendini gösterdi. (bkz. Karatygin), ardından Yu.M. Yuriev.

E. I. Gorfunkel.

Müzik. Müzikle ilgili olarak "klasiklik" terimi, eski örneklere yönelim anlamına gelmez (yalnızca eski Yunan anıtları biliniyor ve inceleniyordu). müzik teorisi), ancak müzikal tiyatroda Barok tarzın kalıntılarını ortadan kaldırmak için tasarlanmış bir dizi reform. 17. yüzyılın 2. yarısı ile 18. yüzyılın 1. yarısının Fransız müzik trajedisinde klasist ve barok eğilimler tutarsız bir şekilde birleştirildi (librettist F. Kino ve besteci J. B. Lully'nin yaratıcı işbirliği, J. F. Rameau'nun operaları ve opera-baleleri) ve 18. yüzyılın müzikal ve dramatik türleri arasında (İtalya, İngiltere, Avusturya, Almanya, Rusya'da) lider konumda olan İtalyan opera dizisinde. Fransız müzikal trajedisinin en parlak dönemi, mutlakiyetçilik krizinin başlangıcında, ülke çapında bir devlet için mücadele döneminin kahramanlık ve vatandaşlık ideallerinin yerini şenlik ruhu ve törensel memuriyet, lüks ve lükse duyulan ilgi aldığında geldi. rafine hedonizm. Müzikal bir trajedinin mitolojik veya şövalye-efsanevi olay örgüsü bağlamında klasikliğe özgü duygu ve görev çatışmasının keskinliği azaldı (özellikle drama tiyatrosundaki trajediyle karşılaştırıldığında). Türün saflığı (komedi ve günlük bölümlerin yokluğu), eylem birliği (çoğunlukla yer ve zaman da) ve "klasik" 5 perdelik bir kompozisyon (genellikle bir önsözle birlikte) gereksinimleri, klasisizm normlarıyla ilişkilidir. Müzikal dramada merkezi konum, rasyonalist sözel-kavramsal mantığa en yakın unsur olan resitatif tarafından işgal edilmiştir. Tonlama alanında, doğal insan konuşmasıyla ilişkili açıklayıcı-acıklı formüller (sorgulayıcı, emir vb.) hakimdir, aynı zamanda barok operanın karakteristik retorik ve sembolik figürleri hariç tutulmuştur. Fantastik ve pastoral-pastoral temalara sahip kapsamlı koro ve bale sahneleri, gösteri ve eğlenceye yönelik genel bir yönelim (sonunda baskın hale geldi), klasisizm ilkelerinden çok Barok gelenekleriyle daha uyumluydu.

İtalya için geleneksel olan, şarkı söyleme ustalığının geliştirilmesi ve opera seria türüne özgü dekoratif bir unsurun geliştirilmesiydi. Roma Akademisi "Arcadia"nın bazı temsilcileri tarafından öne sürülen klasisizmin gereklilikleri doğrultusunda, 18. yüzyılın başlarındaki kuzey İtalyan librettistler (F. Silvani, J. Frigimelica-Roberti, A. Zeno, P. Pariati, A. Salvi, A. Piovene) ciddi opera çizgi romanlarından ve günlük bölümlerden, doğaüstü veya fantastik güçlerin müdahalesiyle ilişkili olay örgüsünden ihraç edildi; olay örgüsü çemberi tarihi ve tarihi-efsanevi ile sınırlandırılmış, ahlaki ve etik konular ön plana çıkarılmıştır. Erken opera serisinin sanatsal konseptinin merkezinde, ideal bir kişiliğin olumlu niteliklerini gösteren, daha az sıklıkla bir devlet adamı, saray mensubu, destansı kahraman olan bir hükümdarın yüce kahramanlık imgesi vardır: bilgelik, hoşgörü, cömertlik, göreve bağlılık, kahramanca coşku. İtalyan operası için geleneksel olan 3 perdelik yapı korundu (5 perdelik dramalar deneme olarak kaldı), ancak oyuncu sayısı azaltıldı, tonlama ifade araçları, uvertür ve arya formları ve vokal bölümlerinin yapısı müzikte tipik hale getirildi. Dramaturji türü, tamamen ikincil düzeyde müzikal görevler, adı opera seria tarihindeki zirve aşamasıyla ilişkilendirilen P. Metastasio tarafından geliştirildi (1720'lerden beri). Hikayelerinde klasik pathos gözle görülür şekilde zayıflıyor. Çatışma durumu, kural olarak, ana aktörlerin çıkarları veya ilkeleri arasındaki gerçek bir çatışmadan değil, uzun süren "yanılgılarından" dolayı ortaya çıkar ve derinleşir. Bununla birlikte, katı rasyonel gerekçelendirmeden uzak da olsa, duyguların idealize edilmiş bir ifadesine, insan ruhunun asil dürtülerine yönelik özel bir tercih, Metastasio'nun librettosunun yarım yüzyıldan fazla bir süredir olağanüstü popülerliğini sağlamıştır.

Gelişimin doruk noktası müzikal klasisizm Aydınlanma'nın (1760'larda ve 70'lerde) yaratıcı topluluğu K. V. Gluck ve librettist R. Calzabidzhi'den oluşuyordu. Gluck'un opera ve balelerinde klasik eğilimler, etik konulara vurgu yapılarak, kahramanlık ve cömertlik hakkındaki fikirlerin geliştirilmesinde (Paris döneminin müzikal dramalarında, görev ve duygu temasına doğrudan başvurarak) ifade edildi. Klasisizm normları aynı zamanda türün saflığına, neredeyse tek bir dramatik çarpışmaya indirgenmiş maksimum eylem konsantrasyonu arzusuna, belirli bir dramatik durumun görevlerine uygun olarak ifade araçlarının katı bir seçimine, dekoratif bir unsurun en üst düzeyde sınırlandırılmasına, şarkı söylemeye başlayan bir virtüöz. Görüntülerin yorumlanmasının aydınlatıcı doğası, klasik kahramanların doğasında bulunan asil niteliklerin, duygusallığın etkisini yansıtan doğallık ve duyguları ifade etme özgürlüğü ile iç içe geçmesine yansıdı.

1780'lerde ve 1790'larda, 18. yüzyıl Fransız Devrimi'nin ideallerini yansıtan devrimci klasikçi eğilimler, Fransız müzikal tiyatrosunda ifadesini buldu. Genetik olarak önceki aşamayla bağlantılı olan ve esas olarak Gluck'un opera reformunu (E. Megul, L. Cherubini) takip eden besteciler kuşağı tarafından temsil edilen devrimci klasisizm, her şeyden önce, daha önce operanın karakteristik özelliği olan sivil, zalim pathos'u vurguladı. P. Corneille ve Voltaire'in trajedileri. Trajik çatışmanın çözümünün zor olduğu ve dış güçlerin müdahalesini gerektirdiği 1760'lı ve 70'li yılların çalışmalarının aksine ("deus ex machina" - Latince "makineden gelen Tanrı" geleneği), 1780'lerin ve 1790'ların eserlerinde, gerilimin canlı ve etkili bir şekilde serbest bırakılmasını sağlayan kahramanca bir eylem (itaatin reddi, protesto, çoğu zaman bir intikam eylemi, bir tiranın öldürülmesi vb.) yoluyla karakteristik bir sonuç ortaya çıktı. Bu tür dramaturji, 1790'larda klasik opera ve gerçekçi dar görüşlü drama geleneklerinin kesişme noktasında ortaya çıkan "kurtarma operası" türünün temelini oluşturdu.

Rusya'da, müzikal tiyatroda, klasisizmin orijinal tezahürleri nadirdir (F. Araya'nın “Cefal ve Prokris” operası, E. I. Fomin'in melodramı “Orpheus”, O. A. Kozlovsky'nin V. A. Ozerov, A. A. Shakhovsky trajedileri için müziği. ve A. N. Gruzintseva).

Komik operanın yanı sıra 18. yüzyılın teatral aksiyonla ilgili olmayan enstrümantal ve vokal müziği ile ilgili olarak, "klasiklik" terimi büyük ölçüde şartlı olarak kullanılmaktadır. Bazen geniş anlamda, klasik-romantik çağın başlangıç ​​aşamasına, cesur ve klasik tarzlara atıfta bulunmak için kullanılır (Viyana Klasik Okulu, Müzikte Klasikler makalesine bakın), özellikle yargılamayı önlemek için (örneğin, Almanca "Klassik" terimi veya "Rus klasisizmi" ifadesiyle 18. yüzyılın 2. yarısı - 19. yüzyılın başları arasındaki tüm Rus müziği için geçerlidir).

19. yüzyılda müzikal tiyatroda klasisizm yerini romantizme bıraktı, ancak klasik estetiğin bazı özellikleri ara sıra yeniden canlandırıldı (G. Spontini, G. Berlioz, S. I. Taneyev ve diğerleri tarafından). 20. yüzyılda klasikçi sanatsal ilkeler neoklasizmde yeniden dirildi.

P. V. Lutsker.

Aydınlatılmış.: Genel işler . Zeitler R. Classizismus und Utopia. Stockh., 1954; Peyre H. Klasiklik nasıldır? R., 1965; Bray R. Fransa'da klasik doktrin oluşumu. R., 1966; Rönesans. Barok. Klasisizm. XV-XVII. Yüzyıl Batı Avrupa sanatında üslup sorunu. M., 1966; Tapie V. L. Baroque ve classicisme. 2. baskı. R., 1972; Benac H. Le classicisme. R., 1974; Zolotov Yu.K. 17. yüzyıl Fransız klasisizminde eylemin ahlaki temelleri. // SSCB Bilimler Akademisi Bildirileri. Ser. edebiyat ve dil. 1988.V.47.No.3; Zuber R., Cuénin M. Le classicisme. R., 1998. Literatür. Vipper Yu.B. 17. yüzyılın başlarında Fransız şiirinde klasisizmin oluşumu. M., 1967; Oblomievsky D. D. Fransız klasisizm. M., 1968; Serman I. Z. Rus klasisizm: Şiir. Dram. Hiciv. L., 1973; Morozov A. A. Rus klasisizminin kaderi // Rus edebiyatı. 1974. No.1; Jones T. W., Nicol B. Neo-klasik dramatik eleştiri. 1560-1770. Camb., 1976; Moskvicheva G. V. Rus klasisizm. M., 1978; Batı Avrupalı ​​klasikçilerin edebi manifestoları. M., 1980; Averintsev S. S. Antik Yunan Şiiri ve Dünya Edebiyatı // Eski Yunan Edebiyatının Şiiri. M., 1981; Rus ve Batı Avrupa klasisizm. Nesir. M., 1982; L'Antiquité gréco-romaine vue par le siècle des lumières / Ed. R. Chevalier. Turlar, 1987; Klasik im Vergleich. Normatif ve Tarihsel Avrupa Sınıfları. Stuttg.; Weimar, 1993; Pumpyansky L.V. Rus klasisizminin tarihi üzerine // Pumpyansky L.V. Klasik gelenek. M., 2000; Genetiot A. Le classicisme. R., 2005; Smirnov A. A. Rus klasisizminin edebiyat teorisi. M., 2007. Mimarlık ve güzel sanatlar. Gnedich P. P. Sanat Tarihi, M., 1907. T. 3; o. Sanat Tarihi. Batı Avrupa Barok ve Klasisizm. M., 2005; Brunov N.I. 17. ve 18. yüzyıllarda Fransa Sarayları. M., 1938; Blunt A. Francois Mansart ve Fransız klasik mimarisinin kökenleri. L., 1941; aynı fikirdeyim. Fransa'da sanat ve mimari. 1500 ila 1700. 5. baskı. New Haven, 1999; Hautecoeur L. Fransa'da mimari klasiği tarihi. R., 1943-1957. Cilt 1-7; Kaufmann E. Akıl Çağında Mimarlık. Camb. (Mass.), 1955; Rowland V. Batı sanatında klasik gelenek. Camb. (Mass.), 1963; Kovalenskaya N. N. Rus klasisizm. M., 1964; Vermeule S. S. Avrupa sanatı ve klasik geçmiş. Camb. (Mass.), 1964; Rotenberg E. I. 17. yüzyılın Batı Avrupa sanatı. M., 1971; o. 17. yüzyılın Batı Avrupa resmi. Tematik ilkeler. M., 1989; Nikolayev E. V. Klasik Moskova. M., 1975; Greenhalgh M. Sanatta klasik gelenek. L., 1978; Fleming J. R. Adam ve çevresi, Edinburgh ve Roma'da. 2. baskı. L., 1978; Yakimovich A. K. Poussin döneminin klasisizm. Temeller ve ilkeler // Sovyet sanat tarihi'78. M., 1979. Sayı. 1; Zolotov Yu.K. Poussin ve özgür düşünenler // Age. M., 1979. Sayı. 2; Summerson J. Mimarlığın klasik dili. L., 1980; Gnudi C. Klasik ideal: Cinquecento ve Seicento'nun geleneksel klasiklerinden biri. Bolonya, 1981; Howard S. Antik çağ restore edildi: Antik çağın öbür dünyası üzerine makaleler. Viyana, 1990; Fransız Akademisi: klasisizm ve karşıtları / Ed. J Hargrove. yeni ark; L., 1990; Arkın D. E. Mimari görseller ve heykel görselleri. M., 1990; Daniel S. M. Avrupa klasisizm. St.Petersburg, 2003; Karev A. Rus resminde klasisizm. M., 2003; Bedretdinova L. Ekaterininsky klasisizm. M., 2008. Tiyatro. Celler L. Les dekorları, les kostümleri ve la mise en scène au XVIIe siècle, 1615-1680. R., 1869. Gen., 1970; Mantius K. Moliere. Zamanının tiyatrosu, halkı, aktörleri. M., 1922; Mongredien G. Les grands Comediens du XVIIe siècle. R., 1927; Fuchs M. La vie tiyatro en eyalette au XVIIe siecle. R., 1933; Tiyatro hakkında. Doygunluk. nesne. L.; M., 1940; Kemodle G. R. Sanattan tiyatroya. Chi., 1944; Blanchart R. Sahnenin Tarihi. R., 1948; Vilar J. Tiyatro geleneği üzerine. M., 1956; Batı Avrupa Tiyatrosunun Tarihi: 8 ciltte M., 1956-1988; Velekhova N. Tarzla ilgili anlaşmazlıklarda. M., 1963; Boyadzhiev G. N. Klasisizm Sanatı // Edebiyat Soruları. 1965. No.10; Leclerc G. Les grandes aventures du tiyatro. R., 1968; Mints N. V. Fransa'nın tiyatro koleksiyonları. M., 1989; Gitelman L. I. Yabancı oyunculuk sanat XIX V. St.Petersburg, 2002; Yabancı tiyatronun tarihi. SPb., 2005.

Müzik. Müzik tarihi ile ilgili materyaller ve belgeler. 18. yüzyıl / M. V. Ivanov-Boretsky'nin editörlüğünde. M., 1934; Buken E. Rokoko ve Klasisizm döneminin müziği. M., 1934; o. Operada kahramanlık tarzı. M., 1936; Livanova T.N. Rönesans'tan 18. yüzyılın Aydınlanmasına giden yolda. // Rönesans'tan XX yüzyıla. M., 1963; o. 17. yüzyıl müziğinde üslup sorunu. // Rönesans. Barok. Klasisizm. M., 1966; o. Batı Avrupa müziği XVII-XVIII yüzyıllar sanatta. M., 1977; Liltolf M. Zur Rolle der Antique in der musikalischen Tradition der französischen Epoque Classique // Studien zur Tradition in der Musik. Munch., 1973; Keldysh Yu.V. 17.-18. Yüzyıl Rus müziğinde üslup sorunu. // Keldysh Yu.V. Rus müziğinin tarihi üzerine denemeler ve araştırmalar. M., 1978; Lutsker P.V. 18.-19. Yüzyılların başında müzik sanatında üslup sorunları. // Batı sanatı tarihinde çığır açan kilometre taşları. M., 1998; Lutsker P.V., Susidko I.P. 18. yüzyılın İtalyan operası. M., 1998-2004. Bölüm 1-2; Kirillina L. V. Gluck'un reformist operaları. M., 2006.

Klasisizmin tanımı (Latince сlassicus'tan - örnek), 17. - 19. yüzyıllarda Avrupa sanatında sanatsal bir üslup ve yöndür. Temel amacı halkı modernizme benzeyen belirli bir ideal, model temelinde eğitmek olan rasyonalizm fikirlerine dayanmaktadır. Antik dünyanın kültürü böyle bir örnek teşkil ediyordu. Klasisizmin kuralları ve kanonları çok önemliydi; bu doğrultuda ve üslup çerçevesinde çalışan tüm sanatçıların bunlara dikkat etmesi gerekiyordu.

Bir klasiğin tanımı

Bir stil olarak klasisizm, yemyeşil ve görkemli dış cephenin yerini aldı. 17. yüzyılın sonuna gelindiğinde Avrupa toplumu, sanat kültürüne yansıyan aydınlanma fikirleriyle doluydu. Mimarların ve heykeltıraşların dikkatini, antik kültürün, özellikle de antik Yunan'ın titizliği, sadeliği, açıklığı ve özlülüğü çekti. Mimarlık taklit ve ödünç alma konusu haline geldi.

Bir yön olarak klasisizm her türlü sanatı kucakladı: resim, müzik, edebiyat, mimari.

Klasik tarzın ortaya çıkış tarihi: antik çağlardan Rönesans'a

Temel amacı belli bir ideal temelinde halkı eğitmek ve genel kabul görmüş tüm kanonlara uymak olan Klasisizm, bunun tam tersi, tüm kuralları reddeden ve her türlü sanatsal geleneğe her yönden isyan eden bir yaklaşımdı.

Rusya'da eyalet klasisizmi

Bu yön yalnızca Rus mimarisinin karakteristiğidir. St.Petersburg ve Moskova, Yaroslavl, Pskov'un tarihi binalarının çoğu taşra klasisizminde yapılmıştır. Kökeni Altın Çağ dönemine aittir. Klasisizm tarzında yapılmış mimari yapıların klasik temsilcileri: Kazan Katedrali, Nikolsky Kazak Katedrali, vb.

Dönemler: erken, orta, geç (yüksek)

Klasisizm, gelişiminde 3 dönemden geçmiştir; bunları şu şekilde sıralayabiliriz:

1. Erken (1760'lar - 1780'lerin başı) - yönün en parlak dönemi, yeni bir üslup kavramının benimsenmesi, nedenlerin tanımı ve üslubun hangi özelliklerle özellikle klasisizme ait olacağı;
2. Katı veya orta (1780'ler - 1790'lar) - birçok edebi ve metinde üslubun köklenmesi, açıklama resimsel çalışmalar, bina;
3. Geç veya yüksek (19. yüzyılın ilk 30 yılı) olarak adlandırılır.

Fotoğraf, klasisizmin canlı bir örneği olan Paris'teki Arc de Triomphe'yi gösteriyor.

Dünya tarzının özellikleri ve özellikleri

Yaratıcılığın her alanında klasiklerin özellikleri:

• net geometrik şekiller
• yüksek kaliteli metaryeller,
• asil yüzeyler ve kısıtlama.

Majesteleri ve uyum, zarafet ve lüks - bunlar klasisizmin ana ayırt edici özellikleridir. Bu özellikler daha sonra iç mekanlarda şık bir şekilde sergilendi.

Modern bir iç mekanda klasisizmin karakteristik özellikleri

Temel stil özellikleri:

• yumuşak çiçek motifli pürüzsüz duvarlar;
• antik çağın unsurları: saraylar ve sütunlar;
• sıva;
• zarif parke;
• duvarlarda kumaş duvar kağıdı;
• zarif, zarif mobilyalar.

Sakin dikdörtgen şekiller, sağduyulu ve aynı zamanda çeşitli dekoratif tasarım, ayarlanmış oranlar, onurlu görünüm, uyum ve tat, Rus klasik tarzının bir özelliği haline geldi.

Klasiklerin yönünün dış görünüşü: binalar

Mimaride klasisizmin dış belirtileri belirgindir, binaya ilk bakışta tespit edilebilirler.

1. Yapılar: sağlam, masif, dikdörtgen ve kemerli. Kompozisyonlar açıkça planlanmış, katı bir simetri gözleniyor.
2. Formlar: net geometri, hacim ve anıtsallık; heykeller, sütunlar, nişler, rotunda, yarım küreler, alınlıklar, frizler.
3. Satırlar: katı; düzenli planlama sistemi; kabartmalar, madalyonlar, akan desen.
4. Malzemeler: taş, tuğla, ahşap, sıva.
5. Çatı: karmaşık, karmaşık şekil.
6. Baskın renkler: zengin beyaz, yeşil, pembe, mor, gök mavisi, altın.
7. Karakteristik unsurlar: sade dekor, sütunlar, pilasterler, antika süs eşyaları, mermer merdivenler, balkonlar.
8. Pencereler: yarım daire biçimli, dikdörtgen, yukarı doğru uzatılmış, mütevazı bir şekilde dekore edilmiştir.
9. Kapılar: dikdörtgen, panelli, genellikle heykellerle (aslan, sfenks) süslenmiştir.
10. Dekor: oyma, yaldız, bronz, sedef, kakma.

İç mekan: klasisizm ve mimari türlerin belirtileri

Klasisizm döneminin binalarının iç kısmında asalet, kısıtlama ve uyum vardır. Bununla birlikte, tüm iç öğeler müze parçaları gibi görünmüyor, yalnızca incelikli bir şekilde vurgulanıyor sanatsal zevk ve sahibinin saygınlığı.

Oda, asalet, konfor, sıcaklık ve enfes lüks atmosferiyle dolu doğru şekle sahiptir; ayrıntılarla aşırı yüklenmemiş.

İç dekorasyonda merkezi yer, başta değerli ahşaplar, mermer, taş, ipek olmak üzere doğal malzemeler tarafından işgal edilmiştir.

• Tavanlar: hafif yüksek, genellikle çok seviyeli, sıvalı, süslemeli.
• Duvarlar: kumaşlarla süslenmiş, hafif fakat parlak olmayan, pilasterler ve sütunlar, sıva veya boyama mümkündür.
• Zemin kaplaması: değerli ağaç türlerinden (merbau, kamshi, tik, jatoba) veya mermerden yapılmış parke.
• Aydınlatma: kristal, taş veya pahalı camdan yapılmış avizeler; mum şeklinde plafondlu yaldızlı avizeler.
• İç mekanın zorunlu özellikleri: aynalar, şömineler, rahat alçak sandalyeler, alçak çay masaları, hafif el yapımı halılar, antika sahneli tablolar, kitaplar, antik çağ olarak stilize edilmiş masif zemin vazoları, tripod çiçek standları.

Odanın dekorasyonunda sıklıkla antika motifler kullanılır: menderesler, fistolar, defne çelenkleri, inci dizileri. Dekorasyonda duvar halıları, tafta ve kadife gibi pahalı tekstiller kullanılıyor.

Mobilya

Klasisizm döneminin mobilyaları, başta değerli ahşap olmak üzere pahalı malzemelerden yapılmış, kaliteli ve saygınlıkla öne çıkıyor. Ahşabın dokusunun sadece malzeme olarak değil aynı zamanda dekoratif bir unsur olarak da hareket etmesi dikkat çekicidir. Mobilya ürünleri elle yapılmış, oyma, yaldız, kakma, değerli taşlar ve metallerle süslenmiştir. Ancak form basit: katı çizgiler, net oranlar. Yemek odası masaları ve sandalyeleri zarif oyma ayaklardan yapılmıştır. Yemekler - porselen, ince, neredeyse şeffaf, desenli, yaldızlı. Mobilyanın en önemli özelliklerinden biri, yüksek ayaklı, kübik gövdeli bir sekreter olarak kabul edildi.

Mimarlık: tiyatrolar, kiliseler ve diğer binalar

Klasisizm, inşaatta sadece unsurları ve motifleri değil aynı zamanda kalıpları da kullanarak antik mimarinin temellerine yöneldi. Mimari dilin temeli, katı simetrisi, oluşturulan kompozisyonun orantılılığı, yerleşim planının düzenliliği ve üç boyutlu formun netliği ile düzendir.

Klasisizm, iddialılığı ve dekoratif aşırılıkları ile tam tersidir.

Düzleştirilmiş sokakları, koni ve top şeklinde kesilmiş çimleri ile Fransız bahçesinin temeli haline gelen, güçlendirilmemiş saraylar, bahçe ve park toplulukları oluşturuldu. Klasikliğin tipik detayları vurgulu merdivenler, klasik antika dekor, kamu binalarındaki kubbelerdir.

Geç klasisizm (İmparatorluk) askeri semboller kazanır (" Zafer Kemeri" Fransa'da). Rusya'da St. Petersburg, klasisizmin mimari tarzının kanonu olarak adlandırılabilir, Avrupa'da ise Helsinki, Varşova, Dublin, Edinburgh'dur.

Heykel: fikirler ve gelişme

Klasisizm çağında devlet adamlarının askeri cesaretini ve bilgeliğini temsil eden kamusal anıtlar yaygınlaştı. Dahası, heykeltıraşlar için ana çözüm, ünlü figürleri eski tanrılar biçiminde (örneğin, Suvorov - Mars biçiminde) tasvir etme modeliydi. Heykeltraşlara isimlerini yaşatmak için mezar taşları sipariş etmek özel kişiler arasında popüler hale geldi. Genel olarak dönemin heykelleri sakinlik, jestlerin kısıtlanması, tarafsız ifadeler ve çizgilerin saflığı ile karakterize edilir.

Moda: Avrupa ve Rusya'nın kıyafetleri

Antik çağa olan ilgi, XVIII.Yüzyılın 80'lerinde kendini göstermeye başladı. Bu özellikle kadın kostümünde belirgindi. Avrupa'da doğal formları ve güzel kadınsı çizgileri kutlayan yeni bir güzellik ideali ortaya çıktı. Açık renklerin, özellikle beyazın en iyi pürüzsüz kumaşları moda oldu.

Kadın elbiseleri çerçevelerini, dolgularını ve jüponlarını kaybetti ve yanlardan kesilmiş ve göğüs altından bir kemerle kesilen uzun, bol dökümlü tunikler şeklini aldı. Ten renginde tayt giymişlerdi. Kurdeleli sandaletler ayakkabı görevi görüyordu. Saç stilleri antik çağlardan kopyalanmıştır. Yüzün, ellerin ve dekoltenin kaplandığı pudra hala modada kalıyor.

Aksesuarlar arasında ya tüylerle süslü kisei türbanlar ya da Türk eşarpları ya da Keşmir şalları kullanıldı.

19. yüzyılın başından itibaren tören elbiseleri kuyruklu ve derin yakalı olarak dikilmeye başlandı. Günlük elbiselerde ise yaka dantelli bir eşarpla kapatılırdı. Yavaş yavaş saç şekli değişir ve pudra kullanım dışı kalır. Bukleler halinde bükülmüş, altın kurdeleyle bağlanmış veya çiçek taçlarıyla süslenmiş kısa kesilmiş saçlar modaya giriyor.

Erkek modası İngilizlerin etkisiyle gelişti. İngiliz kumaşından kuyrukluk, redingote (frakı andıran dış giyim), jabot ve manşetler popüler hale geliyor. Erkek bağlarının modaya girdiği dönem klasisizm çağındaydı.

Sanat

Resim ve güzel sanatlar

Resimde klasisizm aynı zamanda kısıtlama ve titizlikle de karakterize edilir. Formun ana unsurları çizgi ve chiaroscuro'dur. Yerel renk, nesnelerin ve figürlerin esnekliğini vurgular ve resmin mekansal planını ayırır. XVII yüzyılın en büyük ustası. – Lorrain Claude, “mükemmel manzaraları” ile ünlü. Fransız ressam Jacques Louis David'in (XVIII. Yüzyıl) "dekoratif manzaralarında" sivil pathos ve lirizm birleşti. Rus sanatçılar arasında klasisizm ile (19. yüzyıl) birleşen Karl Bryullov öne çıkarılabilir.

Müzikte klasisizm, müzik sanatının daha da gelişmesini belirleyen Mozart, Beethoven ve Haydn gibi büyük isimlerle ilişkilidir.

Edebiyat: eserlerde kahramanlar ve kişilik

Klasisizm çağının edebiyatı, duyguları fetheden zihni teşvik etti. Görev ve tutkular arasındaki çatışma olay örgüsünün temelidir edebi eser kişinin sürekli olarak belirsizlik içinde olduğu ve hangi kararı vereceğini seçmek zorunda olduğu yer. Birçok ülkede dil reformu yapıldı ve temelleri atıldı şiirsel sanat. Yönün önde gelen temsilcileri - Francois Malherbe, Corneille, Racine. Eserin ana kompozisyon ilkesi zaman, mekân ve eylem birliğidir.

Rusya'da klasisizm, ana fikirleri eşitlik ve adalet olan Aydınlanma'nın himayesinde gelişiyor. Rus klasisizm dönemi edebiyatının en parlak yazarı, şiirin temellerini atan M. Lomonosov'dur. Ana tür komedi ve hicivdi. Fonvizin ve Kantemir bu doğrultuda çalıştı.

“Altın çağ”, çok dinamik bir şekilde gelişen ve gelişen tiyatro sanatı için klasisizm dönemi olarak kabul edilir. Tiyatro oldukça profesyoneldi ve sahnedeki oyuncu sadece oynamakla kalmadı, kendisi kalarak yaşadı, deneyimledi. Tiyatro tarzı okuma sanatı olarak ilan edildi.

• Jacques-Ange Gabriel, Piranesi, Jacques-Germain Soufflot, Bazhenov, Carl Rossi, Andrey Voronikhin, (mimari);
• Antonio Canova, Thorvaldsen, Fedot Shubin, Boris Orlovsky, Mikhail Kozlovsky (heykel);
• Nicolas Poussin, Lebrun, Ingres (resim);
• Voltaire, Samuel Johnson, Derzhavin, Sumarokov, Chemnitzer (edebiyat).

Video: gelenekler ve kültür, ayırt edici özellikler, müzik

Çözüm

Klasisizm döneminin fikirleri modern tasarımda başarıyla kullanılmaktadır. Asaleti ve zarafeti, güzelliği ve ihtişamı korur. Ana özellikleri duvar resimleri, perdelik kumaşlar, sıva, doğal ahşap mobilyalardır. Çok az dekorasyon var ama hepsi lüks: aynalar, tablolar, devasa avizeler. Genel olarak, stil şimdi bile sahibini fakir bir insandan uzak, saygın bir kişi olarak nitelendiriyor.

Daha sonra, yeni bir çağın gelişini işaret eden şey hala ortaya çıkıyor - bu. sadece klasik değil aynı zamanda barok (resimde) de dahil olmak üzere birçok modern tarzın birleşimiydi; Antik kültür ve Rönesans.

On yedinci yüzyıl, birçok Avrupa ülkesi için devletliğin siyasi modeli haline gelen Fransa'da mutlakiyetçiliğin oluşma zamanıydı. Orta Çağ'ın sonuna denk gelen birkaç yüzyıllık savaş ve kargaşanın ardından mutlak monarşi, istikrarın ve sosyal düzenin temeli, ülkenin bölgesel ve ulusal bütünlüğünün garantisiydi, çağdaşları tarafından bir sembol olarak algılanıyordu. yalnızca devletin gücünden değil, aynı zamanda ulusun büyüklüğünden, eşsiz kültüründen de. Mutlak monarşinin yaşamına, mahkeme törenlerinin teatral görkemi ruhu ve toplumun tüm katmanlarının katı bir şekilde tabi kılınmasını belirleyen katı zorunlu görgü kuralları hakim oldu. Kraliyet sarayı ve kralın kendisi sadece tüm devlet kurumlarının etrafında oluştuğu, krala sadık soyluların ortamının oluştuğu merkez, "güneş" değildi, aynı zamanda birçok önemli kültürel olgu da şekillendi. 17. yüzyılda çeşitli akımların, yerel ve pan-Avrupa geleneklerinin mücadelesinde, ulusal okul Sonraki yüzyıllarda tüm Avrupa'nın sanatçılarına öncülük edecek olan Fransa'nın resmi. Saray sanatının Barok gösterişçiliği, Avrupa karavaggizminin gelenekleri ve Fransız "gerçeklik okulunun" gerçekçi eğilimleri ve son olarak resmi akademik sanatın ilkeleri, ülkenin sanatsal yaşamının karmaşıklığı hakkında bir fikir veriyor. Ancak rasyonalizm felsefesiyle ve dönemin en ileri sosyal fikirleriyle doğrudan bağlantılı olan klasisizm, ulusal tarzın belirleyicisi haline geldi.

Klasisizm, 17. yüzyıl ile 19. yüzyıl başı Avrupa sanatında sanatsal bir üslup olup, en önemli özelliklerinden biri, ideal bir estetik ve etik standart olarak antik sanat biçimlerine başvurulmasıydı. Barok ile şiddetli bir polemik etkileşimi içinde gelişen klasisizm, 17. yüzyıl Fransız sanat kültüründe bütünleyici bir üslup sistemi haline geldi. Klasisizmin temelini oluşturan rasyonalist felsefenin ilkeleri teorisyenlerin ve uygulayıcıların görüşlerini belirlemiştir. klasik tarz Aklın ve mantığın bir meyvesi olarak bir sanat eseri üzerinde, duyusal olarak algılanan yaşamın kaosu ve akışkanlığı üzerinde zafer kazanıyor. Makul bir başlangıca, kalıcı kalıplara yönelim. etik gerekliliklerin (kişisel olanın genele tabi kılınması, tutkuların akla, göreve, evrenin yasalarına tabi kılınması) ve klasisizmin estetik taleplerini, sanatsal kuralların düzenlenmesinin katı normatifliğini belirledi; Klasisizmin teorik doktrinlerinin pekiştirilmesi, Paris'te kurulan Kraliyet Akademilerinin resim ve heykel (1648) ve mimarlık (1671) faaliyetleriyle kolaylaştırıldı. Klasik resimde form modellemenin ana unsurları çizgi ve ışık-gölgeydi; yerel renk, figürlerin ve nesnelerin esnekliğini açıkça ortaya koyuyor, resmin mekansal planlarını ayırıyor; Felsefi ve etik içeriğin yüceliği, klasisizmin kurucusu ve 17. yüzyılın klasisizmin en büyük ustası Nicolas Poussin'in eserlerinin genel uyumu, esas olarak antik antik çağ ve mitoloji temaları üzerine resimlerinde dikkat çekmektedir. geometrik olarak doğru kompozisyonun ve renk gruplarının düşünceli korelasyonunun eşsiz örneklerini verdi.

"İsraillilerin Amorlularla Savaşı"(yaklaşık 1625-1626, Hermitage'deki "İsraillilerin Amalekitlerle Savaşı" tablosuyla eşleştirilmiş).

"Rinaldo ve Armida". Torquato Tasso'nun "Kudüs Kurtarıldı" adlı şiirinin olay örgüsü üzerine yazılan bu eser, romantik efsanedeki sinsi büyücü Armida'nın genç haçlı şövalyesi Rinaldo'yu öldürmek üzere olduğu, ancak kalbinin buzunun aşk ışınlarıyla eridiği o anı anlatır. " şövalye komplosu

soğuk-rasyonel normativizm Poussin onay aldı Versay mahkeme ve gibi saray sanatçıları tarafından devam ettirildi Lebrun klasik resimde övgü için ideal bir sanatsal dil gören mutlakiyetçi devlet « Güneş Kral". Her ne kadar özel müşteriler çeşitli seçenekleri tercih etse de barok Ve rokoko Fransız monarşisi, aşağıdaki gibi akademik kurumları finanse ederek klasisizmi ayakta tuttu: Güzel Sanatlar Okulu. Roma Ödülü en yetenekli öğrencilere antik çağın büyük eserleriyle doğrudan tanışmak için Roma'yı ziyaret etme fırsatı sağladı.

"ideal manzaralar" (ressam Lorrain Claude). onların antik çağlarında manzaralar"Sonsuz Şehir"in çevresi, doğa resimlerini batan güneşin ışığıyla uyumlu hale getirerek ve kendine özgü mimari sahneler sunarak düzenledi.

Anma ve rüya, insan ruhunun dünyası, onun geçici ruh halleri ve fantezileri resim, tiyatro ve müzik için gerçekliğin kendisinden daha gerçek değerler haline gelir. Dönemin dünya görüşünün bu özellikleri, en yüksek ifadesini melankolik ironi dolu resimlerde buldu. Fransız sanatçı Antoine Watteau ve Mozart'ın müziğinin titrek duygusallığı - 18. yüzyıl Avrupa kültürünün iki dehası. Müze koleksiyonu Antoine Watteau'nun (1684-1721) iki erken eserini içeriyor: "Bivua" Ve "Doktorlar Üzerine Hiciv". Daha yeni yüzyılın başındaki şiirsel ve rüya gibi sanatında, 18. yüzyıl Avrupa kültürünün en yüksek başarılarını belirleyen tiyatro ve müzik görüntülerinin incelikli gelişmişliği ön plana çıkıyor. "Doktorlar Üzerine Hiciv" (1710'lar), Moliere'in "Hayali Hasta" komedisinin doğrudan bir örneği olarak algılanıyor. Görünüşe göre resim, Watteau öğretmeni tiyatro dekoratörü Claude Gillot'un stüdyosunda çalışırken yaratıldı. İyi yönetilmiş bir mizansende, commedia dell'arte'nin karakterlerine yakın olan bireysel karakterler-maskeler açıkça ayırt edilir. Boynunda eşek tasması olan kırmızı bir cübbe giyen doktor, ciddi bir şekilde kendini beğenmiş bir tavır sergiliyor. Korkmuş hasta, işkence aletleri gibi tıbbi destekleriyle acımasız şifacılardan aceleyle kaçar. Ancak resmin neşeli karakterlerinde, teatral maskenin gelenekselliği aracılığıyla, canlı, kurnaz veya melankolik düşüncelilikle dolu canlı karakterlerin çekiciliği görülüyor. Oyuncuların hareketleri bazılarının gençlik zarafetinden etkileniyor, bu da diğerlerinin ağır yavaşlığını ortaya çıkarıyor. Yarı fantastik kostümlerin renklerinde pembe ve mavi, lila ve zeytin yeşili renk kombinasyonlarının inceliği büyüleyicidir.

Gösteriş, dekoratiflik, klasisizm. İtalya-Hollanda-Manneristik melez. Ulusal okulun eğilimleri, gerçekçi gelenekleri. Portre hakimdir. Mahkeme sanatı:

• Simon Vue (1590-1649) - Caravaggio ve Venedikli ressamların etkisi. Barok geleneklerine yakın olan Fransız ressam Simon Vue'nun (1590-1649) çalışmaları vardı. Bu yüzyılın birçok önemli Avrupalı ​​ressamı gibi o da Roma'nın uluslararası sanat ortamında antik, Rönesans ve çağdaş İtalyan Barok sanatını inceleyerek şekillendi.

« Duyuru" (1632)- Voue'nun yorumunda müjde hikayesi, terbiyeli teatral jestler ve yüz ifadelerinin duyarlılığıyla görkemli bir sahne karakterini üstleniyor. Mistik bir mucize ile Barok tarzın karakteristik iğne işi sepeti gibi kasıtlı olarak gündelik detayların birleşimi, Fransız saray ustasının çalışmalarında soğuk zarafete ve

resmin dekoratif etkisi.

16. - 17. yüzyılların başında, tüm büyük Avrupa sanat okullarının ve özellikle Fransız sanat okullarının gelişimi, İtalya'da oluşan karavaggizm eğiliminden büyük ölçüde etkilenmiştir. Valentin de Boulogne (1591-1632) - Michelangelo da Caravaggio'nun resim sanatında Avrupa gerçekçiliğinin kurucusunun Fransız takipçisi.

"Aziz Petrus'un Reddi" müjde hikayesi üzerine yazılmıştır.

Jacques-Louis David. « Horatii Yemini» (1784).

Soru 53- IV. Henry döneminde dekoratif efektler genellikle renk kontrastlarının çok az maliyetle cephelere canlı ve çeşitli bir görünüm kazandırdığı yapıcı tekniklerle elde edilir; kaba duvarlarla doldurulmuş kesme taşlardan oluşan bir çerçeve şeklindeki duvarların inşası böyledir. Dolgunun yüzeyi renkli sıva ile kaplanmıştır: Erken Rönesans'a kadar uzanan bir geleneğe göre, açıklıkların çerçeveleri tüm katlara bağlanmıştır. (Şekil 437). Duvarların kırmızı arka planında ve arduvaz çatıların mavi arka planında öne çıkan, temelden lucarnes'e kadar uzun beyaz şeritler oluşturuyor. Bu tarzın en eski anıtları arasında Rue Saint-Antoine'daki Mayenne Sarayı. Henry III dönemine kadar uzanıyor.

Sonra şunu takip edin: Henry IV Altında Saint-Germain des Pres Manastırı'ndaki Bourbon Kardinal Sarayı. Place Dauphine ve Place des Vosges'teki binalar (Şekil 437); Louis XIII döneminde - Versailles Sarayı'nın ana çekirdeği: bu tarzın son örneklerinden biri - Mazarin Sarayı(Ulusal Kütüphane), François Mansart tarafından XIV. Louis'nin azınlığında yaptırılmıştır. Aynı mimariye ait rambouillet sarayı.

Siparişlerle süsleme Açıkça ekonomi arzusuyla dolu olan tuğla ve taş mimarisi, zarif sadelikten başka bir şey gerektirmeyen binalar için en uygun olanıdır. Anıtsal yapılar için düzen dekorasyonlara başvuruluyor ve İtalya'da olduğu gibi Fransa'da da iki karar arasında tereddüt ediliyor: Bu süslemelerin tüm cephenin ölçeğine göre mi, yoksa sadece süsledikleri zemin ölçeğinde mi yapılacağı. Dolayısıyla düzen mimarisinde iki akım vardır. bunu aşağıda takip edeceğiz.

Dekorasyon katların ölçeğine bağlıdır.- Dekorasyon katların ölçeğine bağlı olduğunda genellikle her kata farklı siparişler verilir; Henry IV'ün saltanatının sonunda inşa edilen Tanlay'ın (Yonne bölgesi) binaları bunlardır. Louis XIII döneminde, küçük varantların kullanılması geleneği S. de Brosse tarafından sürdürülmüştür. Lüksemburg Sarayı ve cephede Aziz Gervais.

17. yüzyılın başındaki küçük varantlar sistemi en az başarılı olan sistemdi. Thorpann Sarayı'nda uzlaşmacı bir çözüm bulma girişiminde bulunuldu: saçaklığı korumak ve pilasterleri yok etmek veya bunları sütunlarla değiştirmek.

Henry IV'ün tüm hükümdarlığı boyunca, geleneksel sistemin yalnızca bir açık uygulamasıyla tanışıyoruz - Louvre galerisi. Alt kat daha erken inşa edilmişti (Catherine de Medici dönemine kadar uzanıyor) ve sarayın kornişi M seviyesinde olan kanadıyla koordine edilmesi gerekiyordu; bu geçiş MN asma katları tarafından sağlandı. .

Muazzam bir emirle dekorasyon.- Birkaç katın tek bir büyük sütun dizisinde birleştirildiği ilk binalar arasında, zaten kanat adını vermiştik. Chantilly kalesi. Henry II dönemine kadar uzanıyor.

Cepheden bir parça veriyoruz, bu sistemle ilgili zorlukları açıkça gösteriyor. Pilasterlerle orantılılığı korumak için saçaklık fahiş bir boyuta ulaşıyor; pencereler kaybolmuş ve gizlenmiş görünüyor. Saçaklık uğruna klasik oranlardan taviz veriyorlar ama pencereleri önemini kaybetmemek için çatının bir kısmını yanlarına alarak bir nevi lukarneye dönüştürüyorlar. cephe veya çatı ile ilişkili değil; Hatta bazen sanki ortak bir açıklığı simüle ediyormuş gibi iki katın pencerelerini tek çerçeveyle kapatmaya çalışıyorlar.

Tüm bu tavizler sayesinde devasa düzen, Fransız mimarisinin olağan unsurlarından biri haline geliyor. Onunla Henry III döneminde tanışıyoruz. Diane de France Sarayı(Rue Pave, Marais'te); Henry IV döneminde Louvre'u Tuileries'e bağlayan galeride kullanılmış (Şek. 440. L): Louis XIII döneminde inşa edilmiştir. Savoy Düşesi Sarayı(rue Garancière), kesinlikle ölçeğin dışında olan İyon pilasterlerinin bir örneğidir. Daha mütevazı boyuttaki Dorian pilasterleri Versailles Sarayı'nı süslüyor.

Louis XIV'in saltanatının başlangıcında, büyük siparişlere olan eğilim giderek daha kararlı bir şekilde ortaya çıkıyor. Onlarda monarşinin yeni iddialarını karşılayan bir büyüklük buluyorlar. sol Ve Dorbe Louvre'un eski güney cephesinde, Vaud kalesinde kullanılırlar. Dört Ulus Koleji'nde (Enstitü); Lemuet bu ciddi formu kullanarak Saray d'Avo(Rue Tapınağı): Fr. Mansart bunu ana cephede kullanıyor Minims manastırı Faubourg Saint Antoine'da.

Daha sonra Perrault, 1670 yılında, Louvre sütun dizisinin teması olarak ve 18. yüzyılda devasa bir izin belgesini ödünç aldı. Gabriel bu emri Concorde Meydanı'ndaki saraylarda tekrarlayacak.

Pas tedavisi. Muazzam bir iznin kullanılmasından kaynaklanan sonuçlara daha önce dikkat çekmiştik: büyük kornişlere duyulan ihtiyaç ve açıklıkların aşırı genişletilmesi ihtiyacı. Pilasterlerin yerini rustik dilgilerin alması durumunda, binanın temelinden itibaren yükselen düzenin mimari kompozisyona kazandırdığı ihtişamı bir ölçüde korumak mümkündür. Aynı zamanda maliyetler azalır ve aynı zamanda düzenin biçimleri adeta yalnızca ima edilmiş hale geldiğinden, orantı gereklilikleri daha az zorunlu hale gelir, bu da hem saçaklığın hem de saçaklığın değerini sınırlamayı mümkün kılar. pencerelerin boyutu.

Cephelerin pilasterler yerine rustik kanatlarla bölümlenmesi, Louis XIII döneminde Lemercier tarafından kullanıldı. Richelieu Kalesi ve Kardinal Saray'da: Louis XIV döneminde bu teknikler kullanıldı L.Bruant- cephelerin işlenmesi için Engelliler için evler. Fr. Mansart - için Val de Grae. Perrot - Louvre'un kuzey çıkıntısı için.

Panellerle dekorasyon.- Mimarlık sadeleştirmeye giden bu yolda durmuyor. Sonunda bu rustik kürek kemikleri de yok edilir; Cephenin üstündeki saçak, ara panellerin sınırlarını belirleyen çerçevelerle zar zor süslenmiş çıplak duvarlara dayanıyor.

Sakatlar Evi'nin avlusu, siparişlerden yalnızca korniş ve kanat profillerinin kaldığı bu tür cephelerin mükemmel bir örneğidir. Aynı ruhla Perrault, Fr. Gözlemevi'ni dekore ediyor. Blondel - Saint-Denis kapısı, Bulle - Saint-Martin kapısı.

Klasisizm (Fransız classicisme, Latince classicus'tan - örnek) 17. - 19. yüzyıl Avrupa sanatında sanatsal bir üsluptur.
Klasisizm açısından bir sanat eseri katı kanonlar temelinde inşa edilmelidir. Klasisizm, antik sanattan birçok kural ve kanun alır.

KLASİZM - " harika tarz Louis XIV" Fransa'da
Klasisizm, mutlakiyetçiliğin yükselişini yansıtan 17. yüzyıl Fransa'sında şekillendi. Louis XIV, kraliyet büyüklüğünü tanıtmanın bir yolu olarak sanatın önemini anladı.
Bu tarz bir yansımadır ünlü söz"Güneş Kral": "Devlet benim."

Klasik kelimesinden klasisizm, örnek! Bu, insanların antik sanattaki özgünlüğü yeniden tanıdığı zamandır.
Klasisizm, Descartes'ın felsefesindekilerle eş zamanlı olarak oluşan rasyonalizm fikirlerine dayanmaktadır. Klasisizm açısından bir sanat eseri katı kanonlar temelinde inşa edilmeli, böylece evrenin uyumunu ve mantığını ortaya çıkarmalıdır. Klasisizm için ilgi yalnızca ebedidir, değişmez - her fenomende, rastgele bireysel işaretleri bir kenara bırakarak yalnızca temel, tipolojik özellikleri tanımaya çalışır. Klasisizm estetiği, sanatın sosyal ve eğitimsel işlevine büyük önem vermektedir. Klasisizm, antik sanattan (Aristoteles, Horace) birçok kural ve kanun alır.

Mimari

Klasisizmin mimarisi aşağıdakilerin doğasında vardır:
formların netliği ve geometrisi,
simetrik eksenel bileşimler,
mantıksal planlama,
bir duvarın düzenli ve gizli bir dekorla birleşimi.
Klasisizm mimarisinin temel özelliği, uyum, sadelik, titizlik, mantıksal netlik ve anıtsallık standardı olarak antik mimari biçimlerine başvurmaktı.
1. Place des Vosges (Kraliyet Meydanı). Arch. C. Chantillon. Paris.
2. Vaux-le-Viscount Sarayı. Arch. L. Levo. Fransa.
3. Otel Subize (Subise).
4.Louis Levo. Dört Milletler Koleji. Paris.

Louvre'un doğu cephesi (diğer adıyla Sütunlu) Fransız klasisizminin canlı bir örneğidir. Titizliği ve ciddiyeti, ölçeği ve aşırı sadeliği bünyesinde barındırır.

Jules Hardouin-Mansart 16 Nisan 1646'da Paris'te doğdu. Büyük amcası François Mansart'ın yanında okudu. 1675'te Louis XIV, Hardouin-Mansart'ı saray mimarı olarak atadı. Genç mimarın ilk işi Saint-Germain-en-Laye kalesinin yeniden inşasıydı. Hardouin-Mansart, 1678'den beri Versailles sarayı ve park topluluğunun inşaatını yönetti. Yazarlığı şunları içerir: kraliyet şapeli (1689-1710), kraliyet sarayının güney (1682) ve kuzey (1685) kanatları, park cephesi, bir dizi iç mekan (Ch. Lebrun ile birlikte), dahil. Barış ve Savaş salonlarını (1678-86), Büyük Trianon Sarayı'nı (1687) içeren ayna galerisi.
Hardouin-Mansart, oktahedral Place Vendôme'un (1685-1701) planlanması ve geliştirilmesinin yazarıdır; inşaatı sırasında, daha sonra yaygınlaşan bir cephe tipi, bodrum katındaki kemerler, ikinci sırayı birleştiren büyük sıralı pilasterler ile geliştirildi. ve üçüncü katlar ve yüksek dik çatının altında bir çatı katı. Aynı zamanda başka bir Paris meydanının da yazarıdır - zafer meydanı olarak tasarlanan yuvarlak planlı Zafer Meydanı.
Hardouin-Mansart'ın en büyük eserlerinden biri, devasa kubbeli bir kubbe olan ve Fransız klasisizminin en mükemmel yapılarından biri olarak kabul edilen Paris'teki Les Invalides Katedrali'dir (1680-1706).
Hardouin-Mansart, 11 Mayıs 1708'de Paris yakınlarındaki Marly'de öldü.

Yükseklik 107 m
Paris, Fransa.
Devasa kubbeli bir kubbeli yapı olan Les Invalides Katedrali, 17. yüzyılın en önemli anıtsal yapılarından biridir. Paris'te. Katedralin cephesi zarafet ve simetrinin bir örneğidir. Cephenin orta kısmı öne doğru çıkıntı yapar ve birinci kademede Dor sütunları, ikinci kademede ise Korinth sütunları ile noktalanır; cephenin yanları Coustout ve Coisevox'un Saint Louis IX ve Charlemagne heykelleriyle süslenmiştir. Katedral, birinci katta eşleştirilmiş sütunlarla ve ikinci katta büyük yarım daire biçimli pencerelerle süslenmiş, iki katmanlı bir kasnak üzerine oturan 27 m (çaplı) bir kubbe ile taçlandırılmıştır. Les Invalides Katedrali, Paris'in önemli bir yüksek noktası haline geldi; savaş kupalarıyla süslenmiş güçlü kubbesi şehrin panoramasını önemli ölçüde değiştirdi.

Kral Louis XIV yönetiminde Versailles, Fransa'nın fiili başkenti olur. Versailles Sarayı ve park topluluğu. 1661 - 1689.
Arch. L. Levo (1612-1670), A. Le Nôtre (1613-1700), F. Orbe, J. A. Mansart (1646-1708).
Görkemli bir yeniden yapılanma sonucunda kraliyet sarayı, 17. yüzyıl Fransız mimarisinde klasisizmin gelişiminin zirvesi haline gelen muhteşem bir saray ve park topluluğuna dönüştü.
Versailles kompleksi, Paris'ten (18 km) çok uzak olmayan bir yerde inşa edilmiş, Fransız krallarının görkemli bir ön konutudur.
Versailles'ın özellikleri:
- dış formların ciddiyeti
- iç mekanların ihtişamı.

Versailles Sarayı ve park topluluğu. 1661-89.

Versailles Sarayı ve park topluluğu. 1661-89. Ayna Galerisi mimar J.A. Mansart tarafından inşa edildi ve dekore edildi.
Versailles'daki dekoratif çalışmalar, kralın ilk ressamı Charles Lebrun tarafından yönetildi.

Köşeleri kesilmiş küçük, kapalı kare bir dörtgen çevreliyor idari binalar tek bir dekorasyon sistemi ile. Bu tür bir izolasyon, 17. yüzyılın tüm klasik meydanları için tipiktir. Başlangıçta meydanın ortasına yerleştirilmiş atlı heykeli Louis XIV (içinde XIX'in başı V. yerini Napolyon I onuruna bir zafer sütunu aldı). Place Vendôme'un inşası sırasında Hardouin-Mansart, bodrum katındaki kemerler, ikinci ve üçüncü katları birleştiren büyük düzenli pilasterler ve yüksek dik çatının altındaki çatı katıyla daha sonra yaygınlaşan bir cephe tipi üzerinde çalıştı.

Tablo

Versailles sarayı, klasik resimde "güneş kralının" mutlakiyetçi durumunu övmek için ideal bir sanatsal dil gördü.
Klasisizmin güzel sanatları (resim, heykel) aşağıdakilerle ayırt edilir:
- olay örgüsünün mantıksal gelişimi,
- netlik, kompozisyon dengesi,
- pürüzsüz, genelleştirilmiş bir çizimin öncü rolü.

Nicolas Poussin'in (1593 - 1655), geometrik olarak doğru kompozisyon ve renk gruplarının düşünceli korelasyonunun eşsiz örneklerini veren, esas olarak antik antik çağ ve mitoloji temalarına dayanan resimlerinde.

Claude Lorrain (1601 - 1682)"Sonsuz şehir" çevresinin antik manzaralarında, doğa resimlerini batan güneşin ışığıyla uyumlu hale getirerek ve kendine özgü mimari sahneler sunarak akıcı hale getirdi.

18. yüzyıl

18. yüzyılın ortalarında, XV. Louis döneminde barok, iç dekorasyon ve dekoratif sanatlara ağırlık veren, ağırlıklı olarak oda tarzı olan rokokoya dönüştü.
Louis XVI (1774-92) döneminde, klasisizmin "asil özlülüğü" ana mimari eğilim haline geldi.

18. yüzyılın son çeyreğinde, burjuva Aydınlanmasının yurttaşlık ideallerini ve burjuva devrimci özlemlerini ifade eden sözde "devrimci klasisizm" ortaya çıktı.
Jacques Louis David (1748 - 1825) Fransız Devrimi'nin sanatçısı olarak anılır. Son derece özlü ve dramatik sanatsal dili, Fransız Devrimi'nin ("Marat'ın Ölümü") ve Birinci İmparatorluğun ("İmparator I. Napolyon'un Adanmışlığı") ideallerini desteklemeye eşit başarıyla hizmet etti.

18. yüzyılın sonu - 19. yüzyılın başı. önde gelen sanatsal tarz Fransa klasikti.
JACQUES LOUIS DAVID, (1748–1825) - Fransız ressam; Fransız neoklasizminin kurucusu, Büyük sanatçı Fransız devrimi. 1775-1780'de Roma'daki Fransız Akademisi'nde antik sanat ve Rönesans ustalarının eserleri üzerinde çalıştı. 1783 yılında Resim Akademisi üyeliğine seçildi.
Devrimci harekete aktif olarak katıldı, 1792'de Ulusal Konvansiyon'a seçildi ve Kral Louis XVI'nın ölümü için oy kullandı. Radikal-ex'e katıldı