ศูนย์กลางศิลปะหลักของอิตาลีในช่วงศตวรรษที่ 16 ได้แก่ โรมและเวนิส... นี่เป็นเพราะสถานการณ์ที่เรียบง่ายในดินแดนหลักของอิตาลีที่กระจัดกระจาย สงครามที่ไม่หยุดหย่อนกับฝรั่งเศส (เริ่มตั้งแต่คริสต์ทศวรรษ 1490) ตลอดจนนโยบายก้าวร้าวของสเปนทำให้มีเพียงเวนิสรัฐสันตะปาปา (ศูนย์กลางคือโรม) และส่วนหนึ่งของราชวงศ์ซาวอยยังคงรักษาเอกราชไว้ได้ การต่อต้านการปฏิรูปยังมีบทบาทสำคัญในสถานการณ์นี้

เจริญรุ่งเรือง เวเนเชี่ยน ศิลปะมีส่วนทำให้สภาพสังคมการเมืองและเศรษฐกิจของเมือง ในทางการเมืองเวนิสเป็นสาธารณรัฐ (ตั้งแต่ปลายศตวรรษที่ 13 oligarchic โดยมีหัวเรืออยู่ที่หัว) โดยมีดินแดนสำคัญอยู่ภายใต้ เป็นสาธารณรัฐที่มั่งคั่งและมั่งคั่ง

เวนิสเป็นศูนย์กลางการค้าตัวกลางที่สำคัญระหว่างยุโรปตะวันตกและตะวันออกเนื่องจากเมืองนี้ยังคงเป็นผู้นำทางเศรษฐกิจ ในขณะเดียวกันก็อยู่ในเวนิสซึ่งไม่เพียง แต่การค้า แต่ยังรวมถึงศิลปะที่พัฒนาขึ้นอย่างทรงพลังด้วยซึ่งสัมผัสได้ถึงปฏิสัมพันธ์ของไบแซนไทน์ประเพณียุโรปตะวันตกและตะวันออกในขอบเขตศิลปะ ตัวอย่างที่โดดเด่นของที่นี่คือมหาวิหารเซนต์มาร์กซึ่งเป็นที่ตั้งของโมเสกแบบไบแซนไทน์ประติมากรรม โรมโบราณ เคียงข้างกับองค์ประกอบแบบกอธิค

ภายนอกเวนิสดูเหมือนเมืองที่สดใสและรื่นเริงซึ่งให้ความสำคัญกับพิธีการต่างๆและการเฉลิมฉลองทุกประเภท วันหยุดทางศาสนากลายเป็นเทศกาลและงานรื่นเริง ภาพวาดของ A.Canaletto ให้แนวคิดที่ชัดเจนเกี่ยวกับลักษณะงานรื่นเริงและงานรื่นเริงของชีวิตทางสังคมและวัฒนธรรมของเวนิส สิ่งนี้อาจอธิบายถึงความโดดเด่นที่เห็นได้ชัดเจนของหลักการทำสีเหนือพลาสติกในภาพวาดของปรมาจารย์ชาวเวนิส - Giorgione (1476-1510), Titian (1477-1576), Paolo Veronese (1528-1588), Jacopo Tintoretto (1518-1594) .

ปรากฏการณ์ที่โดดเด่นไม่แพ้กันคือโรงเรียนการประพันธ์ของชาวเวนิส ตามคำสั่งของรัฐบาลเวนิสเมื่อวันที่ 18 มิถุนายน 1403 โบสถ์ของมหาวิหารเซนต์มาร์กกลายเป็นโรงเรียนสอนการร้องเพลง พิธีการอันหรูหราในมหาวิหารเซนต์มาร์กและในพระราชวังดอจ (การเลือกตั้ง Doge พิธีหมั้นในทะเลการต้อนรับทูต ฯลฯ ) รวมทั้งบนจัตุรัสอันงดงามด้านหน้า ของพวกเขาและในแกรนด์คาแนล (งานรื่นเริงการแข่งขันเรือกอนโดลาดอกไม้ไฟ) การจัดดนตรีซึ่งสอดคล้องกับความยิ่งใหญ่ของสาธารณรัฐ ดังนั้นรัฐบาลจึงสนับสนุนให้มีการฝึกอบรมนักดนตรีมืออาชีพ

นักแต่งเพลงชาวดัตช์มีอิทธิพลอย่างมากต่อการก่อตัวของประเพณีดนตรีอาชีพในเวนิส Adrian Villart (ค.ศ. 1480-1562) ซึ่งถือเป็นลูกศิษย์ของ Josquin Despres ตั้งแต่ปี 1527 จนถึงช่วงสุดท้ายของชีวิตเขาเป็นผู้นำของมหาวิหารเซนต์มาร์คและถือว่าเป็นผู้ก่อตั้งโรงเรียนการแต่งเพลงเวนิสในศตวรรษที่ 16 อย่างถูกต้อง เขาจัดการผสมผสานประเพณีที่ดีที่สุดของพฤกษ์ดัตช์กับลักษณะประจำชาติของดนตรีเวนิส - ประการแรกด้วยสีสันและการตกแต่ง ในบรรดาผลงานของเขามีทั้งมวลชน motets มาดริกัลแชนสันริชสการ์ที่เป็นเครื่องมือ นักเรียนของ Willart คือ Ciprian de Roore, G.Sarlino, N. Vicentino, Andrea Gabrieli(1510-1586).

มีบทบาทสำคัญในการพัฒนาโรงเรียนเวนิส Giovanni Gabrieli (ค.ศ. 1557-1612) - หลานชายของ Andrea รูปแบบโพลีโฟนิกที่สมบูรณ์สามารถเปรียบเทียบได้กับสีของภาพวาดของ Titian และ Veronese ไม่ใช่เรื่องบังเอิญที่นักวิจัยชื่อ G.Gabrieli ละครเพลง Titian of Venice และ Palestrina - Raphael Rima

ทั้ง Andrea และ Giovanni Gabrieli เป็นชาวเวนิส ตอนแรกแอนเดรียเป็นนักร้องของโบสถ์ในมหาวิหารเซนต์มาร์คนำโดยวิลลาร์ตจากนั้นเขาทำงานเป็นเวลาหลายปีในโบสถ์ดูกัลแห่งมิวนิก แต่กลับไปที่เวนิสซึ่งเขาทำหน้าที่เป็นออร์แกนของมหาวิหารเซนต์มาร์ค เขาสร้าง จำนวนมาก การแต่งเพลงประสานเสียงสำหรับโบสถ์ของอาสนวิหารเขียนมาดริกัลเช่นเดียวกับการประพันธ์ออร์แกน ในปี 1584 เขาได้ยกตำแหน่งออแกนนิสต์ของมหาวิหารให้กับหลานชายและโจวานนีลูกศิษย์ของเขา เมื่อถึงเวลานี้ชายหนุ่มผู้มีความสามารถเชี่ยวชาญศิลปะการแต่งเพลงภายใต้คำแนะนำของลุงของเขาเป็นเวลาหลายปี (1575-1579) เขาทำงานในโบสถ์ของดยุคบาวาเรียในมิวนิกร่วมกับ O. Lasso หลังจากที่ลุงของเขาเสียชีวิตในปี 1584 จิโอวานนีกาเบรียลกลายเป็นออร์แกนคนแรกของมหาวิหารเซนต์มาร์ก

ในงานของเขาวิธีการของเสียงพูดและการร้องประสานเสียงจะถูกรวมเข้ากับความเป็นไปได้ วงดนตรี... ความทะเยอทะยานโดยทั่วไปของวัฒนธรรมเวนิสสำหรับความเอิกเกริกความมีสีสันและการประดับประดายังรวมอยู่ในดนตรี: ในการเพิ่มจำนวนผู้แสดงและจำนวนเสียงในการแต่งเพลงประสานเสียงโดยใช้เครื่องดนตรีที่อยู่ในส่วนต่างๆของมหาวิหารในการสลับส่วนการบรรเลงและการขับร้อง ในตอนท้ายของศตวรรษที่ 15 มีการติดตั้งออร์แกนชิ้นที่สองในมหาวิหารเซนต์มาร์คซึ่งทำให้สามารถสร้างเพลงสำหรับนักร้องประสานเสียงสองคน (สลับกันหรือส่งเสียงพร้อมกัน) พร้อมกับอวัยวะสองชิ้นและเครื่องดนตรีอื่น ๆ ด้วยเหตุนี้นักแต่งเพลงชาวเวนิสจึงสามารถบรรลุพลังพิเศษและความสมบูรณ์ของเสียงได้ สำหรับ G.Gabrieli การวางซ้อนที่มีสีสันของมวลเสียงในโทนสีที่แตกต่างกันมีบทบาทสำคัญเขาเขียนองค์ประกอบคอรัสหลายเพลง (การเรียบเรียงเสียงประสาน 2 และ 3) และนำเทคนิคประเภทนี้ไปสู่ความสมบูรณ์แบบ ในผลงานของเขาซึ่งอยู่บนขอบของยุคโวหารสองยุค (โพลีโฟนิกและโฮโมโฟนิก) ลักษณะของทั้งรูปแบบขาออกและรูปแบบที่เกิดขึ้นใหม่จะปรากฏให้เห็น ข้อกังวลนี้ประการแรกความหลากหลายของแนวเพลง: เขาเขียนบทเพลงศักดิ์สิทธิ์เพลงศักดิ์สิทธิ์คอนเสิร์ตเพื่อเปล่งเสียง motets มาดริกัลเพลงบรรเลง

โรงเรียนสอนการแต่งเพลงที่ใหญ่เป็นอันดับสองในอิตาลีในศตวรรษที่ 16 คือโรมัน

จำได้ว่าตั้งแต่ปี 756 โรมได้กลายเป็นเมืองหลวงของเขตสันตะปาปาและศูนย์กลางทางศาสนาของยุโรป ชาวเมืองโรมพยายามสร้างการปกครองแบบสาธารณรัฐตามตัวอย่างของเมืองอื่น ๆ ของอิตาลีมากกว่าหนึ่งครั้ง (การลุกฮือของอาร์โนลด์แห่งเบรสเซียในปี 1143 ความพยายามที่จะฟื้นฟูสาธารณรัฐโรมันโคลาดิเรียนซีในปี 1347) ในระหว่างการเป็นเชลยของพระสันตปาปาอาวิญงอิทธิพลของสังฆราชอ่อนแอลง ครอบครัวที่ร่ำรวยและมีอิทธิพลของ Savelli, Annibaldi, Senyi, Orsini, Colonna ได้ต่อสู้เพื่อชิงอำนาจมาตั้งแต่ครึ่งหลังของศตวรรษที่ 14 และจนถึงกลางศตวรรษที่ 15 แม้หลังจากที่พระสันตปาปาเสด็จกลับไปยังกรุงโรมมีเพียง Sixtus IV (1471-84) เท่านั้นที่สามารถบรรลุอำนาจในอดีตได้ ที่เรียกว่า "พระสันตะปาปายุคฟื้นฟูศิลปวิทยา" - Martin V, Nicholas V, Sixtus IV, Pius II, Julius II, Leo X - ตกแต่งเมืองด้วยโบสถ์จำนวนมาก (ก่อนอื่นนี่คือวิหารเซนต์ปีเตอร์) พระราชวังดูแล จากการปรับปรุงถนนเชิญศิลปินและสถาปนิกที่ยอดเยี่ยม ในหมู่พวกเขา - เลโอนาร์โดดาวินชี (1513 ถึง 1516) ราฟาเอล(ในตอนท้ายของปี 1508 ตามคำเชิญของสมเด็จพระสันตะปาปาจูเลียสที่ 2 เขาย้ายไปยังกรุงโรมพร้อมกับมิเกลันเจโลเขาเป็นผู้นำในหมู่ศิลปินที่ทำงานในศาลจูเลียสที่ 2 และผู้สืบทอดลีโอเอ็กซ์วาดภาพ ห้องสถานะของพระราชวังวาติกันออกแบบวิหารเซนต์ปีเตอร์สร้างโบสถ์ Chigi ของโบสถ์ Santa Maria del Popolo (1512-20) ในกรุงโรม) และ มิเกลันเจโล(ในโรมเขาใช้ชีวิตเกือบตลอดชีวิต - กลุ่มประติมากรรม "Pieta" (ค. 1498-99) ในมหาวิหารเซนต์ปีเตอร์วาดภาพหลุมฝังศพของโบสถ์ซิสทีนในวาติกัน (1508-12) ในปี 1546 มิเกลันเจโลได้รับการแต่งตั้ง หัวหน้าสถาปนิกของมหาวิหารเซนต์ปีเตอร์การก่อสร้างเริ่มต้นโดย Bramante)

สมเด็จพระสันตะปาปาซิกตัสที่ 4 (สังฆราชตั้งแต่ปี 1471 ถึง 1484) ก่อตั้งคณะประสานเสียงซิสทีนเพื่อให้แน่ใจว่ามีการนมัสการระดับสูง เริ่มแรกมีนักร้อง 10 คนจากนั้นมีจำนวนถึงสามสิบคน นักร้องทุกคนเป็นนักดนตรีที่มีการศึกษาสูงไม่เพียง แต่มีวัฒนธรรมการร้องเพลงที่ยอดเยี่ยมเท่านั้น แต่ยังเชี่ยวชาญในทักษะการประพันธ์โพลีโฟนิกอีกด้วย นักร้องของโบสถ์ในครั้งเดียวคือชาวดัตช์ผู้ยิ่งใหญ่ - Dufay และ Josquin Despres

หนึ่งในอาจารย์ที่ยิ่งใหญ่ที่สุดของโรงเรียนโพลีโฟนิกโรมันคือ Giovanni Pierluigi da Palestrina. เขาเกิดในปี 1525 ห่างจากกรุงโรมไม่กี่ไมล์ในเมือง Palestrina ในปี 1537 เขาได้รับการระบุให้เป็นผู้ขับร้องในโบสถ์โรมันซานตามาเรียมัจจอเร ในปี 1544 เขาได้รับตำแหน่งผู้อำนวยการออร์แกนและนักร้องประสานเสียงในมหาวิหารในเมืองบ้านเกิดของเขาและ 7 ปีต่อมาเขาได้รับแต่งตั้งให้เป็นหัวหน้าคณะนักร้องประสานเสียงของมหาวิหารเซนต์ปีเตอร์ในกรุงโรม ความก้าวหน้าอย่างรวดเร็วนี้เกิดจากข้อเท็จจริงที่ว่าสมเด็จพระสันตปาปาจูเลียสที่ 3 องค์ใหม่เคยเป็นพระคาร์ดินัลในปาเลสไตน์และรู้จักจิโอวานนีในฐานะนักดนตรีที่โดดเด่น ในปี 1554 การตีพิมพ์ผลงานชิ้นแรกของนักแต่งเพลงเริ่มขึ้น (หนังสือเล่มแรกของมวลชน) เมื่อเข้าไปในโบสถ์ซิสทีนในปี 1555 ปาเลสไตน์ก็ถูกบังคับให้ออกไปในไม่ช้าในขณะที่เขาแต่งงานและมีลูกชายสองคน และมีเพียงนักดนตรีที่ไม่ได้แต่งงานเท่านั้นที่มีสิทธิ์เป็นนักร้องของโบสถ์นี้ ต่อมา Palestrina ทำงานในวิหาร Lateran และโบสถ์ Santa Maria Maggiore และตั้งแต่ปี 1571 จนถึงช่วงสุดท้ายของชีวิต (1594) เขามุ่งหน้าไปที่ Julius Chapel ของมหาวิหารเซนต์ปีเตอร์

เขาอายุเพียงยี่สิบปีเมื่อการประชุมของสภาแห่งเทรนต์เริ่มต้นขึ้นซึ่งเป็นเวลาหลายปีที่มีการถกเถียงกันอย่างดุเดือดเกี่ยวกับชะตากรรมของดนตรีในคริสตจักรคาทอลิก จนถึงปัจจุบันตำนานของ "ความรอดของดนตรีโพลีโฟนิกในคริสตจักรคาทอลิก" มีความเกี่ยวข้องกับชื่อของปาเลสตรินา ความจริงก็คือที่ Council of Trent ได้กล่าวถึงประเด็นการห้ามใช้องค์ประกอบโพลีโฟนิกโพลีโฟนิกในระหว่างการให้บริการของพระเจ้า ในฐานะที่เป็นข้อโต้แย้งมีการหยิบยกความเห็นที่ว่าโพลีโฟนิกโพลีโฟนี "ปิดบัง" คำของข้อความป้องกันไม่ให้แทรกซึมเข้าไปในความหมายของมัน การประหารชีวิตของพระองค์ (ต่อมาเรียกว่า "Mass of Pope Marcello") ในปี 1562-63 ในบ้านของพระคาร์ดินัลวิเทลลีเขากล่าวหาว่านักบวชชั้นสูงเชื่อว่าดนตรีโพลีโฟนิกไม่สามารถทำลายข้อความในโบสถ์ได้มันทำให้ "ได้ยิน" คำพูดนั้นได้ ต่อไปนี้อำนาจของ Palestrina ในเรื่องดนตรีของคริสตจักรกลายเป็นสิ่งที่ไม่อาจโต้แย้งได้ซึ่งอธิบายได้จากคุณสมบัติทางศิลปะของดนตรีของนักแต่งเพลง: ลักษณะที่ยับยั้งและไตร่ตรองของระบบที่เป็นรูปเป็นร่างความสูงส่งและความรุนแรงความระเหิดและความเที่ยงธรรมของเสียงดนตรี .

ในปี 1577 สมเด็จพระสันตะปาปาเกรกอรีที่สิบสามสนับสนุนให้เขามีส่วนร่วมในการปฏิรูปการรวบรวมบทสวดในโบสถ์ (ผู้สำเร็จการศึกษา) ในปี 1584 ภายใต้การอุปถัมภ์ของพระสันตปาปา Society of Music Masters ได้ก่อตั้งขึ้นซึ่ง Academy of Santa Cecilia ถือกำเนิดขึ้น นอกจากปาเลสไตน์แล้วยังมีนักดนตรี เจ. Nanino, O. Griffi, A. Kriveli และคนอื่น ๆ ปาเลสตรินาเป็นเพื่อนใกล้ชิดกับฟิลิปโปเนรีนักบวชชาวโรมันที่มีชื่อเสียง (ค.ศ. 1515-95 บัญญัติในปี ค.ศ. 1622) เขาถือเป็นผู้ก่อตั้ง Oratorian Congregation เนรีแนะนำวิธีปฏิบัติในการจัดการประชุมทางวิญญาณในห้องพิเศษ - ในห้องสวดมนต์ (ออราโทเรียมภาษาละติน) หลังจากนั้นก็ร้องเพลงศักดิ์สิทธิ์ ( ยกย่อง). ในอนาคตแนวเพลงจะเกิดจากประเพณีนี้ oratorios.

ดนตรีของ Palestrina ยังคงเป็นตัวอย่างคลาสสิกของสไตล์ที่เข้มงวดจนถึงทุกวันนี้ การแสวงหาความคิดสร้างสรรค์ของนักแต่งเพลงยังห่างไกลจากการดิ้นรนเพื่อการฟื้นฟูภาษาดนตรีและเปิดโลกทัศน์ใหม่ ๆ เขาไม่ชอบการแสดงออกมากเกินไปไม่ค่อยใช้วิธีการแสดงสีหลีกเลี่ยงลำดับและจังหวะที่ไพเราะและฮาร์มอนิกที่ผิดปกติ โลกแห่งจินตนาการของผลงานของเขาโดดเด่นด้วยตัวละครที่สงบชัดเจนและสมดุล เขา จำกัด ตัวเองให้เป็นนักร้องประสานเสียงอะแคปเปลลาแบบดั้งเดิมตั้งแต่สมัยของชาวดัตช์แม้ว่าในเวลานั้นพวกเขาจะเริ่มนำส่วนที่เป็นเครื่องมือไปใช้ในการประพันธ์เสียง Palestrina สามารถบรรลุระดับสูงสุดของทักษะโพลีโฟนิกเทคนิคโพลีโฟนิกของเขาสามารถเรียกได้ว่าสมบูรณ์แบบ ในขณะเดียวกันความคิดแบบฮาร์มอนิกของนักแต่งเพลงถูกกำหนดโดยแนวโน้มร่วมสมัยในการพัฒนาภาษาดนตรี: ภายในกรอบของกิริยาความสัมพันธ์เชิงหน้าที่ของระบบหลัก - รองจะมองเห็นได้ชัดเจน (โดยเฉพาะอย่างยิ่งในจังหวะ) เขาจัดการเพื่อให้เกิดความสมดุลที่น่าทึ่งของโครงสร้างโพลีโฟนิกและคอร์ด - ฮาร์มอนิก Melodic Palestrina มีความโดดเด่นด้วย Cantilena ที่แสดงออกซึ่งมีอยู่ในดนตรีเสียงร้องของอิตาลีซึ่งก่อให้เกิดความเป็นพลาสติกที่น่าทึ่งและความสม่ำเสมอของการปรับใช้โพลีโฟนิกของผ้าในองค์ประกอบโพลีโฟนิก

ตลอดอาชีพสร้างสรรค์ของเขาที่เกี่ยวข้องกับงานในคริสตจักรและการอยู่ในกรุงโรมในบริเวณใกล้เคียงกับศาลของพระสันตปาปาปาเลสตรินาเขียนงานส่วนใหญ่เพื่อจุดประสงค์ทางจิตวิญญาณ เขาเขียนมวล 102, 317 motets, 140 madrigals (91 - ฆราวาส, 49 จิตวิญญาณ), เพลงสวด 70 เพลง, 68 ข้อเสนอ, 35 งดงาม, 11 litanies

มวลชนส่วนใหญ่เป็นมวลชนล้อเลียน นักแต่งเพลงสร้างพวกเขาทั้งสองจากเนื้อหาของเพลงของคนอื่น (P.Kadeak, DL Primavera), motets (L. Hellinka, Josquin, Jacquet, Andrea de Silva และคนอื่น ๆ ), madrigals (D. Ferrabosco, C. de Pope), และ motets และ madrigals ของพวกเขาเอง ประมาณครึ่งหนึ่งของฝูงปาเลสไตน์เป็นประเภทนี้ เขาเขียนจำนวนมากโดยใช้เทคนิคดั้งเดิม cantus firmus "a - ในฝูง" L "homme armc", "Ave Maria", "Ecce sacerdos magnus" "Tu es Petrus", "Veni creator" ฯลฯ และมวล -: " Pater noster "," Regina coeli "," Alma redemptoris mater "," Ave regina "(สามตัวสุดท้าย - สำหรับแอนติฟิน) สร้างฝูง Palestrina และบัญญัติ:" Ad coenam agni providi "," Ad fugum "," Missa canonica " , "Rempleatur os meum laude", "Sin nomine" มีเพียงห้าฝูงเท่านั้นที่ปาเลสไตน์ไม่ใช้แหล่งที่มาดั้งเดิม: "Pope Marcello's Mass", "Brevis", "Ad fugam", "Quinti toni", "Missa canonica"

จำนวนเพลงที่มากที่สุดถูกสร้างขึ้นโดย Palestrina ในรูปแบบของ motet และเขาเขียนด้วยเสียงที่แตกต่างกัน: ส่วนใหญ่ในสี่และห้าส่วนเขามีมอเตอร์หกและแปดส่วนมากมายมีสิบสอง - ส่วนหนึ่งและสองเจ็ดส่วน ข้อความของ motets เป็นภาษาละตินซึ่งมาจากบทสวดแบบเกรกอเรียนจากโองการภาษาละตินจาก "เพลงแห่งเพลง" ในพระคัมภีร์ไบเบิล ในรูปแบบของพวกเขา motets เป็นองค์ประกอบที่ค่อนข้างกะทัดรัดส่วนใหญ่เป็นส่วนเดียวและน้อยกว่าสองส่วน ในทางโวหารพวกเขาแตกต่างจากมวลชนเล็กน้อย

งานพิเศษคือวัฏจักร "Canticum canticorum" ซึ่งอุทิศให้กับสมเด็จพระสันตะปาปาเกรกอรีที่สิบสามและมีขึ้นในปีค. ศ. 1583-1584 ประกอบด้วยงานห้าส่วน 29 เรื่องเกี่ยวกับข้อความในพระคัมภีร์ไบเบิล ("บทเพลงแห่งบทเพลงของกษัตริย์โซโลมอน")

ในปี 1555, 1581, 1586 และ 1594 ปาเลสไตน์ได้ตีพิมพ์หนังสือมาดริกัลสี่เล่มสองเล่มมีสี่ส่วนอีกสองเล่ม - ตัวอย่างห้าส่วน ความแตกต่างภายนอกระหว่างโลกและวิญญาณเกิดจากคุณลักษณะที่เป็นข้อความ ในแง่ของรูปแบบมาดริกัลแสดงให้เห็นถึงอิสระในการเลือกวิธีการแสดงออกมากกว่าการแสดงความคิดเห็นเล็กน้อย (ตัวอย่างเช่นการจัดการกับความไม่สอดคล้องกันอย่างอิสระ) ในหนังสือมาดริกัลสามเล่มที่ผ่านมามีการฝึกฝนโดยนักแต่งเพลงชาวอิตาลี (ที่เรียกกันว่า) "มาดริกัลลิซึ่ม" - ตัวเลขทางโวหารดนตรี: วลีดนตรีที่ตรึงตราซึ่งแสดงถึงคำบางคำของข้อความที่เป็นบทกวี สิ่งนี้เป็นพยานถึงความปรารถนาที่จะค้นหารูปแบบใหม่ของปฏิสัมพันธ์ระหว่างวิธีการแสดงดนตรีและเนื้อหาเชิงอุปมาอุปไมยของกวีนิพนธ์

สาวกของ Palestrina ได้แก่ นักประพันธ์ชาวอิตาลี Giovanni Maria Nanino (ค.ศ. 1543/44 - 1607), Giovanni Bernardino Nanino (ค.ศ. 1560-1623), Felice Anerio (ค.ศ. 1560-1614), Giovanni Francesco Anerio (ค.ศ. 1567- 1630) เช่นเดียวกับปรมาจารย์ชาวสเปนบางคน (Cristobal de Morales, Thomas Luis de Victoria)

ในศตวรรษที่ 16 ประเภทของมวลถึงจุดสูงสุด สามบรรทัดสามารถแยกแยะได้ในการพัฒนา:

ประเภทดั้งเดิมของฝูงนกแคปเปลล่าซึ่งพัฒนาขึ้นในผลงานของปรมาจารย์ชาวดัตช์: มวลอายุ บน cantus firmus โดยใช้ monophonic Gregorian หรือ secular source มวลล้อเลียน; มวลการถอดความ; เป็นสายพันธุ์ที่แยกจากกัน - มวลบัญญัติ... นอกจากนี้การปฏิบัติขององค์ประกอบวัฏจักรการเลียนแบบ - โพลีโฟนิกของมวลซึ่งเป็นอิสระจากแหล่งที่มาหลักที่ยกมากำลังได้รับการพัฒนาในงานของ Palestrina

·มวลชนโดยนักแต่งเพลงชาวเวนิสโดยใช้ดนตรีประกอบ

·มวลอวัยวะซึ่งเป็นวงจรของชิ้นส่วนอวัยวะที่กระจายไปในขั้นตอนการนมัสการสลับกับการร้องเพลงประสานเสียง

Motet ในช่วงศตวรรษที่ 16 สูญเสียความสามารถในการใช้งานและการดำรงอยู่ของมันถูก จำกัด ในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษเฉพาะในวงวิญญาณเท่านั้น มันกลายเป็นข้อความเดียวซึ่งเต็มไปด้วยการพัฒนาโพลีโฟนิกเลียนแบบการตัดขวาง นอกเหนือจาก motet แล้วประเภทของจิตวิญญาณมาดริกัลกำลังพัฒนา

แนวเพลงศักดิ์สิทธิ์กำลังขยายวงกว้างออกไปมาก: นักแต่งเพลงเขียนเพลงสวด, เสนอ, อลังการ, เพลงสรรเสริญ, การตอบสนองและความสนใจโดยแยกเป็นองค์ประกอบที่แยกจากกันและเป็นอิสระ

สองบรรทัดสามารถแยกแยะได้ในการพัฒนาประเภทเพลงฆราวาส เพลงหนึ่งมีความเกี่ยวข้องกับพัฒนาการของเพลงโพลีโฟนิกใกล้เคียงกับประเพณีดนตรีในชีวิตประจำวัน (ฟรอตโตลาวิลาเนลลา) อีกเพลงหนึ่งด้วยการผสมผสานหลักการของโพลีโฟนิก (มาดริกัล)

Frottola(จากมัน frotta - ฝูงชน) เป็นเพลงข้างถนนในครัวเรือนซึ่งในช่วงสามของศตวรรษที่ 15 ได้รับคลังสินค้าโพลีโฟนิก (ส่วนใหญ่เปล่งเสียง 4 เสียง) ในคอลเลกชันของ Petrucci ในปี 1504 มีการตีพิมพ์ 62 frottolas โดยนักแต่งเพลงสิบเอ็ดคน ในบรรดาผู้เขียนคนแรกคือ Josquin Despres และได้รับความนิยมมากที่สุดคือ Bartolomeo Tromboncino และ Marco Cara ในแง่ของเนื้อหาเพลงมีความหลากหลายมากในหมู่พวกเขาคือความรักการ์ตูนตลกและศีลธรรม โครงสร้างคอร์ดเหนือกว่าด้วยบทบาทนำของเสียงบน ในช่วงเวลาเพียงสามทศวรรษที่ผ่านมามีการเผยแพร่คอลเลกชัน frottol มากกว่าสามสิบคอลเลกชั่นหลังจากนั้นประเภทนี้ก็ถูกแทนที่ด้วยประเภทอื่น

ในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่สิบหกสถานที่ที่โดดเด่นเริ่มเกิดขึ้น วิลาเนลลา.มันมาจากเพลงชาวนา แปลจากภาษาอิตาลีคำว่า Vilanella หมายถึง: วิลล่า - หมู่บ้าน nella - สาว ในตอนแรก Vilanelles เป็นสามส่วนและใช้กันอย่างแพร่หลายในการเคลื่อนไหวแบบขนานของเสียง ในอนาคตประเภทนี้จะเริ่มพัฒนาอย่างแข็งขัน - ในช่วง 1550 ถึง 1580 (ตัดสินโดยคอลเลกชัน) ประมาณ 1800 Vilanelles ถูกสร้างขึ้น 3 และ 4 เสียง เช่นเดียวกับใน frottoll ใน Vilanella พบคุณสมบัติที่บ่งบอกถึงการก่อตัวของคลังสินค้า homophonic-harmonic ไม่ค่อยมีการใช้เทคนิคโพลีโฟนิก ลักษณะเด่นประการหนึ่งคือความสามารถในการเต้นที่ชัดเจน ในบรรดาผู้เขียน - Bartolomeo Tromboncino, Baldassare Donato, Giovanni Domenico da Nola, Luca Marenzio, Orlando Lasso.

ตั้งแต่ศตวรรษที่สองในสามของศตวรรษที่ 16 หลังจากการลืมเลือนไปนานกว่าศตวรรษ กลับไปฝึกแต่ง มาดริกัล.เขาฟื้นขึ้นมาในแวดวงชนชั้นสูงของนักมนุษยนิยมในยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาตอนปลายและได้รับการพัฒนาและวิวัฒนาการอย่างแข็งขัน การกลับมาของชาวมาดริกัลสู่วัฒนธรรมฆราวาสมีความสัมพันธ์อย่างใกล้ชิดกับความสนใจที่เพิ่มขึ้นของกวีในรูปแบบโคลงสั้น ๆ ของศตวรรษที่ 14 ซึ่งได้รับการปลูกฝังโดย Petrarch บทบาทสำคัญในการฟื้นฟูคือเล่นโดย Pietro Bembo ซึ่งเรียกร้องให้กวีร่วมสมัย (Ludovico Ariosto, Torquato Tasso, Giambattista Guarini ฯลฯ ) เรียนรู้จาก Petrarch และคัดลอกรูปแบบบทกวีของเขา Bembo ในการจำแนกรูปแบบบทกวีมาดริกัลอ้างถึงกลุ่มกวีนิพนธ์อิสระ (rime libere) เนื่องจากคุณลักษณะเฉพาะของประเภทนี้คือการสัมผัสกับข้อความกวีอย่างอิสระ

Madrigal ของศตวรรษที่ 16 เป็นผลงานสี่ห้าส่วนส่วนใหญ่เป็นเนื้อหาโคลงสั้น ๆ โดยปกติธีมของบทกวีของชาวมาดริกัลคือความรักซึ่งส่วนใหญ่มักเต็มไปด้วยความทุกข์การร้องเรียนประสบการณ์พร้อมด้วยภาพของธรรมชาติบางครั้งก็ตัดกับคำถามที่ซับซ้อนของปรัชญาแห่งชีวิต:

"เหมือนหงส์ขาวและอ่อนโยน

ด้วยเพลงความตายยอมรับ

ฉันจึงร้องไห้วาด

จนถึงขีด จำกัด ของชีวิต

แต่เส้นทางที่แปลกแตกต่างกัน:

เขา - ตายไม่สามารถแก้ไขได้

และฉันจะจากไปอย่างมีความสุข”

ช่วงแรกของการพัฒนามาดริกัล (1530-1540 - หนังสือมาดริกัลเล่มแรกตีพิมพ์ในปี 1538) เกี่ยวข้องกับความคิดสร้างสรรค์ Jacob Arcadelt (ประมาณ 1514-1572 ทำงานในฟลอเรนซ์และโรม) Filippo Verdelo (ง. จนถึงปีค. ศ. 1552 ทำงานในมหาวิหารฟลอเรนซ์จากนั้นที่ศาลสมเด็จพระสันตปาปา) และ Adriana Villart (ค.ศ. 1480-1562 ทำงานที่มหาวิหารเซนต์มาร์กในเวนิส) คีตกวีมีทักษะทางวิชาชีพสูงและสืบทอดประเพณีของโรงเรียนดัตช์ จากมุมมองของการนำเสนอพื้นผิวมาดริกัลในยุคแรกมีสองสายพันธุ์ ได้แก่ ประเภทคอร์ดโฮโมโฟนิกและชนิดโพลีโฟนิกเลียนแบบ ในกรณีแรกเราสามารถพูดถึงความใกล้ชิดกับประเพณีของเพลงในชีวิตประจำวัน (โดยเฉพาะอย่างยิ่ง frottole) ในตอนที่สองเกี่ยวกับการผสมผสานเทคนิคของพฤกษ์ภาษาดัตช์ (การเขียน motet)

ดังนั้นในยุคต้นมาดริกัลสาขาโวหารสองสาขาในเวลานี้คือของสงฆ์และทางโลก - รวมเข้าด้วยกันจึงเป็นการสังเคราะห์ความสำเร็จที่ดีที่สุดในการพัฒนารูปแบบเล็ก ๆ ในขณะเดียวกันก็กลายเป็นแนวเพลงที่ตอบสนองการค้นหาโวหารล่าสุดของยุคนั้นอย่างแข็งขัน คุณลักษณะใหม่ปรากฏในช่วงที่สองของวิวัฒนาการ - ครึ่งหลังของศตวรรษที่ 16 ( Ciprian de Rore, Nicolo Vicentino, Andrea Gabrieli, Giovanni Pierluigi da Palestrina) ในเวลานี้มาดริกัลสีเริ่มพัฒนา Niccolo Vicentino (1511-1565) - ลูกศิษย์ของ Villart - ในปี 1555 เขียนบทความว่า“ L'antica musica ridotta alla moderna prattica” (“ ดนตรีโบราณนำมาสู่การปฏิบัติสมัยใหม่”) ในนั้นเขากล่าวถึงความเป็นไปได้ในการแต่งเพลงในประเภทสีเช่นชาวกรีก การเปิดตัวของ genere cromatico (musica falsa) - เสียงโครมาติกมีความสัมพันธ์อย่างใกล้ชิดกับความปรารถนาที่จะหารูปแบบที่ถูกต้องในเชิงวรรณยุกต์ของด้านอารมณ์และความหมายของข้อความ การใช้โทนเสียงที่สูงขึ้นและลดลงมีส่วนในการแสดงออกของเฉดสีการพูดทุกประเภท นอกจากนี้การใช้ความไม่ลงรอยกันอย่างชัดเจนและกว้างขวางในพฤกษ์เริ่มต้นขึ้นและกระบวนการของการเปลี่ยนจากระบบโมดอลขององค์กรโมดอลเป็นระบบวรรณยุกต์ก็ชัดเจน ในช่วงเวลาเดียวกันระบบของอิตาลี " ความบ้าคลั่ง» - รูปโวหารดนตรีซึ่งมีการแก้ไขความสอดคล้องของคำบางคำและวลีไพเราะ ตัวอย่างเช่นคำว่า "sospiro" (ถอนหายใจ) ถูกแทนด้วยคอร์ดสองหรือสามคอร์ดโดยหยุดอยู่ตรงกลางของคำ “ Volo” (เที่ยวบิน) - รูปแบบที่ไพเราะเป็นคลื่น "Pieta" (ความเห็นอกเห็นใจ), "amaro pianto" (น้ำตาขม) - ถ่ายทอดผ่าน chromaticism และ dissonance; “ Morte” (ความตาย) - มีส่วนยับยั้งการเคลื่อนไหวเป็นจังหวะและหยุด - หยุดชั่วคราว - ในทุกเสียง ... และอื่น ๆ ในด้านการสร้างรูปร่างไม่เพียง แต่มีความสัมพันธ์กับหลักการของฟรอตตอลและโมเตตของการสร้างด้วยการทำซ้ำโคลงหลายประเภทเท่านั้น แต่ยังรวมถึงความโน้มถ่วงต่อรูปแบบผ่าน

ช่วงที่สาม - ปลาย 16 และต้นศตวรรษที่ 17 - Luca Marenzio, Carlo Gesualdo (เจ้าชายแห่ง Venosa), Claudio Monteverdi... คอนทราสต์กลายเป็นหนึ่งในหลักการสร้างสรรค์: แบบฟอร์มถูกสร้างขึ้นจากการสลับส่วนของโพลีโฟนิกกับโฮโมโฟนิกไดอะโทนิกกับโครมาติกพยัญชนะที่ไม่สอดคล้องกัน มาดริกัลสีถึงจุดสูงสุดในผลงานของ Gesualdo ยิ่งไปกว่านั้นสองประเภทของใจความ - สีและไดอะโทนิค - แยกออกจากกัน ในทางกลับกันการโครมาไทซ์ไม่ได้นำไปสู่การทำให้เป็นกลางของสีโมดอล แต่ในทางกลับกันเน้นการแสดงออกของเฟร็ตหลักและรอง - สองเฟร็ตที่โดดเด่นชัดเจนขึ้นเรื่อย ๆ

ตั้งแต่ปลายศตวรรษที่ 16 ในการเชื่อมต่อกับการพัฒนาของเสียงเดียวประเพณีของการแสดงมาดริกัลในการจัดเรียงสำหรับเสียงโซโลพร้อมกับเครื่องดนตรีได้เกิดขึ้น เริ่มต้นด้วย V book of madrigals (1605) C. Monteverdi ได้แนะนำเครื่องดนตรีเป็นเสียงประกอบ ในฐานะที่เป็นมาดริกัลชนิดพิเศษในงานของ O. Veka, A. Bancieri, A. Strigio พัฒนา มาดริกัลที่น่าทึ่ง (หรือตลกมาดริกัล) เป็นการแต่งเพลงประสานเสียงหลายส่วนโดยอิงจากเนื้อหาของบทตลกหรือบทละคร ทุกฝ่าย นักแสดง (รวมถึงการพูดคนเดียว) ดำเนินการโดยวงดนตรีประสานเสียง พล็อตส่วนใหญ่ใช้จากชีวิตประจำวันซึ่งมักจะเสียดสีกับตัวละครแบบดั้งเดิมจากภาพยนตร์ตลกพื้นบ้านเรื่อง dell'arte ภาพยนตร์ตลกแนวมาดริกัลที่เก่าแก่ที่สุดใน 5 ส่วน - "Chatter of women at the wash" โดย A. Strigio กลายเป็นต้นแบบสำหรับตัวอย่างอื่น ๆ ของแนวนี้ ("Pleasant Masquerades" โดย J. Croce, "Amphiparnas" โดย O. Vechi, "Senile folly "โดยอ. บันเซียรี) ... โดยใช้วิธีการขับร้องเพียงอย่างเดียวผู้ประพันธ์สร้างลักษณะที่สดใสของตัวละคร ละครมาดริกัลเป็นเวทีสำคัญในการกำเนิดโอเปร่า

เครื่องดนตรีที่ชื่นชอบในการปฏิบัติทางโลกของอิตาลีคือ พิณ -เครื่องดึงสายที่มีคอสั้นและหัวงอไปข้างหลังซึ่งหมุดปรับตั้งอยู่ เสียงพิณได้รับการกล่าวถึงครั้งแรกใน“ Great Treatise on Music” โดยนักวิชาการชาวเอเชียกลาง Farabi ซึ่งมีอายุย้อนไปถึงศตวรรษที่ 10 มันถูกนำไปยังเกาะซิซิลีและไปยังสเปนโดยชาวซาราเซ็นและทุ่งและต่อมาก็แพร่หลายไปทั่วยุโรป Dante Alighieri ผู้ยิ่งใหญ่ใน " คอมเมดี้ขั้นเทพ” พูดถึงพิณเป็นเครื่องดนตรีที่รู้จักกันดีในสมัยของเขา พิณได้รับความนิยมเป็นพิเศษในช่วงยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา (ศตวรรษที่ XV-XVI) มีการเล่นในราชสำนักเจ้าชายและดูกัลโดยนักดนตรีผู้มีคุณธรรมและผู้รักงานศิลปะชั้นสูงได้รับการกล่าวขานอย่างต่อเนื่องในแวดวงมนุษยนิยมใน "สถาบันการศึกษา" ทุกประเภทของศตวรรษที่ 16 ในชีวิตที่บ้านของชาวเมืองในที่โล่ง ใน ตระการตาต่างๆรวมถึงการแสดงละคร พิณบรรเลงโดย Leonardo da Vinci, Benvenuto Cellini, Giorgione, Caravaggio

ในศตวรรษที่ 16 สิ่งที่พบมากที่สุดคือพิณหกสาย (เครื่องดนตรีห้าสายเป็นที่รู้จักในศตวรรษที่ 15) โครงสร้างของพิณนั้นแตกต่างกันโดยส่วนใหญ่มักใช้การปรับแต่งของชนิดไตรมาสที่สาม: A D G H E "A" ในช่วงศตวรรษที่ผ่านมามีการตีพิมพ์คอลเลกชันของนักประพันธ์จำนวนมาก แต่ส่วนใหญ่เป็นชิ้นส่วนสำหรับพิณนั้นถูกแจกจ่ายในคอลเลคชันต้นฉบับจำนวนมาก เป็นที่น่าสนใจว่าคอลเลกชันต้นฉบับในช่วงเวลานั้นในส่วนสำคัญของพวกเขาประกอบด้วยบทละครที่ไม่เปิดเผยตัวตนการจัดเตรียมงานร้องการเต้นรำ ยิ่งไปกว่านั้นสัญชาติของพวกเขามีความหลากหลายมาก: การเต้นรำของเยอรมันปรากฏในต้นฉบับภาษาอิตาลีในภาษาเยอรมัน - อิตาลีโปแลนด์และฝรั่งเศส สิ่งเหล่านี้เป็นคอลเล็กชันระหว่างประเทศประเภทหนึ่งซึ่งมีการแลกเปลี่ยนแนวเพลงในชีวิตประจำวันโดยไม่เสียค่าใช้จ่าย สำหรับพิณนั้นพวกเขาถ่ายทอดและประมวลผลทุกสิ่งที่ผู้ฟังชอบ: เพลงยอดนิยมและการเต้นรำแม้แต่เพลงศักดิ์สิทธิ์ของปรมาจารย์ที่ยิ่งใหญ่ที่สุด

ในการรวบรวมในช่วงแรก ๆ ต้น XVI ในศตวรรษที่มีการรวบรวมบทละคร 110 เรื่อง: การถอดเสียงและการจัดเรียงของ frottol B. Tromboncino และ M. Cara, M. Pesenti, A. Capreoli และนักเขียนชาวอิตาลีคนอื่น ๆ บทละครหรือ motets โดย G. Isaac, Juan van Giesegem, A. Bunois เช่นเดียวกับริเชอร์คาร์หกตัวการเต้นรำสี่แบบ (สอง pavans สอง "การเต้นรำเบส") และ "Calata alia spagnola" ในคอลเลกชั่นต่อมา - ในตอนท้ายของศตวรรษ - พื้นฐานประกอบด้วยการเต้นรำ: passamezzo, saltarello, pavana, galliard, courante ฝรั่งเศส, การเต้นรำของโปแลนด์, การเต้นรำแบบเยอรมัน, เพียง "Nachtanz" หรือ "Danza", อัลลีมานด์

ความรุ่งเรืองของศิลปะพิณเริ่มต้นในกลางศตวรรษที่ 16 และในอิตาลีมีความเกี่ยวข้องกับชื่อของนักเล่นพิณที่โดดเด่น ฟรานเชสโกดามิลาโน (ค.ศ. 1497- ค.ศ. 1543) ซึ่งมีชื่อเล่นว่า "พระเจ้า" โดยโคตรของเขา "Seven Books for the Lute" ของเขาได้รับความสำคัญในยุโรป Francesco da Milano เป็นผู้เล่นพิณในศาลของ Duke of Gonzago ใน Mantua ตั้งแต่ปี 1530 ถึง 1535 เขาทำหน้าที่เป็นผู้เล่นพิณของ Cardinal Ippolito Medici ในฟลอเรนซ์และต่อมาเป็นผู้เล่นพิณส่วนตัวของสมเด็จพระสันตปาปาปอลที่ 3 เขาเริ่มเผยแพร่ผลงานของเขาในปี 1536 และได้รับชื่อเสียงอย่างรวดเร็วทั้งในอิตาลีและในประเทศอื่น ๆ ในบรรดาสิ่งต่าง ๆ ที่เขาสร้างขึ้นมีมากมายยิ่งขึ้นและเพ้อฝันการถอดเสียงและการดัดแปลงดนตรีทางโลกและเสียงอันศักดิ์สิทธิ์ นอกจากนี้ยังมีลักษณะเฉพาะที่แยกจากกัน (ตัวอย่างเช่น "Ispana" สำหรับสองลูท) ซึ่งเป็นแคนนอนสำหรับสองลูท ในจินตนาการผู้แต่งใช้เทคนิคโพลีโฟนิกด้วยความเต็มใจ อย่างไรก็ตามโครงสร้างโพลีโฟนิกอย่างเคร่งครัดไม่ใช่ลักษณะของพิณเนื่องจากพฤกษ์ที่ยั่งยืนไม่ได้อยู่ในลักษณะของเครื่องมือ โดยปกติผู้เล่นพิณจะเลียนแบบทางเลือกเสียงประสานเสียงประสานความพร้อมเพรียงการพันพวกเขาด้วยข้อความที่เหมือนสเกลและทางเดินอื่น ๆ และจำนวนเสียงที่เปลี่ยนไป - อาจมีเสียงสามหรือสี่เสียงในเสียงพยัญชนะในทางเดินมักจะก้องอีกสองครั้งหรือเคลื่อนที่แบบขนาน .

นักแต่งเพลงพิณเต็มใจเลือก chansons ฝรั่งเศส (มักจะเป็นมาดริกัลอิตาลีน้อยกว่า) ผลงานทางจิตวิญญาณของ Josquin Despres และ L. Comper สำหรับการเตรียมการและการดัดแปลง เขาถูกดึงดูดด้วย "Battle" และ "Singing of the Birds" ที่น่าตื่นเต้นของ Janequin แม้ว่างานเขียนจะมีปริมาณมากและซับซ้อนก็ตาม อย่างไรก็ตามที่นี่เขาไม่ได้อยู่คนเดียว: การจัดเตรียมอุปกรณ์ของ chansons เหล่านี้ปรากฏมานานแล้ว Francesco da Milano ยังกล่าวถึงเพลงของ J. Mouton, N.Gombert, C.Sermisi, P. Serton, J. Richafort, A. de Fevan, Arcadelt โดยไม่ต้องสงสัยเลยว่าต้องอาศัยตัวอย่างที่ได้รับความนิยมมากที่สุดในยุคนั้น

ผลงานของ Francesco da Milano ระหว่างปี 1536 ถึง 1603 ทั้งในรูปแบบตีพิมพ์และต้นฉบับไม่เพียง แต่เป็นที่รู้จักในอิตาลีเท่านั้น แต่ยังรวมถึงฝรั่งเศสเยอรมนีสเปนและเนเธอร์แลนด์ด้วย

นักประพันธ์เพลงอื่น ๆ ของ Istalian ได้แก่ Vincenzo Galilei (ค.ศ. 1520-1591) บิดาของนักดาราศาสตร์ชื่อดังกาลิเลโอกาลิเลอีผู้เขียนบทความเกี่ยวกับดนตรีนักแต่งเพลงผู้เล่นดนตรีผู้มีความสามารถพิเศษผู้เข้าร่วมใน "Florentine Camerata" ซึ่งรวมตัวกันสร้างขึ้นใหม่ ประเภท - โอเปร่า

ฟังเพลงคลาสสิก - อะไรจะดีไปกว่านี้! โดยเฉพาะอย่างยิ่งในวันหยุดสุดสัปดาห์เมื่อคุณต้องการพักผ่อนลืมความกังวลในวันนี้ความกังวลในสัปดาห์การทำงานฝันถึงสิ่งสวยงามและให้กำลังใจตัวเอง เพียงแค่คิดว่าผลงานคลาสสิกถูกสร้างขึ้นโดยนักเขียนอัจฉริยะเมื่อนานมาแล้วจนยากที่จะเชื่อว่ามีบางอย่างสามารถดำรงอยู่ได้เป็นเวลาหลายปี และผลงานเหล่านี้ยังคงเป็นที่ชื่นชอบและรับฟังพวกเขาสร้างการเตรียมการและการตีความที่ทันสมัย แม้ในการประมวลผลสมัยใหม่ผลงานของนักประพันธ์เพลงที่ยอดเยี่ยมยังคงเป็นดนตรีคลาสสิก ในขณะที่เขายอมรับว่างานคลาสสิกนั้นยอดเยี่ยมและความคิดสร้างสรรค์ทั้งหมดไม่น่าเบื่อ

นักแต่งเพลงที่ยอดเยี่ยมทุกคนอาจมีหูที่พิเศษมีความไวต่อน้ำเสียงและทำนองเพลงเป็นพิเศษซึ่งทำให้พวกเขาสามารถสร้างเพลงที่คนหลายสิบรุ่นชื่นชอบได้ไม่เพียง แต่ในกลุ่มเพื่อนร่วมชาติเท่านั้น แต่ยังรวมถึงแฟนเพลงคลาสสิกทั่วโลกด้วย หากคุณยังสงสัยว่าคุณรักดนตรีคลาสสิกหรือไม่คุณต้องพบกับและคุณจะมั่นใจได้ว่าในความเป็นจริงคุณเป็นแฟนเพลงที่ยอดเยี่ยมมานานแล้ว

และวันนี้เราจะมาพูดถึง 10 นักแต่งเพลงที่มีชื่อเสียงที่สุดในโลก

โยฮันน์เซบาสเตียนบาค

ที่หนึ่งสมควรเป็นของ อัจฉริยะเกิดในเยอรมนี นักแต่งเพลงที่มีพรสวรรค์ที่สุดเขียนเพลงสำหรับฮาร์ปซิคอร์ดและออร์แกน ผู้ประพันธ์ไม่ได้สร้างสรรค์ดนตรีรูปแบบใหม่ แต่เขาสามารถสร้างความสมบูรณ์แบบในทุกรูปแบบในยุคสมัยของเขา เขาเป็นนักแต่งเพลงมากกว่า 1,000 รายการ ในผลงานของเขา บาค ผสมผสานสไตล์ดนตรีที่แตกต่างซึ่งเขาคุ้นเคยในช่วงชีวิตของเขา ละครแนวโรแมนติกมักจะผสมผสานกับสไตล์บาร็อค ในชีวิต โยฮันน์บาค ในฐานะนักแต่งเพลงเขาไม่ได้รับการยอมรับว่าสมควรได้รับความสนใจในดนตรีของเขาเกิดขึ้นเกือบ 100 ปีหลังจากที่เขาเสียชีวิต วันนี้เขาได้รับการขนานนามว่าเป็นนักประพันธ์เพลงที่ยิ่งใหญ่ที่สุดคนหนึ่งที่เคยมีชีวิตอยู่บนโลก เอกลักษณ์ของเขาในฐานะบุคคลอาจารย์และนักดนตรีสะท้อนให้เห็นในดนตรีของเขา บาค วางรากฐานของดนตรีสมัยใหม่และสมัยใหม่โดยแบ่งประวัติศาสตร์ดนตรีออกเป็นยุคก่อนบาคและยุคหลังบาค เป็นที่เชื่อกันว่าดนตรี บาค มืดมนและมืดมน ดนตรีของเขาค่อนข้างเป็นพื้นฐานและหนักแน่นมีข้อ จำกัด และมีสมาธิ เป็นภาพสะท้อนของคนที่เป็นผู้ใหญ่และฉลาด การสร้าง บาค มีอิทธิพลต่อนักแต่งเพลงหลายคน บางคนใช้ตัวอย่างจากผลงานของเขาหรือใช้ธีมจากพวกเขา และนักดนตรีจากทั่วทุกมุมโลกเล่นดนตรี บาคชื่นชมความงามและความสมบูรณ์แบบของเธอ หนึ่งในผลงานที่น่าตื่นเต้นที่สุด - "คอนเสิร์ตบรันเดนบูร์ก" - พิสูจน์ได้ดีว่าดนตรี บาค ไม่สามารถถือว่ามืดมนเกินไป:

Wolfgang Amadeus Mozart

เขาถือว่าเป็นอัจฉริยะโดยใช่เหตุ ตอนอายุ 4 ขวบเขาเล่นไวโอลินและฮาร์ปซิคอร์ดได้อย่างอิสระเมื่ออายุ 6 ขวบเขาเริ่มแต่งเพลงและเมื่ออายุ 7 ขวบเขาได้เล่นฮาร์ปซิคอร์ดไวโอลินและออร์แกนอย่างชำนาญโดยแข่งขันกับนักดนตรีชื่อดัง ตอนนี้อายุ 14 ปี โมสาร์ท - นักแต่งเพลงที่ได้รับการยอมรับและเมื่ออายุ 15 ปี - เป็นสมาชิกของสถาบันดนตรีของ Bologna และ Verona โดยธรรมชาติแล้วเขามีหูที่ยอดเยี่ยมในด้านดนตรีความจำและความสามารถในการแสดงสด เขาได้สร้างผลงานจำนวนมากอย่างน่าอัศจรรย์ - โอเปร่า 23 เรื่อง, โซนาตาส 18 ชิ้น, เปียโนคอนแชร์โต 23 เรื่อง, ซิมโฟนี 41 เรื่องและอื่น ๆ ผู้แต่งไม่ต้องการเลียนแบบเขาพยายามสร้างรูปแบบใหม่ที่สะท้อนบุคลิกใหม่ของดนตรี ไม่ใช่เรื่องบังเอิญที่ดนตรีในเยอรมนี โมสาร์ท ถูกเรียกว่า "ดนตรีแห่งจิตวิญญาณ" ในผลงานของเขาผู้ประพันธ์ได้แสดงคุณลักษณะของธรรมชาติที่จริงใจและมีความรักของเขา นักไพเราะที่ยิ่งใหญ่ที่สุดให้ความสำคัญกับโอเปร่าเป็นพิเศษ Opera โมสาร์ท - ยุคแห่งการพัฒนาศิลปะดนตรีประเภทนี้ โมสาร์ท ได้รับการยอมรับอย่างกว้างขวางว่าเป็นหนึ่งใน นักแต่งเพลงที่ยิ่งใหญ่ที่สุด: เอกลักษณ์ของเขาอยู่ที่ความจริงที่ว่าเขาทำงานดนตรีทุกรูปแบบตลอดเวลาและประสบความสำเร็จสูงสุดในทุกเรื่อง หนึ่งในผลงานที่เป็นที่รู้จักมากที่สุด - "เดือนมีนาคมของตุรกี":

ลุดวิกฟานเบโธเฟน

ชาวเยอรมันผู้ยิ่งใหญ่อีกคนหนึ่งเป็นบุคคลสำคัญในยุคโรแมนติก - คลาสสิก แม้แต่คนที่ไม่รู้อะไรเกี่ยวกับดนตรีคลาสสิกก็ไม่รู้ เบโธเฟน เป็นคีตกวีที่มีผลงานและได้รับการยอมรับมากที่สุดคนหนึ่งของโลก นักประพันธ์เพลงผู้ยิ่งใหญ่ได้เห็นการเปลี่ยนแปลงครั้งใหญ่ที่เกิดขึ้นในยุโรปและวาดแผนที่ใหม่ การรัฐประหารการปฏิวัติและการเผชิญหน้าทางทหารครั้งใหญ่เหล่านี้สะท้อนให้เห็นในผลงานของนักแต่งเพลงโดยเฉพาะอย่างยิ่งในเพลงไพเราะ เขาเป็นตัวเป็นตนในภาพดนตรีของการต่อสู้อย่างกล้าหาญ ในผลงานอมตะ เบโธเฟน คุณจะได้ยินการต่อสู้เพื่ออิสรภาพและภราดรภาพของผู้คนศรัทธาที่มั่นคงในชัยชนะของความสว่างเหนือความมืดตลอดจนความฝันถึงอิสรภาพและความสุขของมนุษยชาติ ข้อเท็จจริงที่มีชื่อเสียงและน่าอัศจรรย์ที่สุดอย่างหนึ่งในชีวิตของเขาคือโรคหูของเขาพัฒนาไปสู่อาการหูหนวกโดยสมบูรณ์ แต่ถึงกระนั้นนักแต่งเพลงก็ยังคงเขียนเพลงต่อไป เขายังถือเป็นหนึ่งใน นักเปียโนที่ดีที่สุด... เพลง เบโธเฟน ง่ายอย่างน่าประหลาดใจและเข้าใจได้ง่ายสำหรับผู้ฟังในวงกว้าง ยุคสมัยเปลี่ยนไปแม้กระทั่งยุคสมัยและดนตรี เบโธเฟน ยังคงสร้างความตื่นเต้นและสร้างความพึงพอใจให้กับผู้คน หนึ่งในผลงานที่ดีที่สุดของเขา - "Moonlight Sonata":

Richard Wagner

ด้วยชื่อของผู้ยิ่งใหญ่ Richard Wagner ส่วนใหญ่มักเกี่ยวข้องกับผลงานชิ้นเอกของเขา "ประสานเสียงแต่งงาน" หรือ "เที่ยวบินของวาลคีเรีย"... แต่เขาเป็นที่รู้จักไม่เพียง แต่ในฐานะนักแต่งเพลงเท่านั้น แต่ยังเป็นนักปรัชญาด้วย แว็กเนอร์ ถือว่างานดนตรีของเขาเป็นวิธีการแสดงแนวคิดเชิงปรัชญา จาก แว็กเนอร์ ดนตรีโอเปรายุคใหม่เริ่มขึ้น นักแต่งเพลงพยายามทำให้โอเปร่าเข้ามาใกล้ชีวิตมากขึ้นดนตรีสำหรับเขาเป็นเพียงเครื่องมือเท่านั้น Richard Wagner - ผู้สร้างละครเพลงนักปฏิรูปการแสดงโอเปร่าและศิลปะการแสดงผู้ริเริ่มภาษาฮาร์โมนิกและไพเราะของดนตรีผู้สร้างรูปแบบใหม่ของการแสดงออกทางดนตรี แว็กเนอร์ - ผู้เขียนเพลงเดี่ยวที่ยาวที่สุดในโลก (14 นาที 46 วินาที) และโอเปร่าคลาสสิกที่ยาวที่สุดในโลก (5 ชั่วโมง 15 นาที) ในชีวิต Richard Wagner ได้รับการพิจารณาว่าเป็นบุคคลที่มีความขัดแย้งซึ่งเป็นที่ชื่นชอบหรือเกลียดชัง และมักจะอยู่ด้วยกันทั้งคู่ สัญลักษณ์ลึกลับและการต่อต้านชาวยิวทำให้เขาเป็นนักแต่งเพลงคนโปรดของฮิตเลอร์ แต่ปิดเส้นทางเพลงของเขาไปยังอิสราเอล อย่างไรก็ตามทั้งผู้สนับสนุนหรือฝ่ายตรงข้ามของนักแต่งเพลงไม่ปฏิเสธความยิ่งใหญ่ของเขาในฐานะนักแต่งเพลง เพลงยอดเยี่ยมจากโน้ตแรก Richard Wagner ดูดซับคุณโดยไร้ร่องรอยไม่ให้มีที่ว่างสำหรับข้อพิพาทและความขัดแย้ง:

Franz Schubert

นักแต่งเพลงชาวออสเตรียเป็นอัจฉริยะทางดนตรีซึ่งเป็นนักแต่งเพลงที่ดีที่สุดคนหนึ่ง เขาอายุเพียง 17 ปีเมื่อเขาเขียนเพลงแรกของเขา ในหนึ่งวันเขาเขียนเพลงได้ 8 เพลง สำหรับเขา ชีวิตที่สร้างสรรค์ เขาสร้างผลงานกว่า 600 บทโดยอาศัยบทกวีของกวีผู้ยิ่งใหญ่กว่า 100 คนรวมถึงเกอเธ่ชิลเลอร์และเชกสเปียร์ ดังนั้น Franz Schubert ใน 10 อันดับแรก แม้ว่าความคิดสร้างสรรค์ ชูเบิร์ต มีความหลากหลายมากทั้งในแง่ของการใช้แนวความคิดและการกลับชาติมาเกิดเนื้อร้องและบทเพลงมีชัยและกำหนดในดนตรีของเขา ก่อน ชูเบิร์ต เพลงนี้ถือเป็นแนวเพลงที่ไม่มีนัยสำคัญและเป็นผู้ที่ยกระดับความสมบูรณ์แบบทางศิลปะ ยิ่งไปกว่านั้นเขาได้รวมเพลงที่ดูเหมือนจะไม่เชื่อมต่อกันและดนตรีซิมโฟนีแชมเบอร์ซึ่งก่อให้เกิดทิศทางใหม่ของซิมโฟนีโรแมนติก เนื้อเพลงเสียงและเพลงเป็นโลกแห่งประสบการณ์ของมนุษย์ที่เรียบง่ายและลึกซึ้งละเอียดอ่อนและใกล้ชิดแม้ไม่ได้แสดงออกด้วยคำพูด แต่เป็นเสียง Franz Schubert มีชีวิตที่สั้นมากอายุเพียง 31 ปี ชะตากรรมของผลงานของนักแต่งเพลงนั้นน่าเศร้าไม่น้อยไปกว่าชีวิตของเขา หลังจากเสียชีวิต ชูเบิร์ต ยังคงมีต้นฉบับที่ไม่ได้ตีพิมพ์จำนวนมากเก็บไว้ในตู้หนังสือและลิ้นชักของญาติและเพื่อน ๆ แม้แต่คนที่ใกล้ชิดที่สุดก็ไม่รู้ทุกสิ่งที่เขาเขียนและเป็นเวลาหลายปีที่เขาได้รับการยอมรับว่าเป็นราชาแห่งบทเพลงเป็นหลัก ผลงานของนักประพันธ์บางคนได้รับการตีพิมพ์เพียงครึ่งศตวรรษหลังจากที่เขาเสียชีวิต หนึ่งในผลงานอันเป็นที่รักและมีชื่อเสียง Franz Schubert – "เซเรเนดยามเย็น":

โรเบิร์ตชูมันน์

ด้วยชะตากรรมที่น่าเศร้าไม่แพ้กันนักแต่งเพลงชาวเยอรมันเป็นหนึ่งในนักแต่งเพลงที่ดีที่สุดในยุคโรแมนติก เขาสร้างสรรค์ดนตรีแห่งความงามอันน่าทึ่ง หากต้องการทราบแนวคิดเรื่องโรแมนติกของเยอรมันในศตวรรษที่ 19 เพียงแค่ฟัง “ คาร์นิวัล” โรเบิร์ตชูมันน์... เขาสามารถแยกออกจากประเพณีดนตรีของยุคคลาสสิกสร้างการตีความสไตล์โรแมนติกของเขาเอง โรเบิร์ตชูมันน์ มีพรสวรรค์มากมายและแม้เป็นเวลานานก็ไม่สามารถตัดสินใจได้ระหว่างดนตรีบทกวีวารสารศาสตร์และปรัชญา (เขาเป็นคนพูดได้หลายภาษาและแปลจากภาษาอังกฤษฝรั่งเศสและอิตาลีได้อย่างคล่องแคล่ว) เขายังเป็นนักเปียโนที่น่าทึ่งอีกด้วย ยังเป็นอาชีพหลักและความหลงใหล ชูมันน์ มีเสียงดนตรี ในบทกวีและดนตรีเชิงจิตวิทยาที่ลึกซึ้งดนตรีส่วนใหญ่สะท้อนให้เห็นถึงความเป็นคู่ของธรรมชาติของนักแต่งเพลงการระเบิดของความหลงใหลและการถอนตัวเข้าสู่โลกแห่งความฝันการตระหนักถึงความเป็นจริงที่หยาบคายและการมุ่งมั่นเพื่ออุดมคติ หนึ่งในผลงานชิ้นเอก โรเบิร์ตชูมันน์ซึ่งทุกคนต้องได้ยิน:

เฟรเดริกโชแปง

บางทีเสาที่มีชื่อเสียงที่สุดในโลกแห่งดนตรี ทั้งก่อนและหลังนักแต่งเพลงเกิดอัจฉริยะทางดนตรีในระดับนี้ในโปแลนด์ เสามีความภาคภูมิใจอย่างไม่น่าเชื่อในเพื่อนร่วมชาติที่ยิ่งใหญ่และในผลงานของเขาผู้แต่งภาพยนตร์ร้องเพลงบ้านเกิดซ้ำ ๆ ชื่นชมความงามของภูมิประเทศคร่ำครวญถึงอดีตอันน่าเศร้าความฝันถึงอนาคตอันยิ่งใหญ่ เฟรเดริกโชแปง เป็นหนึ่งในนักแต่งเพลงไม่กี่คนที่เขียนเพลงเฉพาะสำหรับเปียโน ไม่มีโอเปร่าหรือซิมโฟนีในมรดกความคิดสร้างสรรค์ของเขา แต่ชิ้นเปียโนนำเสนอในความหลากหลายทั้งหมด ผลงานของเขาเป็นพื้นฐานของการแสดงของนักเปียโนที่มีชื่อเสียงหลายคน เฟรเดริกโชแปง เป็นนักแต่งเพลงชาวโปแลนด์ที่ได้ชื่อว่าเป็นนักเปียโนที่มีพรสวรรค์ เขามีชีวิตอยู่เพียง 39 ปี แต่สามารถสร้างผลงานชิ้นเอกมากมายไม่ว่าจะเป็นเพลงบัลลาด, บทนำ, เพลงวอลทซ์, มาซูร์คัส, กลางคืน, โพโลนาส, อีตูเดส, โซนาต้าและอื่น ๆ อีกมากมาย หนึ่งในนั้น - "บัลลาดหมายเลข 1 จีไมเนอร์".

ฟรานซ์ลิซท์

เขาเป็นนักประพันธ์เพลงที่ยิ่งใหญ่ที่สุดคนหนึ่งของโลก เขามีชีวิตที่ค่อนข้างยาวนานและมีเหตุการณ์ที่น่าประหลาดใจประสบกับความยากจนและความมั่งคั่งพบกับความรักและเผชิญกับการดูถูก นอกจากความสามารถตั้งแต่เกิดแล้วเขายังมีความสามารถในการทำงานที่ยอดเยี่ยม ฟรานซ์ลิซท์ ไม่เพียงได้รับความชื่นชมจากผู้ชื่นชอบและแฟนเพลงเท่านั้น ทั้งในฐานะนักแต่งเพลงและนักเปียโนเขาได้รับเสียงชื่นชมจากนักวิจารณ์ชาวยุโรปในระดับสากล ศตวรรษที่ 19... เขาได้สร้างผลงานมากกว่า 1300 ชิ้นและคล้ายกัน เฟรเดริกโชแปง ให้ความสำคัญกับงานเปียโน นักเปียโนที่ยอดเยี่ยม ฟรานซ์ลิซท์ รู้วิธีที่จะสร้างเสียงของวงออเคสตราทั้งหมดบนเปียโนด้วยความชำนาญและมีความทรงจำที่ยอดเยี่ยม องค์ประกอบดนตรีเขามีการอ่านค่าสายตาไม่เท่ากัน เขามีสไตล์การแสดงที่น่าสมเพชซึ่งสะท้อนให้เห็นในดนตรีของเขาอารมณ์ที่เร่าร้อนและมีความเป็นฮีโร่สร้างภาพดนตรีที่มีสีสันและสร้างความประทับใจให้กับผู้ฟังอย่างลบไม่ออก บัตรโทรศัพท์ของนักแต่งเพลงคือเปียโนคอนแชร์โตส หนึ่งในผลงานเหล่านี้ และเป็นหนึ่งในผลงานที่มีชื่อเสียงที่สุด ใบไม้ – “ ฝันรัก”:

โยฮันเนสบราห์มส์

ตัวเลขที่สำคัญในช่วงเวลาโรแมนติกในดนตรีคือ โยฮันเนสบราห์มส์... ฟังและรักดนตรี บราห์มส์ ถือเป็นรสชาติที่ดีและเป็นลักษณะเฉพาะของธรรมชาติที่โรแมนติก บราห์มส์ ไม่ได้เขียนโอเปร่าเดี่ยว แต่เขาสร้างผลงานในแนวอื่น ๆ ทั้งหมด ความรุ่งโรจน์โดยเฉพาะ บราห์มส์ นำซิมโฟนีของเขา ในผลงานชิ้นแรกความคิดริเริ่มของนักแต่งเพลงเป็นที่ประจักษ์ซึ่งเมื่อเวลาผ่านไปเปลี่ยนเป็นสไตล์ของตัวเอง หากเราพิจารณาผลงานทั้งหมด บราห์มส์ไม่อาจกล่าวได้ว่าผู้ประพันธ์ได้รับอิทธิพลอย่างมากจากผลงานของรุ่นก่อนหรือรุ่นเดียวกันของเขา และตามขนาดของความคิดสร้างสรรค์ บราห์มส์ มักจะเทียบกับ บาค และ เบโธเฟน... บางทีการเปรียบเทียบนี้อาจมีเหตุผลในแง่ที่ว่าผลงานของชาวเยอรมันผู้ยิ่งใหญ่ทั้งสามแสดงถึงจุดสุดยอดของยุคทั้งหมดในประวัติศาสตร์ดนตรี ไม่เหมือน ฟรานซ์ลิซท์ ชีวิต โยฮันเนสบราห์มส์ ปราศจากเหตุการณ์วุ่นวาย เขาชอบความคิดสร้างสรรค์ที่สงบในช่วงชีวิตของเขาเขาได้รับการยอมรับในความสามารถและความเคารพในระดับสากลและยังได้รับรางวัลเกียรติยศมากมาย ดนตรีที่โดดเด่นที่สุดในพลังแห่งการสร้างสรรค์ บราห์มส์ ได้รับผลกระทบโดยเฉพาะอย่างยิ่งสดใสและเดิมเป็นของเขา "บังสุกุลเยอรมัน"ผลงานที่ผู้เขียนสร้างมา 10 ปีและอุทิศให้แม่ของเขา ในเพลงของคุณ บราห์มส์ เชิดชูคุณค่าอันเป็นนิรันดร์ของชีวิตมนุษย์ซึ่งแฝงอยู่ในความงดงามของธรรมชาติศิลปะแห่งความสามารถอันยิ่งใหญ่ในอดีตวัฒนธรรมของบ้านเกิดของพวกเขา

Giuseppe Verdi

สิบอันดับนักแต่งเพลงที่ไม่มี?! คีตกวีชาวอิตาลีเป็นที่รู้จักกันดีในเรื่องโอเปร่า เขากลายเป็นชื่อเสียงระดับชาติของอิตาลีผลงานของเขาถือเป็นจุดสูงสุดของการพัฒนาอุปรากรของอิตาลี ความสำเร็จและความดีความชอบของเขาในฐานะนักแต่งเพลงไม่สามารถประเมินเกินจริงได้ ผลงานของเขาจนถึงทุกวันนี้หนึ่งศตวรรษหลังจากการเสียชีวิตของผู้เขียนยังคงได้รับความนิยมสูงสุดมีการแสดงในระดับสากลซึ่งเป็นที่รู้จักของทั้งผู้ชื่นชอบและผู้ชื่นชอบดนตรีคลาสสิก

สำหรับ แวร์ดี สิ่งที่สำคัญที่สุดในละครโอเปร่าคือละคร อิมเมจดนตรีของ Rigoletto, Aida, Violetta, Desdemona ที่สร้างขึ้นโดยนักแต่งเพลงผสมผสานท่วงทำนองที่สดใสและความลึกซึ้งของวีรบุรุษประชาธิปไตยและความซับซ้อน ลักษณะทางดนตรีความหลงใหลที่รุนแรงและความฝันอันสดใส แวร์ดี เป็นนักจิตวิทยาที่เข้าใจความสนใจของมนุษย์อย่างแท้จริง ดนตรีของเขามีความสง่างามและมีพลังความงามและความกลมกลืนที่น่าทึ่งท่วงทำนองที่สวยงามอย่างหาที่เปรียบไม่ได้อาเรียและการร้องคู่ ความรักเดือดความขบขันและโศกนาฏกรรมเกี่ยวพันและผสานเข้าด้วยกัน แผนโอเปร่าตามตัวเขาเอง แวร์ดีควรเป็น "ต้นฉบับน่าสนใจและ ... หลงใหลด้วยความหลงใหลเหนือสิ่งอื่นใด" และผลงานส่วนใหญ่ของเขาเป็นงานที่จริงจังและน่าเศร้าแสดงถึงสถานการณ์ที่น่าตื่นเต้นทางอารมณ์และดนตรีของผู้ยิ่งใหญ่ แวร์ดี ให้การแสดงออกถึงสิ่งที่เกิดขึ้นและเน้นสำเนียงของสถานการณ์ หลังจากซึมซับสิ่งที่ดีที่สุดที่โรงเรียนโอเปร่าของอิตาลีประสบความสำเร็จแล้วเขาไม่ได้ปฏิเสธประเพณีการแสดงโอเปร่า แต่ได้ปรับเปลี่ยนอุปรากรของอิตาลีให้เต็มไปด้วยความสมจริงและให้ความสามัคคีของส่วนรวม ในเวลาเดียวกันเขาไม่ได้ประกาศการปฏิรูปของเขาไม่ได้เขียนบทความเกี่ยวกับเรื่องนี้ แต่เขียนโอเปราในรูปแบบใหม่ ขบวนแห่งชัยชนะของหนึ่งในผลงานชิ้นเอก แวร์ดี - โอเปร่า - กวาดไปทั่วเวทีของอิตาลีและดำเนินต่อไปในยุโรปรวมถึงในรัสเซียและอเมริกาบังคับให้แม้แต่ผู้ที่สงสัยในการรับรู้ถึงพรสวรรค์ของนักประพันธ์เพลงที่ยิ่งใหญ่

10 นักแต่งเพลงที่มีชื่อเสียงที่สุดในโลก อัปเดต: 25 พฤศจิกายน 2017 โดยผู้เขียน: เฮเลนา

พิมพ์เนื้อหาที่คุณตัดที่นี่

V. KONNOV. คีตกวีชาวดัตช์ในศตวรรษที่ 15-16 บทที่เลือกจากหนังสือ

บทนำ

POLYPHONISTS ของเนเธอร์แลนด์: พวกเขาคือใคร?

คำถามนี้เกิดขึ้นก่อนที่ผู้ฟังจำนวนมากที่เข้าร่วมคอนเสิร์ตดนตรีในช่วงต้น ผลงานของ Josquin Despres, Orlando Lasso รวมถึงตัวแทนคนอื่น ๆ ของโรงเรียนนักแต่งเพลงแห่งนี้ซึ่งห่างไกลจากเราในสมัยโบราณได้หยุดเป็นสมบัติของนักประวัติศาสตร์เก้าอี้เท้าแขนในปัจจุบันดึงดูดความสนใจของนักดนตรีมืออาชีพไม่เพียง แต่ มือสมัครเล่นดนตรีด้วย มีความสนใจที่สมเหตุสมผลในผู้สร้างงานศิลปะชั้นสูงนี้และในบทกวีดนตรีและสไตล์ของผลงานของพวกเขา ความสนใจนี้เป็นเรื่องธรรมชาติมากขึ้นเนื่องจากความนิยมและการเข้าถึงดนตรีของชาวดัตช์แม้ในขณะนี้ยังไปไม่ถึงระดับโรงเรียนสอนวาดภาพที่มีชื่อเสียงระดับโลกที่เรียกว่า "old Dutchmen" คนที่มีการศึกษาทุกคนรู้จักชื่อของ Jan van Eyck, Rogier van der Weyden, Luke Leiden, Hieronymus Bosch, Pieter Brueghel the Elder การสร้างสรรค์ของพวกเขายังคงรักษาพลังของอิทธิพลทางศิลปะไว้ได้ วันนี้... ชื่อและมรดกทางดนตรีของนักประพันธ์ร่วมสมัยของพวกเขายังคงเป็นที่รู้จักของคนไม่กี่คน

มันมีประโยชน์ที่จะจำได้ว่างานของนักโพลีโฟนิสต์ชาวดัตช์เพิ่งเริ่มฟื้นขึ้นมามีชีวิตใหม่หลังจากการลืมเลือนที่ยาวนานกว่าสองศตวรรษ ชาวดัตช์เก่าร่วมชะตากรรมนี้กับ Monteverdi, Schütz; ร่วมกับพวกเขาเป็นเวลานานพอสมควร - ประมาณหนึ่งศตวรรษ - งานของ Bach ถูกลืม และตอนนี้เมื่อดนตรีของนักโพลีโฟนิสต์ชาวดัตช์เริ่มกลับมาสู่ผู้ชมคำถามก็เกิดขึ้น: มันไม่ได้สูญเสียความสำคัญทางศิลปะไปหรือ?

และการค้นพบดนตรีเทียบได้กับความสำเร็จของจิตรกรรมประติมากรรมและวรรณกรรมในยุคนั้นหรือไม่? ในประเด็นเหล่านี้วรรณกรรมพิเศษที่มีอยู่ทั้งในรัสเซียและใน ภาษาต่างประเทศบางครั้งเสนอคำตัดสินที่ขัดแย้งกันมากที่สุด และประเด็นก็คือไม่เพียง แต่ดนตรีในยุคนั้นไม่สามารถเข้าถึงเราได้อย่างสมบูรณ์เท่านั้นข้อเท็จจริงบางประการจากชีวิตของผู้สร้างยังคงอยู่รอดได้ ตั้งแต่สมัยโบราณและจนถึงสมัยของเรากิจกรรมของนักโพลีโฟนิสต์ชาวดัตช์ทำให้เกิดการประเมินที่หลากหลาย โลกศิลปะของ J. Okegem ผู้ก่อตั้งโรงเรียนดัตช์ในปัจจุบันมักได้รับการประเมินว่าเป็นการแสดงออกของโกธิคตอนปลายเนื่องจากเป็นการหักเหความรู้สึกทางศาสนาที่กระตือรือร้นอย่างลึกลับ ผู้ร่วมสมัยเปรียบเทียบเขากับโดนาเทลโลซึ่งเป็นหนึ่งในนักสู้ที่มีความสอดคล้องกันมากที่สุดสำหรับมนุษยนิยมทางโลกในยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาซึ่งเป็นหนึ่งในบรรพบุรุษของมิเกลันเจโล การประเมินแบบเอกสิทธิ์เฉพาะบุคคลเกิดขึ้นจากผลงานของ Josquin Despres ซึ่งเป็นบุคคลสำคัญของโรงเรียนสอนการแต่งเพลงดัตช์ Glarean นักทฤษฎีและนักอุดมการณ์ชั้นนำของโรงเรียนโพลีโฟนิกดัตช์ถือว่างานของ Josquin เป็นการแสดงออกที่คลาสสิกสูงสุดของ ars perfecta นั่นคือ“ ศิลปะที่สมบูรณ์แบบ” ซึ่งพบการแสดงออกในมวลโพลีโฟนิกและ motet - ประเภทที่สรุปประวัติศาสตร์ทั้งหมดของการพัฒนาของยุโรป ลัทธิพฤกษ์ ตามความคิดของ Glarean ไม่มีอะไรสามารถเปลี่ยนแปลงได้ในงานศิลปะนี้หากไม่ตกอยู่ในความเสื่อมโทรม จากมุมมองนี้ผู้สนับสนุน ars perfecta เพิ่มเติมได้ประณามผู้สร้างโอเปร่ารวมถึง Monteverdi ที่ยิ่งใหญ่

อย่างไรก็ตามผู้ร่วมสมัยของ Josquin ได้เห็นคุณสมบัติด้านสุนทรียศาสตร์ที่แตกต่างกันอย่างสิ้นเชิงในงานของเขาเขาได้รับการยอมรับว่าเป็นผู้สร้างงานศิลปะใหม่ซึ่งไม่ได้มีพื้นฐานมาจากการสลายตัวของบุคลิกภาพแบบกอธิคในจักรวาลพระเจ้า แต่เป็นการแสดงออกของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาภายใน โลกของมนุษย์ (ไม่มีใครอื่นนอกจาก Glarean เองที่ตำหนิ Josquin เนื่องจากความสัมพันธ์ที่ไม่สุภาพกับโหมดยุคกลางซึ่งเป็นพื้นฐานพื้นฐานของภาษาดนตรีของ "ศิลปะที่สมบูรณ์แบบ") ในศตวรรษที่ 16 Josquin ได้รับการยกย่องอย่างเท่าเทียมกันจากบุคคลที่มีอุดมการณ์ที่เป็นปรปักษ์กันอย่างไม่อาจปฏิเสธได้เช่นเดียวกับการปฏิรูปของพระสันตปาปาและลูเทอ

ความคิดเห็นของนักวิทยาศาสตร์สมัยใหม่ก็ขัดแย้งกันมากเช่นกัน V. D. Konen เขียนลักษณะโรงเรียนโพลีโฟนิกของดัตช์ว่า“ เป็นยุคที่ความคิดทางโลกเฟื่องฟูในทุกด้านของกิจกรรมทางจิตและการแสดงออกที่สูงที่สุดในดนตรีนั้นอยู่ภายใต้โครงสร้างทางศาสนาของความรู้สึกอย่างลึกซึ้ง” ในทางตรงกันข้ามผู้เขียนตำราที่รู้จักกันดีเกี่ยวกับประวัติศาสตร์ดนตรีต่างประเทศ KK Rosenschild บันทึกไว้ในเพลงดัตช์ในยุคนั้น "ความเคร่งขรึมพิเศษของแผนทางโลกและทางโลก"; เขายังชี้ให้เห็นว่าแม้ในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 19 และ 20 นักแต่งเพลงชาวรัสเซียผู้ยิ่งใหญ่ S.I Taneev ได้เน้นย้ำถึงต้นกำเนิดของผลงานของคีตกวีชาวดัตช์ในระดับชาติอย่างลึกซึ้ง

การตัดสินที่ขัดแย้งกันนี้สามารถอธิบายได้ด้วยเหตุผลสองประการ ประการแรก - ลักษณะที่ซับซ้อนและขัดแย้งกันของความคิดสร้างสรรค์ทางดนตรีในยุคนั้น คุณลักษณะของผลงานของคีตกวีของโรงเรียนโพลีโฟนิกดัตช์นี้จะเปิดเผยในการนำเสนอต่อไปนี้ อย่างไรก็ตามยังมีปัญหาด้านภาษาเฉพาะสำหรับผู้ฟังจำนวนมากในปัจจุบัน ในทัศนศิลป์ตั้งแต่ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาจนถึงต้นศตวรรษที่ 20 ไม่มีการเปลี่ยนแปลงโวหารที่สำคัญเช่นนี้ที่จะนำไปสู่ \u200b\u200b"อุปสรรคทางเสียง" ที่สำคัญเช่นเดียวกับที่เกิดขึ้นระหว่างดนตรีในยุคกลางยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาและ ในแง่หนึ่งในศตวรรษที่ 17 และดนตรีในศตวรรษที่ 19 และ XX - ในอีกด้านหนึ่ง

เริ่มตั้งแต่ครึ่งหลังของศตวรรษที่ 18 มีการก่อตั้งวงดนตรีรุ่นใหญ่ในดนตรียุโรปซึ่งเป็นระบบเสียงที่ทำหน้าที่เป็นพื้นฐานของจิตสำนึกทางดนตรีของชาวยุโรปจนถึงทุกวันนี้ ไม่สามารถสั่นคลอนตำแหน่งที่โดดเด่นของรุ่นใหญ่ - ผู้เยาว์ในจิตสำนึกสาธารณะทางดนตรีได้อย่างสมบูรณ์) การก่อตัวของโหมดหลัก - รองเปิดทางให้เกิดความก้าวหน้าครั้งใหญ่ของวัฒนธรรมดนตรีที่เกี่ยวข้องกับการกำเนิดโอเปร่าซิมโฟนีคลาสสิก

โซนาต้าห้องดนตรีบรรเลงและเสียงร้อง (เปียโนจิ๋วโรแมนติก) อย่างไรก็ตามมักเกิดขึ้นในประวัติศาสตร์ที่ผลกำไรอย่างมีนัยสำคัญในชีวิตทางวิทยาศาสตร์และวัฒนธรรมของสังคมทำให้เกิดความสูญเสียบางอย่าง พวกเขาสังเกตเห็นได้โดยเฉพาะอย่างยิ่งในดนตรีในช่วงเปลี่ยนผ่านกลางศตวรรษที่ 18 การอนุมัติขั้นสุดท้ายของผู้เยาว์รายใหญ่นำไปสู่การลืมเลือนวัฒนธรรมดนตรีชั้นก่อนหน้านี้ไปอย่างยาวนาน: ผลงานของ Bach and Schütz, Monteverdi และ Purcell ไม่ต้องพูดถึงปรมาจารย์ชาวดัตช์อิตาลีและฝรั่งเศสในศตวรรษที่ 15-16 เป็นเวลาหลายปีหลายทศวรรษและหลายศตวรรษที่หายไปจากการแสดงคอนเสิร์ต

จนถึงต้นศตวรรษที่ 17 แทบจะเป็นเพียงโหมดไพเราะของระดับไดอะโทนิคเจ็ดขั้นตอน (ที่เรียกว่าโหมดยุคกลาง) ที่ครอบงำในดนตรีอาชีพของยุโรปซึ่งเป็นพื้นฐานของประเพณีเพลงพื้นบ้านของเลเยอร์ที่เก่าแก่ที่สุดที่เกิดขึ้นประมาณ ในศตวรรษที่ 14-15 "พจนานุกรมวรรณยุกต์" ของยุคสมัยซึ่งไม่รู้จักหลักสมัยใหม่และรุ่นรองที่มีฟังก์ชันฮาร์มอนิกโดยธรรมชาติแตกต่างกันอย่างมีนัยสำคัญกับยุคใหม่เนื่องจากการเปลี่ยนวรรณกรรมของมหากาพย์ Homeric โบราณแตกต่างจากรูปแบบของละครของเชกสเปียร์ เป็นภาพวาดที่ไร้เดียงสาเชิงมุม (แวบแรก) ของไอคอนยุคกลางโบราณ - จากภาพวาดเหมือนจริงของ Rembrandt การตื่นขึ้นสู่ชีวิตใหม่ของดนตรีขนาดใหญ่นี้และยิ่งไปกว่านั้นการแบ่งชั้นของดนตรียุคแรก ๆ ที่แตกต่างกันเริ่มขึ้นในศตวรรษที่ 19 นับจากนั้นพูดถึง "รอบนอก" - จากมรดกตกทอดของศตวรรษที่ 18 มันเข้าสู่ความรู้สึกนึกคิดของคนรุ่นราวคราวเดียวกันได้อย่างง่ายดายเนื่องจากเป็นการผสมผสานระหว่างลักษณะโวหารของยุคก่อนคลาสสิกโดยทั่วไปโดยบาคผู้ยิ่งใหญ่และ "นักคลาสสิก" ใหม่ในคุณลักษณะบางอย่างที่ Bach มองเห็น แต่แรกยกให้เป็น ความสูงทางศิลปะที่ไม่สามารถบรรลุได้โดยปรมาจารย์ของ Vienna Classical School - Haydn, Mozart และ Beethoven และไม่ใช่เรื่องบังเอิญที่การฟื้นฟูบาคโดยนักแต่งเพลงแนวโรแมนติกในศตวรรษที่ 19 ที่ริเริ่มกระบวนการฟื้นฟูคุณค่าทางศิลปะในยุคก่อนคลาสสิกอันยาวนานซึ่งเป็นกระบวนการที่ในปัจจุบันได้มาถึงการฟื้นฟู ดนตรีมากที่สุด

ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา. ยิ่งไปกว่านั้นกลุ่มการแสดงแต่ละกลุ่มประสบความสำเร็จในการส่งเสริมคุณค่าของวัฒนธรรมดนตรีในยุคกลางและก้าวไปสู่ส่วนลึกของศตวรรษ

ยุคของศตวรรษที่ XV-XVI ไม่รู้จักชีวิตคอนเสิร์ตในที่สาธารณะ มีลักษณะเฉพาะด้วยรูปแบบการทำดนตรีสามรูปแบบลักษณะของวัฒนธรรมทั้งหมดของยุคกลางและสอดคล้องกับความต้องการทางสังคมของสังคมศักดินาสามชั้น: ขุนนางศักดินาฆราวาสนักบวชและฐานันดรที่สาม (รวมทั้งชาวนาและช่างฝีมือ และชาวเมืองที่ร่ำรวยในยุคกลาง) มันคือ เกี่ยวกับดนตรีอาชีพทางโลกดนตรีลัทธิและศิลปะพื้นบ้าน ศิลปะพื้นบ้าน (คติชนคือเพลงและการเต้นรำของประเพณีปากเปล่า) ในยุคนั้นเป็นรูปแบบประชาธิปไตยหลักของการทำดนตรีทางโลก เป็นสิ่งสำคัญมากที่เนเธอร์แลนด์มีชื่อเสียงในด้านวัฒนธรรมเพลงพื้นบ้านที่หลากหลาย คนเนเธอร์แลนด์ชอบดนตรีมาก มีคำให้การจาก Guicciardini ชาวอิตาลีซึ่งเขียนในปี 1556 เกี่ยวกับเนเธอร์แลนด์ว่า“ ผู้คนโดยไม่ต้องเรียนรู้ที่จะร้องเพลงด้วยกันก็ร้องเพลงได้อย่างไพเราะและกลมกลืนอย่างถูกต้อง” นอกจากนี้ยังมีหลักฐานว่าในศตวรรษที่ XV-XVI ดนตรีในเนเธอร์แลนด์เป็นที่รักมากกว่าภาพวาดและประติมากรรม

ในเพลงคติชนวิทยาที่มีชีวิตชีวาและเป็นจริง - ภาพทางโลกปรากฏขึ้นก่อนอื่นผู้ให้บริการหลักซึ่งเป็นท่วงทำนองที่ชุ่มฉ่ำ ต่อมาคีตกวีชาวดัตช์ได้อาศัยมัน

หลายเพลงเหล่านี้ฟังในกลุ่มนักแต่งเพลงชาวดัตช์โพลีโฟนิกไม่เพียง แต่ไม่เปลี่ยนแปลงเป็นคำพูดเท่านั้น แต่ยังเป็นหลักการพื้นฐานของภาษาไพเราะของแต่ละคนด้วย

การออกดอกของคติชนเป็นสิ่งสำคัญอย่างยิ่งสำหรับการทำความเข้าใจกระบวนการต่ออายุที่เกิดขึ้นในดนตรีของเนเธอร์แลนด์ การดำรงอยู่ของคติชนไม่เพียงเกี่ยวข้องกับการทำดนตรีของชาวนาเท่านั้น แต่ยังรวมถึงวัฒนธรรมเบอร์เกอร์ใหม่ของเมืองดัตช์ด้วย นี่เป็นหลักฐานจากการมีสมาคมของนักดนตรีพื้นบ้าน - นักดนตรีและสิ่งที่เรียกว่า "ห้องวาทศิลป์" - วรรณกรรมประเภทหนึ่ง

เวิร์กช็อปงานฝีมือซึ่งการทำเพลงต้องอยู่ภายใต้กฎระเบียบที่เป็นทางการที่เข้มงวดและซับซ้อนที่สุด กฎของสมาคมดังกล่าวสามารถจินตนาการได้จาก "Beckmesserism" ที่มีชื่อเสียงซึ่งแว็กเนอร์เยาะเย้ยในโอเปร่าเรื่อง The Nuremberg Meistersingers อย่างไรก็ตามศิลปะพื้นบ้านของเนเธอร์แลนด์นั้นเต็มไปด้วยความผันผวนอย่างแท้จริง กลายเป็นดินที่อุดมสมบูรณ์ซึ่งตัวอย่างที่มีค่าที่สุดของการทำดนตรีมืออาชีพเฟื่องฟู

เมื่อก้าวไปสู่แนวเพลงมืออาชีพเราทราบว่าความยากลำบากในการรับรู้พฤกษ์ภาษาดัตช์สำหรับผู้ฟังยุคใหม่คือการรวบรวมโครงสร้างความรู้สึกใหม่ในรูปแบบของการทำเพลงที่ล้าสมัยในปัจจุบัน ชีวิตทางดนตรีของเนเธอร์แลนด์ในช่วงที่อยู่ระหว่างการตรวจสอบมีร่องรอยสำคัญของยุคกลางซึ่งเกือบจะหายไปจากฉากประวัติศาสตร์ในช่วงกลางศตวรรษที่ 18

นี่เป็นเรื่องจริงโดยเฉพาะอย่างยิ่งกับดนตรีอาชีพฆราวาสซึ่งส่วนใหญ่มีอยู่ในบทสวดของขุนนางศักดินาฆราวาสที่มีอิทธิพลและเหนือบรรดาดุ๊กเบอร์กันดีน

ขุนนางฆราวาสซึ่งเป็นตัวแทนโดยดุ๊กเบอร์กันดีและศาลของพวกเขาไม่สนใจเกี่ยวกับการฟื้นฟูทุนการศึกษาโบราณและความซับซ้อนของศีลธรรมเช่นเดียวกับในอิตาลี แต่เกี่ยวกับการกลับมาของศักดิ์ศรีของอดีตอัศวินผู้กล้าหาญ งานหลักของวิหารของพวกเขาคือการตกแต่งพิธีกรรมที่เคร่งขรึมของศาลเจ้า<…> บทบาท [ของดนตรี] ส่วนใหญ่ จำกัด อยู่ที่ฟังก์ชั่นความบันเทิง สิ่งนี้นำไปสู่ความสว่างความฉาบฉวยการลดระดับจริยธรรมและความงาม<…> นั่นคือเหตุผลที่ในสภาพทางประวัติศาสตร์ของช่วงเวลาที่อยู่ภายใต้การพิจารณาประเภทอาชีพทางโลกในผลงานของคีตกวีชาวดัตช์ไม่ถึงระดับความสูงที่มีอยู่สำหรับดนตรีลัทธิ

เป็นที่ชัดเจนว่าในสภาพเหล่านี้กองกำลังนักแต่งเพลงที่ยิ่งใหญ่ที่สุดรีบมาที่คริสตจักร<…> ประเภทของลัทธิมีข้อดีสองประการ ประการแรกคือความเป็นไปได้ของเนื้อหาเชิงอุดมการณ์และจริยธรรมที่ลึกซึ้งยิ่งขึ้น ไม่ควรลืมว่าในช่วงยุคกลางวิหารและอารามเป็นศูนย์กลางการศึกษาที่ใหญ่ที่สุด อารามมีห้องสมุดขนาดใหญ่ซึ่งเก็บต้นฉบับของงานดนตรีไว้ด้วย กลุ่มนักบวชสูงสุดไม่ทางใดก็ทางหนึ่งต้องรับมือกับการพัฒนาของปัญหาทางธรรมซึ่งในสมัยนั้นเชื่อมโยงกับปรัชญาอย่างแยกไม่ออก นอกเหนือจากการอธิบายปัญหาทางเทววิทยาอย่างละเอียดแล้วยังไม่สามารถสร้างทั้งปรัชญามนุษยนิยมใหม่หรือภาพทางวิทยาศาสตร์ใหม่ของโลก<…> ประการที่สอง: สำหรับนักดนตรีแล้วงานตามคำสั่งของคริสตจักรในเวลานั้นประสบความสำเร็จอย่างมากเพราะในสภาพทางประวัติศาสตร์ของยุคกลางมีเพียงคริสตจักรเท่านั้นที่เปิดโอกาสให้มีการแสดงดนตรีระดับมืออาชีพสู่สาธารณะ<…>

ชีวิตทางดนตรีที่แตกต่างกันดังกล่าวทำให้เกิดแนวเพลงที่โดยรวมแล้วห่างไกลจากวัฒนธรรมดนตรีสมัยใหม่ แต่สะท้อนให้เห็นถึงวัฒนธรรม "หลายโครงสร้าง" ในศตวรรษที่ 15-16 อย่างซื่อสัตย์ ในตอนท้ายของไตรมาสแรกของศตวรรษที่ 15 สามประเภทหลักกลายเป็นลักษณะเฉพาะ - "ใหญ่" "เล็ก" และ "ระดับกลาง" (แยกออกโดยนักทฤษฎีดนตรีผู้ทรงอิทธิพล I. Tinktoris ในปี 1475): มวล, เพลง (chanson) และ motet.

คุณลักษณะเฉพาะของดนตรีในยุคนั้นคือลักษณะเสียงร้องของแนวเพลงเหล่านี้ แน่นอนว่านี่ไม่ได้หมายความว่าไม่มีเครื่องดนตรีและการทำเพลงบรรเลง อย่างไรก็ตามดนตรีบรรเลงล้วนขึ้นอยู่กับดนตรีที่เปล่งออกมาในแง่ของรูปแบบหลักการคิดรูปแบบและจินตภาพ วงดนตรีที่แพร่หลายมากที่สุดคือการทำดนตรีบรรเลงโดยมีพื้นฐานมาจากงานร้องเพลง อีกวิธีหนึ่งในการสอดแทรกการใช้เครื่องดนตรีเข้ากับวัฒนธรรมการร้อง - ประสานเสียงคือโอกาสในการเติมเต็มเสียงที่ขาดหายไปด้วยเครื่องดนตรีหรือเห็นได้ชัดว่ามีการฝึกฝนการทำซ้ำเสียงร้องกับเครื่องดนตรีซึ่งส่วนใหญ่เป็นเครื่องมือลม นี่เป็นกรณีของดนตรีประเภทมืออาชีพ ในเพลงปากเปล่าพื้นฐานของดนตรีบรรเลงโดยเฉพาะในรูปแบบของการเต้นรำในครัวเรือนการแสดงสดด้วยเครื่องสายในครัวเรือนที่ชื่นชอบ - พิณเช่นเดียวกับออร์แกนหรือเครื่องดนตรีคีย์บอร์ดอื่น ๆ เริ่มแพร่หลาย อย่างไรก็ตามในช่วงต้นศตวรรษที่ 17 เท่านั้นที่ดนตรีบรรเลงเหล่านี้เริ่มมีความเท่าเทียมกับดนตรีที่เปล่งออกมา ช่วงเวลาของวัฒนธรรมดนตรีดัตช์ที่เราสนใจเป็นสิ่งที่บ่งบอกถึงความโดดเด่นของแนวเสียง

เสียงพูดของฆราวาสแสดงโดยโพลีโฟนิกชานสัน (เพลง) ชื่อนี้สรุปเนื้อเพลงทางโลกหลายประเภทโดยเฉพาะซึ่งมีพื้นฐานมาจากเรื่องราวความรักเป็นหลัก โพลีโฟนิกแชนสันในผลงานของคีตกวีชาวดัตช์ได้รับการเปลี่ยนแปลงครั้งสำคัญซึ่งจะกล่าวถึงในภายหลัง ตอนนี้จำเป็นต้องชี้ให้เห็นที่มาของแนวเพลงนี้ - โพลีโฟนิก rondels, le, virale, บัลลาด แนวเพลงเหล่านี้มีระบบที่ซับซ้อนและหลากหลายของข้อความคล้องจองและการทำซ้ำ ("refrains") ของดนตรีที่เกิดจากความคิดสร้างสรรค์ทางดนตรีและบทกวีของคณะละครและนักดนตรีชาวฝรั่งเศสในศตวรรษที่ 13 อย่างไรก็ตามการถือกำเนิดของเพลงโพลีโฟนิกคือศตวรรษที่สิบสี่ ในผลงานของกวีและนักแต่งเพลงชาวฝรั่งเศสที่มีชื่อเสียง G. de Machaut (1300-1377) เนื้อเพลง "ด้วยคำพูด" มีอยู่แล้วในหลายเสียง: ไปจนถึงการร้อง

มัสยาเสียงบนเสริมด้วยเสียงหนึ่งสองหรือสามเสียงที่เล่นโดยเครื่องดนตรี อย่างไรก็ตามไม่มีใครสามารถพูดถึงเพลงเดี่ยวที่มีคลอได้: เสียงทั้งหมดของพฤกษ์ดังกล่าวไม่ว่าพวกเขาจะร้องหรือแสดงบนเครื่องดนตรีก็มี - เสียง - ธรรมชาติเหมือนกัน เราสามารถพูดถึงลักษณะเฉพาะตัวของรูปแบบความไพเราะของเสียงท่อนบน (ร้องเพลง) เท่านั้น แน่นอนว่าไม่มีใครสามารถพูดถึงบทบาทที่เป็นอิสระไม่มากก็น้อยของ "ดนตรีประกอบ": มีเกือบสองศตวรรษก่อนที่จะมีการกำเนิดเนื้อเพลงสมัยใหม่ อย่างไรก็ตามแม้จะอยู่ในขอบเขตของความเป็นไปได้ที่เรียบง่ายเหล่านี้ Machaut และหลังจากที่เขาเป็นตัวแทนของวัฒนธรรมยุคแรกของเพลงโพลีโฟนิก Dufay และ Benshua ก็สามารถบรรลุเอฟเฟกต์การแสดงออกที่ละเอียดอ่อนเอาชนะความมีมารยาทอวดดีของศิลปะชนชั้นสูงบนพื้นฐานของการแต่งเพลงแบบประชาธิปไตย .

อีกกลุ่มหนึ่งที่มีลักษณะเฉพาะของผลงานของคีตกวีชาวดัตช์คือมวลและแรงจูงใจ Mass เป็นรูปแบบหนึ่งของการทำดนตรีตามลัทธิ (แสดงระหว่างการรับใช้ของคริสตจักร) motets ถูกเขียนขึ้นทั้งเรื่องทางโลกและทางจิตวิญญาณ อย่างไรก็ตามมีหลายสิ่งที่เหมือนกันระหว่างประเภทเหล่านี้ ในช่วงพัฒนาการทางประวัติศาสตร์ของโรงเรียนดัตช์ motets ฆราวาสถูกแทนที่ด้วยเพลงโพลีโฟนิกโพลีโฟนิก ในทางกลับกันเริ่มต้นด้วย Machaut มวลโพลีโฟนิกหลายส่วนเริ่มถูกตีความว่าเป็นวงจรของ motets บนข้อความ liturgical ซึ่งแตกต่างจาก chanson ซึ่งตามกฎแล้วทำนองเดียวกันจะถูกทำซ้ำกับบทที่แตกต่างกันของข้อความ (เช่นเดียวกับในบทกวีสมัยใหม่หรือเพลงกลอน) motet โดยรวมเป็นองค์ประกอบที่ไม่มีการควบคุมซึ่งประกอบด้วยหลายส่วน ตัดกันในวัสดุ การสลับลำดับของส่วนเหล่านี้การแสดงออกถูกกำหนดโดยความหมายของข้อความที่อยู่ภายใต้แรงจูงใจ

โครงสร้างภายในของแต่ละส่วนของ motet ในช่วงต้นและตอนปลายของการพัฒนาโรงเรียนโพลีโฟนิกของดัตช์นั้นแตกต่างกัน แต่จำเป็น ลักษณะทั่วไปซึ่งทำให้ motet แตกต่างจากเพลง: เพลงนี้มีพื้นฐานมาจากธีมดั้งเดิม

วัสดุ skom motet - ยืม วัสดุที่ยืมมานี้เรียกว่า cantus firmus เสียงส่วนบนที่ตัดกันนั้นมีลักษณะเป็น“ ชั้น” (“ สร้างขึ้น”) บนแคนทัสเฟิร์มัส ในยุคกลาง (ศตวรรษที่สิบสาม - สิบสี่) ความแตกต่างนี้รุนแรงขึ้นเนื่องจากการที่ข้อความต่าง ๆ ถูกร้องพร้อมกันในเสียงที่ต่างกัน มาถึงกรณีที่น่าแปลกใจเมื่อเสียงที่แสดงแคนทัสเฟิร์สมีพื้นฐานมาจากบทสวดทางศาสนาในขณะที่อีกเสียงหนึ่งข้อความนั้นเป็นความรักที่ล้นออกมาและในช่วงที่สาม - เป็นการเสียดสีพระขี้เมา! ทั้งหมดนี้ฟังพร้อมกันเนื่องจากจังหวะของเนื้อเพลงที่คล้ายกัน

ในประวัติศาสตร์เพิ่มเติมของ motet นักแต่งเพลงมองหาความเชื่อมโยงระหว่างบทกวีและดนตรีที่เป็นธรรมชาติมากขึ้นระหว่างเสียงของ motet แบบโพลีโฟนิก ในบรรดาชาวดัตช์ motet กำลังกลายเป็นหนึ่งในแนวความคิดที่ได้รับการพัฒนามากที่สุด การดำรงอยู่ในยุคที่เราสนใจจะถูกติดตามผ่านตัวอย่างผลงานของตัวแทนที่โดดเด่นที่สุดของโรงเรียนดัตช์ ในที่นี้จำเป็นต้องกล่าวเบื้องต้นเกี่ยวกับต้นกำเนิดของวัสดุเฉพาะเรื่องของ motet นั่นคือ canthus firmus ในฐานะนี้ตามประเพณีที่ได้รับการยกย่องตามกาลเวลาจึงมีการสร้างบทสวดเกรกอเรียนขึ้น - บทสวดประสานเสียงแบบโมโนโฟนิกบนข้อความ liturgical ซึ่งจัดระบบตามตำนานโดยสมเด็จพระสันตปาปาเกรกอรีมหาราช (ง 604)

บทสวดเกรกอเรียนเป็นคอลเลกชันของบทสวดที่ค่อนข้างหลากหลายสำหรับนักร้องประสานเสียง (ด้วยเหตุนี้จึงมีชื่อเรียกขาน): ในหมู่พวกเขามีสองประเภท สดุดีเป็นบทอ่านที่วัดได้การออกเสียงของข้อความในพระคัมภีร์บริสุทธิ์ส่วนใหญ่อยู่ที่ระดับเสียงเดียวซึ่ง

มีโน้ตทำนองหนึ่งเพลงต่อพยางค์ของข้อความ เพลงสวดแห่งความสุข - บทสวดฟรีของพยางค์ของคำว่า "hallelujah" รวบรวมความสุขของผู้ศรัทธา ในแง่ของการทำงานในวัฒนธรรมดนตรีของยุคกลางบทสวดเกรกอเรียนเป็นสิ่งที่ตรงกันข้ามกับเพลงพื้นบ้านโดยสิ้นเชิง หากเพลงพื้นบ้านสะท้อนความรู้สึกของมนุษย์ที่แท้จริงและมีชีวิตชีวาความรู้สึกโดยตรงของความเป็นจริงแล้วเพลงเกรกอเรียนมีจุดมุ่งหมายเพื่อแทนที่ความคิดทางโลกจากจิตสำนึกของบุคคลหนึ่งชี้นำความคิดและความรู้สึกของเขาไปสู่ความคิดของพระเจ้า

บทสวดเกรกอเรียนมีพลังและผลกระทบที่โดดเด่นต่อนักบวช ประวัติของเขาเองคือการประนีประนอมที่สอดคล้องกันซึ่งเป็นผลมาจากการที่แทนที่จะ "เผชิญหน้า" กับเพลงพื้นบ้านบทสวดแบบเกรกอเรียนเอง (ประการแรกคือ "Hallelujah" และเพลงสวดอื่น ๆ ) ก็อิ่มตัวไปกับเพลงพื้นบ้าน เจ้าหน้าที่ของคริสตจักรถูกบังคับให้ยอมรับเพลงสวดตามท่วงทำนองของเพลงพื้นบ้านซึ่งเป็นลำดับที่เรียกว่าเพื่อแสดงในพิธีรับใช้ของพระเจ้า ลำดับดังกล่าวจำนวนมากรวมถึง "Dies irae" ซึ่งมีชื่อเสียงในประวัติศาสตร์วัฒนธรรมดนตรีอีกต่อไปเป็นตัวอย่างของงานศิลปะที่ยืนยงและคงอยู่ซึ่งคงไว้ซึ่งผลงานทางศิลปะอย่างสมบูรณ์ในยุคของเรา

ในขั้นต้น motets ส่วนใหญ่เขียนในเกรกอเรียน cantus firmus อย่างไรก็ตามการดำเนินต่อไปตามแนวโน้มที่ระบุไว้ในยุคกลางเพื่อเอาชนะความเป็นนามธรรมการแยกตัวออกจากการทำดนตรีพิธีกรรมอย่างลึกลับนักแต่งเพลงของโรงเรียนโพลีโฟนิกชาวดัตช์ค่อยๆเริ่มอิ่มตัวด้วยเสียงไพเราะของ motet ด้วยเนื้อหาเพลงพื้นบ้านทางโลกโดยใช้บางครั้งเป็น Cantus firmus หรือเป็นพื้นฐานสำหรับเสียงที่ "ฟรี" ขององค์ประกอบ

ควรพูดก่อนสักสองสามคำเกี่ยวกับพิธีมิสซา เพื่อให้เข้าใจถึงบทบาทของแนวเพลงนี้ในวัฒนธรรมดนตรีของชาวดัตช์ต้องคำนึงถึงประวัติศาสตร์ก่อนหน้านี้ด้วย เริ่มแรก (ก่อนศตวรรษที่สิบสี่) โดยทั่วไปแล้วมวลเป็นแบบโมโนโฟนิก บทสวดที่รวบรวมข้อความของเธอนั้นเข้ากับกรอบที่ถูกต้องตามกฎหมายของบทสวดเกรกอเรียน อย่างไรก็ตามบทสวดเกรกอเรียนที่ฟังในพิธีมิสซานั้นค่อนข้างหลากหลาย ประการแรกพวกเขาแบ่งย่อยออกเป็นเพลงสดุดีและเพลงสวด ประการที่สอง "รอบ" ของดนตรีคริสต์ศักราชมีสองประเภท: "มวลพิเศษ" (Missa proprium) องค์ประกอบของชิ้นส่วนที่เปลี่ยนแปลงไปขึ้นอยู่กับวันหยุดในโอกาสที่มีการให้บริการและ "มวลธรรมดา" (Missa ordinarium) ในองค์ประกอบซึ่งรวมถึงส่วนถาวรห้าส่วน: 1) Kyrie eleison - "พระเจ้ามีเมตตา", 2) Gloria in excelsis Deo - "Glory to God in the สูงสุด", 3) Credo - "ฉันเชื่อ", 4) Sanctus et Benedictus - "ศักดิ์สิทธิ์" และ "ความสุข" และสุดท้าย 5) Agnus Dei - "Lamb of God"

ในช่วงต้นยุคกลาง (ถึงศตวรรษที่ 9)“ มวลธรรมดา” แตกต่างจาก“ พิเศษ” ไม่เพียง แต่ด้วยองค์ประกอบของชิ้นส่วนเท่านั้น แต่ยังรวมถึงการมีส่วนร่วมของชุมชนผู้ศรัทธาทั้งหมดในการแสดงด้วย นักบวช (ในกลุ่มคนส่วนใหญ่ที่ท่วมท้น - ตัวแทนของชนชั้นประชาธิปไตยของประชากร) นำความอบอุ่นของเสียงเพลงพื้นบ้านมาสู่รูปแบบที่เข้มงวดและเข้มงวดของนักพรตแบบเกรกอเรียนและอิทธิพลของคติชนเหล่านี้ได้รับการสลักอย่างระมัดระวังโดยคริสตจักร เท่าที่จะทำได้ อย่างไรก็ตามในประวัติศาสตร์ต่อไปของพิธีมิสซามีเพียงห้าส่วนของ "มวลธรรมดา" ที่ระบุไว้ข้างต้นซึ่งเป็นครั้งแรกโดยนักบวชทุกคนกลับกลายเป็นว่าสามารถทำงานได้<…>

ที่ต้นกำเนิดของการคิดดนตรีสมัยใหม่

ความสำเร็จที่ยิ่งใหญ่ที่สุดของโรงเรียนการประพันธ์เพลงของเนเธอร์แลนด์ซึ่งทำให้ที่นี่เป็นสถานที่ที่มีเกียรติในประวัติศาสตร์วัฒนธรรมดนตรีโลกคือการก่อตัวของหลักการสมัยใหม่ ความคิดทางดนตรี... การก่อตัวของพวกเขาเปิดโอกาสอย่างมากสำหรับการเติบโตของเนื้อหาดนตรีโดยให้ศิลปะดนตรีมีโอกาสที่จะตอบสนองด้วยวิธีการของตัวเองต่อปัญหาทางปรัชญาและสังคมที่ซับซ้อนที่สุด ตัวแทนของโรงเรียนการประพันธ์ดนตรีของเนเธอร์แลนด์มีคุณลักษณะใดบ้างที่เตรียมไว้ แล้ว "ความคิดทางดนตรี" นี้คืออะไรผู้อ่านจะถามเราว่า?

สะท้อนให้เห็นถึงแนวดนตรีคลาสสิกที่ได้รับการพัฒนาอย่างมากซึ่งเกี่ยวข้องกับการผสมผสานทางศิลปะของแนวคิดที่สำคัญและมีความหมายแม้แต่คนที่ไม่มีประสบการณ์ในทฤษฎีดนตรีก็สามารถพูดได้ว่าความคิดทางดนตรีหลักและพัฒนาการของพวกเขาในผลงานที่เป็นที่รู้จักเช่นโซนาต้าและซิมโฟนีโดย Mozart, Beethoven, Tchaikovsky, Shostakovich เกี่ยวข้องกับ ธีมดนตรีด้วยการแสดงออกที่เป็นเอกลักษณ์ของพวกเขาและบทละครแนวคิดแนวคิดทั่วไปประกอบด้วยผลรวมทั้งหมดของการเปลี่ยนแปลงการเปลี่ยนแปลงและการชนกันของธีมที่แตกต่างกันของงาน

อย่างไรก็ตามหากเราคุ้นเคยกับผลงานของนักแต่งเพลงชาวดัตช์และคาดหวังว่าจะได้ฟังธีมที่คล้ายกันและการพัฒนาที่เป็นธีมเดียวกันกับผลงานของ Beethoven เราจะต้องผิดหวัง ด้วยข้อยกเว้นที่หายากเราจะไม่พบว่ามีการกำหนดไว้อย่างกว้าง ๆ และชัดเจน

ท่วงทำนองที่น่าจดจำ บ่อยครั้งที่หัวข้อทั้งหมดจะลดลงเป็นแรงจูงใจที่มีลักษณะคล้ายสเกลเล็กหรือเปลี่ยนเป็นคำประกาศสั้น ๆ ซึ่งเกิดจากการออกเสียงที่แสดงออกของข้อความ โดยเฉพาะอย่างยิ่งโบราณฟังดูเฉพาะสำหรับความหลากหลายของธีมในเวลานั้น - canthus firmus แม้ว่าจะมีการดูดซับเนื้อหาของเพลงพื้นบ้านทั่วไปตั้งแต่สมัย Dufay ก็ตาม ตามกฎแล้ว Kantus firmus ถูกวางไว้ในหนึ่งในเสียง "เฉลี่ย" ของนักร้องประสานเสียงที่ซับซ้อนใน tessiture และไม่ได้เข้าสู่โซนที่ใช้งานของการรับรู้ทางหูที่เกิดจากเสียง "สุดขั้ว" - เสียงแหลมและเสียงทุ้ม บางทีความปรารถนาของนักแต่งเพลงที่จะ“ ซ่อนตัวจากการสอดรู้สอดเห็น” เนื้อหาทางดนตรีของฆราวาสที่ไม่สอดคล้องกับรูปแบบของดนตรีประเภท liturgical ซึ่งค่อนข้างเข้าใจได้ในศตวรรษที่การครอบงำของศาสนาคริสต์นิกายโรมันคาทอลิกมีบทบาทที่นี่ แต่วัสดุของ Canthus firmus นั้นถูกนำเสนอในระยะเวลาจังหวะที่ยาวขึ้นและยาวขึ้นมากเมื่อเทียบกับเสียงที่เหลือซึ่งป้องกันการรับรู้ของมันว่าเป็นการก่อตัวที่สำคัญ

แต่ชาวดัตช์ได้ก้าวไปข้างหน้าอย่างแน่วแน่ในการพัฒนารูปแบบเฉพาะเรื่องและเฉพาะเรื่อง จำไว้ว่าในบทสวดเกรกอเรียนซึ่งเป็นรูปแบบทางการของเพลงลัทธิในสมัยนั้นทุกอย่างมุ่งเป้าไปที่การออกเสียงข้อความในพระคัมภีร์อย่างชัดเจนและชัดเจน บทสวดเกรกอเรียนเป็นระบบศิลปะที่สมบูรณ์แบบและปิด ดังนั้นในการค้นหาโวหารเชิงนวัตกรรมของพวกเขานักแต่งเพลงจึงต้องพึ่งพาเพลงพื้นบ้านเท่านั้น

เพลงพื้นบ้านมีหลายชั้น เพลงที่เก่าแก่ที่สุด - เป็นเพลงที่เกี่ยวข้องกับความคิดนอกรีตพวกเขามีลักษณะที่หลงเหลืออยู่ของฟังก์ชันที่มีมนต์ขลัง ภาษาดนตรีของพวกเขาประกอบด้วยการทำซ้ำของท่วงทำนองสาม - หกเสียงซึ่งเป็นสูตรที่เรียกว่า อีกชั้นที่สำคัญเกี่ยวข้องกับการสร้างภาพโคลงสั้น ๆ ในเรื่องนี้เส้นทางการพัฒนาของวัฒนธรรมเพลงพื้นบ้านของชาติต่างๆก็มาบรรจบกัน แนวคิดทั่วไปเกี่ยวกับคุณสมบัติโครงสร้างของเพลงพื้นบ้านที่เป็นเนื้อร้องสามารถรับได้บนพื้นฐานของเนื้อหารัสเซียที่แพร่หลาย สาระสำคัญของความสำเร็จของบทเพลงมีดังนี้:

ดนตรีของมันไม่ได้ จำกัด อยู่แค่การทำซ้ำอีกต่อไป - "วน" ของทำนองดั้งเดิม (สูตร) ในทางตรงกันข้ามแรงจูงใจที่เปิดเพลงทำหน้าที่เป็น "เมล็ดพันธุ์เฉพาะเรื่อง" ชนิดหนึ่งซึ่งเติบโตในการออกดอกของหน่อไพเราะที่แตกต่างกันสิ่งมีชีวิตทางดนตรีที่สำคัญเกิดขึ้น

นักแต่งเพลงชาวดัตช์ยืม "ธีมขนาดเล็ก" เหล่านี้ซึ่งเป็นสูตรที่สร้างแรงบันดาลใจและการพัฒนาที่แตกต่างกัน - "การงอก" จากวัฒนธรรมเพลงพื้นบ้านที่ร่ำรวยที่สุดของเนเธอร์แลนด์เป็นพื้นฐานของความคิดที่ไพเราะทำให้พวกเขามีคุณค่าในงาน อย่างไรก็ตามความสำเร็จหลักของพวกเขาคือการพัฒนาพฤกษ์มืออาชีพบนพื้นฐานนี้

พฤกษ์เกิดขึ้นเองในเพลงโฟล์คซองโดยส่วนใหญ่มักเป็นผลมาจากการแสดงพร้อมกัน ตัวเลือกต่างๆ ทำนองเดียวกัน ในผลงานของนักแต่งเพลงชาวดัตช์หนึ่งในประเภทหลักของโพลีโฟนีโพลีโฟนิกได้รับการพัฒนาที่ครอบคลุม

ในพฤกษ์ใด ๆ สำหรับทุกคน ช่วงเวลานี้ การรับรู้การได้ยินแยกแยะเสียงหลักผู้ให้บริการของวัสดุที่มีลายนูนมากที่สุดในแง่ของความหมาย - เฉพาะเรื่องเสียงที่เหลือไม่ทางใดก็ทางหนึ่งมีบทบาทเป็นพื้นหลังในการบรรเทาเฉพาะเรื่อง หากผู้ถือชุดรูปแบบเป็นเพียงเสียงส่วนบนและเสียงที่เหลือจะถูกปรับระดับตามความหมายที่แสดงออกโดยรวมเข้าด้วยกันในคอร์ดคอมเพล็กซ์แล้วพฤกษ์ประเภทนี้เรียกว่า homophony หากเสียงของพฤกษ์ใด ๆ ในเวลาใดก็ตามสามารถยึดความคิดริเริ่มเฉพาะเรื่องได้หากยิ่งไปกว่านั้นเสียงที่มาพร้อมกับธีมนี้จะไม่สูญเสียความเป็นตัวของตัวเองเราก็กำลังจัดการกับพฤกษ์ การพัฒนาที่ครอบคลุมของหลักการของการพัฒนาโพลีโฟนิกเป็นพื้นฐานของนวัตกรรมของนักประพันธ์ชาวดัตช์

การพิชิตวิธีการคิดแบบโพลีโฟนิกเป็นเหตุการณ์ที่มีความสำคัญเป็นพิเศษซึ่งเทียบได้กับการเปลี่ยนจากภาพแบนในการวาดภาพไปเป็นภาพหลายเหลี่ยมเพชรพลอย พฤกษ์เป็นหนึ่งในการพิชิตที่มีลักษณะเฉพาะที่สุดในยุคนั้นคติทางปรัชญาและสุนทรียศาสตร์ซึ่งเป็นการค้นหาเอกภาพในความหลากหลายของวิทยาศาสตร์ใหม่ ๆ

และงานศิลปะที่เปิดใจชาวยุโรป จริงอยู่ดนตรีในเวลานั้นยังไม่มีความสามารถในการระบุลักษณะความสามารถในการเปลี่ยนแปลงของกระแสแห่งความเป็นจริงด้วยวิธีการของตัวเองซึ่งมาถึงศิลปะดนตรีในเวลาต่อมาในยุคของลัทธิคลาสสิก ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาได้พัฒนาวิธีการแสดงออกอื่น ๆ ที่ช่วยให้สะท้อนความซับซ้อนความแตกต่างกันความขัดแย้งภายในของธรรมชาติ (macrocosm) และจิตวิญญาณของมนุษย์ (พิภพ) ในดนตรี "ความเปรียบต่างเพียงครั้งเดียว" ของแนวดนตรีไพเราะที่พัฒนาแบบคู่ขนาน (คำนี้เป็นของนักดนตรีโซเวียต T. N. Livanova) เป็นหนึ่งในความสำเร็จพื้นฐานของนักโพลีโฟนิสต์ชาวดัตช์ นับจากนี้เป็นต้นไปดนตรีในขณะที่ยังคงเป็นพันธมิตรกับคำนี้ต่อไป แต่ก็มีกฎแห่งการพัฒนาที่เป็นอิสระของตัวเองอยู่แล้ว แต่ก็เป็นอิสระจากการอยู่ใต้บังคับบัญชา

ความเป็นอิสระของความคิดทางดนตรีสะท้อนให้เห็นในการพัฒนาระบบสัญกรณ์แบบใหม่ - mensural จนถึงศตวรรษที่สิบสาม - สิบสี่ มีสิ่งที่เรียกว่าสัญกรณ์การร้องเพลงซึ่งทำให้สามารถแก้ไขเฉพาะระดับเสียงของแต่ละเสียงของทำนองเพลง เทคนิคการกำหนดระยะเวลา เสียงดนตรี ไม่มีอยู่จริง: ไม่จำเป็นสำหรับพวกเขาเนื่องจากจังหวะของบทสวดของบทสวดเกรกอเรียนนั้นขึ้นอยู่กับขนาดบทกวีของข้อความอย่างสมบูรณ์

การปลดปล่อยองค์ประกอบของการพัฒนาความไพเราะอย่างอิสระรวมทั้งความจำเป็นในการประสานงานที่แม่นยำของการเปล่งเสียงสายไพเราะพร้อม ๆ กันในโพลีโฟนิกโพลีโฟนีจำเป็นต้องมีการบันทึกระยะเวลาของเสียงดนตรีอย่างแม่นยำโดยไม่คำนึงถึงโครงสร้างเมตริกของข้อความที่เป็นคำพูด สถานการณ์มีความซับซ้อนโดยข้อเท็จจริงที่ว่านักแต่งเพลงในเวลานั้นซึ่งเป็นผู้นำการแสดงในเวลาเดียวกันไม่ได้เขียนคะแนนและแก้ไขการสร้างสรรค์ของพวกเขาในรูปแบบของการประสานเสียงแบบโมโนโฟนิกในทันที

มันแตกต่างจากสัญกรณ์ดนตรีสมัยใหม่แค่ไหน! การถอดรหัสของพวกเขาอยู่ภายใต้กฎหลายข้อที่ถูกลืมไปแล้วและเหนือสิ่งอื่นใดคือความรู้เกี่ยวกับอัตราส่วนของโน้ตที่อยู่ติดกันในหลายช่วงเวลา อัตราส่วนเหล่านี้มีสี่ชนิดและเรียกว่า "ตาชั่ง" ดังนั้นชื่อของสัญกรณ์ใหม่ (ตรงข้ามกับการร้องเพลงประสานเสียง)

สัญกรณ์เชิงบุรุษเป็นพื้นฐานของสัญกรณ์ดนตรีสมัยใหม่ การปรับปรุงนี้ขึ้นอยู่กับการแนะนำให้ใช้ระยะเวลาที่สั้นลง (โดยเฉพาะโน้ตใต้ "ซี่โครง" และ "แฟล็ก") ซึ่งทำให้รูปแบบจังหวะของท่วงทำนองเป็นภาพที่ชัดเจนมากขึ้น

ตามกฎแล้วคะแนนการร้องเพลงประสานเสียงแบบคลาสสิกของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาตามกฎจะลดระยะเวลาทั้งหมดลงหลายครั้งตามสัดส่วนอันเป็นผลมาจากภาพเสียงที่มองเห็นได้ง่ายปรากฏต่อหน้าเรา

ก่อนที่จะดำเนินการเพื่ออธิบายลักษณะตัวแทนของโรงเรียนโพลีโฟนิกของเนเธอร์แลนด์เพิ่มเติมจำเป็นต้องพูดคำสองสามคำเกี่ยวกับบรรพบุรุษของพวกเขาในทันที - นักแต่งเพลงชาวอังกฤษ John Dunstable (1370 หรือ 1380-1453) ซึ่งทำงานมาเป็นเวลานานในทวีปซึ่ง เยี่ยมชมศูนย์ดนตรีของเนเธอร์แลนด์ด้วย

ในวัฒนธรรมดนตรีของยุโรปตอนเหนือ Dunstable เป็นเหมือนการกลืนครั้งแรกของ "ฤดูใบไม้ผลิแห่งยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา" ในผลงานของเขาเราสามารถมองเห็นแวบแรกของ "ความคิดอิสระที่ร่าเริง" ในยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา - หลักฐานที่แสดงให้เห็นว่านี่คือการดัดแปลงโพลีโฟนิกของเขาในเพลงอิตาลี "O beautiful rose" ("O rosa bella") ด้วยเสียงประสานที่ละเอียดอ่อนและแปลกประหลาด ตื้นตัน "เหนือเศร้า". แน่นอนแววเหล่านี้จะจมดิ่งลงไปในแสงของผู้ทรงคุณวุฒิที่เพิ่มขึ้นของโรงเรียนสอนแต่งเพลงชาวดัตช์ในไม่ช้า ... แต่ในส่วนหนึ่งของงานของ Dunstable นั่นคือการก่อตัวของนักร้องประสานเสียงที่พัฒนาขึ้น - นวัตกรรมของเขากลายเป็นสิ่งที่เด็ดขาด

งานของดันสเตเบิลเป็นจุดเชื่อมโยงที่สำคัญระหว่าง "ดนตรีโกธิค" กับพฤกษ์แบบเรอเนสซองส์ซึ่งจากศตวรรษที่ 16 ตำนานของเขาในฐานะ "ผู้ประดิษฐ์" ของพฤกษ์ถูกตรึง ในความเป็นจริงหลักการคิดแบบโพลีโฟนิกมีรากฐานมาจากการทำดนตรีพื้นบ้านและการถ่ายโอนไปยังสาขาดนตรีมืออาชีพเริ่มขึ้นในยุคกลางและใช้เวลาหลายศตวรรษ ย้อนกลับไปในศตวรรษที่สิบสี่ในฟลอเรนซ์ในบ้านเกิดของอาร์สโนวา - ชาวอิตาลี“ ก่อน -

Publ .: Konov V. คีตกวีชาวดัตช์ในศตวรรษที่ XV-XVI L .: ดนตรี, 1984

1. ประวัติย่อของดนตรีอังกฤษ
2. ฟังเพลง
3. ตัวแทนดีเด่นของดนตรีอังกฤษ
4. เกี่ยวกับผู้เขียนบทความนี้

ประวัติย่อของดนตรีอังกฤษ

ต้นกำเนิด
& nbsp ต้นกำเนิดของดนตรีอังกฤษอยู่ในวัฒนธรรมดนตรีของชาวเคลต์ (ผู้คนที่อาศัยอยู่ในช่วงสหัสวรรษแรกในดินแดนของอังกฤษและฝรั่งเศสสมัยใหม่) ผู้ให้บริการโดยเฉพาะอย่างยิ่งคือนักร้องนักเล่าเรื่อง ชนเผ่าเซลติกโบราณ) ประเภทของเครื่องดนตรี ได้แก่ การเต้นรำ: gigue, Country dance, hornpipe

ศตวรรษที่ 6 - 7
& nbsp ปลายศตวรรษที่ 6. - ต้นศตวรรษที่ 7 เพลงประสานเสียงของโบสถ์กำลังพัฒนาซึ่งเกี่ยวข้องกับการก่อตัวของศิลปะระดับมืออาชีพ

11-14 ศตวรรษ
& nbsp ใน 11-14c. การแพร่กระจาย ดนตรีและบทกวี minstrelsy. Minstrel - ในยุคกลางนักดนตรีและกวีมืออาชีพบางครั้งก็เป็นนักเล่าเรื่องที่รับใช้ขุนนางศักดินา ในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 14 ศิลปะทางโลกของดนตรีพัฒนาขึ้นบทสวดของศาลเสียงและการบรรเลงถูกสร้างขึ้น ในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 15 โรงเรียนโพลีโฟนิสต์ภาษาอังกฤษนำโดยจอห์นดันสเตเบิลได้รับการเสนอชื่อ

ศตวรรษที่ 16
& nbsp คีตกวีสมัยศตวรรษที่ 16
K. ต่าย
ง. ทาเวอร์เนอร์
T. Tallis
ง. Dowland
ง. กระทิง
ราชสำนักกลายเป็นศูนย์กลางของดนตรีฆราวาส

ศตวรรษที่ 17
& nbsp ต้นศตวรรษที่ 17. มีการจัดตั้งโรงละครเพลงภาษาอังกฤษซึ่งเริ่มต้นด้วยความลึกลับ (ดนตรีและแนวการแสดงละครของยุคกลาง)

18-19 ศตวรรษ
& nbsp 18-19 ศตวรรษ - วิกฤตดนตรีประจำชาติอังกฤษ
อิทธิพลจากต่างประเทศแทรกซึมเข้ามาในวัฒนธรรมดนตรีประจำชาติโอเปร่าของอิตาลีเอาชนะผู้ชมชาวอังกฤษ
นักดนตรีต่างชาติที่มีชื่อเสียงทำงานในอังกฤษ: G.F. Handel, I.K.Bach, J. Haydn (เยี่ยมชม 2 ครั้ง)
& nbsp ในศตวรรษที่ 19 ลอนดอนกลายเป็นหนึ่งในศูนย์กลางของยุโรป ชีวิตทางดนตรี... พวกเขาไปเที่ยวที่นี่: F. Chopin, F.Liszt, N. Paganini, G. Berlioz, G. Wagner, G. Verdi, A. Dvorak, P. Tchaikovsky, A. K. Glazunov และคนอื่น ๆ โรงละคร“ Covent -Garden” (1732 ), Royal Academy of Music (1822), Academy of Early Music (1770, สังคมคอนเสิร์ตแห่งแรกในลอนดอน)

ช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 19-20
& nbsp สิ่งที่เรียกว่าการฟื้นฟูดนตรีภาษาอังกฤษปรากฏขึ้นนั่นคือการเคลื่อนไหวเพื่อการฟื้นฟูประเพณีดนตรีประจำชาติซึ่งแสดงให้เห็นถึงความดึงดูดใจต่อคติชนทางดนตรีของอังกฤษและความสำเร็จของปรมาจารย์แห่งศตวรรษที่ 17 แนวโน้มเหล่านี้บ่งบอกลักษณะการทำงานของโรงเรียนการประพันธ์ภาษาอังกฤษแห่งใหม่ ตัวแทนที่โดดเด่น ได้แก่ นักแต่งเพลง E. Elgar, H. Parry, F. Dilius, H. Holst, R. Voan-Williams, J. Ireland, F. Bridge

คุณสามารถฟังเพลง

1. เพอร์เซลล์ (Gigue)
2. เพอร์เซลล์ (โหมโรง)
3. Purcell (อาเรียของ Didonna)
4. โรลลิงสโตน "Rolling Stones" (Kerol)
5. Beatles Beatles เมื่อวานนี้

ตัวแทนดีเด่นของดนตรีอังกฤษ

กรัมเพอร์เซลล์ (1659-1695)

& nbsp G. Purcell - นักแต่งเพลงที่ใหญ่ที่สุดในศตวรรษที่สิบเจ็ด
& nbsp ตอนอายุ 11 ขวบเพอร์เซลล์เขียนบทกวีชิ้นแรกที่อุทิศให้กับ Charles II ตั้งแต่ปี 1675 ผลงานเสียงร้องของ Purcell ได้รับการตีพิมพ์เป็นประจำในคอลเลคชันเพลงภาษาอังกฤษต่างๆ
& nbsp ตั้งแต่ปลายทศวรรษ 1670 เพอร์เซลล์เป็นนักดนตรีประจำศาลของสจวร์ต 1680 - ยุครุ่งเรืองของความคิดสร้างสรรค์ของ Purcell เขาทำงานได้ดีเท่า ๆ กันในทุกประเภท: แฟนตาซีสำหรับ เครื่องสาย, เพลงประกอบละคร, เพลงประกอบ - เพลงต้อนรับ, คอลเลกชันเพลงของ Purcell "British Orpheus" ทำนองเพลงของเขาหลายเพลงใกล้เคียงกับเพลงพื้นบ้านได้รับความนิยมและถูกนำมาร้องในช่วงชีวิตของเพอร์เซลล์
& nbsp ในปี 1683 และ 1687 มีการเผยแพร่คอลเลคชันโซนาต้าทั้งสามแบบสำหรับไวโอลินและเบส การขอความช่วยเหลือจากการประพันธ์ไวโอลินเป็นนวัตกรรมที่ทำให้ดนตรีบรรเลงเป็นภาษาอังกฤษดีขึ้น
& nbsp จุดสุดยอดของผลงานของ Purcell คือโอเปร่า Dido และ Aeneas (1689) โอเปร่าภาษาอังกฤษแห่งชาติเรื่องแรก (อิงจาก Aeneid ของ Virgil) นี่เป็นปรากฏการณ์ที่ใหญ่ที่สุดในประวัติศาสตร์ดนตรีอังกฤษ เนื้อเรื่องได้รับการปรับปรุงใหม่ในจิตวิญญาณของกวีนิพนธ์พื้นบ้านของอังกฤษ - โอเปร่ามีความโดดเด่นด้วยความสามัคคีของดนตรีและข้อความ โลกที่เต็มไปด้วยภาพและความรู้สึกของเพอร์เซลล์พบกับการแสดงออกที่หลากหลายตั้งแต่ความลึกซึ้งทางจิตใจไปจนถึงความกระปรี้กระเปร่าหยาบคายจากโศกนาฏกรรมไปจนถึงอารมณ์ขัน อย่างไรก็ตามอารมณ์ที่โดดเด่นของดนตรีของเขาคือบทเพลงที่เต็มไปด้วยอารมณ์
ผลงานส่วนใหญ่ของเขาถูกลืมไปในไม่ช้าและงานเขียนของเพอร์เซลล์ก็ได้รับชื่อเสียงในช่วงสามศตวรรษที่ 19 ในปีพ. ศ. 2419 Purcell Society จัดขึ้น ความสนใจในงานของเขาเพิ่มขึ้นในบริเตนใหญ่เนื่องจากกิจกรรมของ B.Britten

พ.ศ. 2456 - 2519

& nbsp หนึ่งในผู้เชี่ยวชาญด้านดนตรีอังกฤษที่ยิ่งใหญ่ที่สุดในศตวรรษที่ 20 - เบนจามินบริทเทน - นักแต่งเพลงนักเปียโนและวาทยกร เขาเริ่มแต่งเพลงตั้งแต่อายุ 8 ขวบ ตั้งแต่ปีพ. ศ. 2472 เขาได้ศึกษาที่ Royal College of Music ในลอนดอน ในผลงานวัยเยาว์ของเขาของขวัญไพเราะแฟนตาซีอารมณ์ขันดั้งเดิมของเขาได้แสดงออกมา ในช่วงปีแรก ๆ การแต่งเพลงเดี่ยวและการขับร้องประสานเสียงได้ครอบครองสถานที่สำคัญในงานของ Britten สไตล์เฉพาะตัวของ Britten มีความเกี่ยวข้องกับประเพณีประจำชาติของอังกฤษ (การศึกษามรดกทางความคิดสร้างสรรค์ของ Purcell และคีตกวีชาวอังกฤษคนอื่น ๆ ในศตวรรษที่ 16-17) ผลงานที่ดีที่สุดของ Britten ซึ่งเป็นที่ยอมรับในอังกฤษและประเทศอื่น ๆ ได้แก่ โอเปร่า "Peter Grimes" "A Midsummer Night's Dream" และอื่น ๆ บริทเทนปรากฏตัวในฐานะนักเขียนบทละครดนตรีที่ละเอียดอ่อนซึ่งเป็นผู้ริเริ่ม สงครามบังสุกุล (1962) เป็นผลงานที่น่าเศร้าและกล้าหาญที่อุทิศให้กับปัญหาร่วมสมัยที่รุนแรงประณามการทหารและเรียกร้องสันติภาพ Britten ไปเที่ยวสหภาพโซเวียตในปี 2506, 2507, 2514

กลุ่มดนตรีในศตวรรษที่ 20
โรลลิงสโตนส์

& nbsp ในฤดูใบไม้ผลิปี 1962 Brian Jones นักกีตาร์ได้ก่อตั้งวงดนตรีชื่อ Rolling Stones The Rolling Stones รวมถึง Mick Jagger (นักร้อง) Brian Jones และ Keith Richards (กีตาร์), Bill Wyman (เบส) และ Charlie Watts (กลอง)
& nbsp กลุ่มนี้นำดนตรีที่หนักแน่นและมีพลังการแสดงที่ดุดันและท่าทางผ่อนคลายมาสู่วงการอังกฤษ พวกเขาละเลยเครื่องแต่งกายบนเวทีและสวมผมยาว
ตรงกันข้ามกับ Beatles (ซึ่งกระตุ้นให้เกิดความเห็นอกเห็นใจ) Rolling Stones กลายเป็นศูนย์รวมของศัตรูของสังคมซึ่งทำให้พวกเขาได้รับความนิยมอย่างยั่งยืนในหมู่คนหนุ่มสาว

เดอะบีเทิลส์

& nbsp ในปีพ. ศ. 2499 ได้มีการสร้างวงดนตรีเสียงและเครื่องดนตรีในเมืองลิเวอร์พูล วงดนตรีประกอบด้วย John Lennon, Paul McCartney, George Harrison (กีตาร์), Ringo Starr (กลอง)
& nbsp วงนี้ได้รับความนิยมอย่างมากจากการแสดงเพลงในรูปแบบ "บิ๊กบีท" และตั้งแต่กลางทศวรรษที่ 60 เพลงของบีเทิลส์ก็มีความซับซ้อนมากขึ้น
& nbsp พวกเขาได้รับเกียรติให้แสดงในวังต่อหน้าพระราชินี

เกี่ยวกับผู้เขียนบทความนี้

ในงานของฉันฉันใช้วรรณกรรมต่อไปนี้:
- พจนานุกรมสารานุกรมดนตรี ช. เอ็ด อาร์วีเคลดิช พ.ศ. 2533
- นิตยสาร "Student Meridian", 1991 Special issue
- สารานุกรมดนตรีช. เอ็ด. Yu.V. Keldysh. พ.ศ. 2521
- สารานุกรมสมัยใหม่ "Avanta plus" และ "Music of our days", 2545 ช. เอ็ด โวลโดดิน

แนวคิดของ "นักแต่งเพลง" ปรากฏขึ้นครั้งแรกในศตวรรษที่ 16 ในอิตาลีและตั้งแต่นั้นมาก็ถูกนำมาใช้เพื่อแสดงถึงบุคคลที่มีส่วนร่วมในการแต่งเพลง

คีตกวีในศตวรรษที่ 19

เวียนนาในศตวรรษที่ 19 โรงเรียนดนตรี แสดงโดยนักแต่งเพลงที่โดดเด่นเช่น Franz Peter Schubert เขาสืบสานประเพณีจินตนิยมและมีอิทธิพลต่อนักแต่งเพลงทั้งรุ่น ชูเบิร์ตได้สร้างความรักแบบเยอรมันมากกว่า 600 เรื่องโดยยกระดับแนวเพลงนี้ไปอีกขั้น

Franz Peter Schubert

ชาวออสเตรียอีกคนหนึ่งชื่อโยฮันน์สเตราส์มีชื่อเสียงในเรื่องบทประพันธ์และการเต้นรำในรูปแบบดนตรีเบา ๆ เขาเป็นคนที่ทำให้เพลงวอลทซ์เป็นการเต้นรำที่ได้รับความนิยมมากที่สุดในเวียนนาซึ่งยังคงมีการเล่นลูกบอลอยู่ นอกจากนี้มรดกของเขายังรวมถึงโพลกาควอดริลบัลเล่ต์และโอเปเรตต้า

โยฮันน์สเตราส์

ตัวแทนที่โดดเด่นของดนตรีสมัยใหม่ในช่วงปลายศตวรรษที่ 19 คือ Richard Wagner ชาวเยอรมัน โอเปร่าของเขาไม่ได้สูญเสียความเกี่ยวข้องและความนิยมจนถึงทุกวันนี้

Giuseppe Verdi

แว็กเนอร์สามารถเปรียบเทียบได้กับรูปปั้นอันสง่างามของจูเซปเปแวร์ดีนักแต่งเพลงชาวอิตาลีที่ยังคงยึดมั่นในประเพณีการแสดงโอเปร่าและทำให้โอเปร่าของอิตาลีมีลมหายใจใหม่

Peter Ilyich Tchaikovsky

ในบรรดานักแต่งเพลงชาวรัสเซียในศตวรรษที่ 19 ชื่อของ Pyotr Ilyich Tchaikovsky นั้นโดดเด่น เขาโดดเด่นด้วยสไตล์ที่เป็นเอกลักษณ์ซึ่งผสมผสานประเพณีไพเราะของยุโรปเข้ากับมรดกทางวัฒนธรรมของ Glinka ของรัสเซีย

นักแต่งเพลงในศตวรรษที่ 20

Sergei Vasilyevich Rahmaninov

Sergei Vasilievich Rachmaninov ได้รับการยกย่องอย่างถูกต้องว่าเป็นหนึ่งในนักแต่งเพลงที่สว่างที่สุดในช่วงปลายศตวรรษที่ 19 - ต้นศตวรรษที่ 20 สไตล์ดนตรีของเขามีพื้นฐานมาจากประเพณีแนวโรแมนติกและดำรงอยู่ควบคู่ไปกับการเคลื่อนไหวแบบเปรี้ยวจี๊ด สำหรับความเป็นตัวของตัวเองและขาดความคล้ายคลึงกันทำให้ผลงานของเขาได้รับการชื่นชมอย่างมากจากนักวิจารณ์ทั่วโลก

Igor Fedorovich Stravinsky

นักแต่งเพลงที่มีชื่อเสียงที่สุดอันดับสองของศตวรรษที่ 20 คือ Igor Fyodorovich Stravinsky ชาวรัสเซียโดยกำเนิดเขาอพยพไปฝรั่งเศสแล้วก็สหรัฐอเมริกาซึ่งเขาแสดงความสามารถของเขาอย่างเต็มกำลัง Stravinsky เป็นผู้ริเริ่มไม่กลัวที่จะทดลองจังหวะและสไตล์ ในผลงานของเขามีการตรวจสอบอิทธิพลของประเพณีของรัสเซียองค์ประกอบของการเคลื่อนไหวที่เปรี้ยวจี๊ดและสไตล์เฉพาะตัวที่เป็นเอกลักษณ์ซึ่งเขาเรียกว่า "Picasso in music"