ชุดเครื่องมือ

“ก้าวแรกใน กีต้าร์หกสาย»

· บทนำ.

· ส่วนสำคัญ.

· บทที่ I. ระยะเวลาการศึกษา Donotny

· บทที่ II. บทนำสู่บันทึกย่อ

บทที่ III. แอปพลิเคชั่นหมายเหตุ

บทที่ IV. การก่อตัวของฐานการคัดเลือกโดยการพิจารณาคดี

· บทสรุป.

บทนำ.

งานนี้นำเสนอวัสดุระเบียบวิธีและ ตัวอย่างดนตรีใช้โดยผู้เขียนในการเรียนรู้การเล่นกีตาร์หกสายกับนักเรียนชั้นอนุบาลและประถมศึกษา โรงเรียนสอนกีตาร์คลาสสิก - M. Karkassy, ​​​​E. Puhol, P. Agafoshin, A. Ivanov-Kramskoy ออกแบบมาสำหรับนักเรียนที่มีอายุมากกว่าและในระยะเริ่มต้นนั้นยากสำหรับเด็กอายุ 6-7 ขวบซึ่งบางครั้งไม่สามารถอ่านและเขียนได้ แต่เล่นบนเครื่องปรารถนาตั้งแต่บทเรียนแรก มีคอลเลกชันที่ทันสมัยกว่าสำหรับผู้เริ่มต้น เช่น Guitar Primer คู่มือสำหรับผู้เริ่มต้น (กีตาร์หกสาย)" แก้ไขหรือ "บทเรียนสำหรับผู้เริ่มต้น" โดย Dmitry Ageev แต่พวกเขามีไว้สำหรับ "ผู้ชื่นชอบ" ในการเล่นกีตาร์ที่เป็นผู้ใหญ่มากกว่าสำหรับเด็ก ครอบคลุมระยะเวลาตั้งแต่ก้าวแรกสู่เกม วงดนตรีมีแหล่งข้อมูลมากมายที่มีลักษณะการศึกษาที่แตกต่างกัน ส่วนใหญ่ใช้ตารางกีตาร์และสัญลักษณ์อื่นๆ ในการสอน ซึ่งไม่เป็นที่ยอมรับสำหรับโรงเรียนดนตรี การศึกษาของโรงเรียนขึ้นอยู่กับ โน้ตดนตรีและนักเรียนตั้งแต่บทเรียนแรกควรได้รับการสอนวัฒนธรรมการจัดการสื่อดนตรี จากนี้ไป นั่นคือ การขาดแคลนการสอนตัวอย่างดนตรีที่มีลักษณะน้ำหนักเบา จึงจำเป็นต้องสร้างคู่มือระเบียบวิธีแบบนี้ ขั้นแรก พิจารณาช่วงก่อนการจดบันทึกของการเรียนรู้ จากนั้นเมื่อศึกษาโน้ตอย่างค่อยเป็นค่อยไป เนื้อหาก็จะซับซ้อนมากขึ้นด้วยการเพิ่มองค์ประกอบใหม่ๆ มากขึ้นเรื่อยๆ ในการฝึกอบรมใช้วิธีการสอนหลักตั้งแต่ง่ายไปจนถึงซับซ้อนผ่านการทำซ้ำในอดีต ในกระบวนการเรียนรู้ เราควรเรียกร้องให้นักเรียนปฏิบัติตามคำแนะนำทั้งหมดในบันทึกย่ออย่างถูกต้องและถูกต้องอย่างสม่ำเสมอ ตลอดจนพัฒนาการควบคุมตนเองในทุกวิถีทางที่เป็นไปได้ ซึ่งจำเป็นสำหรับการบ้านที่ประสบความสำเร็จ

ดนตรี แบบฝึกหัด - ทุกอย่างมีชื่อเพราะช่วยให้ทารกพัฒนาความคิดเชิงเปรียบเทียบ

งานนี้ไม่ได้พิจารณาถึงประเด็นเรื่องการลงจอด การแสดงละคร วิธีการแยกเสียงบนกีตาร์ เนื่องจากเป็นการดำเนินการในการฝึกอบรมวิชาชีพของครูแต่ละคน รายละเอียดในรูปแบบที่เข้าถึงได้ที่ได้รับ

คำแนะนำ " ในชุดของ A. Gitman "การฝึกขั้นพื้นฐานเกี่ยวกับหกสาย

กีตาร์" - "ส่วน I".

สิ่งสำคัญอย่างยิ่งในการพัฒนาเครื่องดนตรีคือความสามารถของนักเรียนในการเลือกทำนองที่เขาชอบด้วยหู ทักษะนี้เป็นแรงจูงใจเพิ่มเติมในการเรียนดนตรี บทที่ "การก่อตัวของพื้นฐานของการคัดเลือกโดยหู" นำเสนอความพยายามที่จะจัดระบบกระบวนการนี้ในการเรียนรู้อย่างใดเพื่อให้เกิดขึ้นจากเนื้อหาที่ศึกษาและกลายเป็นพื้นฐานสำหรับการเลือกเพลงประกอบกับเพลงและประเภทอื่น ๆ ของการเล่นกีตาร์

ผู้เขียนเชื่อว่าคู่มือการพัฒนาระเบียบวิธีนี้จะเป็นประโยชน์สำหรับผู้เริ่มต้นในการฝึกกีตาร์รุ่นเยาว์เบื้องต้นและการสร้างวิธีการของตนเองและยังช่วยผู้ฝึกสอนพิเศษอื่น ๆ ซึ่งในสมัยของเรามักจะสอน "กีตาร์" ระดับ".

ส่วนสำคัญ.

บทผม.

Donotny ระยะเวลาการศึกษา

ระยะนี้ในการฝึกมือกีตาร์หนุ่มไม่ได้หมายความถึง "การเล่นด้วยมือ" แต่อย่างใด สันนิษฐานว่าครูเขียนสื่อดนตรีให้กับนักเรียนในหนังสือเพลง และนักเรียนจะเล่นและทำงานเกี่ยวกับการสังเกตนิ้วในมือขวาและมือซ้าย เฟรตบนฟิงเกอร์บอร์ด และอื่นๆ

เมื่อรู้จักครั้งแรกกับเครื่องดนตรี - กีตาร์หกสาย - ควรอธิบายชื่อของนิ้ว มือขวา:

พี - นิ้วโป้ง

ผม - นิ้วชี้

ม. - นิ้วกลาง

เอ - นิ้วนาง

นิ้วก้อยในมือขวาไม่ได้มีส่วนร่วมในการผลิตเสียงและมีกฎสำหรับมือขวา - การสลับนิ้วบังคับ: "เราไม่มีสิทธิ์เล่นด้วยนิ้วเดียว!" ในการเปรียบเทียบ คุณสามารถเชิญนักเรียนให้เดินบนขาข้างหนึ่งแล้วถามความรู้สึกว่าสะดวกไหม กระโดดได้เท่าไหร่?

ที่เขียนใน พนักงานดนตรี,

กีตาร์เล่นที่ไหน

จากนั้นฉันแสดงแบบฝึกหัดสำหรับสลับนิ้วของมือขวา เขียนเป็นภาพกราฟิก - เราเล่น:

แบบฝึกหัดที่ 1

https://pandia.ru/text/78/486/images/image002_24.jpg" width="193" height="92 src=">

ขอแนะนำให้ให้แนวคิดของระยะเวลาทันทีและจากบทเรียนแรกจะสอนให้นักเรียนนับออกเสียง - สิ่งนี้จะช่วยหลีกเลี่ยงปัญหาเรื่องจังหวะในอนาคต:

https://pandia.ru/text/78/486/images/image004_21.jpg" width="232" height="94 src=">

เราทำให้งานซับซ้อน:

1) มาตราส่วนสีจากโน้ต "ฟ้า" ตลอดเฟรตบอร์ดตลอดสายที่ 1

มือซ้าย 1-2 นิ้ว มือขวาสลับ i-m

2) มาตราส่วนสีจากโน้ต "ฟ้า" ตลอดเฟรตบอร์ดบนสายที่ 1

จากเฟรตที่ 1 ถึงที่ 13 ในการเคลื่อนไหวขึ้นและลง

มือซ้าย - 1-2-3 นิ้ว มือขวา - i-m-a alternation

3) มาตราส่วนสีจากโน้ต "ฟ้า" ตลอดเฟรตบอร์ดตลอดสายที่ 1

จากเฟรตที่ 1 ถึงที่ 13 ในการเคลื่อนไหวขึ้นและลง

มือซ้าย - 1-2-3-4 นิ้ว มือขวา - สลับ im และเมื่อเลื่อนขึ้นไปถึงเฟรตที่ 12 เราเลื่อนนิ้วที่ 4 ไปที่เฟรตที่ 13 และเมื่อเลื่อนลงมาถึงเฟรตที่ 2 ด้วยนิ้วแรกของมือซ้าย ให้เลื่อนนิ้วนี้ไปที่เฟรตที่ 1:

https://pandia.ru/text/78/486/images/image008_19.jpg" width="742" height="99 src=">

การเล่นเกี่ยวกับโครมาทิสติก โดยที่นิ้วทั้งสี่ของมือซ้ายเล่นจากน้อยไปมาก

การเคลื่อนไหวลงสามครั้งติดต่อกัน นิ้วของมือซ้ายสอดคล้องกับ fret บน fretboard อธิบายตลอดทาง: แนวคิดของ "crescendo-diminuendo" - การขยายเสียง - การสลายตัวของเสียง, แนวคิดของ "การบรรเลง" - การทำซ้ำ

https://pandia.ru/text/78/486/images/image010_19.jpg" width="622" height="82">

ในมือขวา - วางนิ้วหัวแม่มือ "r" บนสายที่ 6 และนิ้วที่เหลือเล่นภายใต้มัน

"ร้องเพลง"

วี ตัวอย่างนี้เมื่อเทียบกับก่อนหน้านี้ มีการสลับโน้ตแบบยาว - โน้ตครึ่งและโน้ตสั้น - โน้ตสี่ส่วน นั่นคือ ความซับซ้อนของรูปแบบจังหวะ ให้ความสนใจกับนักเรียน

"ดาวน์ฮิลล์"

จนถึงตอนนี้ นักเรียนได้เล่นท่วงทำนองที่คล้ายคลึงกัน มีเพียงโน้ตใหม่เท่านั้นที่เพิ่มเข้ามา และในตัวอย่างนี้ ทำนองไม่ได้เริ่มต้นด้วยสตริงเปิด และตัวโน้ตไม่ได้เล่นสองท่อนที่เหมือนกัน แต่จะเรียงตามลำดับจาก "โซล" ลงมา ดึงความสนใจของนักเรียนไปที่ความแตกต่างเหล่านี้และเน้น - ในการสลับ - i-m - ในมือขวา

"แมวสองตัว"

นิ้วที่ 4 ของมือซ้าย นิ้วก้อย เริ่มมีส่วนร่วมในการทำงาน นับจากนี้ไป นิ้วของมือซ้ายทั้งหมดมีส่วนร่วมในเกม ความสนใจของนักเรียนควรถูกดึงไปยังการปฏิบัติตามนิ้วที่ถูกต้อง เนื่องจากก่อนที่โน้ต "ลา" นิ้วของมือซ้ายจะใกล้เคียงกับเฟรตบน ฟิงเกอร์บอร์ด:

โน้ต "ฟ้า" - เฟรตแรก - นิ้วที่ 1

F-sharp note - เฟรตที่ 2 - นิ้วที่ 2

โน้ต "เกลือ" - เฟร็ตที่ 3 - นิ้วที่ 3

โน้ต "โซลชาร์ป" - เฟรตที่ 4 - นิ้วที่ 4

และตอนนี้ก็ไม่จำเป็นต้องเป็นเรื่องบังเอิญ

"มีต้นเบิร์ชอยู่ในทุ่ง"

บทเรียนแรกคือการเล่นชิ้นง่ายๆ (เป็นจังหวะ) แบบฝึกหัดบนสายเดียวเพื่อรวมทักษะพื้นฐานและเทคนิคในการเล่นเครื่องดนตรี เช่น "apoyando" การสลับ - i-m - ในขณะที่คุณเชี่ยวชาญ ให้เพิ่มสตริงที่ 2 และศึกษาโน้ตบนนั้น

"หัวรถจักร"

จากเพลงเด็ก "Steam Engine" เราเริ่มเล่นอย่างแข็งขันในสตริงที่ 2 ที่นี่คุณต้องใส่ใจกับเด็กที่มีการเล่นโน้ต "ทำ" และ "รี"

บนสายที่ 2 บนเฟรตเดียวกันกับโน้ต "fa" และ "salt" บนสายที่ 1

ความยากลำบากคือการเคลื่อนไหวของนิ้วมือซ้ายเป็นขั้นเป็นตอน ไม่ใช่โน้ต 2 ตัวที่เหมือนกันดังเช่นในตัวอย่างก่อนหน้านี้ เรากำลังพัฒนาการเคลื่อนที่ขึ้นแบบแกมมา ในคอรัส: การสลับโน้ตยาว

- แบ่งครึ่งและบันทึกย่อที่ค่อนข้างสั้น - บันทึกย่อไตรมาส

คุณสามารถเล่นและร้องเพลงด้วยคำได้พร้อมกัน ซึ่งมีประโยชน์มากสำหรับการพัฒนาทักษะการพูด การได้ยิน การประสานมือกับเสียง:

ขี่รถจักร,

สองท่อร้อยล้อ

สองท่อร้อยล้อ

ช่างเครื่องเป็นหมาแดง!

สองท่อร้อยล้อ

ช่างเครื่องเป็นหมาแดง!

"กระต่าย"

ชิ้นบนนิ้วที่ 3 ของมือซ้าย มีการกระโดดจากสายที่ 2 ไปยังสายที่ 1 ในกรณีนี้ต้องถอดนิ้วที่ 3 ออกจากสายหนึ่งแล้วใส่อีกสายหนึ่ง นิ้วที่ 3 เล่นท่อนนี้เสมอ - ม. -

"เพลงกล่อมเด็ก"

เทคนิคการเล่นมือขวา - ami - เล่นโดย "หยิก" สามสายตามลำดับโดยเริ่มจากสายที่ 1 "p" - ยืนบนสายที่ 6 เมื่อทำการแสดงเราจะฟังทำนองที่เรียงกัน ในสตริงที่ 1 และเลือกโน้ตภายใต้ "a" เราจะบรรลุ legato ด้วยเสียงบน

"โหมโรง #1"

เล่น 3 สายตามลำดับนิ้วมือขวา - i-m-a-m - ด้วยการบีบนิ้ว ให้ความสนใจกับตำแหน่งของนิ้วหัวแม่มือของมือขวา: "p" อยู่บนสายที่ 6 และนิ้วที่เหลือจะเล่นอยู่ใต้เส้นนั้น

อธิบายระยะเวลาของ "แปด" - แนวคิดของโวลต์

"หมีกับตุ๊กตา"

https://pandia.ru/text/78/486/images/image022_8.jpg" width="384 height=103" height="103">

เราเริ่มเล่นในตำแหน่งที่ I-th จากสายที่ 2 จากโน้ต "la" บนสายที่ 1 เราย้ายไปที่ตำแหน่ง V-th และวางนิ้วที่ 1 นั่นคือเราเริ่มเล่นตำแหน่งในมือซ้าย .

"เพลงเกี่ยวกับตั๊กแตน"

แนวคิด - "zatakt" - เพื่ออธิบาย ในส่วนที่ 2 - ละเว้น - การใช้นิ้วคล้ายกับมาตราส่วน C โดยเริ่มจากโน้ต "A" - การเปลี่ยนแปลงตำแหน่งของมือซ้าย

เราคำนวณ "ไตรมาส" หยุดชั่วคราวและระยะเวลา = "แปด"

การเล่นเบส: ให้ความสนใจ - "r" - สนับสนุนเสมอ "apoyando" ส่วนที่เหลือด้วยการเหน็บแนม

"อีทูดี้ นัมเบอร์ 1"

การเล่นเบส - คุณต้องเล่นกับตัวเลือกต่าง ๆ สำหรับการสลับลำดับของนิ้วมือขวาที่เรียกว่า "กำลังเดรัจฉาน":

p-i-m-a-m-i และอื่น ๆ

"อีทูดี้หมายเลข 2"

ปรากฏขึ้นก่อน-# โดยปกติเด็ก ๆ จะเล่นแบบฝึกหัดนี้อย่างง่ายดายและอิสระที่นี่นิ้วมือซ้ายจะปลอดจากความฝืดที่เกิดขึ้นเมื่อเล่น "apoyando" เราฝึก "หยิก"

"อีทูดี้ นัมเบอร์ 3"

ใน “Etude No. 3” โน้ตจะปรากฏบนสตริงที่ 3 ‑‑‑ la, sol-# ‑‑ โน้ต - ลา - นั่นคือนิ้วที่ 2 ต้องทิ้งไว้ที่เฟร็ตที่ 2 อย่ายกในขณะที่นิ้วของมือขวาแยกโน้ตอื่น ๆ (วัดที่ 1 - 2, 4 - 5 - 6- โอ้เต้น) . สิ่งนี้ยาก แต่ต้องทำให้สำเร็จ เนื่องจากปัญหาทางเทคนิคหลายประการได้รับการแก้ไขแล้ว:

เสริมสร้างนิ้วของมือซ้าย

ฝึกการเคลื่อนไหวอิสระของนิ้วมือซ้าย

ฝึกการประสานการเคลื่อนไหวของมือทั้งสองข้าง

การเคลื่อนไหวที่ประหยัดได้รับการพัฒนาสำหรับนิ้วมือซ้าย

โหมโรงหมายเลข 2"

ที่นี่คุณต้องดึงความสนใจของนักเรียนไปที่ความจริงที่ว่าแต่ละการวัดที่ตามมาจะทำซ้ำก่อนหน้านี้เช่นเดียวกับที่เคยเป็นมาซึ่งเป็นการรวมของแต่ละการวัด - สิ่งนี้จะพัฒนาความสนใจของนักเรียน จากนั้นเขาก็พยายามค้นหาสิ่งที่คล้ายกันเมื่อศึกษางานอื่น

"การซ้อม"

จากชิ้นนี้เราเริ่มเล่นสองสายพร้อมกัน - i-m -,

"r" อยู่บนสายที่ 6 ภารกิจ: ฟังเพื่อให้นิ้วเล่นด้วยกัน และโน้ตสองตัวดังก้องอยู่ใต้นิ้วมือซ้าย จากการเล่นสองสายพร้อมกัน เทคนิค "tirando" นั้นหลอมรวมได้ง่าย - ใช้นิ้วชี้ของมือซ้าย

"เพลงตะวันออก"

ที่นี่และเล่นกับเบสและโน้ตสองตัวในมือซ้ายเช่นใน "ซ้อม"

"สตรีทออร์แกน"

หลังจากเชี่ยวชาญงานชิ้นนี้ นักเรียนจะมีอิสระทั้งกับข้อความดนตรีและการครอบครองเครื่องดนตรี คุณสามารถเริ่มศึกษาละครที่นำเสนอได้จาก "แอปพลิเคชันเพลง"

บทสาม.

แอปพลิเคชั่นหมายเหตุ

แผ่นเสริมเพลงเป็นส่วนเสริมในการพัฒนาหัวข้อใด ๆ จากบท "บทนำสู่แผ่นเพลง" นี่คือ "Etudes" และ "Plays" ที่ขยายและขยายขอบเขตการศึกษาใน ช่วงเวลานี้องค์ประกอบของการเรียนรู้การเล่นกีตาร์

มี Etudes สำหรับการพัฒนาเทคนิคมือขวาประเภทต่างๆ ในระยะแรกของการเล่นกีตาร์ เด็กจะควบคุมเครื่องดนตรีได้ยาก:

คอไม่อยู่ต่อหน้าต่อตา (เช่น คีย์บอร์ดบนเปียโน)

6 สายอยู่ในระนาบเดียวและมือขวาและมือซ้ายอยู่ในอีกอันหนึ่ง

นิ้วแต่ละมือมีชื่อต่างกัน

· ไม่ชัดเจนในทันทีเมื่อมือขวาเล่น - "apoyando" - ที่การสนับสนุนของสายล่างและเมื่อ - "tirando" - ด้วยการบีบนิ้ว

มือขวาและมือซ้ายเล่นอะโพยันโด มีการหยุดชั่วคราว - ที่แปดซึ่งต้องได้รับการบำรุงรักษาการสลับนิ้วอย่างเข้มงวดในมือซ้าย - i-m

สำหรับสายเบส "r" จะเล่นบนตัวรองรับ "apoyando" และหลังจากแยกเสียงแล้ว ตัว "r" จะเล่นอยู่ที่สายล่าง ชี้ให้เห็นความพิเศษของแถบที่สอง: นิ้วหัวแม่มือ "p" หลังจากเล่นเบสจะเพิ่มขึ้น และไม่เหลืออยู่บนสาย เนื่องจากสายที่ 4 และสายที่ 3 จะอยู่ติดกัน

Fingers - i-m - เล่นกับหยิก - "tirando" - ในสายที่ 1 และ 2

ในแบบฝึกหัดประเภทนี้ ฝึกจับสองสายพร้อมกัน พูดได้ว่ากำลังเตรียมเทคนิคการคอร์ดอยู่ สำหรับนักเรียนชั้นประถมศึกษา จำนวนงานที่ดำเนินการมีความสำคัญมาก ตามกฎแล้วชิ้นส่วนมีความคล้ายคลึงกันมาก แต่มีความแตกต่างเล็กน้อยภาวะแทรกซ้อนซึ่งโดยทั่วไปแล้วจะพัฒนาเทคนิคการเล่นเครื่องดนตรี

แบบฝึกหัดนี้มีค่ามัลติฟังก์ชั่น:

เสริมความรู้ด้านดนตรี

สายไพเราะสร้างขึ้นในอ็อกเทฟ

พัฒนาอิสระในการเคลื่อนไหวของมือในตำแหน่งที่ 1

ดึงความสนใจของนักเรียนไปที่นิ้วของมือขวา:

นิ้วเล่นบนสายที่ 3 - i

นิ้วเล่นบนสายที่ 2 - m

นิ้วเล่นบนสายที่ 1 - a

กฎข้อนี้มีความสำคัญ (ในทางหนึ่ง) เนื่องจากช่วยพัฒนาความคิดเชิงตรรกะของนักกีตาร์ตัวน้อย

วิธีการสกัดเสียงทางขวา:

นิ้วโป้ง "r" เล่นบนแนวรับ - "apoyando"

ฉันกำลังเล่นกับหยิก - "tirando"

พัฒนานิ้วที่ 3 ของมือซ้าย นักเรียนหลังจาก "Etude" นี้มีความสัมพันธ์ที่ดีกับความหงุดหงิดที่ 3 บนกีตาร์กับสายเบส คอร์ดสามเสียงแรกปรากฏขึ้น ให้ความสนใจ: นิ้วหัวแม่มือของมือขวา - "r" - เล่นบนตัวสนับสนุน "apoyando" ต้องเคลื่อนไหวอย่างคล่องแคล่ว ง่ายดาย และอิสระ

พัฒนาทักษะการเล่น "กระต่าย" จากบทที่แล้ว ทำนองเป็นแบบโมโนโฟนิก พวกเขาเล่นเป็นสองสาย การดึงเสียงของมือขวาคือ "apoyando" การสลับคือ i-m ตรวจสอบให้แน่ใจว่าหลังจากโน้ตยาว - ครึ่งนิ้วในมือขวาเปลี่ยนไป ลักษณะเฉพาะของชิ้นนี้คือเฟรตบนเฟรตบอร์ดและนิ้วที่มือซ้ายเหมือนกัน แต่สายต่างกัน

หุ่นเชิด.

การเล่นเบสแบบโอเพ่นสตริง เราแก้ไขตำแหน่งของพวกเขาในความทรงจำของนักเรียนบนเสาและบนเครื่องดนตรี การผลิตเสียงของมือขวา: "r" เล่น "apoyando", i-m เล่นด้วยการบีบนิ้ว ชื่อของละครบ่งบอกถึงงานศิลป์บางอย่าง: "หุ่นเชิด" หมายถึง "ไม่จริง" ดังนั้นคุณต้องแสดงราวกับว่าใช้กลไก แต่ง่ายดายและอิสระ สื่อดนตรีที่เรียบง่ายช่วยให้คุณรับมือกับงานดังกล่าว

ชนิดของแผ่นโพลีโฟนิก ในเชิงสัญลักษณ์ สามารถแบ่งออกเป็นสองส่วน: I - th part - the top line and II - th part - the bottom line.

ส่วนที่ I - ประโยคที่ไพเราะของตัวละครที่คล้ายมาตราส่วนสำหรับสองการวัดนั้นถูกทำซ้ำในระดับเสียงที่ต่างกัน อันดับแรก ในอ็อกเทฟที่ 1 บนสายเบสสามสายบน ตามด้วยอ็อกเทฟที่ต่ำกว่า - บนสายเบสสามสาย ทั้งหมดเล่น apoyando

ส่วนที่ II - ราวกับว่าเลียนแบบเสียงของนกกาเหว่า "นกกาเหว่า" และฟังเสียงสะท้อนในการตอบสนอง "Ku-ku" เพื่อแยกด้วยการหยิกและ "r" - ขึ้นอยู่กับสายล่าง บทละครค่อนข้างเป็นรูปเป็นร่างและเมื่อนักเรียนคุ้นเคยแล้วสามารถนำเสนอการเล่นในรูปแบบ ปริศนาดนตรีโดยการแสดงบนเครื่อง ตามกฎแล้วเด็ก ๆ เดาชื่อได้ง่ายแล้วเล่นอย่างสนุกสนาน

เพลงยามเย็น.

สตริงทั้งหมดมีส่วนร่วมในเกม ทางขวามือ คุณสามารถเสนอ 2 ตัวเลือกสำหรับการใช้นิ้ว:

ฉัน- สองโน้ตเล่นพร้อมกันด้วยนิ้ว - i-m

II- ก่อนอื่นพวกเขาเล่นพร้อมกัน - i-m จากนั้น - a-m - และสิ่งที่คล้ายคลึงกัน

ควรใช้การสกัดเสียงแบบที่สองกับนักเรียนที่เก่งกว่า

ระดับการศึกษาใหม่:

รูปแบบจังหวะในมือขวาจะซับซ้อนมากขึ้น

· เป็นครั้งแรกที่เราเริ่มใช้ "barre" เล็กๆ สองสายทางซ้ายมือ

ละครค่อนข้างใหญ่

การผลิตเสียงของนิ้วมือขวานั้นคุ้นเคยและไม่ทำให้เกิดคำถาม

ร่าง.

การเล่นเกี่ยวกับการพัฒนาเทคนิคของนิ้วหัวแม่มือของมือขวา - "p" ทำนองสร้างขึ้นจากสายเบส นิ้วของมือซ้ายตรงกับเฟรตบนฟิงเกอร์บอร์ด ดังนั้นนักเรียนสามารถเล่นชิ้นนี้ได้โดยไม่ต้องเรียนรู้โน้ตบนสายที่ 6, 5, 4 เพียงพอที่จะระบุว่าจะเล่นสายใดและนิ้วใดในมือซ้าย

จักรยาน

ผลิตภัณฑ์แบบสองส่วน ลวดลายที่เกิดซ้ำ

ในส่วนแรก - องค์ประกอบของมาตราส่วนสี การฝึกซ้อมสำหรับสี่นิ้วของมือซ้าย ในมือขวา - i-m - "apoyando"

ในส่วนที่สอง - การเล่นกับสายเบส คุณต้องนับดัง ๆ การสลับ - i-m - เป็นการสมควรมากกว่าที่จะเล่นด้วย "tirando" เล็กน้อย

ชิ้นนี้ควรมอบให้กับนักเรียนในช่วงครึ่งหลังของปีเมื่อมีทักษะในการอ่านเพลงจากแผ่นงาน ที่นี่ทำนองเพลงถูกลากเส้นบนสายเบส และคอร์ดทูโทนที่สนับสนุนการเปลี่ยนแปลงที่กลมกลืนกับเบสแต่ละตัว เด็กต้องรู้โน้ตบนกีตาร์ในตำแหน่งที่ 1 ดีพอที่จะทำตามนิ้วที่ระบุในข้อความดนตรีได้อย่างแม่นยำ

บทIV .

การก่อตัวของฐานการคัดเลือกโดยการพิจารณาคดี

องค์ประกอบเสริมอย่างหนึ่งในการเรียนรู้กีตาร์หกสายคลาสสิกคือความสามารถของนักเรียนในการเล่นเพลงด้วยหู เลือกอุปกรณ์เสริมสำหรับเธอ ทักษะดังกล่าวช่วยให้ครูสามารถบรรลุงานการสอนบางอย่างได้:

ปลูกฝังความรักในเครื่องดนตรี

・ฝึกฝนการทำงานหนักและความอุตสาหะ

ขยายขอบเขตทางดนตรีของคุณ

พัฒนารสนิยมทางดนตรี

บทนี้ แบบฝึกหัดดนตรีและตัวอย่างดนตรีเกี่ยวกับดนตรียอดนิยมในชีวิตประจำวัน ในความคิดของฉัน จะช่วยให้ครูปลูกฝังความสนใจในการเรียนรู้และเชี่ยวชาญเครื่องดนตรี แม้ว่าในความคิดของฉันจะสอนให้นักเรียน "หยิบ" เครื่องดนตรีด้วยตัวเองถ้าเขาไม่มีข้อมูลดนตรี (การได้ยิน, จังหวะ, ความทรงจำทางดนตรี) ค่อนข้างยาก นักเรียนควรมีความปรารถนาที่จะเลือกท่วงทำนองที่เขาชอบ หูสำหรับดนตรีเพื่อร้องเพลงและติดตามตัวเอง

การฝึกสร้างฐานสำหรับการคัดเลือกด้วยหู (ความคล่องแคล่วในเครื่องดนตรี การประสานมือ การก่อสร้างเชิงทฤษฎีคอร์ดเทคนิคคอร์ด) - ให้ผลลัพธ์บางอย่าง คุณสามารถแสดงตัวอย่างให้นักเรียน เรียนกับเขาด้วยวิธีการที่ง่ายที่สุดในการเลือกด้วยหู เรียนรู้จากการหมุนและดนตรีประกอบที่เฉพาะเจาะจงของหัวใจ ด้วยวิธีการที่เก่งกาจในเรื่องการทำดนตรี ผู้เรียนถึงแม้จะไม่สามารถ "เลือก" เนื้อหาดนตรีด้วยหูได้ เขาก็ทำท่วงทำนองอันเป็นที่รู้จักกันดีจากโน้ต "แจกให้สาธารณชนฟัง" - คือ เก่งมากสามารถสอนได้

ในสถานการณ์เช่นนี้ สิ่งจูงใจจะเป็น

และความคิดเห็นจากผู้ปกครอง: “เป็นเพลงที่คุ้นเคย เล่นดีแค่ไหน!”,

และอื่นๆ: “ฉันได้ยินวิธีที่ลูกของคุณเล่นกีตาร์ และเพื่อนร่วมชั้นร้องเพลงไปกับเขา” - ทั้งหมดนี้กระตุ้นความสนใจและพัฒนาอิสระในการเล่นเครื่องดนตรี

ดังนั้น , วัตถุประสงค์งานนี้ - พัฒนาทักษะการเล่นกีตาร์

งาน:

การเรียนรู้คอร์ดอาร์เพจจิเอ 3 เสียงอย่างง่ายในตำแหน่งที่ 1

การนำคอร์ดไปใช้ในแบบฝึกหัด

การเรียนรู้ทักษะของดนตรีประกอบที่ง่ายที่สุด

ดังนั้น จากช่วงเวลาใดของการเรียนรู้กีตาร์ที่คุณสามารถเริ่มเล่นคอร์ดและทักษะการบรรเลงได้?

1) เมื่อพวกเขาเชี่ยวชาญดนตรีคอ;

2) เมื่องานของขั้นตอนแรกของการฝึกอบรมเสร็จสิ้น:

การวางตำแหน่งมือ

เริ่มงานเทคนิคคล่อง

ระยะเวลาพื้นฐานที่เรียนรู้

เริ่มรู้จักกีตาร์กับการเปลี่ยนจังหวะที่ง่ายที่สุดในคีย์แล้ว

ความสามารถในการเลือกโดยหูโดยทั่วไปและเล่นเพลงโดยเฉพาะถูกเปิดเผย

แผนคร่าวๆ ในการเข้าเรื่อง "การคัดเลือกโดยการได้ยิน»

1) การบ้านสำหรับนักเรียน:

หยิบกีตาร์ขึ้นมาจากทำนองของ M. Krasev "Little Christmas Tree"

2) ทำงานกับทำนองที่เลือก:

ช่วยหยิบ

แก้นิ้ว

3) การบ้าน - จดทำนองเพลงวาดกราฟิกเล่นตามโน้ตดนตรีของคุณด้วยคะแนน

ด่าน II - แบบฝึกหัด 1), 2) และ "ยิปซี":

1) ฉันเขียนเวอร์ชัน 1 ของการแสดง เราเรียนรู้

2) การบ้าน - เกี่ยวกับเนื้อหาดนตรีนี้ - รูปแบบจังหวะต่างๆ

แนวคิดของการกำหนดตัวอักษรของบันทึกย่อ

การบันทึกคอร์ดในสต๊าฟดนตรีและด้านบน - การกำหนดตัวอักษร

แนวคิดของ "ผู้เยาว์ - moll", "major -dur", การแสดงกราฟิก

· d-moll, D-dur

ศึกษาสัญกรณ์ขั้นตอนของคอร์ด

การเรียนรู้รูปแบบง่ายๆ ในจังหวะต่างๆ

ฉันเสนอให้ศึกษาเรื่องนี้เกี่ยวกับบทเพลงที่ง่ายที่สุดของ "กวี" แผนนิยมซึ่งก็คือ "การได้ยิน" ทั้งในหมู่นักเรียนและผู้ปกครอง สะดวกที่สุดในการเริ่มบรรเลงกีตาร์ด้วยคีย์ของ A-minor, E-minor - โดยที่คุณไม่จำเป็นต้องใช้เทคนิค "barre" นิ้วจะอยู่ในตำแหน่งที่ 1 ซึ่งคุ้นเคยกับนักกีตาร์มือใหม่

ผมเวที

M. Krasev "ต้นคริสต์มาสน้อย"

ทำนองเป็นแบบโมโนโฟนิก โดยปกติเมื่อทำการเลือก เด็ก ๆ จะไม่ฟังจนจบ และโดยธรรมชาติ จะไม่นับระยะเวลาครึ่งหนึ่ง ในแนวไพเราะของ "นักร้อง" จำเป็นต้องสังเกตนิ้วของโมโนโฟนิกขนาด "C major" จากนั้นคุณสามารถเล่นเพลงในชุด "ครู - นักเรียน" ซึ่งนักเรียนเล่นท่วงทำนองโมโนโฟนิกของเขาและครูเล่นคลอ

ท่วงทำนองประเภทนี้ เพลงเด็กต้องถูกเลือก "ด้วยหู" ให้มากขึ้น เพื่อรวบรวมทักษะที่ง่ายที่สุด อย่างไรก็ตาม จากการฝึกฝนพบว่าเด็กสมัยใหม่ไม่รู้จักเพลงลูกทุ่งและท่วงทำนองของรัสเซียเลย ดังนั้นจึงเป็นการดีที่สุดที่จะเลือกเพลงที่คุ้นเคย "ด้วยหู" เช่น จากการ์ตูน:

V. Shainsky "เพลงเกี่ยวกับตั๊กแตน" จากภาพยนตร์เรื่อง "The Adventures of Dunno"

G. Gladkov "เพลงของเต่า" จากภาพยนตร์เรื่อง "The Lion and the Turtle"

E Krylatov "Lullaby of the Bear" จากภาพยนตร์เรื่อง "Umka"

B Savelyev "ถ้าคุณเก่ง" จากภาพยนตร์เรื่อง "Leopold's Birthday"

และ Ostrovsky "ของเล่นที่เหนื่อยล้ากำลังหลับอยู่"

Y. Chichkov "Chunga-changa"

IIเวที

แบบฝึกหัด # 1:

แบบฝึกหัดสำหรับการพัฒนาเทคนิค "คอร์ด"

แบบฝึกหัดตามคอร์ด "arpeggiated" (สลายตัว)

จำเป็นต้องระบุการกำหนดตัวอักษรของฟังก์ชันฮาร์มอนิกที่อยู่เหนือคอร์ดแต่ละคอร์ด - ซึ่งจะช่วยให้นักเรียนมองเห็นคอร์ดในโน้ตดนตรีและการกำหนดตัวอักษรด้วยสายตา:

สาวยิปซี.

· เบื้องต้นสามารถเสนอผลงานชิ้นนี้ให้นักเรียนพยายามหยิบขึ้นมาเองได้ ถ้าเขาคุ้นเคย

· แก้ไขข้อผิดพลาด

จดหมายเลข 1 ลงในสมุดบันทึกของคุณ จดจำมัน

· และในส่วนของหมายเลข 2 และหมายเลข 3 ให้ระบุเฉพาะจังหวะและนักเรียนจะดำเนินการทั้งชิ้นบนเนื้อหาดนตรีที่เรียนรู้ของส่วนที่ 1 อย่างอิสระ

เขียนส่วนสำหรับหมายเลข 2 และหมายเลข 3 ในสมุดบันทึกของคุณ

แบบฝึกหัดที่ 2:

แบบฝึกหัดนี้ยากกว่าการออกกำลังกาย #1 ลำดับของฟังก์ชันเปลี่ยนไป เพิ่ม A7

แบบฝึกหัดที่ 3:

มาเริ่มแยก 3 คอร์ดที่ดังสนั่นกัน การศึกษาการใช้นิ้วในแบบฝึกหัด arpeggio ความยากสำหรับนักเรียนที่จะจดบันทึกสามตัว

พร้อมกัน จำเป็นต้องดึงความสนใจของนักเรียนไปที่ความจริงที่ว่ามีเพียงเสียงเบสที่เปลี่ยนแปลงในการวัดและคอร์ดเป็นหนึ่งเดียว

แบบฝึกหัดที่ 4:

เนื้อหาดนตรีมีความซับซ้อนมากขึ้น:

ทุกครั้งที่เบสและคอร์ดเปลี่ยนไป

แบบฝึกหัดที่ 5:

ฟังก์ชั่นคอร์ดเป็นที่รู้จักของนักเรียนจากการออกกำลังกายครั้งก่อนรูปแบบจังหวะเปลี่ยนไป

แบบฝึกหัดที่ 6:

แบบฝึกหัดที่ 7

แบบฝึกหัดที่ 8:

เราทำให้งานซับซ้อนขึ้น - เราเปลี่ยนโทนเสียง รูปแบบจังหวะ

แบบฝึกหัดทั้งหมดจะต้องนับออกมาดัง ๆ เล่นตามบันทึกเพื่อให้มอเตอร์, ภาพ, ความจำการได้ยินของเด็กพัฒนาไปพร้อม ๆ กัน, การประสานงานของการเคลื่อนไหวได้รับการฝึกฝนและรูปแบบจังหวะต่างๆถูกนำไปใช้กับระบบอัตโนมัติ ในอนาคต ในขณะที่คุณเชี่ยวชาญ คุณสามารถรวมจังหวะจากแบบฝึกหัดต่างๆ ไว้ในคีย์เดียวกันได้: มีขอบเขตสำหรับจินตนาการของครูอยู่แล้ว ทั้งหมดนี้ทำขึ้นเพื่อศึกษาความเป็นไปได้ของกีตาร์อย่างลึกซึ้งยิ่งขึ้น เพื่อการเสริมความแข็งแกร่ง เครื่องเล่นเกมเพื่อพัฒนาความสะดวกและอิสระในการแสดงบนเครื่องมือ

บทสรุป.

เทคนิคดังกล่าวของขั้นตอนแรกบนกีตาร์ได้รับการทดสอบในทางปฏิบัติแล้ว เด็กๆ ชอบเล่นเครื่องดนตรีตั้งแต่บทเรียนแรก เนื้อหาที่คัดสรรมานั้นเหมาะสำหรับนักเรียนอายุ 6-7 ขวบ เล่นกีตาร์ได้ง่าย อารมณ์เชิงบวกพัฒนาในบทเรียนพิเศษ นักเรียนมีความรู้สึกเบาและอิสระซึ่งต้องได้รับการดูแลและพัฒนาอย่างชำนาญตลอดระยะเวลาการศึกษา หากก่อนหน้านี้โรงเรียนดนตรีต้องฝึกอบรมนักดนตรีมืออาชีพในอนาคตคณะกรรมการคัดเลือกที่เข้มงวดถูกคัดเลือกอย่างเข้มงวดมีการแข่งขันในหมู่ผู้ที่ต้องการ "เรียนดนตรี" ในสมัยของเราโรงเรียนดนตรีทำงานร่วมกับทุกคนที่มาโดยไม่ต้อง การเลือกการแสดงข้อมูลดนตรี และถูกต้องแล้ว บุคคลต้องพัฒนาและปรับปรุงในหลาย ๆ ด้าน แม้ว่าธรรมชาติจะไม่ได้มอบความสามารถและความสามารถพิเศษให้กับเขาก็ตาม เด็กทุกคนที่สนใจสามารถสอนให้เล่นเครื่องดนตรีใด ๆ ในระดับเสียงของโรงเรียนดนตรี ครูต้องอดทนและช่วยให้บรรลุผลบางอย่าง

ระหว่างทางครูแก้ปัญหาการสกัดเสียงคุณภาพของการแสดง วัสดุดนตรี. ชื่อของแบบฝึกหัดให้ขอบเขตจินตนาการของเด็ก สิ่งนี้จะเตรียมนักเรียนให้พร้อมสำหรับการพัฒนาคอลเลคชันเพลงและผลงานของนักกีตาร์คลาสสิกและนักประพันธ์เพลงร่วมสมัยที่มีชื่อเสียงอยู่แล้ว ในการทำงานกับเด็ก ๆ คุณสามารถใช้คอลเลกชันของ V. Yarmolenko“ เครื่องอ่านกีตาร์สำหรับนักเรียน 1-7 คลาสเรียนดนตรี". ท่วงทำนองพื้นบ้านมากมายและเพลงที่เล่นบ่อยที่สุดสำหรับกีตาร์จากคอลเล็กชั่นที่มีชื่อเสียงมากมายถูกรวบรวมไว้ที่นี่

ข้อมูลอ้างอิง:

Ageev D. กีตาร์ บทเรียนปริญญาโทสำหรับผู้เริ่มต้น - เซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก: ปีเตอร์ 2552

นักกีตาร์ Bocharov คู่มือสำหรับผู้เริ่มต้น - ม.: แอคคอร์ด, 2002.

Gitman A. การฝึกเบื้องต้นกับกีตาร์หกสาย - ม.: เปรสโต, 2542.

อิวาโนว่า การพัฒนาทักษะการทำดนตรีในการทำงานกับผู้เริ่มต้นเรียนเปียโน (DShI หมายเลข 1, เชเลียบินสค์). - เชเลียบินสค์ 2000

Ivanov-Kramskoy เล่นกีตาร์หกสาย - ม.: ดนตรี, 2522.

โคโลตูร์สกายา ประกอบ (DSHI หมายเลข 5, เชเลียบินสค์).

- เชเลียบินสค์ 2000

มิคาอิลัส. การพัฒนาทักษะการทำดนตรี (การคัดเลือกโดยหู การเรียบเรียง การด้นสด) ในเกรด 1-7 ของ Children's School of Art (DSHI หมายเลข 12, เชเลียบินสค์).

- เชเลียบินสค์ 2000

Fetisov ก้าวของมือกีตาร์ โน๊ตบุ๊คหมายเลข 1 - M.: V. Katansky Publishing House, 2005.

Yarmolenko V. ผู้อ่านนักกีตาร์สำหรับนักเรียนชั้นประถมศึกษาปีที่ 1-7 ของโรงเรียนดนตรี - ม., 2553.

สถาบันการศึกษางบประมาณเทศบาล

การศึกษาเพิ่มเติมสำหรับเด็ก

โรงเรียนดนตรีสำหรับเด็ก

เทศบาลตำบลชอลคอฟสกีของภูมิภาคมอสโก

ข้อความระเบียบวิธี

ในหัวข้อของ

"คุณสมบัติของการทำงานกับผู้เริ่มต้นในชั้นเรียนกีตาร์"

ครูสอนเครื่องดนตรีพื้นบ้าน

Shchyolkovo

มือกีต้าร์ก้าวสู่เส้นทางอาชีพ กิจกรรมการสอนเมื่อไม่นานนี้เอง เมื่อนักเปียโนและนักไวโอลินมีประเพณีการแสดงและการสอนมาหลายศตวรรษแล้ว การแสดงคอนเสิร์ตที่กว้างขวางและ ละครการศึกษา, วรรณกรรมระเบียบ. การใช้ประสบการณ์ที่ได้รับจากนักเล่นเครื่องดนตรีรายอื่นทำให้นักกีตาร์ประสบความสำเร็จอย่างมากในระยะเวลาอันสั้น และเปลี่ยนจากการเล่นดนตรีในบ้านของมือสมัครเล่นมาเป็นการแสดงคอนเสิร์ต ตั้งแต่การเรียนรู้ด้วยตนเองไปจนถึงการเล่นด้วยหู ไปจนถึงระบบการศึกษาแบบมืออาชีพ แต่สำหรับการพัฒนาและปรับปรุงทักษะการแสดงต่อไป จำเป็นต้องสร้างวรรณคดีต้นฉบับที่มีศิลปะสูงและวิธีการสอนที่คำนึงถึงคุณลักษณะและลักษณะเฉพาะทั้งหมดของเครื่องดนตรี ปัจจุบันเพลงของนักกีตาร์มีองค์ประกอบดั้งเดิมจำนวนมากที่มีความหลากหลายและน่าสนใจในเนื้อหาและรูปแบบ มีกระบวนการสร้างโรงเรียน สื่อการสอน และวรรณกรรมเพื่อการศึกษาสำหรับกีตาร์ พอเพียงที่จะตั้งชื่อผลงานของ G. Fetisov N. Kalinina, V. Agafoshina. โปรแกรมได้รับการพัฒนาสำหรับการฝึกสอนกีตาร์ทุกระดับ คุณภาพของการฝึกอบรมนักกีตาร์ในโรงเรียนดนตรี วิทยาลัย สถาบันและโรงเรียนสอนดนตรีได้รับการปรับปรุงให้ดีขึ้น ห้องระเบียบและแผนกต่างๆของมหาวิทยาลัยกำลังทำงานอย่างต่อเนื่องเพื่อพัฒนาทักษะของครูนักกีตาร์

ในขณะเดียวกัน การฝึกสอนไม่มีประสบการณ์เพียงพอเมื่อทำงานกับเด็กอายุ 5.6 ปี ไม่ได้ปราศจากข้อบกพร่องที่สำคัญ ซึ่งส่วนใหญ่เกี่ยวข้องกับการละเมิดหลักการสอน ปรากฏการณ์ทั่วไปคือการไม่ปฏิบัติตามหลักการสอนเรื่องความสามารถในการเข้าถึง - โดยเฉพาะอย่างยิ่งสิ่งที่เรียกว่า "การประเมินค่าละครสูงเกินไป" ควรเน้นว่าการละเมิดหลักการเข้าถึงได้ในช่วงเริ่มต้นของการฝึกอบรมนำไปสู่ผลลัพธ์ที่ร้ายแรงที่สุดซึ่งแก้ไขได้ยากและบางครั้งก็เป็นไปไม่ได้ในการแก้ไขในระยะหลังของการฝึกอบรม

เมื่อถามคำถามนี้ เราคาดว่าผู้เชี่ยวชาญหลายคนจะงงงวย: “เราควรพูดถึงสิ่งที่ชัดเจนหรือไม่” แต่ปัญหาทั้งหมดอยู่ในความจริงที่ว่าหลักการของการเข้าถึงได้รับการจดจำบ่อยขึ้นเฉพาะในคำพูดเท่านั้น ในทางปฏิบัติ โปรแกรมมักจะถูกประเมินค่าสูงไป และไม่เพียงแต่เฉพาะในด้านพิเศษเท่านั้น แต่ยังรวมถึงในวงดนตรี คลาสนักดนตรีและออร์เคสตราด้วย สาเหตุของปรากฏการณ์นี้แตกต่างกัน และการกำจัดไม่ง่ายอย่างที่คิดในแวบแรก ลองวิเคราะห์เหตุผลหลักห้าประการในความเห็นของเรา:

1. ทัศนคติที่เป็นทางการต่อแผนการสอน จัดทำแผนโดยไม่คำนึงถึงลักษณะส่วนบุคคลของนักเรียน บางครั้งอาจเป็นเพราะครูไม่ทราบวิธีการจัดทำแผนรายบุคคลหรือไม่ได้ศึกษาสื่อการสอน การควบคุมที่ไม่เพียงพอของหัวหน้าแผนกกีตาร์ในสถาบันการศึกษาทำให้สถานการณ์แย่ลง

2. คำจำกัดความที่ผิดพลาดของความซับซ้อนของงาน บ่อยครั้งที่ครูให้ความสนใจเฉพาะกับปัญหาทางเทคนิคของงานโดยไม่ได้คิดถึงความซับซ้อนของเนื้อหาหลัก

3. ความซับซ้อนของโปรแกรมโดยเจตนาเนื่องจากความทะเยอทะยานในการสอน เมื่อพูดถึงผลการสอบ ครูที่มีแนวโน้มจะเป็นภายนอกมักจะพูดว่า: “นักเรียนของฉันเล่นโปรแกรมที่ยาก เขาสมควรได้รับคะแนนสูงสุด” โดยไม่ทราบว่าการให้เหตุผลดังกล่าวเผยให้เห็นถึงความไม่รู้ในหลักการเบื้องต้นในการเลือกสื่อการศึกษาและเกณฑ์ในการประเมินประสิทธิภาพ .

เชื่อกันว่างานหนึ่ง เกินกำลัง นักเรียนจะต้องรวมอยู่ในโปรแกรมเพื่อ "การเติบโต" ดังนั้นไม่เพียงยากเท่านั้น แต่ไม่สามารถเข้าถึงได้สำหรับนักเรียนในขั้นตอนนี้ซึ่งส่งผลให้ไม่ได้เรียนรู้เข้าสู่ละคร แต่ปัญหาไม่ได้มีแค่สิ่งนี้: ตามกฎแล้ว เมื่อถึงเวลาสอบ โปรแกรมทั้งหมดก็ยังไม่ได้รับการศึกษา ควรสังเกตว่านักเรียนที่มีความสามารถมากที่สุดมักต้องทนทุกข์ทรมานจากโปรแกรมที่ประเมินค่าสูงเกินไปด้วยเหตุนี้

4. ความปรารถนาของนักเรียนที่จะเล่นงานบางอย่างที่ไม่สามารถเข้าถึงได้และ "ความยืดหยุ่น" ของครูโดยกระตุ้นให้นักเรียนได้เรียนรู้งานที่เขาชอบอย่างรวดเร็วเพื่อศึกษาเพิ่มเติมและบรรลุผลมากขึ้น แน่นอนว่าเหตุผลดังกล่าวไม่ได้ไม่มีพื้นฐาน แต่ถ้าความสามารถของนักเรียนไม่สามารถเทียบได้กับความยากลำบากของการเล่นที่กำหนด เขาจะไม่สามารถเอาชนะพวกเขาได้

5. ความไร้ความสามารถทางดนตรีของครูไม่สามารถทำงานกับเนื้อหาดนตรีของงานได้ นี่คือสิ่งที่ V. Avratiner เขียนเกี่ยวกับสิ่งนี้ในงานของเขา "สื่อระเบียบวิธีในการสอน": "การฝึกฝนแสดงให้เห็นว่าทำงานกับเนื้อหาดนตรีของงาน (การระบุสูงสุดของวิธีการที่จำเป็นสำหรับงานนี้) การแสดงออกทางดนตรี) ครูบางคนพบว่ามันยากกว่าการทำงานกับปัญหาทางเทคนิค "ครู" เช่นนี้บางครั้งไม่มีอะไรจะพูดกับนักเรียนของเขาหากในทางเทคนิคการเล่นไม่ยากและนักเรียนได้เอาชนะปัญหาทางเทคนิค ในความพยายามที่จะปกปิดความไร้หนทางในการสอน ครูไปประเมินโปรแกรมที่สูงเกินไป ทำให้เป็นวิธีการป้องกันตัว

แต่ไม่ว่าสาเหตุของความซับซ้อนของโปรแกรมจะเป็นอย่างไร ผลที่ตามมาก็เป็นหายนะ นักกีตาร์ที่เริ่มเรียนรู้ชิ้นส่วนที่ไม่สามารถเข้าถึงได้ก่อนอื่นไม่สามารถรับมือกับปัญหาทางเทคนิคได้ การแยกวิเคราะห์ การเรียนรู้ข้อความด้วยใจ ทำให้เขาใช้เวลามากเกินไป ทำให้ไม่สามารถวิเคราะห์รูปแบบและเนื้อหาของงาน หาเสียง ความแตกต่าง จังหวะ ฯลฯ นักเรียนเลื่อนงานนี้ไปเป็นช่วงต่อมา เมื่อเขาเข้าใจเนื้อความของงานอย่างเพียงพอ การเป็นนักโทษในการทำงานที่เกินกำลังของเขาผู้เล่นบายันจึงไม่มีเวลาจับข้อผิดพลาดทั้งหมดในระยะเริ่มต้นของการฝึกและจากนั้นก็ยากสำหรับเขาที่จะกำจัดพวกเขาในขณะที่เขาคุ้นเคยกับความไม่สมบูรณ์ เสียงและไม่สังเกตเห็นข้อผิดพลาดในการแสดงของเขาอีกต่อไป

แน่นอนว่าความสามารถทางดนตรีของนักเรียนมีบทบาทสำคัญในการเรียนรู้ศิลปะการแสดง แต่ถึงแม้จะเป็นคนที่มีความสามารถ ถ้าเขาอุทิศเวลาทั้งหมดให้กับการเรียนรู้ชิ้นส่วนที่ซับซ้อน การทำงานกับปัญหาทางเทคนิค จะไม่สามารถบรรลุผลการปฏิบัติงานในระดับสูงได้ พรสวรรค์ต้องใช้ทัศนคติที่รอบคอบกับตัวเอง ครูที่มีประสบการณ์จะหล่อเลี้ยง พัฒนาความสามารถจากบทเรียนหนึ่งไปอีกบทเรียน ปีแล้วปีเล่า และไม่ทำลายมันด้วยความยากลำบากที่มากเกินไป

นักกีตาร์ทำงานอย่างหนักหน่วงด้วยความตึงเครียดสุดขีด ผลงานดังกล่าวทำให้สูญเสียคุณภาพอย่างหลีกเลี่ยงไม่ได้ แนวคิดของ "การสูญเสียคุณภาพ" นั้นมีมากมาย: มันบ่งบอกถึงการดำเนินการที่ไม่ถูกต้องของจังหวะ, ความแตกต่าง, ข้อผิดพลาดเป็นจังหวะ, ข้อผิดพลาดของรูปแบบและท้ายที่สุดคือการสร้างที่ไม่ถูกต้องและบิดเบี้ยว ภาพศิลปะ. แต่บางที คุณภาพของการผลิตเสียงอาจได้รับความทุกข์ทรมานเป็นอันดับแรก และเป็นสิ่งสำคัญยิ่งสำหรับนักดนตรีที่แสดง

ครูละเมิดหลักการของความสามารถในการเข้าถึงโดยไม่ได้ตั้งใจลดงานเป็น "การฝึกอบรม" หลังจากได้รับงานที่ซับซ้อนเกินไป นักเรียนจะเรียนรู้เฉพาะข้อความเป็นเวลาสามถึงสี่สัปดาห์ ผ่านไปหนึ่งเดือนครึ่งนักเรียนยังคงสับสนกับโน้ตความกลมกลืนการใช้นิ้วไม่สามารถทำตามลำดับการนำเสนอของเนื้อหาได้และครูเริ่มทำงานกับเขาเกี่ยวกับคุณสมบัติทางศิลปะของชิ้นงาน แต่นักเรียนไม่สามารถทำตามข้อกำหนดของครูได้ ยิ่งกว่านั้น เขาเบื่อละครแล้ว ความสนใจในชั้นเรียนโดยทั่วไปลดลงและเขานั่งที่บ้านที่เครื่องดนตรีอย่างไม่เต็มใจ ดังนั้นครูเพื่อช่วยนักเรียนจึงเริ่มเรียนรู้งานกับเขาในบทเรียนโดยทำการบ้านของเขา หนึ่งหรือสองสัปดาห์ก่อน พูดในที่สาธารณะ(ทดสอบ, สอบ) ไดอารี่ของนักเรียนยังคงเต็มไปด้วยบันทึกของครู: "เล่นโดยไม่มีข้อผิดพลาด"; "เล่นด้วยความแตกต่าง"; “อย่าสับสนนิ้ว” ฯลฯ คำแนะนำและข้อกำหนดดังกล่าวมีผลบังคับตามคำพูดของแพทย์ที่ส่งถึงผู้ป่วยร้ายแรง: “อย่าป่วย!”

หลังจากที่โปรแกรมที่ไม่สามารถเข้าถึงได้ถูก "เตรียมไว้" นั่นคือเรียนรู้ด้วยความทรงจำนักเรียนและครูกับเขาก่อนการแสดงไม่นานก็ถูกจับด้วยความตื่นเต้นอันร้อนแรง พวกเขาถูกทรมานด้วยคำถามเดียว: เป็นไปได้ไหมที่จะเล่นโดยไม่หยุด?

มากมาย นักดนตรีชื่อดังเขียนเกี่ยวกับความตื่นเต้นในระหว่างการแสดงต่อสาธารณะ ปรากฏการณ์นี้ซับซ้อนอย่างยิ่งและยังห่างไกลจากการศึกษา แต่สามารถพูดได้อย่างมั่นใจว่าเหตุผลประการหนึ่งที่ทำให้เกิดความตื่นเต้นนั้นอยู่ที่ความยากลำบากในการทำงานที่สูงเกินไป

พนักงานของห้องปฏิบัติการ biocybernetics ของสถาบัน Cybernetics ของ Academy of Sciences ของยูเครน SSR D. Galenko และ V. Starinets ร่วมกับผู้เขียนบท I. Sabelnikov สร้างภาพยนตร์เรื่อง "Formula of Emotions" มันบอกเกี่ยวกับ "ปาฏิหาริย์" ของอารมณ์ซึ่งเป็นกลไกสำรองที่ช่วยในช่วงเวลาที่สำคัญระดมกำลังทั้งหมดทรัพยากรที่ซ่อนอยู่ของบุคคล แต่ก็ยังมีอารมณ์ที่นำไปสู่หายนะ หมวดหมู่ของพวกเขารวมถึง "ความตื่นเต้นตื่นตระหนก" (คำศัพท์ของ P. Jacobson) ซึ่งครอบคลุมนักดนตรีที่แสดงโปรแกรมที่ไม่สามารถเข้าถึงได้สำหรับเขา หมอ วิทยาศาสตร์การแพทย์ศาสตราจารย์ พี. ซิโมนอฟ ให้เหตุผลว่า อารมณ์เชิงลบสามารถเกิดขึ้นได้ ขาดข้อมูล. ในกรณีนี้ หมายถึง เงินทุนไม่เพียงพอที่จะทำสำเร็จ วัตถุประสงค์ทางศิลปะ. โดยธรรมชาติแล้ว การแสดงดังกล่าวถึงวาระที่จะล้มเหลว นี่คือสิ่งที่ G. Kogan พูดเกี่ยวกับสิ่งนี้: "... เกมสูญเสียการควบคุม, นักแสดง "แบก" เหมือนชิปไปตามคลื่น, การเคลื่อนไหวของเขาถูกบีบอัด, ความทรงจำของเขาเปลี่ยนไป, เขายู่ยี่, รอยเปื้อน, สับสนในสิ่งที่ไม่คาดคิดที่สุด สถานที่.

ดังนั้น ในอีกด้านหนึ่ง ถ้าไม่มีความตื่นเต้นเชิงสร้างสรรค์ หากไม่มีอารมณ์เชิงบวก ก็ไม่สามารถมีการแสดงบนเวทีได้อย่างแท้จริง อารมณ์สร้างแรงผลักดันที่ศิลปินตัวจริงต้องสร้างขึ้น และไม่จำกัดเฉพาะงานช่างฝีมือที่ไม่แยแส ในทางกลับกัน อารมณ์เชิงลบที่เกิดจากความไม่ตรงกันระหว่างปลายทางและวิธีการต่างๆ อาจนำไปสู่ความล้มเหลวได้

บางครั้งการแสดงที่ไม่ประสบความสำเร็จทำให้เกิดผลกระทบร้ายแรง: นักเรียนเริ่มรู้สึกไม่ปลอดภัยบนเวที แม้แต่เล่นบทที่เข้าถึงได้ง่ายและเรียนรู้ได้ดี เขาอารมณ์เสียเกี่ยวกับความคิดที่ว่าบางสิ่งจะเกิดขึ้นตอนนี้ เขาจะลืม สับสน ฯลฯ สิ่งที่พวกเขากลัวที่จะลืมพวกเขาลืมเพราะพวกเขากังวล ปรากฏการณ์นี้กำลังคืบหน้ากิจกรรมคอนเสิร์ตกลายเป็นความทรมานสำหรับนักดนตรีและเขาถูกบังคับให้หยุด

เราได้พูดไปแล้วว่าสาเหตุหนึ่งที่ทำให้เกิดการละเมิดหลักการเข้าถึงได้คือความสนใจไม่เพียงพอของครูในการวางแผนงานของนักเรียนแต่ละคน การฝึกสอนได้พัฒนาขึ้น หลากหลายรูปแบบการวางแผนขึ้นอยู่กับหัวข้อการศึกษา แผนของรูปแบบใด ๆ ถูกสร้างขึ้นบนพื้นฐานของหลักสูตรเป็นหลัก ความผิดพลาดที่ใหญ่ที่สุดเกิดขึ้นโดยครูสอนหีบเพลงซึ่งอาศัยประสบการณ์การสอนของพวกเขาไม่ได้พิจารณาโปรแกรมเป็นเวลาหลายปี นอกเหนือจากโปรแกรมแล้ว การวางแผนรายบุคคลยังพิจารณาจากลักษณะเฉพาะของนักเรียนด้วย สถาบันการศึกษาต่างๆ ได้นำรูปแบบการวางแผนต่างๆ มาใช้ บางครั้งแผนจะลงเพียงแค่รายการละครและภาพร่าง และสิ่งที่ชี้แนะครูในการเลือกงานสำหรับนักเรียนรายใดรายหนึ่งจะไม่ถูกระบุ ในความเห็นของเรา ควรใช้แบบฟอร์มต่อไปนี้เป็นหลัก แผนรายบุคคล:

1. คำอธิบายสั้น ๆ ของนักเรียนตอนต้นภาคเรียน

ควรรวมถึงการประเมินข้อมูลดนตรี ระดับของการพัฒนาดนตรีและทั่วไป ลักษณะทางจิตและสรีรวิทยาของนักเรียน

2. งานส่วนบุคคลเป็นเวลาครึ่งปี

ควรขึ้นอยู่กับลักษณะของนักเรียนและงานทั่วไปของการเรียนรู้ที่กำหนดไว้ในโปรแกรม เป็นไปได้และเฉพาะเจาะจง นั่นคือ กำหนดปริมาณของความรู้ ทักษะ และความสามารถที่นักเรียนควรได้รับ

3. สื่อการสอนและผลงานดนตรีที่จะช่วยให้งานนี้สำเร็จลุล่วง

วัตถุประสงค์ในการทำงานกับสื่อการสอน - ตาชั่ง, อาร์ปิโด-

zhio, แบบฝึกหัด, etudes - ต่อไปนี้จะเป็น: “ 1) การพัฒนาเทคนิคบางประเภท; 2) การเตรียมนักเรียนเพื่อเอาชนะปัญหาทางเทคนิคของงาน ในกรณีแรกเป้าหมายคือการกระจายความเสี่ยง การพัฒนาทางเทคนิคนักเรียน ... ในกรณีที่สอง คุณต้องวาดภาพร่างที่มีประเภทของเทคนิคและองค์ประกอบของการเคลื่อนไหวที่พบในงาน

ส่วนศิลปะของละครควรรวมถึงงานศิลปะพื้นบ้าน คลาสสิกรัสเซียและตะวันตก โซเวียตและ นักแต่งเพลงต่างประเทศ. ผลงานทั้งหมดต้องมีคุณค่าทางศิลปะอย่างไม่ต้องสงสัย

4. ส่วนสุดท้าย

มันถูกสร้างขึ้นเมื่อสิ้นสุดภาคการศึกษาและแสดงถึงการประเมินผลงาน จากการค้นพบนี้ ครูได้กำหนดภารกิจการสอนใหม่สำหรับหกเดือนข้างหน้า

แผนเฉพาะบุคคลดังกล่าวจะทำให้สามารถนำหลักการไปปฏิบัติได้ ลำดับการเรียนรู้.

ความสำเร็จของนักเรียนขึ้นอยู่กับทักษะและศิลปะของครูโดยตรง ตามที่แนวทางการสอนได้แสดงให้เห็น ครูสอนดนตรีมีสี่ประเภท: 1) นักแสดง-ครู หรือที่เกือบจะเหมือนกันคือ ครู-นักแสดง 2) นักแสดง-ไม่ใช่ครู; 3) ครูที่ไม่มีประสิทธิภาพ 4) ครูที่ไม่มีประสิทธิภาพ หนึ่งในข้อบกพร่องที่ใหญ่ที่สุดของครูรุ่นเยาว์คือการไม่สามารถถ่ายทอดความรู้และทักษะการปฏิบัติงานให้กับนักเรียน ในหมู่พวกเขามีมากมาย นักดนตรีที่ดีซึ่งปัญหาอยู่ที่การขาดประสบการณ์ในงานสอนเท่านั้น บทบาทของการศึกษาวิธีการสอนอย่างเป็นระบบและลึกซึ้งไม่อาจประเมินค่าต่ำไป

อะไรคือกุญแจสู่ความสำเร็จในฐานะครู? ประการแรก ความพร้อมใช้งานและความสอดคล้องของข้อกำหนดและคำแนะนำที่ส่งถึงนักเรียน ความสัมพันธ์ระหว่างหลักคำสอนทั้งสองนี้มีความชัดเจนโดยเฉพาะอย่างยิ่งในระยะเริ่มต้นของการศึกษา

ในบทเรียนแรกๆ นักเรียนต้องเผชิญกับคำถามมากมาย: อุปกรณ์ของเครื่องดนตรีและคีย์บอร์ด การบันทึกเสียง ตำแหน่งของเครื่องเล่นหีบเพลงและการตั้งเครื่องดนตรี ตำแหน่งของมือ แนวคิดของระยะเวลาของเสียง การวัดและขนาด หน้าที่ ฯลฯ ครูที่ไม่มีประสบการณ์ กำหนดให้นักเรียนทำตามคำแนะนำหลายข้อพร้อมกันแม้ว่าแต่ละคนจะไม่ทำให้เกิดปัญหาแยกจากกัน แต่การละเมิดหลักการสืบทอดทำให้เป็นไปไม่ได้เพราะนักเรียนไม่สามารถเพ่งความสนใจไปที่วัตถุจำนวนมากและรับรู้ทุกอย่างในเวลาเดียวกัน ศิลปะของครูในกรณีนี้คือความสามารถในการวิเคราะห์บทเรียนในทันทีและค้นหาสิ่งที่ขัดขวางการรับรู้ของนักเรียน

บางครั้งสื่อที่เข้าถึงได้ค่อนข้างเข้าถึงไม่ได้เนื่องจากครูซึ่งทำงานก่อนหน้านี้ไม่สำเร็จ เริ่มเรียกร้องนักเรียนใหม่ เป็นผลให้เกิดช่องว่างที่สำคัญในความรู้ของนักเรียนและเขาก็หยุดเข้าใจคำแนะนำของครู บทเรียนในกรณีเช่นนี้มักจะเป็นดังนี้ ครูมักขัดจังหวะการเล่นของนักเรียน พูดมาก และนักเรียนมีความคิดคลุมเครือว่าต้องทำอะไร ชินกับความคิดเห็น ไม่ฟังอีกต่อไป คำพูดของเขา

คุณสมบัติที่จำเป็นอย่างหนึ่งของนักเรียนคือความสามารถในการทำงานด้วยตนเองที่บ้าน สามารถโต้แย้งด้วยเหตุผลที่ดีว่าสิ่งนี้เป็นตัวกำหนดการเติบโตของนักดนตรีรุ่นเยาว์และทำหน้าที่เป็นเครื่องรับประกันความสำเร็จในการทำงานของเขาในอนาคต หน้าที่ของครูคือสอนให้ทำงานด้วยตนเอง ในเรื่องนี้ การเข้าถึง ความเป็นไปได้ การบ้าน. จำเป็นต้องคำนึงถึงสิ่งต่อไปนี้ จำนวนวัสดุ กำหนดเวลา ความซับซ้อนของงาน และประสิทธิภาพของนักเรียน ความไม่ตรงกันระหว่างข้อมูลเหล่านี้กับส่วนที่เหลือทำให้งานไม่พร้อมใช้งาน

การไม่ทำการบ้านเป็นสัญญาณความทุกข์ และครูจำเป็นต้องค้นหาสาเหตุของสิ่งนี้ แต่ก่อนอื่น เขาต้องถามตัวเองว่า คุณทำการบ้านของคุณหรือยัง”ครูมักกล่าวหานักเรียนว่าเกียจคร้าน ไม่เป็นระเบียบ และจินตนาการถึงสภาพของนักเรียนคนหนึ่งที่ทำงานหนักที่บ้านแต่มาที่ชั้นเรียนโดยไม่ได้เตรียมตัว และมีบางกรณีที่ไม่ค่อยเกิดขึ้นนักเมื่อครูแทนที่จะให้ "ผีสาง" ด้วยมือที่ไม่สั่นคลอนในใจแสดงไว้ในไดอารี่ของนักเรียน!

การทำงานที่บ้านในราคาที่ไม่แพงเป็นศิลปะการสอนที่ยอดเยี่ยม ความจำเพาะของการบ้านเป็นสิ่งสำคัญ ครูที่มีประสบการณ์จะกำหนดงานในลักษณะที่ง่ายต่อการกำหนดในบทเรียนว่านักเรียนมีส่วนร่วมมากแค่ไหนและอย่างไร ตัวอย่างเช่น ครูสามารถประเมินงานของนักเรียนได้หากไดอารี่ระบุว่า: "เล่นอย่างมั่นใจมากขึ้นโดยไม่มีข้อผิดพลาด"; "เล่นเป็นจังหวะอย่าเร่ง" หรือแม้แต่ "เล่นด้วยความแตกต่าง"? การเตือนความจำซ้ำๆ เกี่ยวกับการแสดงที่ถูกต้องจะไม่ก่อให้เกิดประโยชน์ใดๆ - นักเรียนต้องได้ยินและตระหนักถึงความผิดพลาดของเขา ในการทำเช่นนี้ คุณต้องทำให้งานง่ายขึ้น: เสนอให้เล่น ก้าวช้าๆทางเดินสั้น ๆ หรือแม้แต่บาร์ไม่กี่แห่ง และหลังจากข้อผิดพลาดหายไปเท่านั้น นักเรียนจึงได้รับอนุญาตให้ทำงานที่บ้านต่อไปได้

ส่วนสำคัญของบทเรียนคือการตรวจสอบการบ้านเสร็จ ครูควรเปิดโอกาสให้นักเรียน "พูดออกมา" ได้อย่างสมบูรณ์โดยไม่ขัดจังหวะเกมด้วยความคิดเห็น เมื่อพบว่าการบ้านทำได้ดีเพียงใดในตอนท้าย เขาจะสามารถสร้างงานต่อไปได้ โชคไม่ดีที่มันเกิดขึ้นเป็นอย่างอื่น: ครูหยุดนักเรียนที่บาร์แรกและทำงานกับพวกเขาตลอดทั้งบทเรียน ด้วยเหตุนี้จึงยังไม่ชัดเจนว่างานเสร็จสิ้นอย่างไรและควรใส่ใจอะไรตั้งแต่แรก

นอกจากความสามารถในการฟังของนักเรียนแล้ว ครูยังต้องมีความสามารถที่จะได้ยินเขาด้วย บ่อยครั้งในกระบวนการทำงาน ครูประสบกับการเปลี่ยนแปลงทางความคิดที่มองไม่เห็น และเขาเริ่มใช้เสียงที่ต้องการสำหรับเสียงจริง โดยไม่สังเกตเห็นความยากลำบากที่นักเรียนกำลังประสบอยู่ ระหว่างบทเรียน ครูคนนี้ชดเชยข้อบกพร่องในการเล่นของนักเรียนด้วยการร้อง ร้องเพลง หรือคำพูด และเฉพาะในการสอบที่ไม่สามารถ "ช่วย" นักเรียนได้ เขาค้นพบว่าการแสดงของเขายังห่างไกลจากความสมบูรณ์แบบ อาจเกิดขึ้นได้ว่าเมื่อคุ้นเคยกับเสียงที่ไม่สมบูรณ์แล้วครูจะไม่ได้ยินในการสอบเช่นกัน นี่เป็นเหตุผลหนึ่งว่าทำไมในขณะที่ค่อนข้างเชี่ยวชาญในเกมของนักเรียน "ต่างชาติ" แต่ครูมักไม่ค่อยรับรู้ถึงประสิทธิภาพของตนเองในเชิงวิพากษ์

คำสองสามคำเกี่ยวกับ การเข้าถึงของแอปพลิเคชัน

หากครูมักจะต้องป้อนรายการเดียวกันในไดอารี่ของนักเรียน6 “อย่าสับสนนิ้ว” สิ่งนี้น่าจะทำให้เขาวิตกกังวลและทำให้เขานึกถึงเหตุผลที่ไม่ปฏิบัติตามคำแนะนำ ก่อนอื่น เราต้องทบทวนข้อกำหนดในบทเรียนก่อนหน้านี้ บางทีนักเรียนอาจถูกขอให้เล่นด้วยความเร็ว ซึ่งไม่สามารถใช้ได้กับเขาในขั้นตอนนี้ ในระหว่างการแสดง นักเรียนสับสนนิ้วมือ ความไม่มั่นคงของนิ้วจึงกลายเป็นความสับสนอย่างต่อเนื่องและกลายเป็นสาเหตุของการเล่นผิดจังหวะ ข้อผิดพลาด และการหยุด สถานการณ์สามารถแก้ไขได้โดยให้นักเรียนกลับไปอยู่ในจังหวะที่เขามีและตรวจสอบนิ้วอย่างช้าๆ นอกจากนี้เครื่องมือแสดงของผู้เล่นหีบเพลงแต่ละคนมีลักษณะทางสรีรวิทยาของตัวเองและครูต้องรู้สิ่งนี้เพื่อเลือกนิ้วที่อารมณ์ดีที่สุดสำหรับนักเรียนที่กำหนด

ดังนั้นเราจึงพบว่าไม่เพียง แต่ความซับซ้อนของโปรแกรมเท่านั้น แต่ยังมีการเบี่ยงเบนจากแนวทางการสอนหลักเมื่อเรียนรู้งานสามารถนำไปสู่การละเมิดหลักการของการเข้าถึงได้ ในเวลาเดียวกัน ข้อสรุปอื่นและอีกประการหนึ่งซึ่งค่อนข้างขัดแย้งในแวบแรกนั้นไม่ต้องสงสัยเลย: แทบไม่มีงานที่ไม่มีประสิทธิภาพเลย - คำถามอยู่เฉพาะในช่วงเวลาของการเตรียมการและวิธีการทำงานกับพวกเขา

ความสามารถในการทำให้เนื้อหาสามารถเข้าถึงได้เป็นหนึ่งในเงื่อนไขหลักสำหรับการทำงานที่ประสบความสำเร็จของครู เป็นการสอนทักษะและศิลปะ

บรรณานุกรม:

1. G. Fetisov. คำถามเกี่ยวกับการสอนกีตาร์

2. วี. แอฟราติเนอร์. ระเบียบวิธีในการสอน เล่มที่. 1M,

กระทรวงวัฒนธรรม RSFSR, 1970 หน้า 18.

3. ล. บาเรนโบอิม. คำถามเกี่ยวกับการสอนเปียโนและการแสดง แอล,

ดนตรี พ.ศ. 2512

4. จี โคแกน ที่ประตูแห่งการเรียนรู้ M. , "นักแต่งเพลงโซเวียต", 2504

5. V. Domogatsky เจ็ดระดับของความเชี่ยวชาญ คำถามเกี่ยวกับเทคนิคกีตาร์

6. เอ็ม. ฟีกิน เอกลักษณ์ของนักเรียนและศิลปะของครู ม., "ดนตรี",

การพัฒนาระเบียบวิธี เปิดบทเรียน

"กีตาร์ในวงดนตรีประเภทต่างๆ DShI"

อาจารย์ DSHI Larisa Ivanovna Bogomolova

อินตา

วัตถุประสงค์ของบทเรียน: การก่อตัวและพัฒนาทักษะและเทคนิคการเล่นของนักเรียนทั้งมวล

วัตถุประสงค์ของบทเรียน: เรียนรู้ที่จะฟังซึ่งกันและกันและทำตามจังหวะและจังหวะอย่างชัดเจน สังเกตเฉดสีแบบไดนามิก ทำความคุ้นเคยกับเทคนิคกีตาร์

แผนการเรียน

1. บทนำ.

2.ร่วมทำเพลงของครูกับลูกศิษย์

3.ร่วมทำเพลงกับเพื่อน

4. ทักษะการคลอ

ระหว่างเรียน.

วงดนตรีนี้เป็นการเล่นแบบรวมหมู่ ซึ่งนักดนตรีหลายคนจะร่วมกันเปิดเผยเนื้อหาทางศิลปะของงานผ่านวิธีการแสดง ชั้นเรียนในชั้นเรียนทั้งมวลควรมีส่วนช่วยในการพัฒนาจังหวะ ไพเราะ หูประสาน ความจำดนตรี การพัฒนาทักษะความคิดสร้างสรรค์ของนักเรียน และที่สำคัญที่สุด คือ การปลูกฝังความสนใจและความรักในดนตรีและเครื่องดนตรีของนักเรียน และยังมีส่วนช่วยในการสร้าง พื้นฐานของกิจกรรมดนตรีอิสระ เราเสนอประสบการณ์ทีละขั้นตอนให้คุณ วงดนตรีที่ ดีเอสไอ.

ขั้นตอนที่ 1 ร่วมกันทำเพลงของครูกับนักเรียน

งานหลักในขั้นตอนนี้: เพื่อให้ได้ทักษะเบื้องต้นในการอ่านจากแผ่นงานและวิเคราะห์ข้อความดนตรี เรียนรู้ที่จะฟังซึ่งกันและกัน สังเกตเฉดสีแบบไดนามิก

ทักษะการทำดนตรีทั้งมวลควรได้รับการปลูกฝังตลอดระยะเวลาการศึกษา ถ้าเป็นไปได้ แนะนำงานทั้งมวลในละครให้เร็วที่สุด เกือบจากบทเรียนแรกที่เราเริ่มแนะนำการเล่นทั้งมวล เริ่มทำงานเกี่ยวกับการแยกเสียงในสตริงเปิดเพื่อให้เด็ก ๆ น่าสนใจยิ่งขึ้นเราใช้เพลงที่มีคำ ตัวอย่าง:

"ท้องฟ้าเป็นสีฟ้า ป่าเป็นน้ำค้างแข็ง เช้าตรู่จะสดใสขึ้น" ถึงเวลานี้ นักเรียนน่าจะคุ้นเคยกับระยะเวลาของโน้ตแล้ว เราหาจังหวะของเพลงปรบมือ จากนั้นเราไปที่ธรรมชาติของเพลงเราร้องคลอไปกับครู การบรรเลงเพลงประกอบไม่เพียงแต่เป็นการประสานกันของทำนองและจังหวะของทำนองเท่านั้น แต่ยังเผยให้เห็นโลกของอารมณ์และเปรียบเสมือนของเพลงอีกด้วย ในสองมาตรการแรก การบรรเลงประกอบสร้างความรู้สึกของความสงบ ความรอบคอบ ความเงียบ (เปียโน) แต่ในสองมาตรการถัดไป คอร์ดที่เกิดขึ้นใหม่จะทำให้เสียงอิ่มตัวด้วยแสงและสีที่สว่างจ้า (คลื่นที่ราบรื่น) จากนี้ นักเรียนเล่นเพลงตามลำดับ - วลีแรก - เสน่หาและลึกลับ ที่สอง - สดใส crescendo ยกตัวอย่างอีกเพลง "Brave Pilot" ในที่นี้ เราต้องเน้นที่คุณสมบัติของการผลิตเสียง ท่วงทำนองที่ร่าเริงและกระปรี้กระเปร่าต้องใช้แนวทางในการแสดงที่แตกต่างจากตัวอย่างก่อนหน้านี้ สกัดเสียงได้เข้มขึ้น มั่นใจ สม่ำเสมอ (mf)

ตอนนี้เรามาดูการแสดงของเพลงในสตริงปิดกัน งานแรกของนักเรียนคือการดูข้อความดนตรีอย่างระมัดระวังโดยไม่ต้องเล่นและกำหนดรูปแบบจังหวะและเฉดสีแบบไดนามิก ตัวอย่างเช่น "แฟนของเราไปอย่างไร" พิจารณาว่าท่วงทำนองเป็นอย่างไร โทนเสียงใดที่จะเล่น ก่อนเริ่มเกม คุณสามารถนำเสนอตัวอย่างนักเรียนเกี่ยวกับการรับรู้ต่างๆ เกี่ยวกับการเดินของเด็กผู้หญิง - อย่างร่าเริง สนุกสนาน และเศร้า เศร้า และตอนนี้การแสดงกลายเป็นภาพดนตรีที่น่าสนใจและเต็มไปด้วยจินตนาการ อีกตัวอย่างหนึ่ง: "อย่าบินนกไนติงเกลที่หน้าต่าง" หลังจากวิเคราะห์รูปแบบลีลาแล้ว ลีด การแสดงของบีตแรกซึ่งแข็งแกร่งกว่าเมื่อเทียบลีด เราเริ่มเล่นเป็นทำนองและเด็กเกือบทุกคนพูดว่า “โอ้ ช่างเป็นเมโลดี้ที่น่าเศร้า” นั่นคือ สิ่งที่แนบมาที่นี่กลายเป็นตัวกำหนดลักษณะของงาน สิ่งสำคัญในงานนี้คือการเรียนรู้ที่จะฟังซึ่งกันและกัน ในกระบวนการเรียนรู้เรายังคงเล่นเพลงเดิมจากแผ่นงานในเกรดเก่า ๆ ค่อยๆทำให้งานซับซ้อนและเปลี่ยนปาร์ตี้ ในกระบวนการทำงานดังกล่าว นักเรียนจะได้รับทักษะในการ "เล่นคนเดียว" - เมื่อคุณต้องการเล่นบทบาทของคุณให้สดใสขึ้น และ "การบรรเลงประกอบ" - ความสามารถในการจางหายไปในพื้นหลัง

ในบทละคร "How Our Girlfriends Went" การสอนการเล่นดนตรีประกอบ - เบส, คอร์ด, เพื่ออธิบายความแตกต่างของเสียงเป็นสิ่งสำคัญมาก เบสจะลึกแต่ไม่รุนแรงและคอร์ดก็นุ่มขึ้น “ อย่าบินนกไนติงเกล” ที่นี่เป็นสิ่งสำคัญที่จะต้องค้นหาการผลิตคอร์ดที่มีเสียงดังกล่าวเพื่อถ่ายทอดเนื้อหาที่เป็นรูปเป็นร่างของเพลง

ระยะที่ 2 ร่วมกันทำเพลงกับเพื่อน ๆ (กีตาร์คู่, ทริโอ ฯลฯ )

ในขั้นตอนนี้ มีการกำหนดงานต่อไปนี้: เรียนรู้วิธีใช้จานเสียง ทำงานกับไดนามิกในแต่ละส่วนแยกกัน ตลอดจนสร้างสมดุลไดนามิก เชี่ยวชาญเทคนิคกีตาร์เฉพาะ (ราสกูเอโด, พิซซิกาโต, ฮาร์โมนิกส์, ไวบราโต)

เราจะแสดงการแสดงของคู่หูที่เล่นเป็นวง ในตอนต้นของบทเรียน เราเล่นระดับ C-dur พร้อมกัน พยายามเล่นด้วยกัน ฟังอย่างระมัดระวัง มันไม่ได้ผลในทันที แต่เราพยายาม ที่นี่เราเรียนรู้ที่จะเล่นภายในหนึ่ง เฉดสีแบบไดนามิกเรียบ. นอกจากนี้ยังสามารถทำได้ในโน้ตเดียวกันเพื่อฟังความแตกต่างของเสียงไดนามิก จากนั้นเราไปต่อที่งาน

ยกตัวอย่าง E. Larichev "Polka" arr โอ. ซุบเชนโก. Polka เป็นการเต้นรำแบบยุโรปกลางที่รวดเร็วและมีชีวิตชีวาตลอดจนแนวเพลงเต้นรำ ลายเซ็นลายเวลา - 2/4 . ลายปรากฏขึ้นตรงกลางศตวรรษที่ 19วี โบฮีเมีย(สาธารณรัฐเช็กสมัยใหม่) และตั้งแต่นั้นเป็นต้นมาก็กลายเป็นการเต้นรำพื้นบ้านที่มีชื่อเสียง.

เราวิเคราะห์ว่าใครมีทำนอง ใครมีดนตรีคลอ อธิบายว่าทำนองควรให้เสียงที่สดใสกว่า

ดนตรีประกอบ - เบสจะลึกและคอร์ดก็นุ่ม เบามาก เพื่อไม่ให้กลบเมโลดี้ เบสทำหน้าที่เป็นพื้นฐานจังหวะ

ละครเรื่องที่สอง "Mazurka" จังหวะของมาซูร์ก้านั้นเฉียบคมและชัดเจน ผสมผสานความสง่างามของแสง บางครั้งความเพ้อฝัน การผลิตเสียงควรมีความชัดเจนมากขึ้น คมชัดขึ้น และเบาลง

จากนั้นก็มีงานเกี่ยวกับไดนามิก ผู้เล่นทั้งมวลจะกำหนดความแข็งแกร่งของเสียงในส่วนของเขาได้อย่างแม่นยำเมื่อเทียบกับคนอื่นๆ ในกรณีที่นักแสดงที่มีเสียงหลักดังขึ้นเล็กน้อยหรือดังขึ้นเล็กน้อย คู่หูของเขาจะตอบสนองทันทีและแสดงส่วนของเขาให้เงียบขึ้นหรือดังขึ้นเล็กน้อย

เมื่อทำงานครูต้องใส่ใจ 3 จุด: วิธีการเริ่มต้นร่วมกัน, วิธีการเล่นด้วยกันและวิธีการทำงานให้เสร็จด้วยกัน.

วงดนตรีจะต้องมีนักแสดงที่ทำหน้าที่เป็นตัวนำ, เขาต้องแสดงการแนะนำ, การถอนตัว, การชะลอตัว สัญญาณที่จะเข้ามาคือการพยักหน้าเล็กๆ ซึ่งประกอบด้วยสองช่วงเวลา: การเคลื่อนไหวขึ้นจนแทบจะสังเกตไม่เห็น และการเคลื่อนไหวที่ชัดเจนและค่อนข้างเฉียบคมลง ในการซ้อม คุณสามารถนับการวัดที่ว่างเปล่า และยังมีคำต่างๆ อีกด้วย มันสำคัญมากที่จะต้องทำงานให้เสร็จพร้อมกันในเวลาเดียวกัน

คอร์ดสุดท้ายมีระยะเวลาที่แน่นอน - ผู้เล่นแต่ละคนนับรวมตัวเองและยิงตรงเวลา นอกจากนี้ยังสามารถพยักหน้า

นอกจากนี้เรายังรวมการเล่นชิ้นส่วนพร้อมกัน อันที่จริงโดยพร้อมเพรียงกันทั้งสองฝ่ายไม่ได้เพิ่มซึ่งกันและกัน แต่ซ้ำกันดังนั้นข้อบกพร่องของวงดนตรีในนั้นจึงชัดเจนยิ่งขึ้น การแสดงพร้อมเพรียงกันต้องใช้ความสามัคคีอย่างแท้จริง - ในจังหวะของมิเตอร์ ไดนามิก สโตรก ถ้อยคำ น่าเสียดายที่รูปแบบการเล่นทั้งมวลนี้ให้ความสนใจเพียงเล็กน้อย ในขณะเดียวกันทักษะของวงดนตรีที่แข็งแกร่งก็เกิดขึ้นพร้อม ๆ กัน และยิ่งไปกว่านั้น การพร้อมเพรียงกันก็น่าสนใจทั้งทางสายตาและบนเวที คู่ (สามคน) จะแสดง "ยิปซี"

ขั้นตอนที่ 3 ทักษะการบรรเลง. ภารกิจ: ฝึกฝนเทคนิค arpeggio ให้เชี่ยวชาญ ศึกษาคอร์ดหลักและการกำหนดตัวอักษร หาพื้นผิวทั้งหมด - ท่วงทำนอง ดนตรีประกอบ และเบส

กีตาร์เป็นเครื่องดนตรีอิสระและในขณะเดียวกันก็เป็นเครื่องมือประกอบที่สมบูรณ์ เธอสามารถเล่นไวโอลิน ขลุ่ย ดอมรา ได้สำเร็จ - สร้างการผสมผสานระหว่างเสียงต่ำกับเครื่องดนตรีเหล่านี้ได้สำเร็จ โดยธรรมชาติแล้ว กีตาร์มีความเหมาะสมเป็นพิเศษสำหรับเสียงประกอบ โดยสร้างพื้นหลังที่นุ่มนวลให้กับกีตาร์ ความคุ้นเคยกับดนตรีประกอบจะเกิดขึ้นภายในสิ้นปีแรกของการศึกษาเมื่อนักเรียนเริ่มเล่นคอร์ดในตำแหน่งแรก พิจารณาการแสดงของคลอ - arpeggio และเบส - คอร์ด เมื่อทำการอาร์เพจจิโอ ให้ดึงความสนใจของนักเรียนไปที่การซ้อนเสียงที่ประสานกันซึ่งทำให้เกิดเสียงที่ต่อเนื่อง เสียงแรกเล่น F, ที่สอง - mf, ที่สาม - mp, ที่สี่ - p ซึ่งหมายความว่าเสียงถัดไปนั้นใช้พลังเสียงดังกล่าวซึ่งได้มาจากการลดทอนของเสียงก่อนหน้า การแสดงนี้เรียกได้ว่า "ร้องเพลงบนกีตาร์"

นักเรียนจะแสดงเพลง "Grasshopper" โดย V. Shainsky ในกรณีแรกเขาร้องเพลงและมาด้วยกันในครั้งที่สอง - domra ในตัวอย่างนี้ เรากำลังใช้สัญลักษณ์ตัวอักษรของคอร์ด ในตัวอย่างนี้ เราทำความคุ้นเคยกับเท็กซ์เจอร์ต่างๆ ของดนตรีประกอบ: arpeggio, bass - chord, fight

ตัวอย่างที่สองคือเรื่องรัก ๆ ใคร่ ๆ ของ A. Petrov "ความรัก - ดินแดนมหัศจรรย์” เทคนิคการเล่น arpeggio ส่วนตรงกลางเป็นกีต้าร์โซโล ในตัวอย่างของงานชิ้นนี้ การแสดงดนตรีประกอบ อัตราส่วนเสียงของท่วงทำนองและเสียงประกอบ และการผลิตเสียง นักดนตรีต้องเล่นอย่างแสดงออก ตอบสนองต่อการเปลี่ยนแปลงจังหวะในการแสดงของศิลปินเดี่ยว

การจะเล่นด้วยกันได้ต้องรู้สึก เข้าใจ รับฟังซึ่งกันและกัน วงดนตรีที่เป็นรูปแบบของความคิดสร้างสรรค์ร่วมกันทำให้สมาชิกแต่ละคนมีคุณสมบัติเช่นความสามารถในการอยู่อาศัยและสร้างสรรค์ในทีมเพื่อค้นหาภาษากลางซึ่งกันและกัน

คลังเทศบาล สถาบันการศึกษาการศึกษาเพิ่มเติมสำหรับเด็ก "โรงเรียนดนตรีเด็ก ครั้งที่ 1 ตั้งชื่อตาม ยู.ค. Temirkanov, เขตเมืองนัลชิคเทศกาล All-Russian Festival of Pedagogical Creativity (ปีการศึกษา 2558-2559) การเสนอชื่อ: การศึกษาเพิ่มเติมสำหรับเด็กและเด็กนักเรียน

การพัฒนาระเบียบวิธีในหัวข้อ:

"ในคำถามเกี่ยวกับการก่อตัวของเทคนิคของนักกีตาร์"

การวิเคราะห์เชิงระเบียบวิธีและประสิทธิภาพของ E.Baev's etudes พัฒนาโดยอาจารย์ภาควิชาประชาชน Lopatina I.G. นัลชิค 2015 เนื้อหา

บทนำ

สำหรับคำถามเกี่ยวกับการก่อตัวของเทคนิคของนักกีตาร์ (etudes)……

1. เกี่ยวกับกระแสนิยมในการพัฒนาเทคโนโลยีกีตาร์

2. การวิเคราะห์ตามระเบียบและประสิทธิภาพของตำราเรียนโดย E. Baev "School of Guitar Technique" ...

ทางสร้างสรรค์ (ชีวประวัติ กิจกรรมหลัก) ...

ละครเทคนิค (etudes) สำหรับนักเรียนโรงเรียนดนตรีพร้อมคำแนะนำระเบียบวิธี ...

บทสรุป…

รายชื่อบรรณานุกรม...

ภาคผนวก…………

บทนำ

“ยิ่งคลังแสงทางเทคนิคของคุณใหญ่เท่าไหร่ คุณก็ยิ่งทำดนตรีได้มากเท่านั้น ไม่ต้องสงสัยเลย"
M. Barrueco

กีต้าร์หกสาย

- หนึ่งในเครื่องดนตรีที่เก่าแก่ที่สุด ต้นกำเนิดของกีตาร์ย้อนกลับไปสู่อดีตอันยาวนาน และประวัติศาสตร์อันยาวนานของกีตาร์นั้นครอบคลุมหลายสิบศตวรรษและผ่านยุคประวัติศาสตร์และวัฒนธรรมมากมาย ศตวรรษที่ 20 ที่ผ่านมา ได้เห็นยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาและการออกดอกของศิลปะการเล่นกีตาร์อย่างแท้จริง คอนเสิร์ตของนักแสดง-มือกีตาร์ รวมตัวกันเต็มบ้านในทุกทวีป ได้พบสถานที่ในห้องโถงและงานไพเราะของคีตกวีที่ยิ่งใหญ่ที่สุดของโลก โน้ตเพลงสำหรับกีตาร์ได้รับการตีพิมพ์ในฉบับขนาดใหญ่ โรงเรียนที่มีผลการปฏิบัติงานอย่างมืออาชีพได้ปรากฏตัวขึ้นในหลายประเทศ ความสนใจในกีตาร์ยังคงเติบโตทุกที่ แม้แต่ในประเทศแถบแอฟริกาและเอเชียใต้ซึ่งมีวัฒนธรรมทางดนตรีที่โดดเด่นเป็นของตัวเอง

เป็นที่น่าสังเกตว่าสำหรับหลายๆ คน วัฒนธรรมดนตรีกีตาร์เป็นเครื่องดนตรีดั้งเดิมเพราะ มากมาย แนวดนตรี(โดยเฉพาะฟลาเมงโก, ดนตรีลาตินอเมริกา, คันทรี่, แจ๊ส, ร็อค, ฟิวชั่น) พึ่งพิงกีตาร์ในช่วงแรก ที่สำคัญก็คือความจริงที่ว่าในแต่ละประเภทกีตาร์ที่ได้มา ลักษณะเฉพาะ(รูปทรงของเครื่องดนตรี, ระบบ, คุณสมบัติของการผลิตเสียง, การลงจอด, การวางมือ). นอกจากนี้ ในศตวรรษที่ 20 กีตาร์มีรูปแบบและการออกแบบที่หลากหลายปรากฏขึ้นตามลำดับ เทคนิคการเล่นเครื่องดนตรีได้ก้าวไปสู่การพัฒนาในระดับใหม่ที่สูงกว่าในทศวรรษที่ผ่านมา 3 ดังนั้น คำถามเกี่ยวกับการพัฒนาทักษะทางเทคนิคของผู้เล่นกีตาร์จึงเกิดขึ้น ให้ความสำคัญกับปัญหาทางเทคนิคและวิธีการแก้ไขปัญหาในทุกขั้นตอนของการฝึกอบรม การพัฒนาที่เสนอขึ้นอยู่กับโรงเรียนของ E. Baev การวิเคราะห์มุมมองของครูและนักแสดงชั้นนำของรัสเซียเกี่ยวกับวิธีการฝึกอบรมทางเทคนิคตลอดจนประสบการณ์การทำงานของพวกเขาเอง วัตถุประสงค์ของการพัฒนาคือเพื่อพิจารณาและวิเคราะห์คู่มือการศึกษาและระเบียบวิธีของ E. Baev "School of Guitar Technique" และพิสูจน์ว่าวิธีการของเขามีส่วนสนับสนุนที่สำคัญและเกี่ยวข้องกับการสอนกีตาร์สมัยใหม่
ดังนั้น คำถามที่เกิดขึ้นเกี่ยวกับการพัฒนาทักษะทางเทคนิคของนักแสดงกีตาร์ ให้ความสำคัญกับปัญหาทางเทคนิคและวิธีการแก้ไขปัญหาในทุกขั้นตอนของการฝึกอบรม การพัฒนาที่เสนอขึ้นอยู่กับโรงเรียนของ E. Baev การวิเคราะห์มุมมองของครูและนักแสดงชั้นนำของรัสเซียเกี่ยวกับวิธีการฝึกอบรมทางเทคนิคตลอดจนประสบการณ์การทำงานของพวกเขาเอง

วัตถุประสงค์ของการพัฒนาคือเพื่อพิจารณาและวิเคราะห์คู่มือการศึกษาและระเบียบวิธีของ E. Baev "School of Guitar Technique" และพิสูจน์ว่าวิธีการของเขามีส่วนสนับสนุนที่สำคัญและเกี่ยวข้องกับการสอนกีตาร์สมัยใหม่

การตั้งค่าเป้าหมายนำไปสู่ชุดงานจำนวนมากในกระบวนการเขียนการพัฒนา:

1) พิจารณามุมมองของการสอนกีตาร์สมัยใหม่เกี่ยวกับการพัฒนาทักษะทางเทคนิคของนักเล่นกีตาร์

3) เพื่อให้คำแนะนำเกี่ยวกับระเบียบวิธีปฏิบัติสำหรับการแสดงละครที่ให้ความรู้ (etudes) ของ E.Baev งานเหล่านี้กำหนดโครงสร้างของการพัฒนาระเบียบวิธีซึ่งรวมถึงส่วนต่อไปนี้: บทนำ; ส่วนหลักประกอบด้วยสองย่อหน้า; บทสรุป; รายการบรรณานุกรม; ภาคผนวก ศูนย์กลางในการทำงานถูกครอบครองโดยส่วน - "ในคำถามของการก่อตัวของเทคนิคกีตาร์" ซึ่งอุทิศให้กับการศึกษาหนึ่งใน ปัญหาเร่งด่วนที่สุดของวิธีการสอนเล่นกีตาร์หกสายที่ทันสมัย: เงื่อนไขสำหรับการพัฒนาทักษะทางเทคนิคของนักเล่นกีตาร์ ส่วนหลักแบ่งออกเป็นส่วนย่อย

ในอนุวรรคแรก - "เกี่ยวกับแนวโน้มสมัยใหม่ในการพัฒนาเทคนิคกีตาร์" - โรงเรียนสอนเล่นกีตาร์ในปีที่ผ่านมาและที่ตีพิมพ์ในทศวรรษที่ผ่านมาได้รับการพิจารณาจากมุมมองของการศึกษาเฉพาะของปัญหา มีการพยายามทำความเข้าใจข้อดีและข้อเสียของ Guitar Schools ที่เผยแพร่ในประเทศของเรา ทัศนะของการสอนดนตรีแบบก้าวหน้าสมัยใหม่ได้รับการพิจารณาด้วย โดยพิจารณาว่างานด้านสื่อการสอน (etudes) เป็นวิธีที่สำคัญและมีประสิทธิภาพในการพัฒนาทักษะทางเทคนิคของนักแสดง

รายการย่อยที่สอง - "การวิเคราะห์วิธีการและประสิทธิภาพของอุปกรณ์ช่วยสอนของ E. Baev" School of Guitar Technique "- มีไว้สำหรับการพัฒนาระเบียบวิธี นักกีตาร์สมัยใหม่- นักแสดงและอาจารย์ Evgeny Baev มีการให้บันทึกชีวประวัติสั้น ๆ ซึ่งจำเป็นต้องเข้าใจว่าแนวคิดของ E. Baev ก่อตัวขึ้นอย่างไร พิจารณาองค์ประกอบหลักของวิธีการของผู้เขียนซึ่งมีระบุไว้ในคู่มือและในหน้าเว็บไซต์ของผู้เขียน พิจารณางานเกี่ยวกับ etudes ความสำคัญในการสร้างเทคนิคของนักกีตาร์ นอกจากนี้ยังวิเคราะห์ว่านวัตกรรมของระบบระเบียบวิธีของ E. Baev คืออะไรสิ่งที่เขาแนะนำในการสอนกีตาร์สมัยใหม่มีความเกี่ยวข้องอย่างไร

เกี่ยวกับการก่อตัวของเทคนิคของนักกีตาร์ (etudes)

1. เกี่ยวกับแนวโน้มที่ทันสมัยในการพัฒนาเทคโนโลยีกีตาร์

แม้ว่ากีตาร์จะได้รับความนิยมมากขึ้นเรื่อยๆ ในหมู่คนรักดนตรี แต่การเป็น "หน่วยแสดงคอนเสิร์ตอิสระ" ที่เพิ่งจัดตั้งขึ้นเมื่อไม่นานมานี้บนเวที กีตาร์ได้กลายเป็นเป้าหมายของความสนใจและการศึกษาโดยผู้เชี่ยวชาญอย่างใกล้ชิด

การสอนกีตาร์ในประเทศของเราได้ผ่านเส้นทางการพัฒนาอย่างแข็งขันในช่วง 20-30 ปีที่ผ่านมา แต่ยังเด็กเกินไปเมื่อเทียบกับเครื่องดนตรีชั้นนำในยุคของเรา ไวโอลินและเปียโน (สิ่งนี้อธิบายการขาดการวิจัยระเบียบวิธีขั้นพื้นฐาน)

โรงเรียนและแบบฝึกหัดการเล่นกีตาร์หกสาย

มีการตีพิมพ์และพิมพ์ซ้ำจำนวนมาก โรงเรียนและแบบฝึกหัดที่นิยมมากที่สุดคือโรงเรียนสอนเล่นกีตาร์หกสายของ P. Agafoshin, E. Puhol, M. Karkassy A. Ivanov-Kramskoy, A. Kravtsov และ School of Charles Duncan รวมถึงผู้สอนด้วยตนเองโดย E. Larichev, P. Veshchitsky
โรงเรียนเหล่านี้ส่วนใหญ่มีมากมายและมีประโยชน์ แนวทางที่คงไว้ซึ่งความสำคัญมาจนถึงทุกวันนี้ แต่พวกเขาไม่ได้มีการนำเสนอวิธีการสอนที่สมบูรณ์และครอบคลุมระบบการฝึกอบรมและการศึกษาของนักแสดง - นักกีตาร์ อย่างที่คุณทราบ โรงเรียนเป็นการสาธิตวิธีการสอนเฉพาะ ประสบการณ์ และผู้เขียน Schools ในช่วงหลายปีที่ผ่านมาส่วนใหญ่ จำกัด ตัวเองให้ร่างพื้นฐานของการปลูกและการวางมือและนิ้ว ข้อบ่งชี้ทางศิลปะอย่างหมดจดและคำอธิบายของเทคนิคการเล่นของแต่ละบุคคล ในขณะเดียวกัน วิธีการพัฒนาเทคนิคการเล่นกีตาร์ก็ถูกพัฒนาอย่างสุ่มเสี่ยงและยังไม่ครอบคลุมอย่างชัดเจน ดังนั้น จากโรงเรียนส่วนใหญ่ในปีที่ผ่านมา ครูจึงวาดเนื้อหาเกี่ยวกับดนตรีเป็นหลัก ไม่ใช่การคิดตามระเบียบวิธี และเป็นเวลานานสำหรับครูสอนกีตาร์ ปัญหาของการสอนการเล่นกีตาร์ที่สมบูรณ์แบบและคุณภาพสูงที่สุดนั้นเป็นเรื่องเฉพาะ ค้นหา โรงเรียนที่ดีที่สุดเกมที่ครอบคลุมทั้ง 6 เทคนิคและเทคโนโลยี ซึ่งเป็นวิธีการสอนเกมที่มีประสิทธิภาพสูงสุด เป็นวิธีการที่สำคัญที่สุดอย่างหนึ่งสำหรับครูสอนกีตาร์

ไม่เป็นความลับที่เมื่อสอนนักเรียน ครูมักจะใช้เฉพาะประสบการณ์ส่วนตัว ระลึกถึงความประทับใจจากบทเรียนแรกกับครูของเขา - ลำดับการกระทำที่เหมือนกัน แบบฝึกหัดเดียวกัน เพลงเดียวกัน ในเวลาเดียวกัน ถูกละเลยโดยสิ้นเชิงว่าเทคนิคเลียนแบบดังกล่าวอาจไม่เหมาะสำหรับนักเรียนรายใดรายหนึ่ง ไม่ต้องพูดถึงความจริงที่ว่าเวลาไม่หยุดนิ่งและการสอนกีตาร์ที่กำลังอยู่ในการพัฒนาอย่างแข็งขันสามารถไปข้างหน้าได้ไกล

ดังนั้น ในปัจจุบัน ทั่วโลกต่างให้ความสนใจอย่างจริงจังกับปัญหาทางเทคนิคและวิธีการแก้ไขในทุกขั้นตอนของการศึกษา แท้จริงแล้ว เพื่อที่จะถ่ายทอดเนื้อหาทางอารมณ์ของดนตรีได้อย่างเต็มที่ นักดนตรีและนักแสดงทุกคนต้องเชี่ยวชาญเทคนิคนี้ มีทักษะทางเทคนิคที่กำหนดไว้แล้วในการเล่นเครื่องดนตรีของเขา

องค์ประกอบของเทคนิคการเล่น ได้แก่ การวางแนวคอกีตาร์และสายกีตาร์ การติดต่อกับสตริงประเภทต่างๆ การแยกเสียง เน้นเสียง; จังหวะ; การประสานงานของการเคลื่อนไหวประเภทต่างๆ การได้ยิน-มอเตอร์ล่วงหน้า; ความเข้มข้น; ความคงอยู่และความหลากหลายของความสนใจ จิตเทคนิค การปรับปรุงองค์ประกอบแต่ละอย่างของเทคนิคการแสดงอย่างต่อเนื่องช่วยให้เกิดความชำนาญในระดับสูง ในอดีต ครูหลายคนเชื่อว่าเทคนิคของนักบรรเลงนั้นเกิดขึ้นจากการศึกษาแบบฝึกหัด สเกล และ etude เท่านั้น ซึ่งควรเป็นจุดสนใจของเขาเสมอ การเรียนรู้เทคนิคการเล่นอย่างใดอย่างหนึ่งบ่อยที่สุดมักดำเนินการผ่านการฝึกกลโดยวิธีการทำซ้ำข้อความที่มีปัญหาซ้ำ ๆ การสอนกีตาร์มักจะเป็นไปตามเส้นทางของ "การฝึก" ทางเทคนิค แบบฝึกหัดเกี่ยวกับเครื่องกล ทำให้จำนวนชั่วโมงที่ใช้ไปกับเครื่องดนตรีเพิ่มขึ้น ความยากลำบากในการเรียนรู้ทักษะการเล่นบางอย่างทำให้บทบาทด้านเทคนิคของการแสดงเกินจริง เป็นผลให้ระบบการสอนเกิดขึ้นที่ชั่วร้ายในสาระสำคัญของพวกเขาตั้งแต่ขั้นตอนแรกของการฝึกอบรมพวกเขาละเมิดหลักการของความสามัคคีของการพัฒนาศิลปะและเทคนิคของนักดนตรี

ในการสอนดนตรีสมัยใหม่ โรงเรียนจิตเทคนิคเริ่มแพร่หลายมากขึ้น โดยอาศัยวิธีการได้ยิน ซึ่งการออกกำลังกายแบบเครื่องกลช่วยหลีกทางให้การทำงานอย่างมีสติเกี่ยวกับเทคนิคยนต์ เน้นที่การเปิดเผย ความคิดสร้างสรรค์นักเรียนการก่อตัวของเทคโนโลยีบนพื้นฐานของการแสดงศิลปะและเป็นรูปเป็นร่างที่สดใสและมีความหมาย วิธีการได้ยินมีข้อดีอย่างมากเมื่อเปรียบเทียบกับวิธีการขับร้อง: ต้องใช้ความตระหนักที่ชัดเจนเกี่ยวกับจุดประสงค์ของการเคลื่อนไหว และการคาดหวังที่ชัดเจนของเสียงแต่ละเสียง อย่างไรก็ตาม วิธีการได้ยินและการเคลื่อนไหวทำหน้าที่เป็นสองด้านของกระบวนการเดียวกัน โดยมุ่งเป้าไปที่การพัฒนาเทคนิคการเล่นกีตาร์ร่วมกัน ทั้งสองวิธีมีสิทธิ์ที่จะมีอยู่ แต่เมื่อคำนึงถึงข้อมูลส่วนบุคคลและข้อมูลยานยนต์ของนักเรียนเท่านั้น ขึ้นอยู่กับข้อมูลเหล่านี้ กลยุทธ์การสอนทั่วไปควรถูกสร้างขึ้น: ในบางกรณี - ด้วยการจัดสรรงานดนตรีและศิลปะและทัศนคติที่ค่อนข้าง "สงบ" ต่อด้านเทคนิค ในส่วนอื่น ๆ - ด้วยความเอาใจใส่อย่างมากต่อเทคโนโลยี แต่ในการเชื่อมโยงอย่างเต็มที่กับการกำหนดงานทางศิลปะและความหมาย วิธีการที่สำคัญและมีประสิทธิภาพสำหรับการพัฒนาทางเทคนิคของนักแสดง การสอนแบบก้าวหน้าสมัยใหม่นั้นพิจารณาการทำงานกับสื่อการสอนทุกประเภท: ตาชั่ง แบบฝึกหัด etudes ด้วยงานทางเทคนิคปกติซึ่งใช้เวลาประมาณหนึ่งในสามของเวลาทำงาน ส่วนประกอบทั้งหมดของเครื่องมือมอเตอร์ (ความเร็ว / ความเร็วของการเคลื่อนไหว /, ความว่องไว, ความแข็งแรงและความทนทาน) จะยังคงอยู่ในระดับสูงอย่างต่อเนื่อง กระบวนการเรียนรู้จึงมีเหตุผลมากขึ้น 8 ขั้นตอนการเรียนดนตรีจะลดลงตามเวลาโดยการเรียนรู้ในแต่ละวัน การทำซ้ำสูตรดนตรีเดิมซ้ำๆ อย่างต่อเนื่อง ที่ นักแสดงหนุ่มทักษะมือถือที่เรียกว่าเกิดขึ้น เหล่านั้น. เมื่อลูกศิษย์เรียนวิชาหนึ่งได้ดี เขาก็สร้างทักษะง่ายๆ การทำงานเป็นเวลานานกับงานอื่น ๆ นำไปสู่การพัฒนาทักษะใหม่ที่เรียบง่าย เมื่อเล่นเครื่องชั่งจำนวนมาก แบบฝึกหัด ด้วยการศึกษาอย่างรอบคอบเกี่ยวกับ etudes จำนวนมาก ทักษะมือถือจะค่อยๆ พัฒนาขึ้น ซึ่งช่วยให้สามารถแก้ปัญหาทางเทคนิคที่ซับซ้อนโดยไม่ต้องเตรียมการเบื้องต้นมากนัก เมื่อวิธีการก่อนหน้าและ "วิธีการเปรียบเทียบ" ทำงาน . เส้นทางนี้นำไปสู่เทคนิคที่การพัฒนาศิลปะกีตาร์ระดับสูงสมัยใหม่ต้องการ อย่างไรก็ตาม หากนักเรียนจดจ่อกับความพยายามทั้งหมดของเขาในการศึกษางานศิลปะเท่านั้น และด้านเทคนิคได้รับการสอน "จากเครดิตสู่เครดิต" เส้นทางนี้ดูเหมือนไม่มีท่าว่าจะดี ท้ายที่สุด สิ่งที่นำมาสู่เวทีคอนเสิร์ตเป็นเพียงส่วนบนของ "ภูเขาน้ำแข็ง" ของงานการแสดง ในขณะที่ส่วนหลัก ("ใต้น้ำ") คืองานประจำวันเกี่ยวกับเนื้อหาทางเทคนิคที่ให้ความรู้ และที่นี่นักเรียนสามารถรับความเสี่ยงได้อย่างปลอดภัยโดยไม่ต้องกลัวว่าจะ "พูดคุย" กับอารมณ์ที่กำลังศึกษาเพราะไม่เหมือน งานศิลปะเขาไม่ได้ขึ้นเวที

เป็นที่ทราบกันดีว่า etude ไม่ได้เป็นเพียงการออกกำลังกายในเทคนิคประเภทใดประเภทหนึ่งเท่านั้น ในขั้นต้น etudes ตั้งใจที่จะพัฒนาทักษะทางเทคนิคในการเล่นเครื่องดนตรี แต่ด้วยการพัฒนาประเภทนี้จึงได้รับความสำคัญทางศิลปะ จึงเริ่มถูกตีความว่าเป็นผลงานชิ้นเอกที่สดใสหรือจิ๋วประเภทโหมโรง ดังนั้น etudes สามารถแบ่งออกตามเงื่อนไขได้เป็นสองประเภท: แบบฝึกสอน นั่นคือ แบบฝึกหัดที่ออกแบบเป็นบทละคร และแบบแสดงคอนเสิร์ต 9 ประสิทธิภาพของส่วนหลังเป็นตัวบ่งชี้ถึงระดับเทคนิคที่บรรลุแล้ว แทนที่จะเป็นวิธีการเพื่อให้บรรลุ ในขณะที่การศึกษาเชิงให้ความรู้มีค่ามากสำหรับการพัฒนาเทคโนโลยี เทคนิคทางเทคนิคที่ฝังอยู่ใน etudes เป็นสมบัติล้ำค่าสำหรับนักกีตาร์ ในการเลือกภาพสเก็ตช์ให้กับนักเรียน ครูต้องคำนึงถึง วงกลมกว้างหลากหลายปัจจัย Etudes ในจำนวนทั้งหมดควรครอบคลุมเทคนิคประเภทต่างๆ ที่พบในวรรณกรรมกีตาร์ให้ได้มากที่สุด ซึ่งมีส่วนช่วยในการสร้างรากฐานของ "โรงเรียน" ที่แสดง

etudes มีหลายกลุ่มสำหรับเทคนิคประเภทต่างๆ:

1. อาร์เพจจิโอ;

2. คอร์ดและช่วงเวลา

3. ทางเดินมาตราส่วน;

4. ลูกคอ;

5. เลกาโตและเมลิสมาทางเทคนิค

แน่นอนว่าการแบ่งดังกล่าวไม่ได้เป็นเพียงแผนกเดียว ไม่มีรายละเอียดเพียงพอ แต่การจัดระบบนี้ให้ผลลัพธ์ที่เป็นบวกอยู่แล้ว

เป็นสิ่งสำคัญที่ etude ที่เสนอให้กับนักเรียนนั้นเป็นไปได้ ตามกฎแล้วควรปฏิบัติตามหลักการของการเพิ่มความซับซ้อนเพื่อให้แน่ใจว่าทักษะด้านเทคนิคและศิลปะจะค่อยๆ มีประโยชน์มากที่จะกลับไปใช้วัสดุที่ครอบคลุม แต่การทำงานเกี่ยวกับเทคนิคการแสดงควรเป็นวัฏจักรเสมอ เช่น เกลียว เมื่อการกลับไปใช้เทคนิคที่เรียนรู้ก่อนหน้านี้เกิดขึ้นพร้อมกับความสลับซับซ้อนคงที่

การสอนแบบสมัยใหม่ดึงความสนใจไปที่ความจริงที่ว่าชั้นเรียนที่มุ่งพัฒนาเทคนิคการแสดงมีลักษณะของการพัฒนา และไม่ได้ทำเพื่อเทคนิคเดียวเท่านั้น และเพื่อให้พวกเขานำความสุขและความปรารถนาที่จะเรียนรู้ให้ลูกสร้างสรรค์ 10 และ วิธีการส่วนบุคคลซึ่งช่วยให้นักเรียนสามารถ "เติมการกระทำทางเทคนิคใด ๆ ด้วยดนตรี" นี่คือที่มาของคำถามเกี่ยวกับละครเทคนิค ความจริงก็คือการเรียนรู้การเล่นกีตาร์เบื้องต้นนั้นขึ้นอยู่กับการพัฒนาวรรณกรรมกีตาร์คลาสสิก ประกอบด้วยชั้นของประเภท etude ที่ร่ำรวยที่สุด ซึ่งเขียนโดยนักประพันธ์เพลงในช่วงสองศตวรรษที่ผ่านมา etudes คลาสสิก (M.Carcassi, M.Giuliani, F.Sora, D.Aguado) เป็นสิ่งที่ขาดไม่ได้ในการเสริมสร้างหลักการผลิตเสียง

อย่างไรก็ตาม ดนตรีของนักกีตาร์คลาสสิกไม่ได้คำนึงถึงความเป็นจริงสมัยใหม่เลย มีความสมบูรณ์แบบในแง่ศิลปะ มันเป็นประเพณี และสิ่งนี้ไม่ได้กระตุ้นความสนใจมากนักในหมู่นักเรียนสมัยใหม่ นอกจากนี้ยังมีข้อ จำกัด ในด้านปริมาณและไม่คำนึงถึงปัจจัยของการฟื้นฟูอายุ (7-8 ปี) ที่คมชัดของนักกีตาร์มือใหม่

ดังนั้นความพยายามของครูจำนวนมากในการขยายรายการการศึกษาและด้วยเหตุนี้จึงทำให้เกิดกระแสใหม่เข้าสู่กระบวนการสอนจึงเป็นที่เข้าใจ

2. การวิเคราะห์ตามระเบียบและประสิทธิภาพของตำราเรียนโดย E.Baev "School of Guitar Technique"

นักกีตาร์ นักแต่งเพลง และอาจารย์ชาวรัสเซีย Evgeny Anatolyevich Baev ก็ไม่ยอมแพ้เช่นกัน เกิดเมื่อวันที่ 15 กรกฎาคม พ.ศ. 2495 ในเมือง Pervouralsk เขต Sverdlovsk ในปี 1977 เขาสำเร็จการศึกษาจาก Ural Conservatory M.P. Mussorgsky ในชั้นเรียนกีตาร์ของ A.V. Mineev ในปี 1980 ร่วมกับ N.A. Komoliatov และ A.K. Frauchi เขากลายเป็นหนึ่งในผู้จัดงานเปิดชั้นเรียนกีตาร์ที่สถาบันสอนการสอนแห่งรัฐมอสโก กเนซิน ในปี 1988 เขาได้สร้างเครื่องดนตรีคู่ "Musical Miniatures" ในตเวียร์ (ไวโอลินและกีตาร์) ไปเที่ยวกับเขาในอิตาลี ฟินแลนด์ ฝรั่งเศส เยอรมนี ลัตเวีย สหรัฐอเมริกา ทั้งคู่มีมาเกือบยี่สิบปีแล้ว E.Baev ไม่ได้เป็นเพียงหนึ่งในนักกีตาร์ที่เก่งที่สุดในประเทศเท่านั้น แต่ยังรวมถึง นักแต่งเพลงชื่อดังได้รับการยอมรับในต่างประเทศและเผยแพร่ในยุโรป โน้ตของ E. Baev ขายไปทั่วโลก ละครของเขาสำหรับโรงเรียนดนตรีและโรงเรียนสอนดนตรี ตลอดจนการเรียบเรียงเพลงพื้นบ้านรัสเซีย ได้รับความนิยมอย่างกว้างขวาง โรงเรียนสอนกีตาร์ของเขาเป็นโรงเรียนเดียวที่ได้รับการยอมรับในอิตาลี ซึ่งเป็นแหล่งกำเนิดของดนตรี ขณะนี้มีการแพร่กระจายไม่เฉพาะในยุโรป แต่ยังรวมถึงในสหรัฐอเมริกา ญี่ปุ่น ออสเตรเลีย และละตินอเมริกาด้วย นักแต่งเพลงแต่งเพลงสำหรับกีตาร์ ไวโอลิน วิโอลา เชลโล บาลาไลกา ดอมรา และเครื่องดนตรีอื่นๆ เขาได้รับรางวัลสูงจากการแข่งขันนักประพันธ์เพลงนานาชาติในมอสโก (1999) เป็นผู้ได้รับรางวัลประกาศนียบัตรจากเทศกาลนานาชาติในสหรัฐอเมริกา (บัฟฟาโล) ในช่วงไม่กี่ปีที่ผ่านมา เขาสอนวิชากีตาร์ที่ Tver Music School No. 1 โดยสอนที่ Tver State University และ Music College เขาได้รับรางวัล 20 รางวัลจากการแข่งขันระดับนานาชาติและระดับ All-Russian

ดังที่ได้กล่าวไปแล้ว E.Baev เป็นผู้สร้างโรงเรียนการเล่นกีตาร์ของเขาซึ่งเกิดขึ้นจากกิจกรรมสร้างสรรค์ 12 ปี (มากกว่าสามสิบปี) ในขั้นต้น นี่คือสมุดบันทึก: “สำหรับมือกีต้าร์มือใหม่ Etudes and Exercises”, “35 Etudes for Beginner Guitarists”, “10 Etudes for Different Types of Techniques” และ 13 แบบดัดแปลงสำหรับเทคนิคประเภทต่างๆ จากการรวมกันของสมุดบันทึกเหล่านี้ หนังสือเรียนที่นำเสนอ "เทคนิคโรงเรียนกีตาร์" จึงเกิดขึ้น ประกอบด้วย 100 etudes - ชิ้นที่เขียนขึ้นเพื่อพัฒนาทักษะทางเทคนิคพื้นฐานของนักกีตาร์มือใหม่ และจัดกลุ่มตามเทคนิคกีตาร์ประเภทหลัก

มี 19 ส่วนในคู่มือ แต่ละส่วนมีความคิดเห็นเกี่ยวกับระเบียบวิธีโดยละเอียด ในบทนำจะมีการวิเคราะห์แนวคิดเกี่ยวกับทักษะทางเทคนิคของนักดนตรีและพิจารณาเงื่อนไขสำหรับการก่อตัวของพวกเขา ดังนั้นเงื่อนไขหลักสำหรับการพัฒนาเทคนิคดนตรีโดยรวมผู้เขียนเห็นความสามัคคีของวิธีการได้ยินและการเคลื่อนไหว (เขาเป็นผู้สนับสนุนโรงเรียนจิตเทคนิคสมัยใหม่) “เนื่องจากทักษะทางเทคนิคเป็นการกระทำที่นำไปสู่การทำงานอัตโนมัติ และไม่ต้องการการควบคุมอย่างมีสติในส่วนของนักแสดงอีกต่อไป การควบคุมการได้ยินที่มีสติสัมปชัญญะนี้ต้องได้รับการขยายให้สูงสุดในขั้นต้น….

การทำซ้ำเนื้อหาซ้ำแล้วซ้ำอีกยังห่างไกลจากการพัฒนาเทคนิคที่ดี การดำเนินการแบบอัตโนมัติ "เกิดขึ้นเอง" โดยไม่ได้ตระหนักถึงส่วนประกอบนั้นไม่ยืดหยุ่นและอาจ "ผิด" ได้ ทักษะที่เกิดขึ้นจากการรับรู้ในเบื้องต้นของส่วนประกอบทั้งหมดนั้นมีความยืดหยุ่น สามารถปรับปรุงและสร้างใหม่ได้อย่างง่ายดายหากนักแสดงต้องการ

น่าเสียดายที่การควบคุมการได้ยินไม่ได้ดำเนินการโดยอัตโนมัติโดยผู้เล่นเสมอไป ต้องพัฒนาความสามารถในการฟังและได้ยินเกมของคุณด้วย สัญญาณแรกของการทำงานทางเทคนิคที่ไม่ถูกต้องของนักดนตรีคือคุณภาพเสียงที่ไม่ดีพอ และแน่นอนว่าการควบคุมนั้นเป็นไปไม่ได้เมื่อเล่นด้วยความเร็วที่รวดเร็ว

การก้าวช้าๆ เท่านั้นจะช่วยให้คุณเชี่ยวชาญในเชิงคุณภาพหรือการกระทำนั้น ดังนั้นนักเรียนจึงต้องได้รับการปรับแต่งเป็นพิเศษในการทำงานอย่างช้าๆ และแน่นอน เราไม่ควรลืมว่าเทคนิคสำหรับนักดนตรีไม่ใช่จุดจบในตัวมันเอง แต่เป็นเพียงวิธีการถ่ายทอดเนื้อหาทางอารมณ์ของดนตรีเท่านั้น และเนื้อหาสำหรับงานด้านเทคนิคของนักเรียนไม่ควร "เป็นกลาง" ซึ่งช่วยลดความพยายามทั้งหมดในการออกกำลังกายทางกลของนิ้วมือ ดังนั้น etude ทั้งหมดที่รวมอยู่ในคู่มือนี้จึงเป็นแบบเป็นโปรแกรมและมีชื่อเชิงเปรียบเทียบที่น่าสนใจ ซึ่งเป็นตัวละครทางดนตรีของตัวเอง ซึ่งช่วยให้เรามองเห็นชิ้นส่วนเล็กๆ ในตัวมัน และสัมพันธ์กับการแสดงของพวกเขาทั้งทางอารมณ์และส่วนตัว

etudes ในคู่มือนี้จัดเรียงตามหลักการของความซับซ้อนที่เพิ่มขึ้น ในส่วนใดเกี่ยวกับการพัฒนาทักษะทางเทคนิค คุณสามารถเลือก etude สำหรับทั้งผู้เริ่มต้นและนักเรียนมัธยมปลาย สิ่งนี้ทำให้สามารถปรับปรุงเทคนิคของนักกีตาร์รุ่นเยาว์ได้ตลอดการศึกษาที่โรงเรียนดนตรี เมื่อการทำงานเกี่ยวกับเทคนิคกลายเป็นวัฏจักร (เหมือนเกลียว)

เมื่อได้ทดสอบวิธีการของ E. Baev ในงานของฉันแล้ว ฉันก็รู้ว่ามันสามารถเข้าถึงได้สำหรับนักเรียนของการฝึกอบรมด้านเทคนิคทุกระดับ มันสะดวกมากที่จะใช้เพราะ มีโอกาสที่จะเลือกภาพร่างที่ซับซ้อนสำหรับอุปกรณ์ทุกประเภทสำหรับแต่ละชั้นเรียน ละครเทคนิคที่นำเสนอโดยผู้เขียนทำให้เกิดการตอบสนองทางอารมณ์อย่างมากในหมู่นักเรียน เพิ่มความสนใจในชั้นเรียนโดยทั่วไป และความปรารถนาที่จะเรียนรู้ที่จะเล่นเครื่องดนตรีที่ซับซ้อนเช่นกีตาร์ต่อไป ดังนั้นฉันจึงตัดสินใจทำงานกับนักเรียนต่อไปตามวิธีการของ E. Baev

วันนี้ ความสนใจของคุณได้รับการเสนอสเก็ตช์สำหรับอุปกรณ์ประเภทต่างๆ จากหนังสือเรียนของ E. Baev ที่ดำเนินการโดยนักเรียนในชั้นเรียนของฉัน นอกจากนี้ จะมีการให้คำแนะนำเกี่ยวกับระเบียบวิธีสำหรับแต่ละการเรียบเรียงที่ดำเนินการ

วิธีการหลักในการสกัดเสียง

ตอนนี้จะมีเทคนิคแบบสากล - เทคนิค tirando ซึ่งสามารถใช้เมื่อเล่นกีตาร์ Etude E. Baeva "มด" ดำเนินการโดยอาจารย์ประจำชั้น ป.1 คันโดกี อนาสตาเซีย. งานของการศึกษานี้คือการพัฒนาคุณภาพของวิธีการหลักในการสกัดเสียง - ติรันโด ความยากลำบากคือการควบคุมตำแหน่งของมือขวาอย่างต่อเนื่อง ซึ่งไม่ควรกระโดด กระตุก และเคลื่อนไหวโดยไม่จำเป็น เนื่องจากเป็นการดำเนินการที่ประหยัดอย่างแม่นยำซึ่งทำให้เทคโนโลยีดนตรีสามารถพัฒนาได้ อีกวิธีหลักในการผลิตเสียงบนกีตาร์คือ apoyando ด้วยเทคนิคนี้และการใช้สามนิ้วของมือขวา การแสดงท่าทางถัดไปจะถูกเล่น

ดังนั้นภาพร่างของ E. Baev "วันนี้กำลังจะจากไป" ในการแสดงเดียวกัน จุดประสงค์ของการศึกษาความรู้สึกนึกคิดนี้ นอกเหนือจากการเรียนรู้เชิงคุณภาพของเทคนิค apoyando คือการพัฒนาความสามารถในการสลับสามนิ้วอย่างต่อเนื่อง - ฉัน ม. บ่อยครั้งเมื่อแสดง apoyando เช่นเดียวกับ tirando นักกีตาร์ใช้เพียงนิ้วเดียว - im หรือ (น้อยกว่า) am สิ่งนี้จำกัดความสามารถของเทคโนโลยีอย่างมากซึ่งเป็นตัวกำหนดการพัฒนา และแน่นอน มันสำคัญมากที่จะต้องคิดทบทวนการใช้นิ้วในลักษณะที่จะทำให้แน่ใจว่านิ้วของมือขวาเปลี่ยนจากเชือกเป็นเส้นได้อย่างเป็นธรรมชาติที่สุด และหลีกเลี่ยงสิ่งที่เรียกว่า "การไขว้กัน" นอกเหนือจากการเรียนรู้เทคนิคของ tirando และ apoyando แล้ว สิ่งสำคัญคือต้องควบคุมข้อความในมาตราส่วนให้เชี่ยวชาญด้วย คุณสามารถเริ่มทำงานกับสิ่งเหล่านี้ได้ในรูปแบบของบันทึกย่อมาตราส่วนขนาดเล็ก

Etude "Flicker" มีไว้สำหรับเทคนิคประเภทนี้ จะดำเนินการโดยครูของชั้นประถมศึกษาปีที่ 2 คูโตวา เถาวัลย์.

ดังที่ได้กล่าวไปแล้ว etude มีองค์ประกอบของข้อความที่คล้ายเกล็ด การควบคุมซึ่งต้องใช้การประสานกันอย่างแม่นยำของมือทั้งสองข้าง เฉพาะกับการทำงานของเครื่องเกมเท่านั้นที่จะสามารถดำเนินการทางด่วนและชิ้นส่วนที่ซับซ้อนอื่น ๆ ได้ นอกจากนี้ การทำงานกับความเฉลียวฉลาดนี้ด้วยการใช้นิ้วช่วยให้เราแก้ปัญหาการพัฒนาความแข็งแกร่งและความเป็นอิสระของนิ้วมือซ้ายทั้งหมดได้ โดยเฉพาะข้อที่ 4
การศึกษาครั้งต่อไปทำให้คุณสนใจในการควบคุมการรับ arpeggios ควรสังเกตว่าผู้แต่งเช่นเดียวกับใน etudes อื่น ๆ ที่นี่กำหนดจังหวะของงานด้วยคำว่า "Comodo" - สะดวกสบายที่ความเร็วปานกลาง สิ่งนี้ทำให้ผู้เล่นสามารถควบคุมการได้ยินได้อย่างต่อเนื่อง

Etude E. Baeva "Elegy" ดำเนินการโดยครูชั้นประถมศึกษาปีที่ 2 นอร์โดเนวา อามินา

เมื่อเล่นเสียง arpeggio บ่อยครั้งที่มือซ้ายทำงานแบบสแตติกมากกว่า และมือขวามีไดนามิกมากกว่า ดังนั้นงานหลักประการหนึ่งของภาพร่างนี้คืองานประหยัดของมือขวาโดยไม่มีการเคลื่อนไหว "พิเศษ" โดยเฉพาะอย่างยิ่ง นักกีตาร์ต้องแน่ใจว่าแปรงไม่กระตุกหรือกระเด้ง งานอื่นของ etude นี้คือความสม่ำเสมอของเสียงของเสียงคอร์ดที่เล่นต่อเนื่องกัน จำเป็นต้องพยายามทำให้แน่ใจว่าพวกมันเหมือนกันทั้งในพละกำลังและในเสียงต่ำ หากปราศจากการควบคุมการได้ยินอย่างต่อเนื่องและการเล่นอย่างช้าๆ เป้าหมายนี้ก็ไม่สามารถทำได้

การศึกษาเชิงคุณภาพของ etude นี้มีส่วนช่วยในการพัฒนาความสม่ำเสมอของเสียงของโน้ตทั้งหมดของ arpeggio

การทำงานของมือขวาอาจมีหลายรูปแบบเมื่อทำ arpeggios จนถึงรูปแบบที่ไม่ใช่แบบดั้งเดิมโดยใช้ e-finger หากโครงสร้างของมือเอื้ออำนวย (e-finger จะอ่อนกว่าและสั้นกว่าส่วนอื่นๆ ทั้งหมด)

etudes ของคอลเลกชั่นเป็นวัสดุที่หลากหลายมากสำหรับการเคลื่อนไหวอย่างละเอียดของมือขวาใน arpeggio
สุนทรียภาพต่อไปที่จะฟังดูก็คือการฝึกเทคนิคการแสดง arpeggios ซึ่งเรียกว่า "White Cloud" เล่นเป็นนักเรียนชั้น ป.4 เรมิซอฟ อเล็กซี่. การศึกษานี้มีความโดดเด่นด้วยเสียงจำนวนมาก ต้องขอบคุณการใช้อาร์เพจจิโอแบบผสมที่เรียกว่า และความกลมกลืนสมัยใหม่ที่ซับซ้อน สำหรับงานทั้งหมดที่ระบุไว้ข้างต้นสำหรับการเรียนรู้เทคนิค arpeggio นี่คือการเพิ่มการพัฒนาความแข็งแกร่งและความทนทานของมือขวา ซึ่งทำงานแบบไดนามิกมากกว่ามือซ้าย หากเมื่อเชี่ยวชาญเทคนิค arpeggio นักกีตาร์จำเป็นต้องควบคุมการได้ยินอย่างต่อเนื่องในการแยกเสียงคอร์ดที่ต่อเนื่องกัน ดังนั้นเมื่อเชี่ยวชาญเทคนิคคอร์ด สิ่งสำคัญคือต้องตรวจสอบให้แน่ใจว่าเสียงทั้งหมดของมันรวมเข้าด้วยกันนั่นคือเสียง ของคอร์ดจะต้องถูกดึงออกมาพร้อมกันและด้วยแรงเดียวกัน etudes ที่เสนอจำนวนมากของคู่มือนี้จะช่วยหาความพร้อมกันของเสียงคอร์ด

หนึ่งในนั้น - "ฤดูใบไม้ร่วง" - จะดังขึ้น อีแบฟ. Etude "ฤดูใบไม้ร่วง". ดำเนินการโดยอาจารย์ประจำชั้น ป.3 Bzheumikhova ลิลลีแอนนา เพื่อให้บรรลุเป้าหมายของการศึกษาการศึกษานี้ - การเปล่งเสียงทั้งหมดพร้อมกันของคอร์ด - นิ้วมือ a ฉัน ต้องอยู่ใกล้ พวกเขาต้องสัมผัสกันทำงานเหมือนนิ้วเดียว จากนั้นแรงกระตุ้นหนึ่งจะถูกส่งไปยังสตริง อย่างไรก็ตามในเรื่องนี้สิ่งสำคัญคือต้องรู้สึกถึงการวัด การกดนิ้วเข้าหากันแน่นจะทำให้มือตึงโดยไม่จำเป็น นอกจากนี้ เมื่อเกมดังกล่าวได้รับการแก้ไข การเลือกเสียงใด ๆ ในคอร์ดเพิ่มเติมจะเป็นไปไม่ได้ และผลงานโพลีโฟนิกจำนวนมากจะไม่สามารถเข้าถึงได้สำหรับนักแสดงคนนี้

งานพร้อมกันในการแยกเสียงจะเหมือนกันเมื่อเชี่ยวชาญเทคนิคการทำโน้ตคู่
ร่างต่อไปโดย E. Baev "Two Friends" ทุ่มเทให้กับการพัฒนาทักษะนี้ จะดำเนินการโดยนักเรียนชั้นประถมศึกษาปีที่ 2 กีเซียวา คามิลล่า.

เพื่อให้ได้เสียงที่กลมกลืนกันเมื่อเล่นเป็นช่วง ๆ จำเป็นต้องนึกถึงการใช้นิ้วของมือซ้ายเพื่อให้นิ้วใดนิ้วหนึ่งยังคงอยู่บนสาย "ผูก" ไว้ ในกรณีนี้ มือที่พิงนิ้วนี้ จะสามารถ "ขับ" ขึ้นไปได้ และนิ้วอื่นๆ จะไปยังตำแหน่งที่ถูกต้องได้ง่ายขึ้น นอกจากนี้ยังช่วยควบคุมการมองเห็นของนิ้วที่นำการเคลื่อนไหวไปตามคอได้เป็นอย่างดี ในการศึกษานี้ ตำแหน่งของมือซ้ายมักจะเปลี่ยนไป ดังนั้นจึงจำเป็นต้องตรวจสอบให้แน่ใจว่าในระหว่างการเปลี่ยนแปลงดังกล่าว มือจะไม่เปลี่ยนการหมุนที่สัมพันธ์กับคอ

โน้ตคู่ที่แตกสลายเป็นเรื่องธรรมดาในละครกีตาร์ ตามกฎแล้วไม่มีปัญหาเพิ่มเติมสำหรับมือซ้ายในกรณีนี้ - นิ้วทั้งสองของโน้ตแต่ละชุดจะถูกวางไว้บนสายพร้อมกัน การกระทำของมือขวาเปลี่ยนไป นักกีตาร์เลือกอัลกอริธึมที่เหมาะสม บ่อยครั้ง p-finger เล่นโน้ตตัวล่างของช่วงเวลา ในขณะที่โน้ตบนเล่นสลับกันโดยใช้นิ้ว i และ m อัลกอริทึมดังกล่าวควรได้รับการฝึกฝนแยกจากกัน โดยฝึกการดำเนินการที่ชัดเจนในสตริงที่เปิดอยู่

เมลิสมาส

เกี่ยวกับการแสดงเทคนิคต่อไปนี้ ได้แก่ เมลิสมา ซึ่งรวมถึงโน้ตเกรซ มอร์เดนท์ gruppettos และ trills ที่แสดงบนกีตาร์ ไม่มีมาตรฐานเดียวในวรรณกรรมดนตรี หากในการตกแต่งดนตรีโบราณทำหน้าที่ในการเอาชนะปัญหาเสียงที่จางหายไปอย่างรวดเร็วของเครื่องดนตรีที่ไม่สมบูรณ์นั้นในเวลาต่อมาพวกเขาก็กลายเป็นส่วนหนึ่งของวิธีการแสดงออก
ความสนใจของคุณได้รับเชิญให้เข้าร่วมสเก็ตช์ "ลาปากแข็ง" ของ E.Baev ในการแสดงเดียวกัน

เสียงไพเราะสำหรับการควบคุมประสิทธิภาพของบันทึกย่อที่มีเครื่องหมายกากบาทสั้น ๆ มันจะดีกว่าที่จะเริ่มทำงานกับวัสดุทางเทคนิคดังกล่าวโดยไม่ต้องใช้บันทึกย่อ หลังจากเชี่ยวชาญด้านจังหวะของงานแล้ว คุณสามารถเริ่มเล่น etude ได้ด้วยโน้ตที่สง่างาม เทคนิคการแสดงทั้งเกรซโน้ตและเมลิสมาอื่นๆ ทั้งหมดนั้นแทบจะเกิดขึ้นพร้อมกันกับเทคนิคเลกาโต ทุกคนรู้ดีว่าเลกาโตเป็นการแสดงเสียงที่สอดคล้องกัน แต่กีตาร์ legato มีความเฉพาะเจาะจง - เรียกว่า "เทคนิค" เพื่อไม่ให้สับสนกับ legato ที่ "มีความหมาย" ซึ่งเกี่ยวข้องกับการดำเนินการที่ราบรื่นของวลีดนตรี

กีต้าร์ legato มีสามประเภทตามวิธีการดำเนินการ:

1. ไรซิ่ง เลกาโต

2. จากมากไปน้อย legato

3. Legato บนสายต่าง ๆ

ตอนนี้เสียง etude จะดังขึ้น ซึ่งใช้ทั้งแบบขาขึ้นและขาลง

Etude E Baeva "Moth" ดำเนินการโดยครูชั้นประถมศึกษาปีที่ 4 อุซฮาโฮวา ทามารา.

จุดประสงค์ของความไพเราะนี้คือเพื่อให้ได้เสียงที่นุ่มนวลที่สุดเท่าที่จะเป็นไปได้ของโน้ตที่ผูกไว้ทั้งหมด ในการทำเช่นนี้ เป็นที่พึงปรารถนาที่จะเริ่มทำงานกับ etude โดยการเล่นเนื้อหาดนตรีในลักษณะปกตินั่นคือเพราะไม่มี legato เพราะ ในช่วงเริ่มต้นของการเรียนรู้การเล่นกับ legato มักจะกลายเป็นง่อย ๆ หลังจากที่งานจังหวะได้รับการแก้ไขแล้วเท่านั้นจึงจะสามารถเริ่มทำงานได้อย่างถูกต้อง

นักกีต้าร์ยังจำเป็นจะต้องตรวจสอบให้แน่ใจว่านิ้วที่เตะออกนั้นว่างและการตีนั้นต้องกัดและแม่นยำระหว่างการเล่น Legato เมื่อแสดงเทคนิคจากมากไปน้อย สิ่งสำคัญคือต้องวางนิ้วทั้งหมด ซึ่งเป็นงานที่จำเป็นสำหรับการเล่น legato ที่กำหนด ในเวลาเดียวกัน ฉันต้องการเสริมว่าไม่มีสิ่งใดพัฒนาความแข็งแกร่งและความเป็นอิสระของนิ้วมือซ้ายได้เหมือนกับการทำงานกับ Legato นอกจากนี้ นี่เป็นเหตุผลที่ดีที่จะตรวจสอบการตั้งค่าอุปกรณ์การแสดงที่ถูกต้องเพิ่มเติม เพราะหากมือของนักกีตาร์ไม่ขนานกับฟิงเกอร์บอร์ด แต่ยืน "เหมือนไวโอลิน" เมื่อทำมุมกับมันแล้ว แรงตึงของมือมากเกินไป จะกลายเป็นสิ่งที่หลีกเลี่ยงไม่ได้ คุณภาพ Legato ก็จะได้รับผลกระทบเช่นกัน

barre

หนึ่งในเทคนิคพื้นฐานและซับซ้อนที่สุดของเทคนิคกีตาร์คือ barre

มีเหตุผลมากที่สุดที่จะเริ่มต้นการควบคุม barre กับ barre ขนาดเล็กหรือ half-barre ซึ่งนิ้วชี้กดสายสองสามหรือสี่สาย

การศึกษาร่าง "Waves" ของ E. Baev จะมีส่วนช่วยในการพัฒนาเทคนิคนี้ จะดำเนินการโดยนักเรียนชั้นประถมศึกษาปีที่ 2 คูลิฟ อัสเตเมียร์.

จุดประสงค์ของการศึกษานี้คือเพื่อเสริมสร้างนิ้วมือซ้ายและเตรียมนิ้วให้พร้อมสำหรับท่าใหญ่ ผลงานของนักกีตาร์รุ่นเยาว์จะมีประสิทธิภาพมากขึ้น หากไม่วางนิ้วอื่นๆ ทั้งหมดบนนิ้วชี้ นิ้วหัวแม่มืออยู่กับ ด้านหลังคอพร้อมกับดัชนีทำให้เกิด "หนีบผ้า" อย่างไรก็ตาม ในเวลาเดียวกัน ไม่จำเป็นต้องอยู่ตรงข้ามกับนิ้วชี้ สามารถวางเฉียง อยู่ใต้นิ้วกลาง หรือแม้แต่อยู่ไกลออกไปทางนิ้วนาง ในกรณีนี้ "ราวหนีบผ้า" จะเป็น "มุมเอียง" เพื่อให้ใช้แรงกดที่ด้ามน้อยลง นอกจากนี้ ตำแหน่งของนิ้วโป้งยังมีประโยชน์สำหรับการเคลื่อนไหวแบบเปลือย

หลังจากทำท่อนไม้เล็กๆ ด้วยวิธีนี้ จะทำให้เชี่ยวชาญ barre ขนาดใหญ่ได้ง่ายขึ้น

เมื่อพูดถึงละครเทคนิคที่นำเสนอในคู่มือของ E. Baev เป็นไปไม่ได้ที่จะเพิกเฉยต่อ etudes สำหรับการควบคุมเอฟเฟกต์เสียง

ในการสร้างสิ่งเหล่านี้คุณสามารถใช้โลหะวัตถุแก้วกระดาษฟอยล์ไม้ขีดและอื่น ๆ อีกมากมาย เทคนิคหนึ่งที่นักกีตาร์ชื่นชอบคือการเลียนแบบเสียงกลองบ่วง ซึ่งทำได้โดยการเล่นบนสายไขว้สองสาย การพัฒนาเทคนิค "กลอง" ได้รับการอำนวยความสะดวกโดยการศึกษา Etude "การต่อสู้" ซึ่งคุณจะได้ยินในการแสดงเดียวกัน
เทคนิค "กลอง" ดำเนินการโดยการข้ามสายที่ห้าและสายที่หก เมื่อนิ้วชี้ของมือขวาลากสายที่ห้าไปอยู่ใต้สายที่หก และนิ้วโป้งยกสายที่หกขึ้นเล็กน้อยแล้วนำไปที่สายที่ห้า จากนั้นเขาก็นำสายที่หกมาทับสายที่ห้าและ "คลุม" สตริงนี้ด้วย เป็นไปได้ที่จะข้ามสายโดยใช้นิ้วของมือซ้ายเท่านั้น แต่ด้วยวิธีการใด ๆ ในการข้ามสายจำเป็นต้องตรวจสอบให้แน่ใจว่าจุดข้ามนั้นอยู่เหนือความหงุดหงิดของคอกีตาร์และดัชนีอย่างเคร่งครัด นิ้วต้องกดทั้งสองสายอย่างแน่นหนา เอฟเฟกต์เสียงอีกอย่างที่เล่นบนกีตาร์คือแทมบูรีน

แทมบูรีนเป็นเครื่องเคาะจังหวะแบบตะวันออกโบราณ

ในการสร้างเอฟเฟกต์เสียง คุณต้องตีสายใกล้กับขาตั้งด้วยนิ้วโป้งขวา

การศึกษา "Echo" ทุ่มเทให้กับการเรียนรู้เทคนิคนี้ จะดำเนินการโดยครูชั้นประถมศึกษาปีที่ 3 Bzheumikhova ลิลลีแอนนา เพื่อให้เลียนแบบเสียงแทมบูรีนได้ สิ่งสำคัญคือต้องเป่าให้กัด การเคลื่อนไหวคล้ายกับการเขย่าน้ำจากมือหรือการเขย่าเทอร์โมมิเตอร์ มือขวาควรว่างให้มากที่สุด

การระเบิดสามารถทำได้ "จากจุดนั้น" ไม่จำเป็นต้องใช้วงสวิงแบบพิเศษ ในระหว่างการแยกเสียง อาจมีการเลื่อนแปรงไปที่ขาตั้งเล็กน้อย ซึ่งคล้ายกับ "การหล่อลื่น" ของการเป่า นิ้วหัวแม่มือควรขนานกับน็อต จุดที่กระทบกับสายยาว 3-5 ซม.

หนึ่งในเทคนิคที่แสดงออกมากที่สุดของเทคนิคกีตาร์คือ tremolo ซึ่งสร้างภาพลวงตาของเสียงของเครื่องดนตรีสองชิ้น "Tremolo" - แท้จริงแล้ว - "เสียงสั่น" ในเพลง การพัฒนาเทคนิคนี้จะอำนวยความสะดวกโดยการทำงานเกี่ยวกับ etude "Barcarolle" จะดำเนินการโดยครูของชั้นประถมศึกษาปีที่ 4 อุซฮาโฮวา มิเลนา

จุดประสงค์ของการศึกษาความเฉลียวฉลาดนี้คือเพื่อให้ได้เสียงที่เท่ากันของตัวโน้ตที่ทำซ้ำทั้งหมด คุณต้องเริ่มฝึกฝนเทคนิคนี้อย่างช้าๆ และค่อยๆ เร่งขึ้น การเคลื่อนไหวของนิ้วมือขวาควรเคลื่อนไหวและชัดเจน และขอแนะนำให้จับมือเพื่อให้นิ้วอยู่ใกล้ ๆ จากนั้นจึงต้องใช้ความตึงเครียดน้อยลงในการเล่น ลูกคอมีหลายแบบ Etude ที่เสนอนั้นดำเนินการโดย pami เวอร์ชัน "คลาสสิก"
การศึกษาต่อไปนี้สามารถแนะนำสำหรับการเรียนในระดับมัธยมศึกษาตอนต้นและมัธยมปลายได้เนื่องจาก สำหรับประสิทธิภาพของมัน จำเป็นต้องมีหูโพลีโฟนิกที่ค่อนข้างพัฒนามาอย่างดี

Etude E. Baeva "Romance" จะให้เสียงในการแสดงเดียวกัน

การแสดงท่าทางประกอบเป็นสามส่วน โดยเสียงหนึ่งมีบทบาทรอง เป็นการบรรเลงประกอบกับการเคลื่อนไหวของเสียงหลัก วิธีที่ง่ายที่สุดในการเรียนรู้เทคนิคการเล่นโพลีโฟนีคืองานสองเสียงซึ่งเสียงจะ "ในทางกลับกัน"

ในการเล่นงานโพลีโฟนิก นักดนตรีต้องการความสามารถในการได้ยินเสียงทั้งหมดพร้อมกันและแยกแต่ละเสียงออกจากกัน ทำความเข้าใจปฏิสัมพันธ์ของเสียง การพัฒนาการได้ยินดังกล่าวอำนวยความสะดวกโดยการร้องเพลง: คุณสามารถร้องเพลงแต่ละเสียงแยกกัน (โดยไม่ต้องใช้เครื่องดนตรีหรือเครื่องดนตรี) คุณสามารถร้องเพลงหนึ่งเสียงและเล่นส่วนที่เหลือ คุณสามารถร้องเพลงหนึ่งเสียง เล่นทั้งหมด งาน. เวลาที่ใช้ในงานนี้ส่งผลดีต่อคุณภาพของผลงานอย่างแน่นอน

นอกจากนี้ เมื่อทำการโพลีโฟนี การควบคุมพิเศษของนิ้วของมือขวาเป็นสิ่งสำคัญ: จำเป็นต้องพัฒนาความสามารถในการเปล่งเสียงที่สว่างกว่าหรือเงียบกว่าด้วยนิ้วใดๆ (ในคู่มือผู้เขียนเสนอแบบฝึกหัดเพื่อพัฒนาทักษะดังกล่าว)

วี คู่มือการเรียน E.baeva มีส่วนที่เรียกว่า "เทคโนโลยีประเภทรวม" ภาพร่างที่รวมอยู่ในนั้นประกอบด้วยเทคโนโลยีหลายประเภทรวมกัน ระดับความซับซ้อนของ etudes เหล่านี้ก็แตกต่างกัน หลายคนต้องการระดับที่จริงจังมากจากนักแสดง - ทั้งด้านเทคนิคและศิลปะ

อีทูดี้ "Gypsy Girl" สร้างขึ้นจากการใช้เทคนิคกีตาร์ประเภทต่างๆ เช่น ไปข้างหน้า ข้างหลัง และผสมอาร์เพจจิโอ เลกาโตทางเทคนิค เทคนิคคอร์ด; โพลีโฟนี Etude E. Baeva "Gypsy" จะดำเนินการโดยครูชั้นประถมศึกษาปีที่ 4 อุซฮาโฮวา ทามารา.
บทสรุป

โดยสรุป ฉันต้องการเสริมว่า etudes ที่นำเสนอต่อความสนใจของคุณเป็นเพียงส่วนเล็ก ๆ ของละครจาก "School" ของ E. Baev เพราะ ภายในเวลาที่กำหนดไว้สำหรับการสัมมนา เป็นไปไม่ได้ที่จะครอบคลุมงานในหนังสือเรียนครบร้อยเรื่อง แต่จากการศึกษาคำถามแต่ละข้อที่เปล่งออกมาในวันนี้ นักเรียนทำงานด้วยความกระตือรือร้นและอารมณ์ที่เพิ่มขึ้น ด้วยวิธีการที่ดูเหมือนสื่อการสอนที่ "แห้งแล้ง" นี้ กระบวนการของการเรียนรู้ทักษะทางเทคนิคจึงมีความสร้างสรรค์ เกิดผล และมีประสิทธิภาพมากขึ้น เราสามารถพูดได้อย่างปลอดภัยว่าการใช้ etudes - ชิ้นโดยนักแต่งเพลง E. Baev ในการทำงานกับนักเรียนมีส่วนช่วยในการสร้างรากฐานของโรงเรียนการแสดงของนักกีตาร์นักเรียน ท้ายที่สุด ระบบระเบียบวิธีของเขาโดดเด่นด้วยความสะดวก การเข้าถึง และความสม่ำเสมอในการนำเสนอเนื้อหา นอกจากนี้ ยังได้เน้นย้ำประเด็นบางอย่างที่ยังไม่ได้รับการให้ความสนใจในคู่มืออื่นๆ สำหรับนักกีตาร์ โดยเฉพาะระบบการหาทักษะการเล่นกีตาร์ หลักการบางประการของการใช้นิ้วขวา และเนื่องจากแนวโน้มสมัยใหม่ในเทคโนโลยีกีตาร์ ปัจจัยของการเคลื่อนไหวอย่างเข้มข้นของมือซ้ายไปตาม fretboard มากขึ้น ภาระทางด้านขวาก็เพิ่มขึ้นตามลำดับ - ต้องใช้ความแม่นยำและรายละเอียดมากขึ้น งาน. นอกจากนี้ยังมีเนื้อหาทางเทคนิคสำหรับการเรียนรู้เทคนิคที่ไม่ใช่แบบดั้งเดิม ซึ่ง e-finger จะเปิดใช้งานเมื่อเล่น arpeggios และคอร์ด ส่องสว่างและ เทคนิคแหวกแนวงาน p-finger ("วิธีรถรับส่ง")

ในตอนท้ายของการทำงาน ควรสังเกตว่าในรัสเซีย ความนิยมของกีตาร์หกสายนั้นเพิ่มขึ้นอย่างต่อเนื่อง การสอนกีตาร์มีการเปลี่ยนแปลงและพัฒนาอย่างแข็งขัน วิธีการใหม่ในการสอนเครื่องดนตรีกำลังเกิดขึ้น "โรงเรียน" ของ E. Baev ครองสถานที่สำคัญในระบบการสอนกีตาร์ในปัจจุบันทั้งในประเทศและต่างประเทศ

บทเพลงทางเทคนิคสำหรับเด็กและเยาวชนของนักแต่งเพลงช่วยครูของโรงเรียนดนตรีเด็กและโรงเรียนสอนศิลปะสำหรับเด็กในงานสอนชั้นสูงของพวกเขาและสามารถอำนวยความสะดวกในการพัฒนากีตาร์สำหรับนักเรียนในขณะที่แนะนำเด็ก ๆ ให้รู้จักกับดนตรีกีตาร์สมัยใหม่ที่ดีอย่างต่อเนื่อง สามารถแนะนำผลงานเป็นสื่อการสอนสำหรับครูโรงเรียนดนตรีเด็กและโรงเรียนสอนศิลปะเด็ก

รายการบรรณานุกรม

1. Aleksandrova M. ABC ของนักกีตาร์ - ม., 2553

2.Baev E. โรงเรียนเทคนิคกีตาร์. - ม., 2554

3. บอริเซวิช D. การเพิ่มประสิทธิภาพของการพัฒนาดนตรีและเทคนิคของนักเรียนกีตาร์ในระยะเริ่มต้นของการฝึกอบรม - ม., 2553

4. Gitman.A. การฝึกพื้นฐานกีตาร์หกสาย - ม., 1995

5. Domogatsky V. เจ็ดขั้นตอนของความเชี่ยวชาญ - ม., 2547

6. Kuznetsov V. วิธีการสอนเล่นกีตาร์ - ม., 2553

7. Mikhailenko N. วิธีการสอนการเล่นกีตาร์หกสาย - เคียฟ, 2003

8. โรงเรียนภูหลอี. เล่นกีตาร์หกสาย. - ม., 1992

9. Shumev L. เทคนิคของนักกีตาร์ - ม., 2555

ภาคผนวก อีเมล: [ป้องกันอีเมล] | [ป้องกันอีเมล]

สถาบันการศึกษางบประมาณเทศบาล

การศึกษาเพิ่มเติมสำหรับเด็ก "โรงเรียนศิลปะเด็ก Urmar"

เขต Urmarsky ของสาธารณรัฐ Chuvash

ระเบียบวิธี

"การพัฒนาทักษะการทำงานอิสระในคลาสกีตาร์"

ดำเนินการ:ครู

MBOUDOD "โรงเรียนศิลปะเด็ก Urmarskaya"

Mikhailova Margarita Pavlovna

Urmary - 2014

บทนำ…………………………………………………………………….3

ระบบการศึกษาที่บ้าน………………………………………………….4

การเตรียมนักเรียนสำหรับกิจกรรมอิสระ……………… 5

เงื่อนไขพื้นฐานในการพัฒนาทักษะการทำงานอิสระ………. แปด

เมื่อทำงานชิ้นดนตรี…………………………… 12

การพัฒนาความเป็นอิสระทางดนตรีและการแสดง…………….13

สรุป……………………………………………………………………………………… 15

รายชื่อแหล่งที่ใช้……………………………………...17

บทนำ.

“งานที่สำคัญที่สุดของโรงเรียน คือ ความตื่นเต้นและชาญฉลาด

คู่มืออิสระของนักเรียน

จีเอ laroche

การลงทะเบียนเด็กในโรงเรียนดนตรีเป็นขั้นตอนที่จริงจังและมีความรับผิดชอบ เพื่อที่จะ นักดนตรีหนุ่มสามารถรับมือกับงานใหม่ที่ยากสำหรับเขาได้สำเร็จ เพื่อให้การพัฒนาความสามารถทางดนตรีของเขาดำเนินไปอย่างประสบความสำเร็จ การช่วยเหลือเขาในเวลาที่เหมาะสมและมีความสามารถเป็นสิ่งสำคัญมาก

การพัฒนาความรักในดนตรีมีความสัมพันธ์อย่างใกล้ชิดกับความสนใจในการศึกษา - ไม่เพียง แต่ในบทเรียนของครูเท่านั้น แต่ยังรวมถึงการบ้านอิสระด้วยเครื่องดนตรีด้วย จำเป็นต้องสอนนักเรียนตั้งแต่วัยเด็กถึงความจริงที่ว่าศิลปะต้องการการทำงานอย่างต่อเนื่องและหนักหน่วงซึ่งความสมบูรณ์แบบในการแสดงนั้นเกิดขึ้นเฉพาะในกระบวนการทำงานระยะยาวและมีเป้าหมาย ในทักษะนี้ ความสนใจและความรักในดนตรีเป็นที่ประจักษ์ ซึ่งนำไปสู่ความสำเร็จตามเป้าหมายที่ตั้งไว้สำหรับตนเอง ครูมีหน้าที่ช่วยนักเรียนในสิ่งที่เขายังไม่สามารถเชี่ยวชาญได้ด้วยตัวเอง จำเป็นต้องสอนวิธีทำที่บ้านโดยตรงซึ่งงานที่นำไปสู่เป้าหมายทางศิลปะที่สั้นที่สุด

เค.ดี. Ushinsky เรียกการสอนว่าเป็นศิลปะ "ศิลปะขั้นสูงสุดและจำเป็นที่สุด" การสื่อสารและการจ้างงานกับครูในห้องเรียนและนอกห้องเรียนมีส่วนทำให้นักเรียนได้รับความรู้และทักษะทางวิชาชีพ นำไปสู่การพัฒนาความสามารถที่ครอบคลุมอย่างกลมกลืนการก่อตัวของทัศนคติต่อการทำงานความคิดสร้างสรรค์การรับรู้ถึงวิธีการฝึกอบรมและการศึกษาซึ่งแน่นอนว่าจะมีผลดีต่อกิจกรรมในอนาคตของพวกเขา

ครูควรเป็นศิลปินในการทำงานร่วมกับนักเรียน เสมอในการค้นหาภาพที่สดใสและมีสีสันมากที่สุด เพื่อให้ได้วิธีที่ง่ายที่สุดและสมเหตุสมผลที่สุดในการแก้ปัญหาศิลปะที่ซับซ้อน ความเอื้ออาทรความปรานีปราดเปรียวความคิดสร้างสรรค์ของเขาควรก่อให้เกิดความรักในดนตรีและศิลปะแก่นักเรียน เพื่อเสริมสร้างเจตจำนงที่จะเอาชนะความยากลำบากความปรารถนาที่จะเชี่ยวชาญวิธีการทางเทคนิคและการแสดงออกทั้งหมด

I. Lesman เขียนว่า:“ นักดนตรีไม่สามารถบังคับได้ - เขาสามารถถูกไฟเผาอย่างสร้างสรรค์และอุดมคติทางสังคมระดับสูง ความรักในงานศิลปะและงานสอน เชื่อมั่นโดยการตีความผลงานที่มีเหตุผลทางศิลปะและความสมเหตุสมผลของวิธีการในการพัฒนาทักษะการแสดง ดึงดูดด้วยวิธีการที่ละเอียดอ่อนต่อคุณลักษณะเฉพาะของพรสวรรค์และอารมณ์ เพื่อพิชิตด้วยหลักการอันสูงส่งและมนุษยชาติที่แท้จริง”

เป็นสิ่งสำคัญที่เด็กจะต้องค้นพบภาษาดนตรีที่สวยงามสำหรับตัวเองแม้ว่าจะอยู่ในรูปแบบที่เรียบง่ายก็ตาม ทันทีที่เด็กเริ่มทำความคุ้นเคยกับเครื่องดนตรี จำเป็นต้องให้ความสนใจด้านการได้ยินกับความงามและความแตกต่างของเสียงและความกลมกลืน จำเป็นต้องสอนให้เขาฟังและได้ยินเสียงที่รวมอยู่ในทำนอง การได้ยินเป็นเพียงการได้ยินเสียงรอบข้าง การฟังคือการฟังคุณภาพของเสียง ความสวยงามของเสียงดนตรี แต่ละเสียงจะต้องทำราวกับว่ามันมีค่าอิสระ มันมีประโยชน์มากที่จะดึงความสนใจของเด็กไปสู่เสียงของธรรมชาติรอบตัวเราเพราะดนตรีทั้งหมดมีต้นกำเนิดมาจากพวกเขา

การสอนดนตรีเป็นศิลปะที่ต้องการจากผู้ที่อุทิศตนเพื่ออาชีพนี้ ความรักอันยิ่งใหญ่ และความสนใจในงานของตนอย่างไม่มีขอบเขต ครูไม่ควรนำสิ่งที่เรียกว่า "เนื้อหา" ของงานมาให้นักเรียนเท่านั้น ไม่ใช่แค่ทำให้เขาติดเชื้อ บทกวีแต่ยังให้การวิเคราะห์รูปแบบความกลมกลืนเมโลดี้พลิ้วไหว งานหลักของครูคือการปลูกฝังให้นักเรียนรู้จักความเป็นอิสระของการคิดและวิธีการทำงานซึ่งเรียกว่าวุฒิภาวะหลังจากนั้นการเรียนรู้จะเริ่มขึ้น

มีการเขียนขึ้นมากมายสำหรับกีตาร์ ระเบียบวิธี. เหล่านี้เป็นผลงานของ N.P. Mikhailenko "วิธีการสอนการเล่นกีตาร์หกสาย", Yu.P. Kuzin "The ABC of the Guitarist", Ch. Duncan "ศิลปะแห่งการเล่นกีตาร์", M.E. Bessarabov "องค์กรการบ้าน"

ระบบการบ้าน

BA เขียนถึงความสำคัญของการบ้าน Struve: “ครูสอนดนตรีทุกคนรู้ดีว่าอะไรคือความสำคัญของการศึกษาการบ้านที่ดีในการศึกษาดนตรีและการแสดง ดินนี้ซึ่งวิธีการและระบบที่ถูกต้องสำหรับการพัฒนาทักษะการแสดงในกระบวนการศึกษาให้ผลอันมีค่าของพวกเขา และการเก็บเกี่ยวที่สมบูรณ์สามารถทำได้ในที่ที่มีดินนี้เท่านั้น

การสร้างระบบการบ้านที่มีเหตุผลที่สุดคือหนึ่งในปัญหาหลักของการสอนดนตรี

ควรเข้าใจระบบการฝึกซ้อมที่บ้านของนักกีตาร์ในฐานะองค์กรและวิธีการดำเนินการดังกล่าว ซึ่งมุ่งเป้าไปที่การใช้เวลาทำงานให้เกิดประสิทธิผลสูงสุดสำหรับนักเล่นกีตาร์-นักเรียน ในการทำงานอิสระของแต่ละคนนอกห้องเรียน

เงื่อนไขที่สำคัญที่สุดสำหรับการบ้านที่ได้ผลสำหรับนักเรียนคือการพัฒนาความคิดริเริ่มรอบด้านและทักษะการทำงานที่เป็นอิสระ โดยธรรมชาติแล้วบุคคลนั้นมีความรู้สึกเป็นอิสระความปรารถนาที่จะสัมผัสและลองตัวเอง ในความปรารถนาที่จะปกป้องสิทธิของตน เด็กๆ แสดงความพากเพียรเป็นพิเศษ บ่อยครั้งที่ผู้ปกครองและครูไม่คำนึงถึงความคิดของเด็กคนนี้ ดังนั้นงานหลักของครูคือความจำเป็นในการค้นหาแนวทางส่วนบุคคลสำหรับเด็กแต่ละคน ระบุและพัฒนาสิ่งที่ดีที่สุดที่อยู่ในความสามารถของเขา ความสำเร็จของครูขึ้นอยู่กับว่าเขาเจาะลึกถึงลักษณะของมนุษย์และดนตรีของนักเรียนมากแค่ไหน

“ระบบการบ้านประกอบด้วยสองด้าน คือ เชื่อมโยงอย่างใกล้ชิดและพึ่งพาอาศัยกัน ประการแรก โหมดการจ้างงาน แนวคิดซึ่งรวมถึงการกำหนดจำนวนรวมของเวลาทำงานที่จำเป็น การกระจายภายในวันทำการ การกระจายของวัสดุที่กำลังศึกษา ลำดับและลำดับของงาน ประการที่สองวิธีการฝึกอบรมนั่นคือวิธีการศึกษาการฝึกอบรมและการเอาชนะปัญหาเฉพาะ” K.G. เขียน มอสทราส

การเตรียมนักเรียนสำหรับกิจกรรมอิสระ

คุณค่าของยุคแรกในการสอนศิลปะใด ๆ นั้นยากที่จะประเมินค่าสูงไป ในช่วงเดือนแรกเป็นสิ่งสำคัญที่จะสามารถดึงดูดใจเด็กด้วยการเรียนดนตรีเพื่อพัฒนานิสัยในการทำงานในตัวเขาซึ่งเป็นการวางรากฐานสำหรับการเรียนรู้ที่ประสบความสำเร็จในปีต่อ ๆ ไป ไม่เพียงแต่จากครูเท่านั้นแต่จากผู้ปกครองด้วยขึ้นอยู่กับความสำเร็จของลูกจะเรียนที่โรงเรียนดนตรี

ครูควรพัฒนาความสนใจในการเรียนดนตรี แสดงให้เห็นว่าการบ้านที่ทำได้ดีนำไปสู่ผลลัพธ์ใด การเลี้ยงดูนักเรียนเป็นไปไม่ได้หากไม่มีการทำงานอย่างตั้งใจในการได้มาซึ่งทักษะการทำงานอิสระ พัฒนาความคิดริเริ่มสร้างสรรค์ในห้องเรียน ในระยะเริ่มต้นของการฝึกอบรม ครูปลุกความคิดริเริ่มของนักเรียนในกระบวนการของบทเรียน ในตอนแรก นักเรียนเรียนรู้ที่จะทำตามคำแนะนำของครูอย่างมีความหมายเท่านั้น

“ครูไม่ควรแนะนำมากเกินไป อย่างแรกเลย เขาควรแนะนำนักเรียนให้รู้จักกับกระบวนการค้นหาและการค้นพบที่สนุกสนานอย่างอิสระ” นักเปียโนชื่อดัง K. Martinsen กล่าว

หากละเลยสิ่งนี้ ในระยะเริ่มต้นของการฝึกอบรม อาจมีอันตรายจากการให้ความรู้แก่นักเรียนในฐานะ "หุ่นยนต์" ที่เป็นนักแสดงกล วิธีการของ "การฝึกสอน" สร้างความประทับใจที่หลอกลวงเกี่ยวกับพรสวรรค์ของนักเรียน การเปลี่ยนผ่านสู่ความเป็นอิสระควรค่อยเป็นค่อยไปและระมัดระวัง สิ่งสำคัญคือนักเรียนควรได้รับมอบหมายงานสำหรับการศึกษาอิสระที่มีอยู่ตามระดับของทักษะที่เขาได้รับและไม่ทำสิ่งที่เขาสามารถจัดการได้ด้วยตนเอง หากในช่วงเริ่มต้นของการฝึกอบรมนักเรียนได้รับคำสั่งให้แก้ปัญหาเบื้องต้นอย่างอิสระเช่นจัดเรียงนิ้วเลือกตำแหน่งที่จำเป็นค้นหาจังหวะจากนั้นเมื่อพัฒนาการทางความคิดทางดนตรีเติบโตขึ้นก็สามารถให้เขาได้มากขึ้น งานที่ซับซ้อน คุณสามารถเสนอให้นักเรียนเลือกงานตามระดับการเตรียมตัวสำหรับการศึกษาอิสระ ความปรารถนาของนักเรียนที่จะเรียนรู้งานนี้จะเป็นแรงจูงใจที่ดีในการทำงาน

บทเรียนจะกลายเป็นเครื่องมือการเรียนรู้ที่มีประสิทธิภาพได้ก็ต่อเมื่อทำการบ้านของนักเรียนอย่างเข้มข้นเท่านั้น อยู่ในห้องเรียนที่ครูใช้วิธีการเหล่านั้นในการทำงานซึ่งต่อมากลายเป็นวิธีการทำงานอิสระของนักเรียน ความสำเร็จของการบ้านถูกกำหนดโดยเนื้อหาของบทเรียน ความสามารถของครูในการเตรียมนักเรียนให้พร้อมสำหรับกิจกรรมอิสระอย่างเหมาะสม

ใช้เวลาในการสอนนักเรียนในห้องเรียนและการบ้านมากแค่ไหน

วันในสัปดาห์

ทำงานในชั้นเรียนพิเศษ

1 ชั่วโมง

1 ชั่วโมง

การบ้าน

2 ชั่วโมง

2 ชั่วโมง

2 ชั่วโมง

2 ชั่วโมง

2 ชั่วโมง

2 ชั่วโมง

2 ชั่วโมง

จากแผนภาพนี้วาดขึ้นตามหลักสูตรจะเห็นได้ว่านักเรียนทำงานกับครูในห้องเรียนเป็นเวลาสองชั่วโมงต่อสัปดาห์ นี้ไม่เพียงพอสำหรับการดูดซึมสื่อการศึกษาที่มั่นใจและลึกล้ำ ส่วนใหญ่เป็นการศึกษาด้วยตนเอง งานของชั้นเรียนคือการเตรียมนักเรียนให้พร้อมสำหรับงานสร้างสรรค์ที่เป็นอิสระ มันสำคัญมากที่จะต้องจัดระเบียบการบ้านของคุณอย่างเหมาะสม สิ่งสำคัญสำหรับนักเรียนคือต้องเข้าใจว่าการเรียนกีตาร์อย่างเป็นระบบเป็นเงื่อนไขหลักในการเรียนรู้ศิลปะการแสดง ในเด็กคนนี้ ความช่วยเหลือจากผู้ปกครองเป็นสิ่งที่จำเป็นอย่างยิ่ง โดยเฉพาะอย่างยิ่งหากเด็กอยู่ในวัยประถม ครูต้องให้การศึกษาแก่นักเรียนด้วยจิตวิญญาณแห่งความพากเพียร ทำให้เขาคุ้นเคยกับการทำงานหนักอย่างอิสระทุกวัน เคล็ดลับของความสำเร็จทางดนตรีสามารถรู้ได้เฉพาะกับผู้ที่รู้เคล็ดลับของความพากเพียรเท่านั้น

ในสัปดาห์แรกของการฝึก นักเรียนเรียนรู้ที่จะเดินนิ้วไปตามสายและเฟรต กิจกรรมที่ยากลำบากนี้ต้องใช้ความอดทนและความเอาใจใส่เป็นอย่างมากทั้งในส่วนของนักเรียนและในส่วนของผู้ปกครอง เนื่องจากเด็กอายุ 7-8 ปีไม่สามารถมีสมาธิกับงานดังกล่าวได้นานกว่าสองสามนาที . ที่นี่นักเรียนต้องการความช่วยเหลือจากผู้ปกครองในบทเรียนแรก ขั้นแรก คุณต้องเชี่ยวชาญเทคนิค arpeggio บนกีตาร์ นิ้วของมือขวาควรมองเห็นและได้ยิน การเคลื่อนไหวของนิ้วมือขวาจะวิเคราะห์ได้ง่ายขึ้นเมื่อไม่เกี่ยวข้องกับมือซ้าย arpeggio ที่ง่ายที่สุดคือการขึ้น p - i - m - a เป็นสิ่งสำคัญที่นักเรียนจะต้องปฏิบัติตามการเคลื่อนไหวของมือทั้งสองข้างในระหว่างเกม การประกบระหว่างมือขวาและมือซ้ายมีความสำคัญมาก

ควรจำไว้ว่าการคิดเชิงนามธรรมในเด็กเล็กยังไม่เกิดขึ้นอย่างสมบูรณ์ ดังนั้นในการบ้านสำหรับเครื่องดนตรี คุณต้องเน้นที่ .ก่อน ความคิดสร้างสรรค์. งานอิสระทั้งหมดควรดำเนินการในการควบคุมการได้ยินอย่างต่อเนื่อง คุณควรดำเนินการบทเรียนควบคุมที่เลียนแบบการบ้านเป็นระยะ ครูไม่ควรเข้าไปยุ่งในกระบวนการ แต่ควรสังเกต แสดงความคิดเห็นเป็นครั้งคราว เมื่อจัดระเบียบการบ้านของนักเรียน ครูต้องทำความคุ้นเคยกับสภาพชีวิต วิถีชีวิต ติดต่อกับผู้ปกครอง และช่วยสร้างกิจวัตรประจำวัน

ความสำเร็จของการเรียนรู้ขึ้นอยู่กับว่าชั้นเรียนของครูในห้องเรียนเป็นอย่างไรและการบ้านที่เป็นอิสระของนักเรียนโต้ตอบกัน จำเป็นต้องสอนเด็กให้เข้าใจดนตรี เสียงไม่ควรเป็นเพียงทางกายภาพเท่านั้น แต่ยังรวมถึงดนตรีด้วย สื่อถึงความงาม ไม่ใช่แค่ระยะเวลา ระดับเสียง เสียงต่ำ ทำให้งานดนตรีที่แสดงไม่สะท้อนภาษาของโน้ตดนตรี แต่แสดงถึงปรากฏการณ์ทางศิลปะบางอย่าง

ด้วยความสามารถในการเข้าถึงและความเรียบง่ายที่ชัดเจน กีตาร์จึงเป็นเครื่องดนตรีที่ซับซ้อน เด็กที่นั่งเล่นเครื่องดนตรีต้องแก้ปัญหาหลายอย่างพร้อมๆ กัน เล่นดนตรีได้อย่างมีประสิทธิภาพ อ่านโน้ตได้อย่างถูกต้อง สังเกตจังหวะ การใช้นิ้ว ความแตกต่าง แก้ปัญหาจังหวะ จังหวะ พิจารณา อัตราส่วนที่ถูกต้องท่วงทำนองและดนตรีประกอบ ฟัง ลงเสียง และร้องวลีและประโยคดนตรีด้วยมือขวาของคุณ ตรวจสอบการประสานงานของมือทั้งสองอย่างต่อเนื่อง ต้องใช้เวลาพอสมควรในการเรียนรู้และฝึกฝนบนฟิงเกอร์บอร์ดกีตาร์

IP Pavlov สอนว่า: "จงหลงใหลในงานของคุณ!" นักเรียนต้องทำงานอย่างเป็นระบบโดยไม่ยึดติดกับอารมณ์ชั่วขณะ PI Tchaikovsky เขียนว่า: “แรงบันดาลใจคือแขกที่ไม่ชอบไปเยี่ยมคนเกียจคร้าน เธอมาหาคนที่โทรหาเธอ แม้แต่บุคคลที่มีตราประทับของอัจฉริยภาพก็จะไม่เพียงแต่สร้างผู้ยิ่งใหญ่เท่านั้น แต่ยังสร้างคนทั่วไปด้วยหากเขาไม่ได้ทำงานอย่างชั่วร้าย คุณต้องทำในลักษณะที่คุณจะได้ผลลัพธ์ที่ดีที่สุดโดยใช้เวลาและความพยายามน้อยที่สุด เริ่มเรียนอย่างใดอย่างหนึ่ง เพลงประกอบละครคุณควรเข้าใจความหมายกำหนดวิธีการทำงานเป็นตัวแทนของเป้าหมายสูงสุด I. Hoffman นักเปียโนชื่อดังกล่าวว่า "สมาธิเป็นตัวอักษรตัวแรกในตัวอักษรแห่งความสำเร็จ

งานอิสระควรดำเนินการในสภาพแวดล้อมของการควบคุมการได้ยินอย่างต่อเนื่อง “ฉันเล่น ฉันฟัง ฉันตัดสินตัวเอง” พี. คาซาลส์ กล่าว

ความสามารถ, ความปรารถนาอย่างแข็งขันที่จะได้รับทักษะ, ความสามารถ, ความรู้พัฒนาก่อนอื่นในการทำงานอิสระของนักเรียน งานอิสระของนักเรียนเป็นส่วนหนึ่งของกระบวนการศึกษา ซึ่งประกอบด้วยสองส่วน:

งานอิสระของนักเรียนโดยตรงที่บทเรียน

การบ้านตามที่ได้รับมอบหมายในบทเรียน

ส่วนเหล่านี้มีความเกี่ยวข้องกันอย่างใกล้ชิด ยิ่งงานอิสระของนักเรียนในห้องเรียนเข้มข้นมากเท่าไร ก็ยิ่งมีประสิทธิภาพมากขึ้นเท่านั้นที่บ้านและในทางกลับกัน เงื่อนไขหลักสำหรับงานอิสระที่มีประสิทธิผลและมีคุณภาพสูงของนักเรียนคือคำชี้แจงที่ชัดเจนเกี่ยวกับงานที่เขาเผชิญ ความสำเร็จของการบ้านของนักเรียนขึ้นอยู่กับความชัดเจนของครูในการจัดทำ กำหนดลำดับการดำเนินการ และระบุการบ้าน สิ่งสำคัญคือต้องจำไว้ว่า ประการแรก ทักษะการทำงานที่เป็นอิสระควรได้รับการสอนในห้องเรียน ประการที่สอง งานใหม่ใด ๆ ที่เสนอให้ทำงานอิสระควรยึดตามสิ่งที่ได้เรียนรู้ก่อนหน้านี้ภายใต้การแนะนำของครู

“ ทุกชั้นเรียนควรถูกจัดเรียงในลักษณะที่ชั้นถัดไปจะยึดตามชั้นก่อนหน้าเสมอและชั้นก่อนหน้านั้นแข็งแกร่งขึ้นด้วยชั้นถัดไป” - Kamensky Ya

เงื่อนไขหลักสำหรับการพัฒนาทักษะการทำงานอิสระ

ครูควรอธิบายให้นักเรียนทราบถึงความสำคัญของการเตรียมการที่บ้านอย่างอิสระสำหรับบทเรียนและบทบาทที่มีต่อการพัฒนาและปรับปรุงนักเรียนต่อไป การบ้านด้วยเครื่องดนตรีควรรวมไว้ในวงกลมกิจกรรมทั่วไปของนักเรียน และรวมไว้ในตารางประจำวันของเขาด้วย ไม่สามารถคาดหวังผลลัพธ์ที่ดีได้หากไม่ทำการบ้านเป็นประจำ หากนักเรียนเล่นครึ่งชั่วโมงในวันนี้และสี่ชั่วโมงในวันพรุ่งนี้ หากเวลาของชั้นเรียนเปลี่ยนแปลงทุกวัน

การทำระบบการปกครองที่เหมาะสมเป็นสิ่งสำคัญอย่างยิ่ง ครูน่าจะช่วยได้มากที่นี่ สำหรับงานอิสระ คุณต้องจัดสรรเวลาให้คงที่มากขึ้นหรือน้อยลงทุกวัน สิ่งที่สำคัญอย่างยิ่งสำหรับประสิทธิภาพของการบ้านคือการกระจายเวลาทำงาน

ในงาน "ระบบการบ้านนักไวโอลิน" K.G. Mostras เขียนว่า: “กฎการสอนที่พยายามและทดสอบมาแล้วกล่าวว่า: ดีกว่าที่จะทำไม่มากแต่สม่ำเสมออย่างเป็นระบบ ดีกว่าพยายามที่จะชดเชยเวลาที่เสียไปโดยการเล่นหลายชั่วโมงในหนึ่งวัน “ระบบดังกล่าวไม่มีประโยชน์ อาจทำให้มือที่ “เล่นมากเกินไป” และทำให้สภาพการทำงานต้องหยุดชะงักไปเป็นเวลานาน” ดังนั้นคุณต้องฝึกฝนตัวเองอย่างเป็นระบบและทุกวัน

นักเปียโนและครูของเลนินกราด N. Golubovskaya กล่าวว่า: “คนที่เล่นสิบชั่วโมงต่อวันเป็นกระดูกขี้เกียจที่ใหญ่ที่สุด การเล่นเป็นเวลาสิบชั่วโมงด้วยความสนใจอย่างเต็มที่มีให้สำหรับบางคนเท่านั้น โดยปกติ "ความเพียร" ดังกล่าวจะไม่มีอะไรมากไปกว่าความปรารถนาที่จะแทนที่การทำงานของจิตสำนึกด้วยการกระทำทางกลที่ไม่ต้องการความสนใจ

ทางที่ดีควรฝึกดนตรีในช่วงเช้า หากไม่สามารถทำได้ แนะนำให้ฝึกก่อนเตรียมบทเรียน คุณยังสามารถแบ่งเวลาของการเรียนดนตรีออกเป็นหลายๆ ส่วน เพื่อให้เด็กสามารถสลับไปมาระหว่างการเตรียมบทเรียนและการเล่นเครื่องดนตรี นักจิตวิทยากล่าวว่าการเปลี่ยนแปลงกิจกรรมดังกล่าวจะช่วยให้เด็กเหนื่อยน้อยลงและทำมากขึ้นในช่วงเวลาเดียวกัน นักเรียนโรงเรียนดนตรีและศิลปะไม่สามารถอุทิศเวลามากในการเล่นเครื่องดนตรีได้ นอกจากการเข้าเรียนและเตรียมบทเรียนแล้ว พวกเขายังต้องอ่านหนังสือ สื่อสารกับคอมพิวเตอร์ ไปดูหนังและโรงละคร ดูคอนเสิร์ตและเล่นกีฬา ไม่เช่นนั้นพวกเขาจะเติบโตเป็นคนที่มีวัฒนธรรมไม่เพียงพอและร่างกายไม่แข็งกระด้าง ดังนั้นครูควรให้ความสนใจเป็นพิเศษกับการปรับปรุงคุณภาพการบ้าน เพื่อให้นักเรียนคุ้นเคยกับการเรียนในปีแรกในลักษณะที่ไม่เสียเวลาแม้แต่นาทีเดียว

เหตุใดจึงสำคัญที่ต้องคิดทบทวนตารางเวลาของวัน ควรร่างขึ้นเพื่อให้ในห้องที่เด็กกำลังเรียนอยู่มีเงื่อนไขที่จำเป็นสำหรับสิ่งนี้ในชั้นเรียน: ไม่ได้เปิดทีวีหรือวิทยุไม่มีการสนทนาที่มีเสียงดัง ฯลฯ

สำหรับเรียนดนตรี สำคัญมากมีสมาธิจดจ่อ มีสมาธิ จดจ่อกับงาน

การบ้านต้องเป็นระบบทุกวัน การปฏิบัติเป็นประจำเท่านั้นที่เป็นประโยชน์ ถ้าเด็กเรียนก่อนบทเรียนเท่านั้น งานดังกล่าวไม่ได้ผลเพราะสิ่งที่ได้รับจากความพยายามร่วมกันของนักเรียนและครูในบทเรียนนั้นสูญหายไปมากจนไม่มีอะไรเลย เพื่อพัฒนานิสัยของกิจกรรมประจำวัน จำเป็นต้องแสดงความพยายามอย่างเข้มแข็งทั้งต่อเด็กและสำหรับผู้ปกครอง เด็กก่อนวัยเรียนและนักเรียนชั้นประถมปีที่ 1 ไม่ค่อยมีความสามารถในการทำงานที่มีสมาธิเป็นเวลานาน ความสนใจของพวกเขายังคงไม่แน่นอน พวกเขาไม่สามารถจดจ่อกับสิ่งใดสิ่งหนึ่งได้เป็นเวลานาน เมื่อทำการบ้านก็เป็นสิ่งสำคัญเช่นกันที่จะไม่บังคับให้ลูกทำสิ่งใดสิ่งหนึ่งเป็นเวลานาน แม้ว่าคุณจะออกกำลังกายประมาณยี่สิบนาที แต่จริงๆ แล้ว ให้พักช่วงสั้นๆ (เล่น วิ่งไปรอบๆ ห้อง) แล้วกลับไปเรียนใหม่อีกครั้ง อย่างน้อยก็เล็กน้อย แต่ก้าวไปข้างหน้าจะสำเร็จ!

บทเรียนควรนานแค่ไหน? โดยเฉลี่ยแล้ว สำหรับเด็กอายุ 7 ขวบ บทเรียนรายวัน 30-40 นาทีก็เพียงพอแล้ว สำหรับนักเรียนระดับมัธยมต้นและมัธยมปลาย - มากถึงสอง สองชั่วโมงครึ่งต่อวัน

เพื่อเพิ่มประสิทธิภาพของการบ้านอิสระของนักเรียน อันดับแรกในบทเรียน จำเป็นต้องอภิปรายและจัดสรรเวลาที่นักเรียนควรใช้กับการบ้านแต่ละประเภท ตัวอย่างเช่น: ตาชั่ง - 20-30 นาที, etudes - 30-40 นาที, วัสดุศิลปะ - 1 ชั่วโมง

การกระจายเวลาเรียนนี้มีเงื่อนไขมาก ในที่สุดก็กำหนด สื่อการศึกษา, ความยากและเหตุผลอื่นๆ อีกหลายประการ นอกจากนี้ การแบ่งเวลาขึ้นอยู่กับความต้องการและความสามารถของนักเรียนแต่ละคน เมื่อมีข้อบกพร่องในอุปกรณ์ทางเทคนิค คุณควรอุทิศเวลาให้กับตาชั่ง แบบฝึกหัด และ etudes มากขึ้น และในทางกลับกัน เมื่อถึงระดับเทคนิคที่กำหนดแล้ว เราสามารถเสริมสร้างบทเรียนในส่วนต่างๆ ได้ ขอแนะนำให้แบ่งเวลาสำหรับการศึกษาด้วยตนเองออกเป็นสองส่วน เช่น ครึ่งหนึ่ง

ไม่แนะนำให้ออกกำลังกายต่อเนื่องนานกว่าหนึ่งชั่วโมง การสังเกตพบว่าการทำงานที่หลากหลายเป็นวิธีป้องกันความเหนื่อยล้าที่สำคัญที่สุด ควรหลีกเลี่ยงการทำงานที่ยาวนานในการออกกำลังกายที่เป็นเนื้อเดียวกันและชิ้นส่วนที่ซ้ำซากจำเจ

ครูแต่ละคนมีวิธีการทำงานกับผู้ปกครองเป็นของตัวเอง ครูบางคนยินดีต้อนรับผู้ปกครองในห้องเรียน ขอให้ผู้ปกครองจดความคิดเห็นทั้งหมดของครู และศึกษาร่วมกับเด็กเหมือนเดิม ในทางกลับกัน บางคนพยายามตั้งแต่ต้นเพื่อพัฒนาความเป็นอิสระในการทำงานของนักเรียน โดยให้งานที่เฉพาะเจาะจงและเข้าถึงได้ในระยะเริ่มแรก

ในตอนแรกผู้ปกครองของนักเรียนสามารถเตือนเขาว่าเป็นเวลาเรียนและต้องแน่ใจว่านักเรียนศึกษาจริงในช่วงเวลาที่กำหนด ในอนาคตตัวเด็กเองจะต้องจำสิ่งนี้ไว้ ควรสังเกตความเงียบในระหว่างชั่วโมงฝึกเครื่องดนตรี ไม่มีอะไรจะเบี่ยงเบนความสนใจของนักเรียน ที่บ้าน คุณต้องจำไว้ว่าการเรียนดนตรีต้องการความสนใจเป็นอย่างมาก ซึ่งไม่ใช่เรื่องง่ายที่จะออกกำลังกาย

ในการสนทนากับผู้ปกครองของนักเรียน ครูพูดถูกเสมอ โดยเน้นย้ำถึงความสำคัญของการสร้างระบบการปกครองที่จำเป็นสำหรับการบ้าน ในท้ายที่สุด การแบ่งเวลาดังกล่าวควรมีระเบียบวินัย จัดระเบียบนักเรียน และให้ผลลัพธ์ที่เป็นบวก

กระบวนการทำงานอิสระของนักเรียนควรมีสติมากที่สุด เงื่อนไขที่จำเป็นสำหรับมันควรจะมีการควบคุมตนเองในการได้ยิน "การวิจารณ์ตนเอง" และการกำจัดข้อบกพร่องที่สังเกตเห็นได้ทันที “ระหว่างเกมของคุณ” นักเปียโนและครูชาวรัสเซียผู้โด่งดัง A.N. Esipova กล่าว “จงฟังเธอตลอดเวลา ราวกับว่าคุณได้ยินเกมของคนอื่นและควรวิพากษ์วิจารณ์มัน”

ก่อนเริ่มชั้นเรียน นักเรียนต้องจินตนาการเสมอว่าข้อความนี้หรือข้อนั้นของงานที่กำลังศึกษาหรือองค์ประกอบโดยรวมควรออกมาเป็นอย่างไร การเริ่มทำงานโดยตรงหลังเครื่องมือ โดยข้ามขั้นตอนนี้ "ก็เหมือนกับการเริ่มต้นสร้างบ้านโดยไม่ต้องมีโครงการ" เพื่อให้นักเรียนสามารถจินตนาการถึงเสียงของงานได้ ขอแนะนำให้เล่นชิ้นนั้นในบทเรียนและร่วมกับเด็กวิเคราะห์ธรรมชาติของแต่ละส่วนและองค์ประกอบทั้งหมดว่าในที่สุด นักเรียนจะต้องดำเนินการ

ในการทำงานอิสระ "การสื่อสาร" อย่างต่อเนื่องกับข้อความของเนื้อหาที่ศึกษาเป็นสิ่งสำคัญมาก ศึกษาข้อความดนตรี นักเรียนค่อย ๆ เข้าใจธรรมชาติ เนื้อหา และรูปแบบของงาน การวิเคราะห์โน้ตดนตรีของชิ้นงานส่วนใหญ่จะกำหนดแนวทางการทำงานต่อไป

จีจี Neuhaus เขียนว่า:“ ฉันแนะนำให้นักเรียนศึกษางาน, โน้ตดนตรี, ในฐานะผู้ควบคุมวงศึกษาคะแนน - ไม่เพียง แต่โดยรวม แต่ยังอยู่ในรายละเอียด, แยกองค์ประกอบออกเป็นส่วนประกอบ - โครงสร้างฮาร์มอนิก, โพลีโฟนิก, มุมมองแยก สิ่งสำคัญ - ตัวอย่างเช่นแนวไพเราะ "ผู้เยาว์" - ตัวอย่างเช่นการบรรเลง ... นักเรียนเริ่มเข้าใจว่า "รายละเอียด" แต่ละรายการมีความหมายตรรกะความหมายที่เป็นอินทรีย์ "อนุภาคของทั้งหมด" .

ข้อสังเกตที่น่าสนใจของ A.B. Goldenweiser เกี่ยวกับการทำสำเนาข้อความดนตรี เขาเขียนว่า: “คุณสมบัติทั่วไปของคนจำนวนมากที่เล่นเปียโน ตั้งแต่นักเรียนโรงเรียนดนตรีไปจนถึงนักเปียโนที่เป็นผู้ใหญ่ที่แสดงบนเวที คือการที่พวกเขาจดบันทึกด้วยความแม่นยำอย่างมากในการเขียนและลบออกด้วยความคลาดเคลื่อนแบบเดียวกัน และไม่สนใจที่จะศึกษาตัวบ่งชี้แบบไดนามิกของผู้เขียน

คำพูดดังกล่าวของครูที่โดดเด่นทำให้เรานึกถึงความสำคัญของการทำงานที่ถูกต้องและถี่ถ้วนในข้อความดนตรี

ควรให้ความสนใจเป็นพิเศษกับงานอิสระที่มีระเบียบวินัยเป็นจังหวะ นักเรียนต้องรู้ว่าจังหวะเป็นหลักการพื้นฐานที่กำหนด การใช้ชีวิตดนตรี. หนึ่ง. Rimsky-Korsakov เน้นว่า "ดนตรีสามารถปราศจากความกลมกลืนและแม้ไม่มีทำนอง แต่ไม่เคยขาดจังหวะ"

เราดึงความสนใจของนักเรียนไปที่ความจริงจำนวนหนึ่งที่ควรจำไว้ในการทำงานเกี่ยวกับจังหวะ:

ในตอนเริ่มต้นของงานต้องวางข้อความไว้บน "ราง" ที่มีจังหวะแม่นยำไม่เช่นนั้นจะหลีกเลี่ยงความไม่แน่นอนของจังหวะ

จังหวะการเต้นของหัวใจมักจะอยู่ในมือโดยมีโน้ตน้อยกว่า “คุณต้องรู้สึกถึงความลื่นไหล จังหวะของการเคลื่อนไหวในตัวเอง และเมื่อรู้สึกได้เท่านั้น ก็เริ่มแสดงผลงานได้ ไม่เช่นนั้นในตอนแรกคุณจะได้รับชุดเสียงที่วุ่นวายและไม่ใช่ไลน์สด” - Goldenweiser A.;

จังหวะแฝดไม่ควรเปลี่ยนเป็นจังหวะประ และจังหวะที่ประเป็นจังหวะแฝด

ควรจำคำแนะนำที่ชาญฉลาดของ E. Petri: "เล่นตอนจบของเนื้อเรื่องราวกับว่าคุณต้องการทำ ritenuto จากนั้นมันจะออกมาในจังหวะที่แน่นอน" - ความเร่งรีบเป็นที่ยอมรับไม่ได้ในจุดสุดยอด

การหยุดชั่วคราวไม่ใช่การหยุดของเสียงเสมอไป อาจหมายถึงความเงียบ การหายใจล่าช้าและกระวนกระวายใจ ฯลฯ จังหวะชีวิตของมันขึ้นอยู่กับธรรมชาติของงานเสมอ โครงสร้างเป็นรูปเป็นร่าง ระยะเวลาของการพักผ่อนมักจะนานกว่าระยะเวลาของบันทึกย่อที่คล้ายคลึงกัน

ตัวบ่งชี้แบบไดนามิกควรพิจารณาด้วยความสามัคคีตามธรรมชาติด้วยวิธีการแสดงออกอื่น ๆ (จังหวะ พื้นผิว ความกลมกลืน ฯลฯ ) ซึ่งจะช่วยให้เข้าใจและเจาะลึกเนื้อหาที่เป็นรูปเป็นร่างและความหมายของดนตรีได้ดียิ่งขึ้น

ต้องจำไว้ว่าพื้นฐานของการแสดงออกแบบไดนามิกนั้นไม่ใช่ความแรงของเสียง (ดัง, นุ่ม) แต่เป็นอัตราส่วนของความแรง โดยทั่วไปคือไม่สามารถแสดงความแตกต่างระหว่าง p และ pp, f และ ff ในเด็กบางคน f และ p มีเสียงอยู่ที่ไหนสักแห่งในระนาบเดียวกัน จึงเกิดความหมองคล้ำ ไร้ประสิทธิภาพ เอ็น. เมดเนอร์เน้นย้ำถึงความสำคัญของอัตราส่วนความแรงของเสียงว่า “การสูญเสียเปียโนคือการสูญเสียมือขวาและในทางกลับกัน! หลีกเลี่ยงเสียงเฉื่อย mezzo forte เป็นอาการของความอ่อนแอและการสูญเสียการควบคุมเสียง

เมื่อจำงานด้วยใจ จำเป็นต้องเล่นช้าๆ เพื่อหลีกเลี่ยงปัญหาทางเทคนิคที่เบี่ยงเบนความสนใจจากเป้าหมายหลัก ทุกขณะหนึ่งต้องเรียนรู้ด้วยใจไม่ใช่สิ่งที่ยาก แต่สิ่งที่ง่าย และเพื่อให้ง่ายควรเรียนรู้อย่างช้าๆ จำเป็นต้องเรียนรู้ด้วยใจว่าสิ่งใดที่จิตสำนึกสามารถเข้าใจได้อย่างสมบูรณ์และไม่มีอุปสรรค ไม่ว่าในกรณีใดงานด้านเทคนิคสามารถดำเนินการตามหมายเหตุได้ ในการเอาชนะปัญหาทางเทคนิค บางครั้งการจดจำการได้ยินและนิ้วก็มีบทบาทชี้ขาด

หากปราศจากความรู้เพียงพอเกี่ยวกับข้อความของงาน เราไม่ควร "เชื่อมโยง" อารมณ์ เนื่องจากคุณจะไม่ได้อะไรนอกจาก "ผลิตภัณฑ์กึ่งสำเร็จรูป" ดั้งเดิม "ร่างด้วยความรู้สึก"

การเตรียมตัวสำหรับคอนเสิร์ต แม้แต่ละครซ้ำก็ต้องดำเนินการตามหมายเหตุ การฝึกอบรมประเภทนี้จะช่วยให้คุณขจัดความไม่ถูกต้องและความประมาทเลินเล่อที่งานได้รับเมื่อเวลาผ่านไป และค้นพบและสัมผัส "ลมหายใจ" ใหม่ของภาพลักษณ์ทางดนตรี

ต้องจำไว้ว่ามันเป็นไปได้ที่จะทำผลงานได้ไม่ดีโดยบังเอิญ แต่มันเป็นไปไม่ได้ที่จะเล่นให้ดีโดยบังเอิญ มันเรียกร้องให้มีการพัฒนาตนเองอย่างต่อเนื่อง

บ่อยครั้งในช่วงก่อนคอนเสิร์ตมีคำถามเกิดขึ้นต่อหน้านักเรียน: ควรมีการควบคุมตนเองอย่างเข้มงวดบนเวทีหรือไม่? แน่นอนว่าจำเป็นต้องมีการควบคุมตนเองบนเวที แต่ลักษณะของมันควรจะ "ควบคุม" มากกว่าและเป็นแนวทางในดนตรี

ดังนั้นเราจึงได้พิจารณาเงื่อนไขหลักที่นำไปสู่การพัฒนาทักษะการทำงานอิสระของนักเรียนในชั้นเรียนเครื่องมือ

การก่อตัวของทักษะการทำงานอิสระของนักเรียน

เมื่อทำงานเพลง

โดยใช้ตัวอย่างเพลง เราสามารถแสดงให้เห็นว่านักเรียนสามารถพัฒนาทักษะการทำงานที่เป็นอิสระได้อย่างไร

เราเลือกงานที่สอดคล้องกับความสามารถของนักเรียน ระดับข้อมูลดนตรีของเขา และแน่นอน เพื่อให้เด็กชอบ สำหรับนักเรียนทุกประเภท การเลือกละครมีบทบาทสำคัญ จำเป็นต้องเลือกบทละครที่ใกล้เคียงกับพวกเขาในจิตวิญญาณ กระตุ้นความสนใจและความปรารถนาที่จะเชี่ยวชาญ

จำเป็นต้องเล่นบทนี้เพื่อให้นักเรียนเข้าใจว่าควรฟังอย่างไร ร่วมกับนักเรียนทำแผนตามที่เขาจะทำงานที่บ้าน แผนนี้จะเป็นเครื่องมือสนับสนุนในการพัฒนาความเป็นอิสระในการบ้านของนักเรียน ในการเริ่มต้น นี่คือแผนงานทั่วไป:

กำหนดโทนสี ขนาด สัญญาณการดู เทคนิคการเล่น ไดนามิก จังหวะ และข้อกำหนดลักษณะเฉพาะ

ค้นหาส่วนต่างๆ ว่ามีกี่ส่วน แบ่งแต่ละส่วนออกเป็นประโยคและวลี

กำหนดแนวไพเราะ, คลอ;

ดูนิ้วและค้นหาความสะดวกสบายหากไม่ได้อยู่ในบันทึกย่อ - วางของคุณเอง

เริ่มแยกวิเคราะห์ด้วยคะแนนดัง ๆ อย่างช้าๆ ขณะพยายามสังเกตจังหวะและการใช้นิ้ว:

ควบคุมคุณภาพเสียงอย่างต่อเนื่อง ฟังเกมของคุณตลอดเวลา ฝึกการควบคุมตนเอง

เมื่อเล่นข้อความอย่างมั่นใจ - คุณสามารถเชื่อมโยงไดนามิก อารมณ์ ภาพ ทำงานกับจังหวะ;

เริ่มเรียนรู้ด้วยใจและเตรียมพร้อมสำหรับการแสดง

เงื่อนไขสำหรับการทำงานอิสระที่ประสบความสำเร็จที่บ้านคือความเฉพาะเจาะจงของงานในบทเรียน

หากนักเรียนยังเล็กและยากสำหรับเขาที่จะครอบคลุมงานจำนวนมาก คุณสามารถตั้งค่างานอิสระเล็กน้อย เช่น คุณสามารถตั้งค่างานโดยใช้นิ้ว หรือแบ่งงานเป็นวลีหรือประโยค เป็นต้น

การบ้านควรทำในเวลาเดียวกันเมื่อทำได้ หากนักเรียนอยู่ใน โรงเรียนการศึกษาทั่วไปในกะแรกแนะนำให้ฝึกเครื่องดนตรีทันทีหลังเลิกเรียนก่อนทำการบ้าน ชั้นเรียนในเวลาเดียวกันพัฒนานิสัยของร่างกายแนะนำจังหวะบางอย่างในกิจวัตรประจำวันของนักเรียน

ควรอุทิศเวลาให้กับการศึกษาด้วยตนเองมากแค่ไหน? ขึ้นอยู่กับอายุของนักเรียนข้อมูลทางกายภาพของเขา ควรหลีกเลี่ยงแรงดันไฟเกิน จำเป็นต้องหยุดพักเพื่อฟื้นฟูสุขภาพร่างกาย

“หัวหน้านักเรียนไม่ใช่ภาชนะที่จะเติม แต่เป็นตะเกียงที่ต้องจุด” นักปราชญ์โบราณกล่าว

การสร้างระบบการบ้านเป็นกระบวนการที่มีชีวิตและยืดหยุ่น ซึ่งต้องใช้ทัศนคติที่สร้างสรรค์อย่างแท้จริง ระบบการบ้านของนักกีตาร์ควรมีองค์ประกอบดังต่อไปนี้:

แบบฝึกหัดสำหรับการแสดง;

งานด้านเทคนิคทั่วไป

ทำงานบนวัสดุศิลปะ

ทำงานกับวัสดุเพิ่มเติม

การอ่านสายตา การเลือกท่วงทำนองและดนตรีประกอบด้วยหู

การบ้านในแต่ละวันที่ซับซ้อนควรแตกต่างกันออกไป

การพัฒนาความเป็นอิสระทางดนตรีและการแสดง

ความสมบูรณ์ประสิทธิผลในการบ้านของนักเรียนแต่ละคนจะรู้สึกได้ก็ต่อเมื่อเขามีองค์ประกอบเช่นความมุ่งมั่นของชั้นเรียนการแสดงความเป็นอิสระความสามารถในการควบคุมตัวเองความสนใจในการทำงานความเข้มข้นของความสนใจและหากรวมเข้าด้วยกันแล้วการมีส่วนร่วมอย่างแข็งขันของ จิตสำนึกในการทำงานของนักเรียน

การพัฒนาความเป็นอิสระทางดนตรีและการแสดงของนักเรียนเป็นงานหลักของครู นักวิจารณ์ที่ยอดเยี่ยมอีกคน G.A. Laroche เขียนว่า: "งานที่สำคัญที่สุดของโรงเรียนคือการปลุกเร้าและชี้นำความเป็นอิสระของนักเรียนอย่างชาญฉลาด" นักไวโอลินชาวรัสเซียผู้โด่งดัง L.F. Lvov ในงานของเขา "คำแนะนำสำหรับผู้เริ่มต้นเล่นไวโอลิน" เขียนว่า: "เป็นหน้าที่ของครูในการแสดงวิธีที่สะดวกที่สุดในการบรรลุเป้าหมาย แต่นักเรียนต้องไปด้วยตัวเอง"

ความเป็นอิสระทางดนตรีและการแสดง การควบคุมตนเอง - หมวดหมู่ดังกล่าวเกิดขึ้นบนพื้นฐานของความคิดริเริ่มสร้างสรรค์ของนักเรียนเท่านั้น

เพื่อปลุกความคิดริเริ่มสร้างสรรค์ของนักเรียน จำเป็นต้องให้นักเรียนเห็นเป้าหมายที่ชัดเจนที่ครูตั้งไว้สำหรับเขา เพื่อให้ครูกำหนดช่วงของงานโดยเฉพาะ งานที่เข้าใจได้ชัดเจนรองรับการวิเคราะห์การกระทำของนักเรียน การค้นหาวิธีการและเทคนิคในการแก้ปัญหาเหล่านี้ได้ดีขึ้น กล่าวคือ สิ่งเหล่านี้เป็นจุดเริ่มต้นของการพัฒนาความเป็นอิสระเชิงสร้างสรรค์ของนักเรียน L. Auer ในงาน "My Violin School" ให้คำแนะนำ: "ฟังการแสดงของคุณเอง เล่นวลีหรือข้อความ วิธีทางที่แตกต่างทำการเปลี่ยนภาพ เปลี่ยนการแสดงออก เล่นดังขึ้นและเงียบขึ้นจนกว่าคุณจะพบการตีความที่เป็นธรรมชาติ ไปจากสัญชาตญาณของคุณเองในขณะที่ถูกชี้นำจากผู้อื่น

ในกระบวนการทำงานดนตรี ในบางช่วง ความเชื่อมโยงที่จำเป็นเกิดขึ้นระหว่างการแทนการได้ยินและความรู้สึกของกล้ามเนื้อ และด้วยเหตุนี้ทักษะยนต์ ในช่วงเวลาของการทำงานนี้ ความสามารถของนักเรียนในการควบคุมตนเองและความคิดสร้างสรรค์จะแย่ลงไปอีก โดยพื้นฐานแล้ว นักเรียนจะจำทักษะที่เขาได้รับและนำไปใช้ขณะศึกษาเนื้อหาด้านดนตรีก่อนหน้านี้ "สัมภาระ" นี้ยังไม่ค่อยดีนัก แต่ความดื้อรั้นของทักษะมีบทบาทสำคัญในการได้รับประสบการณ์ในการทำงานอิสระ สิ่งที่มีค่าที่สุดไม่ใช่ข้อเสนอของตัวเลือกที่ศึกษาแล้วซึ่งนักเรียนจำได้มากนัก แต่ข้อเสนอของเขาเองเพิ่งคิดค้นขึ้นจากการเตรียมตัวสำหรับบทเรียนของตัวเลือกต่างๆ มันเป็นช่วงเวลาที่มีความสุขอย่างยิ่งที่เป็นพื้นฐานของความคิดสร้างสรรค์ของนักเรียน พวกเขาหล่อหลอมเขา ความคิดสร้างสรรค์. แน่นอนว่านักเรียนต้องได้รับการสอนให้วิเคราะห์งานดนตรีที่กำลังทำอย่างอิสระ ในตอนแรกนักเรียนพยายามพูดถึงข้อบกพร่องของเขาในการแสดงชิ้นใดชิ้นหนึ่งอย่างขี้ขลาด แต่ในอนาคตหากใช้วิธีนี้จากบทเรียนหนึ่งไปยังอีกบทเรียนหนึ่ง นักเรียนจะฟังเกมของเขาได้ดีขึ้น วิเคราะห์มัน และความต้องการของเขาสำหรับคุณภาพของเกมจะบังคับให้เขามองหาวิธีการใหม่ วิธีการ วิธีการแก้ไข ข้อบกพร่องและบรรลุเป้าหมายสูงสุดของประสิทธิภาพการทำงานที่มีคุณภาพสูง

“ฟังวิธีการเล่นของคุณ”, “คุณชอบวลีนี้ที่คุณเล่นตอนนี้หรือไม่? ไม่ชอบอะไร?” - คำถามดังกล่าวของครูควรคงที่ในบทเรียนพิเศษกับนักเรียน

จุดสำคัญสำหรับงานอิสระเพิ่มเติมของนักเรียนคือการสรุปผลของแต่ละบทเรียน หากนักเรียนเข้าใจผลงานในชั้นเรียนในแต่ละบทเรียนอย่างถูกต้อง แสดงให้เห็นอย่างชัดเจนถึงเป้าหมายและวัตถุประสงค์ วิธีการและเทคนิคในการเรียนรู้เนื้อหาอย่างเชี่ยวชาญ สิ่งนี้จะช่วยให้การบ้านของเขาง่ายขึ้น และทำให้นักเรียนพัฒนาเร็วขึ้น หลังจากจบชั้นเรียนที่บ้านแล้ว นักเรียนควรเล่นโน้ตที่ศึกษาและจดจำคำแนะนำทั้งหมดของครูราวกับว่ากำลังเรียนบทเรียนสุดท้าย วิธีนี้กระตุ้นการควบคุมตนเองและความจำของนักเรียน ช่วยให้วางแผนการบ้านได้ดีขึ้น

บทสรุป.

สิ่งสำคัญคือกิจกรรมของครูจะกระตุ้นกิจกรรมของนักเรียนเอง: ถ้านักเรียนไม่โต้ตอบอย่างสร้างสรรค์ ภารกิจแรกของครูคือการปลุกกิจกรรมของเขา สอนให้เขาค้นหาและกำหนดงานการแสดงสำหรับตัวเอง

ในที่สุดเมื่อเด็กเชี่ยวชาญทักษะเหล่านี้พวกเขาจะช่วยเขาในการเตรียมตัวสำหรับการสอบซึ่งคุณต้องแสดงงานที่เรียนรู้ด้วยตนเองซึ่งไม่รวมความช่วยเหลือจากครู

บทเรียนควรจัดเตรียมให้นักเรียนมีความคิดที่ชัดเจนเกี่ยวกับวิธีการที่เขาควรใช้ในขั้นตอนนี้ในการเล่นละคร ในหลายกรณี - แต่ไม่เสมอไป - จำเป็นที่งานที่เพิ่งตั้งค่าใหม่จะต้องได้รับการแก้ไขบางส่วนในบทเรียนด้วยความช่วยเหลือจากครู: จากนั้นนักเรียนก็จะทำงานอิสระต่อไปได้ง่ายขึ้น บ่อยครั้งที่บทเรียนควรเป็นแบบอย่างของงานอิสระที่ตามมาของนักเรียน เป็นเรื่องที่ยอมรับไม่ได้โดยเด็ดขาดสำหรับบทเรียนที่จะแทนที่งานอิสระ เพื่อที่จะเป็นการทำซ้ำและรวบรวมสิ่งที่ประสบความสำเร็จไปแล้วในบทเรียนเท่านั้น ถ้าตอนเริ่มงานละคร เป็นที่ชัดเจนว่านักเรียนเข้าใจงานที่เขาเผชิญอยู่อย่างชัดเจน ก็ควรปล่อยให้เขาทำงานที่บ้านต่อไปด้วยตัวเองจะดีกว่า ความช่วยเหลือด้านการสอนในห้องเรียนไม่ควรเปลี่ยนเป็น "การฝึกอบรม" ซึ่งจะระงับกิจกรรมของนักเรียน เมื่อครูแนะนำมากเกินไป ร้องเพลง นับ เล่นตาม ในกรณีนี้นักศึกษาจะเลิกเป็น บุคลิกภาพที่เป็นอิสระและเปลี่ยนเป็นเครื่องมือทางเทคนิคที่ดำเนินการตามแผนของครู

เด็กแต่ละคนมีบุคลิกลักษณะ บุคลิกภาพ ศิลปะของครูคือการทำให้นักเรียนใด ๆ กลายเป็นนักแสดงที่ยอดเยี่ยม ได้รับความสนใจอย่างต่อเนื่องใน เรียนดนตรีซึ่งสามารถอยู่ได้ตลอดชีวิต ในการทำเช่นนี้จำเป็นต้องจัดทำรูปแบบการบ้านสำหรับนักเรียนซึ่งสังเกตการสลับโรงเรียนและวิชาดนตรีเพื่อสอนให้เด็กฝึกเครื่องดนตรีทุกวัน ในช่วงเดือนแรกของการฝึกอบรม ควรมีผู้ปกครองอยู่ในบทเรียน เพื่อให้พวกเขาควบคุมการบ้านเสร็จได้ในภายหลัง ตั้งแต่ขั้นตอนแรกของการฝึกอบรม ให้คุ้นเคยกับการทำงานอิสระด้วยเครื่องมือ ปฏิบัติตามเงื่อนไขที่ถูกสุขลักษณะและสรีรวิทยาสำหรับกิจกรรมของเด็กอย่างเคร่งครัด ใช้เก้าอี้แข็งที่สะดวกสบายในระดับความสูงที่ต้องการ รองรับขาซ้ายเพื่อหลีกเลี่ยงความโค้งของกระดูกสันหลัง รักษาความเงียบระหว่างเรียน เอาใจใส่อย่างใกล้ชิดกับสภาพร่างกายและอารมณ์ของนักเรียน เข้าร่วมคอนเสิร์ตและการแข่งขันประจำปีในสถานที่กับผู้ปกครอง เพื่อสร้างความต้องการในการฟังเพลงคลาสสิกและวิเคราะห์สิ่งที่เขาได้ยินในเด็กอย่างต่อเนื่อง

ผลลัพธ์สุดท้ายของกระบวนการศึกษาที่ซับซ้อนคือการศึกษาของนักดนตรีการแสดงที่เข้าใจจุดประสงค์อันสูงส่งของศิลปะ เป็นนักแสดงที่ให้ชีวิตกับงาน ดังนั้นความรับผิดชอบของเขาที่มีต่อผู้เขียน ต่อผู้ฟัง ทำให้เขาต้องเข้าใจอย่างลึกซึ้งและสามารถแสดงความสำคัญของความคิดที่ลงทุนในงานนี้

ดังที่ลีเบอร์แมนเขียนไว้ในหนังสือ “Working on Piano Technique” ว่า “ในการทำงานต้องพากเพียรไม่ท้อถอย ไม่อดทนกับสิ่งที่ไม่ได้ผล ไม่นั่งดูเครื่องดนตรีโดยไม่คิดและคิดหาวิธีทำให้ง่ายขึ้น เพื่อเอาชนะปัญหาบางอย่าง ก่อนปัญหาทางดนตรีและทางเทคนิคจนกว่าจะได้รับการแก้ไข

ครูแต่ละคนมักจะประสบปัญหาเดียวกัน: วิธีช่วยให้นักเรียนมีความคิดของตนเองบรรลุการพัฒนาและพัฒนาทักษะทางวิชาชีพและการปฏิบัติงาน พัฒนาขอบเขตทางอารมณ์ของเด็ก ขยายขอบเขตอันไกลโพ้นทางดนตรีของเขา วิธีการปลูกฝังความพากเพียรความพากเพียรองค์กรในการทำงานโดยที่ความสำเร็จไม่สามารถทำได้ จากแต่ละบทเรียน นักเรียนต้อง "นำ" ความประทับใจกลับบ้าน ความประทับใจต้องได้รับการประมวลผลในการบ้านที่มุ่งเน้นและดูแลงานในห้องเรียนให้เป็นความรู้ ทักษะ และท้ายที่สุด ไปสู่วัฒนธรรมความงามของนักเรียน ขั้นตอนของการปฐมนิเทศและการพัฒนาทางวิชาชีพของนักเรียนตลอดจนการรักษาระดับวิชาชีพของตนอย่างอิสระนั้นเป็นไปไม่ได้หากไม่มีการบ้านเป็นประจำอย่างจริงจังและเพียงพอ มีคำพังเพยที่รู้จักกันดี: "ไม่มีอะไรจะมาจากความว่างเปล่า"

นักไวโอลินชื่อดังและผู้ควบคุมวง Charles Munsch ในเอกสาร "ฉันเป็นผู้ควบคุมวง" เขียนว่า: "การศึกษาสิบห้าปีและความสามารถตามธรรมชาติทั้งหมดยังไม่เพียงพอ ในการเป็นผู้ควบคุมวง (เช่นเดียวกับนักแสดงมืออาชีพ) คุณต้องมีงานทำ คุณต้องทำงานตั้งแต่วันแรกที่คุณข้ามธรณีประตูของเรือนกระจก (ตามที่โรงเรียนสอนดนตรีถูกเรียกในตะวันตกในศตวรรษที่ผ่านมา) จนถึงตอนเย็นเมื่อคุณหมดแรง คุณจะจัดคอนเสิร์ตครั้งสุดท้ายในชีวิตของคุณ

รายชื่อแหล่งที่ใช้

1. น.ป. มิคาอิเลนโก "วิธีการสอนเล่นกีตาร์หกสาย". เคียฟ. "หนังสือ". พ.ศ. 2546

2. ก. นอยเฮาส์ ว่าด้วยศิลปะการเล่นเปียโน

ชุดเครื่องมือ. เอ็ม มิวสิค. พ.ศ. 2531

3. ยุ.พี. Kuzin "เอบีซีของมือกีต้าร์"

4. วีเอ นาธานสัน. คำถามเกี่ยวกับการสอนดนตรี

ชุดเครื่องมือ. เอ็ม มิวสิค. พ.ศ. 2527

5. Ch. Duncan "ศิลปะการเล่นกีตาร์"

6. พ.ศ. Bessarabov "การจัดบ้านที่เปียโน"

7. เค. มาร์ตินเซ่น. "วิธีการสอนการเล่นเปียโนเป็นรายบุคคล". ม. "ดนตรี". พ.ศ. 2520

8. I. ฮอฟแมน เกมเปียโน คำตอบและคำถามในเกมเปียโน ม. 1961

9. Perelman N. "ในชั้นเรียนเปียโน"

10. A. Artobolevskaya "การพบกันครั้งแรกกับดนตรี" กวดวิชา

สำนักพิมพ์ “ผู้แต่ง. เซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก". 2005

11. อี. ลีเบอร์แมน. "เทคนิคการเล่นเปียโน"

13. Bochkarev L. "จิตวิทยาของกิจกรรมดนตรี"

14. I. เลสแมน บทความเกี่ยวกับวิธีการสอนการเล่นไวโอลิน ม. 2507

15. เค มอสทราส. "ระบบการศึกษาที่บ้านของนักไวโอลิน". ม. 1956.

16. แอล. อูเออร์. "โรงเรียนสอนไวโอลินของฉัน". ม. 1965.